Sanat ve korku. Çağdaş sanatçı için bir hayatta kalma rehberi.
Sanat
Yapımının Tehlikeleri (ve Ödülleri) Üzerine
Gözlemler
david bayles....ted orland
THEIMAGE CONTINUUM
SANTA CRUZ, CA & EUGENE. VEYA
Çağdaş sanatçı için bir
hayatta kalma rehberi
Moskova - St. Petersburg -
Nizhny Novgorod * Voronezh
Rostov-on-Don ■ Yekaterinburg
• Samara * Novosibirsk
Kiev • Kharkov • Minsk
Beile D.,
Orland T.
Sanat ve korku. Çağdaş sanatçı
için bir hayatta kalma rehberi. - St.Petersburg: Peter, 2011. - 224 s.
Bu kitap
yaratıcılık hakkındadır. Sıradan * yaratıcılık. Sanatçı olmanın nasıl bir şey
olduğunu, bazen neden vazgeçtiğimizi, hissettiklerimizle yaptıklarımız arasında
nasıl bir uçurum olduğunu ve yeteneğin gerekli olduğuna olan inancın tüm
çabalarımızı neden bu kadar engellediğini tartışıyor.
Bu kitabın
yazarları sanatçılardır, ancak tartıştıkları konular, sanat denen bir şey
yaratmaya çalışmış herkes için geçerlidir.
• Yazarların
kendileri, kitaplarının stüdyoda veya sınıfta, çömlekçi çarkı veya klavye
başında, şövale önünde veya elde kamera ile sonuca ulaşmaya çalışmanın nasıl
bir şey olduğunu söylüyorlar. ihtiyacın var
Bu kitap uzun zamandır Batı'da bir kült statüsüne sahip, ancak onu
çok farklı bir nedenle okumalısınız. Geleceğinizi nasıl kendi ellerinize
alacağınız, özgür iradeyi kaderin ve seçimi şansın önüne nasıl koyacağınızla
ilgili. Kendi yaratıcı yolunuzu bulmakla ilgilidir.
The Continuum International
Publishing Group Ltd. ile yapılan anlaşma kapsamında elde edilen yayın hakları
Her hakkı saklıdır. Bu kitabın
hiçbir bölümü, telif hakkı sahiplerinin yazılı izni olmaksızın herhangi bir
biçimde çoğaltılamaz.
Bu kitapta
yer alan bilgiler, yayıncı tarafından güvenilir olduğuna inanılan kaynaklardan
elde edilmiştir. Ancak, olası insani veya teknik hatalar göz önüne alındığında,
yayıncı sağlanan bilgilerin mutlak doğruluğunu ve eksiksizliğini garanti edemez
ve kitabın kullanımıyla ilgili olası hatalardan sorumlu değildir.
David
Bayles ve Ted Oriand Hakkında , 1993
ile
, 2001
Rusçaya
Çeviri Hakkında
LLC Yayınevi
"Piter", 2011
Rusça
C Sürümü, tasarım
LLC Yayınevi
"Piter", 2011
giriiş................................................... 8
Bölüm I
I.
sorunun özü 13
Çeşitli varsayımlar......................... 17
II. Sanat ve korku 25
Vizyon ve düzenleme ...................... 35
hayal gücü ....................................... 36
malzemeler ...................................... 41
belirsizlik ......................................... 44
III.
Kendin hakkında korku 50
bahane..............................................
51
Yetenek............................................
56
mükemmellik.................................. 60
Yok etme .......................................... 65
büyü ................................................. 69
beklentiler....................................... 72
IV.
Başkalarından korkma 76
Anlamak..........................................
79
itiraf.................................................
85
Onay ................................................. 94
kanon ............................................. 112
Bölüm II
VI.
Dış Dünya 126
Sıradan sorunlar ........................... 127
Kararların genelliği ...................... 132
Sanatın tartışmalı konuları .......... 134
Yarışma .......................................... 136
Sistemi kullanabilme .................... 143
VII.
Akademik Dünya 150
Öğretmenlerin sorunları .............. 152
Öğrenci sorunları .......................... 161
Sanat kitapları .............................. 168
VIII.
Konsept Dünyaları 176
Fikirler ve teknik .......................... 178
Zanaat ............................................ 183
yeni iş ............................................. 187
Yaratıcılık ...................................... 189
Alışkanlıklar .................................. 189
Sanat ve Bilim ............................... 195
Otomatik alıntılar ......................... 201
Metafor .......................................... 205
IX.
İnsan sesi 211
Sorular ........................................... 212
Sabitler ........................................... 215
Vox insan ....................................... 217
220. kitap hakkında.............................
John, Shannon ve Ezra
Bu kitap yaratıcılık hakkındadır. Sıradan yaratıcılık. Sıradan
yaratıcılık derken, Mozart gibi biri tarafından yaratılmamış olanı
kastediyoruz . Yine de sanat eserlerinin yazarları nadiren Mozart gibi
kişilerdir; aslında (istatistiklere göre) neredeyse hiç yok. Ve dahiler
yalnızca yüzyılda bir (ya da öylesine) para kazanma fırsatı yakalarsa, sadece
iyi sanat eserleri her zaman değerlidir. Bir insan etkinliği alanı olarak
yaratıcılık, tehlike (ve ödül) ile doludur ve inanılmaz çaba gerektirir.
Yaratıcı sürecin zorlukları aşkın bir şey değildir ve hiçbir şekilde
kahramanların ayrıcalığı değildir, aksine bu zorluklar evrenseldir ve oldukça
yaygındır.
Dolayısıyla bu kitap, kendimizi dahi olarak görmeyen bizler için.
Her iki yazarının da en çok
sanat dünyasıyla doğrudan ilişki içinde ve her geçen gün
yaratıcılığın sorunlarıyla yüzleşmek zorunda kalıyorlar. Burada sundukları
gözlemlerin sonuçları, kişisel deneyimleri tarafından belirlenir ve sadece
sanat uzmanlarından çok yaratıcı bireyler için ilgi çekici olacaktır. Bu kitap,
stüdyoda veya ofiste, çömlekçi çarkının başında veya klavyenin arkasında,
şövale önünde veya elinizde kamerayla ihtiyacınız olan sonuca ulaşmaya
çalışmanın nasıl bir şey olduğu hakkındadır. Geleceğinizi nasıl kendi
ellerinize alacağınız, özgür iradeyi kaderin ve seçimi şansın önüne nasıl
koyacağınızla ilgili. Bu, yaratıcı kakanızı bulmakla ilgili.
Yazmak kolaydır: Tek yapmanız gereken oturup
alnınızda kan damlaları belirene kadar boş bir kağıda bakmak.
Gene Fowler'
Gene Fowler (1890-1960) Amerikalı bir
gazeteci, yazar ve oyun yazarıydı. Kalemi eline almadan önce tahnitçi olarak
çalışıyordu. - Buraya ve aşağıya not edin. çeviri
Hayat kısa, sanatın yolu uzun, şans uçup gidiyor,
deneyim aldatıcı, yargılamak zor.
Hipokrat (MÖ 460-400)
T |
homurdanmak zordur. Resimleri yarım, hikayeleri yarım bırakıyoruz.
Gönlümüzün istemediği şeyler yapıyoruz. tekrar ediyoruz. Malzemeye hakim
olmadan önce dururuz veya tüm potansiyel çoktan tükenmişken, en azından ondan
bir şeyler çıkarmaya çalışmak için zaman harcarız. Çoğu zaman tamamlamadığımız
işler bize tamamladığımızdan daha gerçekçi görünür. Bu bağlamda, sorular ortaya
çıkıyor.
Sanat eserleri nasıl oluşur? Neden bu kadar sık yaratılmıyorlar?
Başlayanları durduran zorlukların doğası nedir?
Bu sorular sonsuz gibi görünse de bugün gerçekten özel bir ilgiyi
hak ediyorlar. Belki de bir mağara duvarına bir bizon çizmek, şu anda bu (veya
başka herhangi bir) cümleyi yazmaktan daha kolaydı. Başka bir yerdeki ve başka
bir zamandaki diğer insanların güvenilir referans noktaları vardı: kilise,
klan, ritüeller, gelenekler. Tanrı'ya hizmet eden sanatçıların, kendilerine
hizmet edenlere göre mesleklerinden daha az şüphe duyduklarını hayal etmek
kolaydır.
Bugünlerde her şey farklı. Neredeyse hiç kimse desteklendiğini
hissetmiyor. Modern sanatın herkesin onu anlayacağına dair bir garantisi
yoktur: duvardaki bizon başkasının büyüsüdür. Bugün yaratıcılık, belirsizliğe
rağmen bir çalışma, şüpheler ve çelişkilerle dolu bir hayat, kimsenin
umursamadığı, belki de seyirci bulamayacak ve ödüller kazanamayacak bir şeyin
yaratılmasıdır. İstediğini yapmak istiyorsan, bu şüpheleri bırakmalısın. Neyi
başarmayı başardığınızı ve sonra şimdiden - sonra nereye gideceğinizi anlamanız
gerekir. Sevdiğiniz şeyi yapmak istiyorsanız, çalışma sürecinde beslenmeyi
bulmalısınız. İnanç, Hakikat ve Kesinlik Çağı sona erdi.
Tüm bunlarla birlikte, söyleyecek bir şeyin olduğundan emin olman,
yaratıcılık hakkında hakim olan bir yargıya rastlıyor: Sanat yeteneğe dayanıyor
ve yetenek, bazılarına tesadüfen verilen, bazılarına verilmeyen bir hediye.
Basitçe söylemek gerekirse: büyük sanat bir dehanın eseridir, iyi sanat yarı
dahinin ürünüdür (Nabokov bunu "yarım içki" ile bir tuttu [1]) vb.
Böyle bir görüş, adil de olsa kadercilik kokuyor ve sanat
yaratabilenleri hiçbir şekilde teşvik etmiyor. Kişisel olarak Konrad'ın
görüşlerini paylaşıyoruz.[2] bir
tür korku olarak kadercilik üzerine - kaderinizin sizin elinizde olduğu, ancak
ellerinizin zayıf olduğu korkusu.
Elbette yetenek - kader, şans ve talihsizlik bir yana - insan
kaderinde önemli bir rol oynar, ancak mükemmelliğe giden yolda günlük
çalışmalarda güvenilir bir araç olarak kabul edilmesi pek mümkün değildir.
Günlük yaşamda (aslında bizim için mevcut olan tek kişi), alanınızda önemli
ilerlemeler elde etmek için, insan doğası hakkında size güven verecek (ve
sorumlu tutumun yükünü hafifletecek) birkaç varsayımı dikkate almanız gerekir.
iş). Bazılarına hemen hakim olunmalı...
Yaratıcılık
aynı zamanda
ustalaşılabilen
bir beceridir .
bir zanaatın öğrenilebileceği kabul
edilirken , sanat yalnızca tanrılar tarafından bahşedilen bir tür
armağan olarak kalır. Bu yanlış. Büyük ölçüde, bir sanatçının gelişimi,
bireyselliğini esere getiren kendini kabul etme becerisini kazanmasından ve
emeğinin meyvelerini özel kılan iç sesi duyma becerisinden oluşur. Kuşkusuz, bu
başkalarından öğrenilebilir . Zaman geçtikçe, yetenekli işleri uzun sıkı
çalışmanın sonucundan ayırt etmek genellikle zordur. Gerçek şu ki, bu kitabın
yazarları, ilk yıllarında Ansel Adams'a yakışır fotoğraflar çeken fotoğrafçılık
öğrencileriyle düzenli olarak tanışıyorlar [3].
Ayrıca, doğal
yetenekliliğin (özellikle öğrenmenin kırılgan ilk aşamalarında) ona sahip
olanlara gerçekten ilham verdiği de doğrudur. Ancak tüm bunların yaratıcılığın
özüyle hiçbir ilgisi yoktur. Aksine, çoğumuzun (Adams'ın kendisi dahil!)
sanatımızı mükemmelleştirmek için yıllarca çalışmak zorunda olduğumuz gerçeğine
işaret ediyor.
sıradan
insanlar tarafından yaratılır .
Yaratıcı rolünde yalnızca erdemlere sahip
olanları hayal etmek zor. Meryem Ana'nın manzaraları resmettiğini hayal etmek
zor. Ya da tencere yakan Batman. Kusursuz yaratıklar yaratma ihtiyacı
hissetmezler. Ve genel olarak, ideal sanatçı bir efsaneden başka bir şey
değildir. Sanat sıradan insanlar tarafından yaratılıyorsa, o zaman ideal
sanatçının tüm bu karakteristik niteliklerle sıradan bir insan olabileceği
kabul edilmelidir. Bu önemli bir ipucudur, işi bitirmemize engel olan kusur ve
zaaflarımızın da erdeme dönüşebileceğini düşündürür. Şu veya bu zorluğun
üstesinden gelmeyi başardığımızda, zaten bize göründüğü gibi çalışmaya devam
edebiliriz, devam etmelidir.
Sanat eseri yaratmak ve
üzerinde düşünmek
bambaşka şeyler .
Aklı başında bir insan, o an yapabileceğinin en iyisinin o anda
yapabileceğinin en iyisi olduğu gerçeğinden oldukça memnundur. Böyle bir
inanca, çoğumuzda sahip olsaydık, bu kitabı gereksiz, yanlış ya da her ikisini
birden yapardık. Ne yazık ki böyle bir sağduyu nadirdir. Yaratıcılığa
kaçınılmaz olarak, yaratmak istediğiniz şey ile sonunda elde ettiğiniz şey
arasında bir uçurumun açıldığına dair hoş olmayan bir his eşlik eder. Özünde,
yaratıcı süreç kendinizle ilgili yeni bir şey ortaya çıkarmazsa, sizin için
anlamlı olan bir şey yaratmak imkansızdır. Siz hariç tüm izleyiciler için sonuç
önemlidir: bitmiş bir sanat eseri. Siz ve yalnızca siz, sürecin kendisinden
daha önemlisiniz. Seyircinin tavrı sizin tavrınız değildir (her ne kadar
onların pozisyonunu almak tehlikeli derecede kolay olsa da). İzleyicinin görevi
sanattan ilham almak, onunla eğlenmek, hatta ondan kazanç sağlamaktır. Sizinki,
yaratıcı süreciniz üzerinde çalışmayı öğrenmek.
Sanatçı için bu gerçek, tanıdık ve tahmin
edilebilir sonucu bir kez daha doğruluyor: yaratıcılık, yalnız ve nankör bir
görevdir. Hemen hemen tüm sanatçılar, kimsenin umursamadığı bir şey yaratmak
için biraz zaman harcar (ve bazıları neredeyse tamamını). Kaçınılmaz görünüyor.
Ama nedense -belki de nefsi müdafaa için- bu tepkisizliği idealize etmeyi
severler, genellikle kendilerini olayların gerçek doğasını başkaları görmeden
çok önce bilen bir kahraman olarak hayal ederler.
Romantik ama yanlış. Ayıltıcı gerçek şu ki, başkalarının
ilgisizliğinin görüş farklılığıyla hiçbir ilgisi yok. Başkalarının herhangi bir
sanatçının eserinin çoğunluğuyla ilgilenmesi için hiçbir neden yok .
Yazılarınızın çoğunun amacı, size yazarlarını yücelten birkaç tanesini nasıl
yaratacağınızı öğretmektir. Her sanatçı için en önemli ve zor derslerden biri, başarısızlığın
bile önemli olduğunu anlamaktır. Ünlü tabloların röntgen çalışmaları, büyük
sanatçıların bile bazen çalışmalarında ciddi değişiklikler yaptıklarını (veya
gerçekten aptalca hataları düzelttiklerini), hala ıslak tuvalleri yeniden
boyadıklarını göstermiştir. Sonuç olarak, eserleri yarattıkça nasıl
yaratacağınızı öğreniyorsunuz ve süreçten çıkan pek çok şey asla bitmiş
eserler haline gelmeyecek. Yapabileceğiniz en iyi şey, önemsediğiniz sanat
yaratmaktır. Ve mümkün olduğunca!
Gerisi azim ile ilgili. Elbette, ünlü
olduğunuzda, koleksiyonerler ve akademisyenler akın akın sizi incelemek için
acele edecekler ve en eski çalışmalarınızı bile parlak ilan edecekler. Ancak o
doruk noktasına ulaşana kadar, emeklerinizin meyveleriyle gerçekten ilgilenen
insanlar, yalnızca sizinle kişisel olarak ilgilenen kişilerdir.
Etrafınızdakiler yaratıcılığa ihtiyacınız olduğunu bilir. Dehaları nedeniyle
değil, sadece sizin iyiliğiniz için kreasyonlarınıza her zaman ilgi
gösterecekler - ve bunun için sevdikleriniz içten minnettarlığı hak ediyor. Ama
sizi ne kadar sevseler de, dünyanın geri kalanı gibi onlar da sizin ustalık
eğitiminizle ilgilenmezler.
Sanat eserleri,
sanat kuruluşundan çok daha önce ortaya
çıktı .
yaratıcı faaliyetlerde bulunduklarını
varsaymadılar . Bu oldukça anlaşılır bir durumdur, çünkü sanat, bir kişinin
kendini bir kişi olarak fark etmesinden çok daha erken, "Ben"
zamirinin ortaya çıkmasından çok önce ortaya çıktı. Mağara sanatçıları
kendilerini sanatçı olarak görmedikleri gibi kendilerini hiç düşünmemiş
olabilirler.
Bununla birlikte, bir "kendini ifade
etme" yolu olarak modern sanat kavramı, modern düşüncemizin özellikleriyle
bağlantılıdır, artık sanatçıyı bir aracı olarak görmez. Sanatın zanaattan
ayrılması daha çok rönesans sonrası bir kavramdır, hatta daha yeni olan,
sanatın yaptıklarınızı aştığı ve kim olduğunuzu yansıttığı fikridir. Geçtiğimiz
birkaç yüzyıl boyunca Batı sanatı, geleneksel dini temalara sahip imzasız
resimlerden bir bireyin kozmolojisini temsil etmeye doğru ilerledi. "Sanatçı"
zaten (her sanatçının bildiği gibi) çoğu zaman pek çok eksikliği olan özel bir
kimlik biçimidir.
kov, kaç tane ve esası.
Düşünün: Bir sanatçı sanatıyla özdeşleşiyorsa, o zaman herhangi bir başarısız
yaratım (ki bu kaçınılmazdır) sizi kusurlu bir insan yapar ve (daha da kötüsü)
yaratmadığınızda, bir kişi olarak hiç tanınmazsınız! Böyle bir akıl yürütmenin
kısır döngüsünden sıyrılmak ve başarılı yaratıcılığa giden birçok yol olduğunu
kabul etmek çok daha mantıklı görünüyor.--------------
münzevi ve herkes tarafından görülebilir,
sezgisel ve bilinçli, geleneksel ve Novagorsk. Bu yollardan biri sizindir.
Çalışmama korkusu, çalışma korkusunu yenene kadar
sanatçı oturmaz çalışmaya.
Stephen de Stebler'
T |
Kendilerini
yaratıcılığa adamak isteyenler için önce kendinden öncekilerin kaderini
düşünmekte fayda var: Sanat yoluna başlayanların çoğu sonunda bu fikirden
vazgeçti. Bir dahinin trajedisi. Daha da kötüsü,
1 Stephen de
Stebler (1933 doğumlu) Amerikalı bir heykeltıraş. Dokuz yaşında çizdiği
resimlerden Francis of Assisi'nin yazılarının bir baskısının çevirisine kadar
eserlerinde her şeyi kullandığı için eleştirmenler ona "çöp"
lakabını taktılar.
kaçınılmaz bir trajedi. Yine de, devam eden
sanatçılar ve kendilerine olan inancını yitirmiş sanatçılar, uçsuz bucaksız
ortak duygular içinde bir arada var olurlar ve dışarıdan bakıldığında neredeyse
ayırt edilemezler. Hepimizin üzerine periyodik olarak bir yığın sıradan zorluk
yığılır. Bir kişi, kural olarak, onları güvenli bir şekilde yaşar, ancak
yaratıcı süreç için bazıları ölümcül olabilir. Bir sanatçı olarak size zarar
vermeden zorlukların üstesinden gelebilmek için bu zorluklarla yüzleşmelisiniz.
Temelde sanat yapmaya devam edenler “devam etmeyi”, daha doğrusu “bırakmamayı”
öğrenmiş kişilerdir.
Merakla, sanatçıların işlerini bırakmak için her
zaman sayısız nedenleri olmasına rağmen, yine de bunun için bazı özel anları
seçerler. Sanatçılar, bir sonraki eserlerinin başarısız olmaya mahkum
olduğuna inandıklarında işi bırakırlar. Yine de sanatçılar çalışmalarının
amacını yitirdiklerinde vazgeçerler.
Hemen hemen tüm sanatçılar bunu yaşıyor. Bir
sonraki eserinizin başarısız olacağından endişe etmek, yaratıcı döngünün
normal, tekrarlayan ve genellikle sağlıklı bir parçasıdır. Bu her adımda olur:
yeni bir fikre odaklanırsınız, üzerinde ince ayarlar yaparsınız, bir süre
onunla oynarsınız, sonra üretkenliğiniz düşer ve sonunda bunun çabaya
değmeyeceğine karar verirsiniz. Yazarların bile böyle bir ifadesi vardır -
"kalem kurudu" ve her sanat dalında muadilleri vardır. Bu normal bir
yaratıcı süreçse, böyle bir durgunluk, tam bir dönüş yaptığınız ve yeni bir
fikir edinme zamanının geldiği noktaya geri döndüğünüz anlamına gelir. Ama
sanatçının ölmesi durumunda böyle bir durum sonuncusu olabilir , bir
sanatçı olarak size ne oluyor? Bir fikir uyduruyorsun ve işe yaramadığı anda
fırçanı bırakıyorsun... ve otuz yıl sonra bir fincan kahve içerken birine evet,
çok daha gençken çizmek istediğimi itiraf ediyorsun. "Çık" temelde
"dur"dan farklıdır. İkincisi her zaman olur. Ve bırakmak bir kez ve
herkes içindir. Vazgeçmek yeniden başlamamak demektir ve sanat özünde yeni
başlangıçlardır.
Tüm sanatçılarda ortak olan ikinci hakikat anı,
yapıtlarının amacının birdenbire elinden kayıp gittiği an gelir. Deneyimli
zanaatkarlar için, böyle bir an genellikle - belirttiğimiz gibi, aksi nadiren
olur - hedefe ulaşılmasıyla çakışır. Ortak bir arkadaşımızın yirmi
yıllık tek arzusu, yaşadığı şehrin ana galerisinde bir kişisel sergi açmaktı.
Sonunda anladı. Ve sonra tek bir ciddi iş yaratmadı. Bu tür hikayelerde belli
bir ironi var: Başarının kolayca ve sıklıkla durgunluğa dönüştüğünü keşfetmek
ne kadar acı. Böyle bir kaderden kaçınarak, şu anda peşinde olduğunuz hedefin
tek kalmaması için bir şeyler yapmalısınız. Bireysel sanatta bu, bazı hilelerin
ve çözülmemiş sorunların gelecek için ertelenmesi ve daha sonraki çalışmalarda
kullanılması gerektiği anlamına gelir. Daha büyük hedeflere gelince (bir
monografi veya büyük bir sergi gibi), bir sonraki hedefiniz için her zaman
yanınızda bir çeşit tohum kristali bulundurmalısınız. Sağlık riskleri olan
birkaç sanattan biriyle (dans gibi) ilgileniyorsanız, yaş veya yaralanma
sevdiğiniz şeyi yapmanızı imkansız kılıyorsa, alternatif sanat biçimlerini
aklınızda bulundurmanız bile faydalı olabilir.
Sanat okulları öğrencileri için amaç kaybı farklı
bir adla karşımıza çıkıyor: diploma almak. Herhangi bir öğrenciye sorun:
Mezuniyet sergisinin seleflerinden kaç tanesi için sonuncusu olduğu ortaya
çıktı? The Critique'de bir makale, bir sanatçının biyografisinin ilk beş
yılının tek hedefi olduğunda, bu hedefe ulaşıldığında okulu bırakma oranının
artması şaşırtıcı değildir. Amerikalı sanat öğrencilerinin yüzde doksan sekizi
mezun olduktan sonraki beş yıl içinde muayenehaneden ayrılırsa, bunu bir Senato
komitesi soruşturması takip ederdi, ancak bu , erken profesyonel ölüme mahkum
olan sanat mezunlarının oranıdır . Birdenbire çalışmalarına artık
bakılmadığını, sergilenmediğini, tartışılmadığını, teşvik edilmediğini fark
eden pek çok insan sanat yapmaya devam etmez. Yapabildin mi?
Şaşırtıcı bir şekilde,
öğrenimleri sırasında sanatı bırakanların yüzdesi o kadar yüksek değil ve asıl
sorun, gelecekte herhangi bir destek sisteminin olmaması. Ve dış dünyanın böyle
bir desteği sağlamakla pek ilgilenmediği için, bu görev sanatçıların omuzlarına
düşüyor. Sonuç olarak, aşağıdaki strateji ortaya çıkar:
Talimat. Sanatla önceden nasıl
"bağlanmaz"
a) sizin gibi
sanatla ilişkili olanlarla arkadaş olun, şu anda üzerinde çalıştığınız
projeleri daha sık tartışın;
b) Modern Sanat
Müzesi'ni işiniz için bir varış noktası olarak hayal etmektense, a) noktasını
gerçekleştirmeye daha fazla zaman ayırmayı öğrenin. (Şu açıdan bakın: her şey
yolunda giderse, Modern Sanat Müzesi beni avlamaya son verecek.)
Yaratma arzusu erken ortaya çıkar. En küçüklerde teşvik ediliyor
(en azından yasaklanmıyor, zararsız görülüyor), ama “ciddi” bir eğitim insanı
hem hayallere hem de fantezilere veda ettiriyor. (Evet, yazarlar, ebeveynleri sanatla
zaman kaybetmeyi bırakmak, "aksi takdirde, lanet olsun, eğitim
masraflarınızı kendiniz ödemek" isteyen bu tür öğrencileri tanıyorlar .)
Ama birinin ne olursa olsun bir arzusu vardır ve er ya da geç kendini yeniden
duyurur. . Sebepler açık: sanatı - güzel, etkileyici, heyecan verici - yapma
arzusu, kendinizi algılamanızın ayrılmaz bir parçasıdır. Yaşam ve Sanat bir kez
birleştikten sonra kısa sürede birbirinden ayrılamaz hale gelebilir: doksan
yaşında Frank Lloyd Wright [4]hâlâ
tasarım yapıyordu, Imogen Cunningham [5]hâlâ fotoğraf çekiyordu,
Stravinsky müzik yazıyordu ve Picasso resim yapıyordu.
Ama eğer yaratıcılık
içsel benliğinize anlam veriyorsa, tam tersi, ya hiç sanat yapamayacağınız ya
da düzgün bir şekilde sanat yapamayacağınız ya da tekrar sanat yapamayacağınız
ya da gerçek bir sanatçı olmadığınız ya da gerçek bir sanatçı olmadığınız
korkusudur. İyi bir sanatçı olmadığınızı, yeteneğinizin olmadığını veya
söyleyecek hiçbir şeyinizin olmadığını. Sanatçıyı eserinden ayıran çizgi en iyi
ihtimalle incedir, ancak sanatçının kendisi için böyle bir çizgi hiç yoktur (ki
bu oldukça doğaldır). Yaratıcılık bazen tehlikeli görünebilir, öyle görünüyor
ki sizi ifşa edebilir. Yaratıcılık gerçekten tehlikelidir ve gerçekten
ifşa eder. Yaratıcılık, kendinden şüphe duymayı uyandırır, ne olmak
istediğinizi çok iyi bildiğinizde, ancak tamamen farklı biri olacağınızdan
korktuğunuzda zaten zor olan durumu ağırlaştırır. Birçoğu için bu, işe
başlamaya çalışmaktan tamamen vazgeçmek için yeterlidir - ve işe başlayanlar
için sorunlar uzun sürmeyecek. Gerçekten de birçok şüphe var.
Yana
bir sanatçı - Ben bir sanatçı gibi davranıyorum.
Değerli bir şey
söyleyemem Ne yaptığımdan emin değilim Diğerleri benden daha iyi
Ben
sadece [öğrenci/fizgsk/anne/her neyse]
Asla
gerçek bir sergim olmayacak
kimse
benim işimi anlamıyor kimse benim işimi sevmiyor ben bir hiçim
Nesnel olarak, bu korkular bir sanat insanı kadar
sanatı etkilemez. Daha da az bireysel çalışmayı etkilerler. Ne de olsa,
yaratıcı olduğunuzda, en iyi becerilerinizi sizi en çok ilgilendiren
materyallere ve fikirlere odaklarsınız. Sanat yüksek bir çağrıdır; ama korkular
tahmin edilemez. Öngörülemez, sinsi, yıkıcıdırlar - dikkat edin, kendilerini
tembellik, işi son dakikaya erteleme geleneği, malzemelerden veya çevreden
memnuniyetsizlik, diğer insanların başarılarından kaynaklanan rahatsızlık -
yani müdahale eden her şey olarak gizleyebilirler. kendinizi tamamen çalışmaya
adarsınız. Bir sanatçı ile eski bir sanatçı arasındaki fark budur: korkularını
yenenler devam eder, yenemeyenler bırakır. Yaratıcı sürecin her adımı bir
uygunluk testidir.
Geriye baktığınızda ve geleceğe baktığınızda korkular kendini
hissettirir. Bir felaket düşüncelerine yatkınsanız, o zaman, bitmemiş bir
tuvalin önünde donup kaldığınızda, aynı derecede onu bitiremeyeceğinizden ve
bitirseniz bile hayır kimse anlamayacak.
Çok daha sık olarak, korkular, vizyonun somutlaştırmanın
ilerisinde olduğu belirli (ve seyrek olmayan) anlarda ortaya çıkar. Örneğin,
bir zamanlar ustadan piyano çalmayı öğrenmeye başlayan genç bir öğrencinin
-parmakla göstermeyelim ama o David Beile idi- öyküsünü ele alalım. Birkaç ay
süren derslerden sonra David öğretmene şikayet etti: "Kafamda
parmaklarımla çalabildiğimden çok daha mükemmel bir müzik duyuyorum." Buna
Usta cevap verdi: "Peki bunun değişeceğini sana düşündüren nedir?"
Bu yüzden bu tür
insanlara Üstatlar denir. David'in kendinden şüphe duyma şikayeti sadece bir
gerçek ifadesine dönüştürüldüğünde, şüphenin değerli bir varlık olduğu
kanıtlandı. Buradan alınacak ders: vizyon her zaman uygulamanın önünde midir?
“Olması gereken bu . Vizyon, Şüphe ve Malzeme Bilgisi, her sanatçının
hesaba katması ve iyi bilmesi gereken bir kaçınılmazlıktır: vizyon her zaman
uygulamanın önündedir, malzeme bilgisi sizin gerçeklikle bağlantınızdır, şüphe
yalnızca sizin yararınızadır.
Bir görevi üstlendiğinizde, ana rolleri oynayan hayal gücüdür.
Yaratıcılığınızın potansiyeli bir daha asla, ilk fırça darbesinin uygulandığı,
ilk akorun vurulduğu o büyülü andan daha büyük olmayacak. Ancak iş güçlenirken,
hayal gücünün yerini yavaş yavaş teknik ve el becerisi alıyor ve şimdi giderek
daha az kullanışlı bir araç olduğu ortaya çıkıyor. İş ivme kazanıyor ve
benzersiz özellikler kazanıyor. Herman Melville "Bana İsmail Deyin"
satırını yazdığı anda, "Moby Dick" adlı bir roman, bir dizi başka fikirden
doğmaya başladı [6]. Devam
etti... beş yüzden fazla sayfa boyunca böyle devam etti. Sonraki her ifade, bir
dereceye kadar öncekilerin tümünü güçlendirmeli ve onlarla bir bağlantı
kurmalıdır. Joan Didi çok doğru bir şekilde (kendine özgü
karamsarlığıyla) bu konuda şunları söyledi: “En zor olan ilk cümle, ondan
kaçamazsınız . [7]Diğer her
şey ondan akmalıdır. Ve ilk iki cümleyi kurduktan sonra başka seçenek
kalmıyor.
Bu, tüm sanat formları için geçerlidir: boş bir
tuval üzerindeki ilk birkaç fırça darbesi, birçok potansiyel tabloya karşılık
gelirken, sonuncusu yalnızca buna uygundur. - ve başka değil.
Tasarlanmış bir işten gerçek bir işe geçiş, olasılıkların azalan bir
ilerlemesidir, çünkü her adım gelecekteki seçenekleri daraltır ve hayata bir
-ve yalnızca bir- olasılık getirir. Sonunda iş artık başka olamaz ve
tamamlanır.
Son an, kaçınılmaz olarak bir yoksunluk anına
dönüşür - tasarlanan çalışmanın alabileceği diğer tüm biçimlerden yoksunluk.
Paradoks şu ki, yarattığınız iş her zaman hayal ettiğinizin, hayal
edebileceğinizin veya hayal etmek üzere olduğunuz şeyin bir adım gerisinde
kalıyor. Yirminci yüzyılda gerçek bir rönesans adamı olan tasarımcı Charles
Ames [8],
çabalarının yalnızca yüzde birini bir tasarım yaratmaya ayırmayı başardığını ,
geri kalan doksan dokuzunu ise proje geliştikçe harcandığını ve böylece mümkün
olduğunca doğru olun . fikri yalayın. Şaşırtıcı değil. Ne de olsa hayal
gücünüz, yapabileceğiniz - ve belki de bir gün gerçekleştirebileceğiniz -
yüzlerce proje çizmek için özgürdür ; ama bugün değil, bu işte değil. Bugün
çalışabileceğiniz her şey tam önünüzde. Senin görevin hayal gücünü
olabildiğince geliştirmek.
Bitmiş iş, aslında, hayal
gücünün düzenlemeyle nasıl bir ilişkisi olduğunun bir testidir. Çarpıcı bir
şekilde, uyumluluğun önündeki en yaygın engel, performansta profesyonellik
eksikliği değil, hayal gücünde profesyonellik eksikliğidir. Malzemenin gerçekte
olduğundan daha esnek olduğuna, fikirlerin daha çekici ve uygulamanın daha mükemmel
olduğuna inanarak işe başlamanın cazibesi büyüktür. Stanley Kunitz'in bir
keresinde belirttiği gibi [9],
"Kafadaki bir şiir her zaman kusursuzdur. Sorun, onu kelimelere
dönüştürmeye çalıştığınızda başlar." Doğru, çoğu sanatçı harika bir sanat
eseri yaratmayı hayal etmez, onu yaratmayı hayal eder . Hangi yaratıcı, kusursuz
bir betimleme, kaba bir eskiz, bir negatif ya da bir melodi yaratarak
hararetli bir zevk yaşamamıştır ki ... o zaman kafasını duvara vurup bu baştan
çıkarıcı ipucunu bitmiş bir fresk, roman, fotoğraf, sonata dönüştürebilsin. .
Sanatta hayat, yavaş aktığı için değil, sanatçıya göre içindeki her şeyin hızlı
gelişmesi gerektiği için hayal kırıklığı yaratıyor.
Malzemeler tıpkı eskiz gibi potansiyelleriyle
bizi baştan çıkarıyor. Kağıdın dokusu, boyanın kokusu, taşın ağırlığı bize
başarı vaat ediyor ve hayal gücümüzü harekete geçiriyor. İyi malzemeler
umutları güçlendirir ve olasılıkları genişletir. Ve bunun iyi bir nedeni var:
Bazıları o kadar esnek ve duyarlı ki, sanatçılar binlerce yıldır onlara
yöneliyor ve kesinlikle gelecekte onlarla çalışmaktan yorulmayacaklar. Bazı
sanat insanları için, belli bir malzeme ya da çalgı ile kurulan bağ, sanki
sanatçıyla bizzat kendileri diyaloga giriyormuşçasına, son derece kişisel bir
niteliğe sahiptir. Pablo Casals'ın çocukken [10]çello sesini ilk duyduğunda
bunun kendi enstrümanı olduğunu nasıl anladığına dair bir efsane var.
Ancak olasılıkların yanı sıra, herhangi bir
malzemenin de sınırlamaları vardır. Mürekkep yayılma eğilimindedir, ancak
herhangi bir yüzeye değil, kil bir şekli tutmaya hazırdır, ancak herhangi bir
şekli asla tutmaz. Çevreler ne olursa olsun, aktif katılımınız olmadan
potansiyel sadece bir fırsat olarak kalacaktır. Aslında malzemeler temel
parçacıklardır, yüklüdürler ancak kayıtsızdırlar. Fantezilerinizi kendi
başlarına gerçekleştiremezler, herhangi bir dürtüden yoksun bir arzuya etkili
bir yanıt olmayacaktır. Gerçek şu ki, hem malzemeler hem de aletler, tam olarak
ellerinizin onlara yaptırdığı şeyi yapıyor. Boya tam olarak uyguladığınız yerde
durur; yazdığınız sözler her zaman yazmanız gereken ya da yazacaklarınız değil,
kağıda dökülenlerdir. Ben Shahn'ın sözleriyle [11], "boş bir tuvalin önünde
duran sanatçı, resim diliyle düşünmelidir."
Yaratıcılıkta önemli
olan, fikirlerinizin malzemelerin özelliklerine gerçek karşılığıdır. Bu
nedenle, çalışmanız sırasında olanlardan sonuçlar çıkarmayı öğrenmelisiniz -
malzemelerin nasıl davrandığı, esnekliklerinin (ve dirençlerinin) size yeni
fikirler vermesi. Önemli ve gerekli ve en sıradan değişiklikler. Sanat hayata
getiriyor ve malzeme hayata getirilebilecek her şey. Çünkü gerçekten
varlar, güvenilirler.
Aslında malzemeler ve araçlar, size bağlı olan yaratıcı sürecin
sadece küçük bir kısmıdır. Ve diğer her şey... eh, koşullar her zaman ideal
olmaktan uzaktır: gerekli bilgi nadiren bulunur, önemli veriler sürekli olarak
eksiktir ve mali durumda istikrar yoktur. Ne yaparsanız yapın, tam olarak ne
söyleyeceğinize dair havada bir belirsizlik var; malzemelerin uygun olup
olmadığı ve aletlerin iyi seçilmiş olup olmadığı; işin ölçeği ne olmalı; en
azından yaptıklarınızın bir kısmından kendinizin tatmin olup
olmayacağınız . Bir keresinde, bir konferansta, fotoğrafçı Jerry Welsman 1
bir yıl boyunca tamamladığı eksiksiz bir slayt koleksiyonu gösterdi;
Yüzden fazla fotoğrafı (seçtiği on fotoğraf hariç) yetersiz buldu ve onları
imha etti, asla yayınlamadı. Tolstoy, Daktilolardan Önceki Çağ'da, Savaş ve
Barış'ı sekiz kez yeniden yazdı ve kitap nihayet baskıya girene kadar düzeltme
okumayı bırakmadı [12]. William
Kennedy, Lethe romanını sekiz kez yeniden yazdığını kahramanca itiraf etti [13]: “Yedi
kez işe yaramadı. Altı kez özellikle değersiz olduğu ortaya çıktı. Yedincide
oldukça iyi çalıştı, sonuçta buna çok uzun süre gittim. Sonra oğlum, romanım
gibi altı yaşındaydı ve ağırlıkları da aşağı yukarı aynıydı.
Genel olarak, bu normal bir durumdur. Ve bitmiş
haliyle bize standart görünen sanat eseri, daha önce tamamen çökmesinden sadece
birkaç santimetre veya saniye uzakta olabilirdi. Lincoln, Gettysburg'da söyleyeceklerini
ifade edebileceğinden şüpheliydi [14]ama sebat
etti, elinden gelenin en iyisini yaptı ve amacına ulaştı. Ve bu sanattaki her
şeyde böyledir. Sanki nasıl bitireceğini bilmeden bir cümleye başlıyorsun.
Cümlenin sonuna gelmeme riskiniz var elbette ama bitirseniz bile boş bir cümle
olduğu ortaya çıkabilir. Belki hitabet için en uygun metafor değil ama diğer
tüm yaratıcılıklar için mükemmel bir şekilde uyuyor.
Sanat yaptığınızda, hem işin kendisinin hem de
malzemelerin kendilerini cesurca ifade edebilmeleri için bir miktar boşluk
kalması çok önemlidir. Sanat, sizinle bir şey -bir tema, bir fikir, bir teknik-
arasında doğar ve siz ve o bir şey serbestçe hareket edebilmelidir.
Örneğin birçok yazar olay örgüsünü ayrıntılı bir şekilde geliştirmenin beyhude
bir çaba olduğunu hemen fark eder, çünkü kitap yazılırken karakterler kendi
hayatlarını yaşamaya başlarlar, bazen o kadar ki, sözleri ve eylemleri yazarı
hayrete düşürür. potansiyel olandan daha okuyucu. Lawrence Larrell, [15]süreci bir
sınır direği kurmaya benzetti: Bir direk kuruyorsunuz, elli yarda ileri
koşuyorsunuz [16], bir tane
daha koyuyorsunuz ve çok geçmeden yolun nereye gideceğini anlıyorsunuz. E. M.
Forster, A Trip to India'ya başlar başlamaz [17]Malabar sahilindeki mağaraların
romanda önemli bir rol oynayacağını zaten bildiğini, orada önemli bir şeyin
mutlaka olacağını bildiğini, ancak tam olarak ne olduğunu bilmediğini
hatırladı. .
Yani kontrol çözüm değil. Hayatta güvene ihtiyaç
duyan insanlar nadiren sanat yapmaya başlar. Ne de olsa bu iş riskli ve zordur,
yok edebilir, öngörülemez, tüm düşünceleri meşgul eder ve kendiliğinden olur.
En önemli şey, ne için uğraştığınıza dair en genel fikir, yani bunu başarmanıza
izin veren belirli bir strateji ve ayrıca yol boyunca karşılaşacağınız hatalara
ve sürprizlere karşı mutlak bir hazırlıktır. Yaratıcılığın başarısı şansa
bağlıdır ve öngörülebilirlik onun için kötü bir arkadaştır. Ancak belirsizlik,
yaratma arzunuzun gerekli, kaçınılmaz ve her yerde bulunan bir arkadaşıdır. Bu
yüzden belirsizliğe tahammül etmek başarıya giden ilk adımdır.
Bir düşmanla karşılaştık ve o düşman biziz!
Zıpla x
İÇİNDE |
önünde hızla akan bir
nehrin uçsuz bucaksız genişliği var. Deneyimsiz Kürekçi, yüzeyini bölen tek bir
taştan kaçınmak için gergin bir şekilde manevra yapıyor, her iki tarafında da
eşit bir şekilde yıkanmış ölü bir nokta var.
1 Pogo Pogo, Walt Kelly
(1913-1973) tarafından yaratılmış bir çizgi film ve çizgi roman karakteridir.
Pogo hakkındaki hikayeler, sosyal ve politik hiciv üzerine kuruludur ve yine de
büyüleyici karakterler (insan özelliklerine sahip sevimli hayvanlar) hem
yetişkin kamuoyuna hem de çocuklara aşık olmuştur.
akış. Kıyıdan izliyorsunuz. Kürekçi sola döner.
Sağa alır. Ve kayaya çarpıyor. Korkular tarafından yönlendirildiğinizde,
korkular gerçeğe dönüşür.
Yaratıcılıkla ilgili
korkular iki türe ayrılır: kendinizle ilgili korkular ve başkalarının sizi
nasıl kabul edeceğiyle ilgili korkular. Genel olarak, kendinizle ilgili korku
sizi en iyi işinizi yaratmaktan alıkoyar ve başkalarının sizi nasıl
kabul edeceğinden korkmak da işinizi yaratmaktan alıkoyar . Her iki
korku türü de, bazılarına aşina olabileceğiniz birçok biçimde gelir. Bazılarını
düşünelim.
Sadece bir sanatçı gibi davrandığınız korkusu,
kendi diplomalarınıza ve diplomalarınıza güvenmemenin oldukça öngörülebilir bir
sonucudur. Sonunda, başkalarından ödünç aldığınız özellikler bir yana, işinizde
bir şans unsuru olduğunu sizden daha iyi kim bilebilir (bazıları işinizde
istemeden olsa bile, yine de seyirciler tarafından fark edilir). Bir sanatçıyla
karıştırıldığınızı düşünmeden önce uzun sürmez, çünkü sadece bir sanatçı gibi
davranıyorsunuz. Gerçek sanatçıların ne yaptıklarını bildiklerini ve
sizin aksinize sadece kendileri ve sanatları hakkında iyi bir fikre sahip olmak
zorunda olduklarını hayal etmek kolaydır . Gerçek bir sanatçı olmadığınızdan
korkarak işinizi küçümsüyorsunuz.
İşler yolunda gitmediğinde, mutlu bir şans
gelmediğinde ve sezgiler başarısız olduğunda uçurum daha da genişler. Sanatın
istisnai insanlar tarafından yaratıldığı görüşünü paylaşıyorsanız, durgunluk
dönemleri sizin olmadığınızı bir kez daha kanıtlıyor gibi görünüyor .
İstikrarlı bir iş için her şeyden vazgeçmeden
önce, yaratıcılığınızın dinamiklerini düşünün. Hem bir sanat eserinin
yaratılması hem de üzerinde tefekkür edilmesi sürekli olarak enerji harcaması
gerektirir - çok büyük enerji harcaması. Zayıflık anlarında, sanatsal doğanın
münhasırlığı efsanesi, hem yaratmaya çalışmaktan vazgeçmeye karar veren sanatçı
için hem de belirli bir iş için kafa yormaktan vazgeçen izleyici için bir
bahane işlevi görür.
Bu arada, kariyerlerine henüz son vermemiş sanatçılar genellikle
her adımı en ince ayrıntısına kadar düşünmeye başlar ve bu çok üzücüdür.
Belirsizliğiniz büyük bir soruna yol açabilir, bu nedenle sezgisel olarak
(hatta keyfi olarak) çalışmayı deneyin ve zihniniz, eğer isterse, bu eylemlerin
sonuçlarını daha iyi değerlendirmesine izin verin. Düşünümsel sanatın -kendini
bir konu olarak gören "sanat sanat içindir"- yaygın kullanımı ,
sanatçıların bu tür güçlükleri kendi lehlerine çevirme çabalarını kısmen
gösterir. [18]Sanat için
sanat, buna karşılık, sanatçıların eserleri aracılığıyla bir an için sanatı
"yeniden tanımladıklarına" ilişkin genel olarak doğru (ancak bir
uyarı olmadan değil) varsayımına dayanan ayrı bir sanat tarihi ekolünün ortaya
çıkmasına neden oldu. Bu yaklaşım “sanat nedir?” sorusunu ön plana çıkarır. -
makul, ciddi ve hatta hasta olarak görülüyor - ama " sanat yapmak ne
anlama geliyor ?" sorusu hiç de dertli görünmüyor.
Burada bariz bir dengesizlik var. Bir düşünün:
İnsanlar "satrancın ne olduğunu" sürekli olarak yeniden tanımlasalardı,
en hafif tabirle utanç verici olurdu. Evet, kendinizi başkalarının sahip olduğu
birkaç basit hareketle sınırlayarak her zaman biraz oynayabilirsiniz. Ancak
satrancın ne olduğunu tam olarak anlamadığınız için gerçek bir satranç
oyuncusu olmadığınız ve taşları yeniden düzenleyerek sadece bir komedi
oynadığınız sonucuna varma riski vardır. Derinlerde, yenilmeyi hak ettiğinizi
bile hissedebilirsiniz. Hatta yönetim kuruluna veda edin. Satranç söz konusu
olduğunda böyle bir senaryo abartılı görünüyorsa, sanat söz konusu olduğunda
acı verecek kadar gerçekçidir.
Ama sadece bir sanatçı gibi davrandığınızı hissedebiliyorsanız,
sanat yapıyormuş gibi davranamazsınız. Devam edin, sadece bir hikaye yazıyormuş
gibi yaparken bir hikaye yazmayı deneyin. gerçek dışı. Elbette çalışmanızın
sonucu galeri sahiplerinin sergilemek istediği veya yayıncıların yayınlamak
istediği sonuç olmayabilir ve bu tamamen farklı bir soru. (Diğer şeylerin yanı
sıra) pek iyi olmayan pek çok şey yaratarak, iyi olmayanları ve size ait olmayanları
yavaş yavaş ayıklayarak iyi bir iş üretirsiniz. Buna geri bildirim denir, bu
vizyonunuzu bilmenin en doğrudan yoludur. Buna "kendi işine bak" da
denir. Ve genel olarak, sonuçta
O halde Atpo, bu belirli
işle meşgul olmalı ve bu kişi, büyük olasılıkla sizsiniz.
Yetenek, halk dilinde "kolayca başarılan" anlamına
gelir. Bu nedenle, er ya da geç kendinizi işin kolay olmadığı bir durumda
bulursunuz ve ... aha! ״egtg-g korktun!
Boşuna. Tanım gereği, sahip olduğunuz her şey, en iyi eserinizi
yaratmak için tam olarak ihtiyacınız olan şeydir. Başka hiçbir şey, belki de
“Ne kadar yetenekliyim?” gibi deneyimler kadar enerji tüketmiyor, belki de acı
çekmenin en yaygın nedeni budur. Tanınmış sanatçılar arasında bile.
Yetenek, eğer bu kadar önemliyse, bir armağandır, herhangi bir
sanatçının eserinde mevcut olandan başka bir şey değildir. Fikir yeni değil:
Platon, sanatın, çalışma sırasında sanatçı "aklının ötesine"
geçtiğinde (gerçek anlamda filozofa göre) kendini gösteren ilahi bir armağan
olduğunu savundu. Ama Tanrı'ya şükür, Platon bizim bölgemizdeki tek düşünür
değil; onun hükmü Delphic kehanetine, zihinsel engelli dahilere ve bazı TV
vaizlerine mükemmel bir şekilde uyuyor, ancak gerçek gerçeklerin çoğuyla
bağdaştırmak zor.
Yeteneğin bir ön koşul olarak mevcut olduğu yerde, sanat eseri
daha iyi ve daha kolay yaratılır. Ama ne yazık ki, kader nadiren bu kadar
cömerttir. Olgun vizyonu hızlı ve pürüzsüz bir şekilde şekillenen bir sanatçı için,
sanatı verimli ve kurak dönemlerden, yanlış başlangıçlardan ve kırılmalardan,
yön, araç ve temalardaki kademeli ve sert değişikliklerden uzun süredir evrilen
sayısız sanatçı var. Bazıları için yetenek bir başlangıç bloğudur, ancak
gezinme yeteneği olmadan, çabalamaya değer bir hedef olmadan, çok az değer
taşır. Dünya, harika, bazen inanılmaz derecede bariz bir yeteneğe sahip olan
ama hiçbir şey yaratmamış insanlarla dolu.
Ve yeteneklerinin farkına varırlarsa, dünya kısa
sürede burada bir yetenek olup olmadığını umursamaz.
Sadece yeteneğe
güvenirseniz, bunu sabit olarak kabul ederseniz, daha fazla gelişmek için çaba
göstermeyin, iyi bir durumda bile, hızla zirveye ulaşma ve ardından karanlığa
kaybolma tehlikesi vardır. Dahiler örnekleri yalnızca bu gerçeği doğrular.
Gazeteler, resitaller çalan beş yaşındaki müzik yeteneklerinin hikayelerini
basmayı sever, ancak bunlardan birinin nasıl Mozart olduğu hakkında sık sık
okumazsınız. Ne de olsa, orijinal yeteneğine rağmen, Mozart her zaman sanatı
üzerinde sürekli çalışan ve böylece gelişen bir sanatçıydı. Bunu göz önünde
bulundurarak, hepimizin onunla biraz ortak noktamız var. Sanatçılar, tanıdık
becerileri uyguladıklarında veya yenilerini edindiklerinde büyürler. Yaratıcı
olmayı öğrendiklerinde ve yaratıcılıklarından öğrendiklerinde büyürler .
Kendilerini tamamen hayatlarının işine verirler ve davranışlarını buna göre
belirlerler. Ve "Bu neden bana kolay gelmiyor?" Sizin için kolay mı
yoksa zor mu diye eziyet etmek yerine, yaptığınız şey hakkında daha iyi düşünün.
itirazları tahmin etmeye (hatta etkisiz
hale getirmeye)
çalışacakları
küçük bir lirik ara söz
Soru: İnsanların değişen derecelerde yetenekli olduğu gerçeğini
görmezden mi geliyorsunuz?
Cevap.* Hayır.
Soru: Ama eğer insanlar farklıysa ve her biri en iyi işini yaratmak
için doğmuşsa, bu daha yetenekli olanın daha az yetenekli olandan daha mükemmel
yapacağı anlamına gelmez mi?
Cevap: Evet. Böyle bir dünyada yaşamak harika olmaz
mıydı?
Yetenek bir tuzak ve
aldatmacadır. Nihayetinde, yetenekle ilgili sorular şu şekilde özetlenebilir:
kimin umurunda? Kim anlıyor? O neyi değiştirir? Ve işte cevaplar: hiç kimse.
Hiç kimse. Hiç bir şey.
Çömlekçilik öğretmeni daha ilk derste sınıfa iki gruba
ayırmayı planladığını duyurdu . Stüdyonun sol tarafındaki öğrencilerin
yalnızca yapılan iş miktarına göre değerlendirileceğini , sağdaki
öğrencilerin ise kaliteye göre değerlendirileceğini söyledi. Prosedür
basitti. Sınıfın son gününde, öğretmen bir yer ölçeği getirdi ve
"niceliksel" grubun çalışmalarını tarttı: elli poundluk çömlek
"mükemmel", kırk pound "dört" vb. "Kaliteli"
grubun "A" almak için yalnızca bir potu tamamlaması gerekiyordu - ama
kusursuz -. Sertifikasyonun sonunda ilginç bir gerçek ortaya çıktı: en yüksek
kalitede tüm eserler "niceliksel" gruptaki öğrencilerin
çalışmalarıydı. Öyle görünüyor ki
"nicelik" grubu, kapları özenle "pggumd" - ve
hatalarından ders aldı - "nitel" grup, kusursuzluk teması üzerine
düşüncelere daldı ve sonunda, gösterişli teoriler ve bir yığın ölü kilden biraz
daha fazlasını elde etti.
İyi bir işin harika bir işle eş anlamlı olduğunu düşünüyorsanız,
bazı ciddi sorunlara hazır olun. Sanat insandır, hata insandır; bu nedenle sanat
bir yanılsamadır. Çalışmanız (aynı zamanda önceki tasım gibi) her zaman bazı
kusurlara sahip olacaktır. Neden? Çünkü siz bir insansınız ve nasıl
doğduklarına bakılmaksızın sadece insanlar sanat yaratırlar. Kusurların
olmasaydı kim olacağın görülecek, ama kesinlikle bizden biri değil.
Yine de, bazı sanatçılar (birçoğu eski sanatçı dahil), sanat
yaratmanın kusursuz eserler yaratmayı içerdiğine inanmaya devam ediyor; böyle
bir durumda mevcut sanat eserlerinin çoğunun statüsü sorgulanır, dikkate
alınmaz. Aslında, karşıt ilke daha çok gerçek gibi görünüyor: kusur, sanatın
yalnızca ortak bir bileşeni değil, aynı zamanda büyük olasılıkla onun ayrılmaz
bir parçasıdır. Ansel Adams, kesinliği mükemmellikle asla bir tutmadı, sık sık
"mükemmel iyinin düşmanıdır" eski aforizmasını hatırlıyordu ve
ayrıca, manzaradaki her şeyin kesinlikle doğru olduğu ortaya çıkana kadar
bekleseydi, o zaman kesinlikle yapmayacağına ikna olmuştu. herhangi bir şey.
bir fotoğraf.
Adams haklıydı: mükemmellik için çabalamak, kendi
üzerinde yaratıcı felce davet etmek demektir. Bu bir kalıptır: Az önce yarattığınız
şeyde bir kusur bulduğunuzda rotanızı kusursuzca yapabileceğinizi düşündüğünüz
bir şeye değiştirirsiniz. Daha önce hiç olmadığı kadar, zaten iyi bildiğiniz
şeylere sadıksınız - her türlü riskten ve her türlü araştırmadan ve gelecekte,
muhtemelen sevdiğiniz şeylerden uzak. Gecikmek için sebepler buluyorsun: Çalışmadığın
zaman hata yapmıyorsun. Bir sanat eserinin kusursuz olması gerektiğinden
bir an bile şüphe duymadan, yavaş yavaş böyle bir çalışmanın size göre
olmadığına ikna oluyorsunuz. (Ve haklısın.) Er ya da geç, yapmaya çalıştığın
şeyi başarmayı bıraktığın anda "bağlanırsın". Ve - ne bir kader
hevesi! - sadece senaryonun kendisi mükemmelliğe, ideal ölüm sarmalına ulaşır:
Çabalarınızı yanlış yöne yönlendirirsiniz, durursunuz, vazgeçersiniz.
Mükemmelliği talep etmek, sıradan (ve evrensel) insani
niteliklerinizi, sanki onlarsız daha orijinal olacakmışsınız gibi, inkar
etmektir. Ancak insani nitelikler, yaratıcılığınızın ana kaynağıdır ve
mükemmeliyetçiliğiniz, tam olarak çalışmanız için gerekenleri etkisiz hale
getirir.
Tam teşekküllü yaratıcılık, mükemmelliğin
kendisinin paradoksal olarak kusurlu bir fikir olduğunun fark edilmesini
gerektirir. İlk bakışta en kusursuz matematiksel kavramların ele alınması,
Albert Einstein'ı şu sonuca götürdü: “matematik yasaları kesin kaldığı sürece,
bunların gerçekle hiçbir ilgisi yoktur; gerçeklikle ortak bir şeyleri olur
olmaz, tanımlanmayı bırakırlar [19]. Charles
Darwin'e göre, değişen bir dünyada bir nesil için mükemmel bir hayatta kalma
stratejisi olan şey, bir sonraki nesil için bir lanet haline geldiğinde evrim
fikri ortaya çıkıyor [20]. Sizin
için gelecekteki işinizin özü, şu anda yaratmakta olduğunuz şeyin kusurlarında
yatıyor. Bu kusurlar (veya bugün özellikle bu konuda moraliniz bozuksa hatalar
) , belirlemeniz veya yeniden gözden geçirmeniz gereken konularda en iyi
danışmanlarınız -paha biçilmez, güvenilir, tarafsız, eleştirel olmayan-
olacaktır . Yaratıcılığınızı içinde yaşadığımız dünyaya bağlayan ve her
ikisine de anlam veren ideal ile gerçek arasındaki bu etkileşimdir.
Çoğu sanatçı için yaratıcılıkta kısır bir dönem
ağır bir darbe anlamına gelir, ancak bazıları için bu, yok oluş anlamına gelir.
Bazı sanatçılar işleriyle o kadar özdeşleşirler ki, yaratmayı bıraktıklarında
bir hiç olacaklarından, varolmayacaklarından korkarlar . John Barthes'ın
dediği gibi, “Bu Şehrazat'ın dehşetidir, peri masalları ile hayatın kendisi
arasına kelimenin tam anlamıyla veya mecazi olarak eşit bir işaret
konulmasından kaynaklanan bir terördür. Bu metaforu özüne kadar anlıyorum [21].
Bazıları bu kendi kendine yaratılan kaostan kaçar ve şaşırtıcı
derecede üretken hale gelir, yakın arkadaşları bile şaşırtan (ve kıskanç
kardeşlerin kafasını karıştıran!) miktarda sanat eseri üretir. Sanki ele
geçirilmiş gibi tutkuyla çalışıyorlar - ve tırpanlı yaşlı kadının size
yaklaşmasını engelleyen tek şey bu olsaydı, böyle davranmaz mıydınız?
Diğerleri bunu daha az önemsemez, ancak bir ırkı değil, bir iş
yaklaşımını seçerler: sanat formuyla ilgili olarak kesinlik ve katılık
olağanüstü sonuçlar elde edebilir. Anthony
Trollope'un düzenli olarak haftada kırk dokuz sayfa - günde yedi sayfa - not
aldığı ve bu kuralı o kadar katı bir şekilde uyguladığı biliniyor [22]ki, sabah
bir roman bitirirse, hemen bir sonraki kitabın başlığını çıkardı ve çalıştı.
günlük harçlığınızı hesaplayana kadar yorulmadan . Yazarlar , sanatta
imhanın klasik bir örneği olan Brett Weston'ın evinde her biri altı aydan eski
olmayan on iki veya daha fazla fotoğraftan oluşan kalıcı bir sergiyi onlarca
yıldır sürdürdüğünü görmüşler ve bunu doğrulayabilirler .[23]
Ve yine de, belki de işi askıya alamamaktan daha kötü bir kader
yoktur. Yok olmaktan korkan bir sanatçı, eylem ve varlık arasında çok
az ayrım yapabilir, ama aslında bu, aşırıya kaçmanın imkansız olduğu
durumlarda geçerlidir. Yok olma korkusu varoluşsal bir korkudur: Sanat yapmayı
bıraktığınızda bir parçanızın öleceğine dair yaygın ama düpedüz abartılı bir
korku. Ve bu ■doğru. Yaratıcı olmayan insanlar bunu fark etmeyebilir,
ancak sanatçılar (özellikle yanlış yapanlar) bunu çok iyi anlarlar. Yaratıcılığa
olan ihtiyacınız ne kadar yüksekse, sanat yapmayı bırakırsanız riskiniz de o
kadar yüksek olur.
Amatörler, iyimserler ve aptallar arasında, bir
noktada ünlü sanatçıların artık eleştirinin acıtmadığı ve tüm fikirlerin hiçbir
çaba sarf etmeden gerçekleştiği bir tür Elysium'a girdiğine dair bir efsane
vardır.
Mark Matusek'
Karanlık bir tiyatro sahnesinde smokinli bir adam
elini sallar ve bir güvercin belirir. Biz buna sihir diyoruz. Sanatçı bol güneş
alan stüdyoda el sallıyor
1 Mark Matusek (d. 1957) birkaç
yıl ciddi bir şekilde İngiliz edebiyatı okudu, ardından Reuters'te serbest
muhabir olarak çalıştı, Andy Warhol'un Interviev dergisinde serbest
düzeltmen olarak çalıştı ve ardından kıdemli bir editör ve uzun metrajlı
yazar oldu. Budizm'e döndü ve uzun süre serbest gazeteci olarak çalıştı.
Yazdığı ilk kitap otobiyografisi Sex idi. Ölüm. Enlightenment (1996) hemen
dünyanın en çok satanlar listesine girdi. 2000 yılında Rusçaya çevrildi. bir
fırçayla ve bütün bir dünya belirir. Biz buna sanat diyoruz. Bazen fark o kadar
da belirgin değildir. Bir sergiyi yeni ziyaret ettiğinizi ve güçlü ve uyumlu,
kapsamı ve anlamı olan bir resim gördüğünüzü hayal edin. Sanatçının [24]kapının yanındaki bir
çerçevedeki ifadesi şüpheye yer bırakmaz: resim tam olarak sanatçının amaçladığı
gibi somutlaştırılmıştır. Bu sonuç kaçınılmazdı. Ama bir dakika, emeğinizin sonucu
size kaçınılmaz gelmiyor ve sonra şöyle düşünüyorsunuz: yaratıcılık için sizde
olmayan özel, hatta sihirli bir bileşen gerekli değil mi?
"Gerçek" sanatın tarif edilemez büyülü
bir bileşen içerdiği inancı, sizi çalışmanızın benzer bir şey içerdiğini
doğrulamaya zorlar. Yanlış, temelde yanlış. Çalışmanızla bir şeyi kanıtlamaya
çalışmak, kendi ölüm fermanınızı imzalamak gibidir. Ve eğer sanatçılar da
sihire inanıyorlarsa, işleri başarılı olduğunda bunun mutlu bir tesadüf
olduğunu ve başarısız olursa bunun bir alamet olduğunu kafalarına sokarlar .
Kendinizi bu tür korkularla tüketerek, karşınızda başka sanatçılar
övüldüğünde kendinizi sıradan biri gibi hissetmeye başlayacaksınız. Bu nedenle,
bir eleştirmen Nabokov'un kelime oyunu saplantısını överse,
"takıntı"yı hatasız yazamayacağınızdan endişelenmeye başlayacaksınız.
Kimsenin Christo ile karşılaştırılamayacağını söyleyecekler[25] yaratıcı sürece olan
sevgisinde ve şimdi fırça yıkamaktan her zaman nefret ettiğin için kendini
suçlu hissediyorsun. Herhangi bir sanat tarihçisi, büyük sanatın özellikle
verimli zamanları ve mekanları geçmenin sonucu olduğunu söylerse, New York'a
taşınmayı düşünmeye başlarsınız.
bir şey gerektirdiği iyi
bilinir , ancak tam olarak ne sorusunun yanıtı sürekli olarak ellerinden kayıp
gider. Bu nedenle, her sanatçının kendine ait bir şeyi olduğunu , herkes
için evrensel olmadığını varsaymak daha mantıklı olacaktır . (Belki de sanat
dünyasının yeni kral elbisesinin bir varyasyonundan başka bir şey değildir.)
Diğer sanatçıların sahip olduklarına sahip olup olmamanız bile önemli değil,
bunun için endişelenmenize gerek kalmaması önemlidir. Ellerinde ne varsa,
işleri için ona ihtiyaçları var ve zaten buna ihtiyacınız olmayacak. Onların
sihri onların sihridir. Buna ihtiyacın yok. Onun sana bir faydası yok. Onun
seninle hiçbir ilgisi yok. Nokta.
Sebep ve sonuç arasında,
kendisiyle ilgili korkular ve başkaları hakkındaki korkular arasında bir yerde
beklentiler belirir.
Serebral korteksin daha yüksek işlevleriyle
ilgili olarak (neokorteksimizin alçakgönüllülükle kendisine dediği gibi),
beklentiler, fantezinin hesaplama ile bağlantı kurmasına izin verir. Ancak bu
denge kırılgandır: Bir yanda üstünlük - ve diğer yanda kafanız
gerçekleştirilemez hayallerle dolu - ve siz hayatınız boyunca önemli şeylerin
bir listesini oluşturursunuz.
Daha da kötüsü, beklentiler çok çabuk fantezileri
dışlar. Bir yazı sempozyumunda, moderatör kahramanca tartışmayı zanaatın (henüz
çözülmemiş) sorunlarına geri getirmeye çalıştı, ancak yazarlar (henüz baskısı
yapılmamış) odağı telif hakları ve film uyarlama hakları sorularına kaydırmada
aynı derecede ısrarcıydılar. ve devam filmleri.
Gerçeğe neredeyse hiç benzemeyen, ancak ilham
veren iyimserlik, belirsiz beklentiler size işinizin yükseleceğini, kolay
geleceğini, kendi kendine gerçekleşeceğini vaat ediyor. Gerçekten birdenbire gökler
açılıyor ve iş gerçekten kendi kendine oluyor. Gerek duygusal ihtiyaçlar
gerekse harika anların umutları veya anıları nedeniyle gerçekçi olmayan
beklentilere kapılmak kolaydır . Ne yazık ki, bir yanılsamaya dayalı
beklentiler, hemen hemen her zaman bu yanılsamaların çökmesine yol açmaktadır.
Tersine, doğrudan esere dayalı beklentiler, bir
sanatçının sahip olduğu en kullanışlı araçtır. Bir sonraki iş hakkında bilmeniz
gereken her şey bir öncekinde yer alıyor. Materyalleri öğrenme fırsatı, bu
materyallerin önceki kullanımında yatmaktadır. Tekniği öğrenme fırsatı? O senin
ellerinde. Sevdiğiniz şeyle ilgili en iyi bilgi, sevdiğiniz şeyle son
temasınızdadır. Genel olarak, çalışmanız sizin rehberinizdir: eksiksiz,
kapsamlı, ayrıntılı bir alfabetik dizini ile. Bunun gibi başka bir kitap yok ve
bu sadece sana ait. Ve sadece sizin için yararlı olabilir. Çalışmanız parmak
izlerinizle kaplıdır ve parmak izlerinizin oraya nasıl ulaştığını yalnızca siz
bilirsiniz. Çalışmanız size yöntemlerinizi, disiplininizi, güçlü ve zayıf
yönlerinizi, alışılmış jestlerinizi, seçme istekliliğinizi anlatır.
Öğrenmeniz gereken dersler işinizde. Bunları
görmek için kişinin kendi işine net bir şekilde bakması yeterlidir - yargıları,
ihtiyaçları ve korkuları, arzuları ve umutları terk etmesi. Duygusal
beklentiler olmadan. İşinize neyin eksik olduğunu sorun , sizde neyin
eksik olduğunu değil. O halde korkularınıza bir son verin ve sevgi dolu bir
ebeveynin çocuğunu dinlediği gibi dinleyin.
Arkana bakma, belki takip ediliyorsundur.
Çanta Sayfası[26]
VE |
sanat genellikle yalnızlık içinde yaratılır, bizi büyüleyen
malzeme ve fikirlerle özverili bir şekilde çalıştığımız anlarda aniden ortaya
çıkar. Böyle zamanlarda başkalarına yer bırakmıyoruz. Belki de böyle olması
gerekir. Yine de sanat komitelerde nadiren yer alır.
Ancak sanatçının tepki konusunda endişelenmek
için nesnel bir nedeni olmasa da
etrafta, kural olarak hala endişeleniyor. Başkalarının değerlerini
kendi değerlerimizle karıştırdığımızda sorunlar ortaya çıkar. Sürekli olarak
gerçek ve hayali eleştirmenlerle çevriliyiz - bir ses uğultusu: bazıları bir
şeyler hatırlıyor, diğerleri bir şeyler kehanet ediyor ve herkes yaptığımız her
şey hakkında yorum yapmaya can atıyor. Toplumun yaratıcı süreç hakkındaki genel
fikirleri bile onu zayıflatan bir iç çatışmaya neden olur. Bir sanatçı olarak,
önceki çalışmalarınıza kıyasla benzersiz bir şekilde yeni, farklı, ancak bir
sonraki işinize güven verici bir şekilde aşina olmanız bekleniyor .
Derinlemesine (ve hatta belki de acı verici) kişisel ve aynı zamanda belki de
sizi hiç duymamış olan halk için çekici ve anlaşılır çalışmanız bekleniyor.
İşler yolunda giderse bu tür düşüncelerle dikkatimiz dağılmaz ama
kendimizi güvensiz hisseder hissetmez veya kendimizi kritik bir durumda bulur
bulmaz düşünmeye başlarız. Başkalarının yararına, çalışmamızın tek başına bize
beklediğimiz anlayışı, tanınmayı ve onaylanmayı sağlamayacağından korkarsak,
sanatçının karar verme hakkından vazgeçeriz. Öğrenciler için, yani akademik
ortamda, ana sorun budur: biliyorsunuz (ve haklısınız), çalışmayı belirli bir
yöne yönlendirirseniz, “beş” (veya en az “eksi ile beş” ) cebinizde. Lise
dışında, onay genellikle daha tumturaklı sözler, eleştirel övgü, sergiler,
çeşitli burslar şeklini alır, ancak mekanizma temelde aynıdır.
Endüstriyel tasarımda, bu sorun o kadar şiddetli
değildir, çünkü müşterinin onayı burada birinci önceliktir ve buna göre diğer
ödüller ikincildir. Ancak çoğu zaman sanatta müşteri yoktur ve yaratıcı süreçte
şüphelenmemiş olabileceğiniz bir gerçeği keşfedersiniz: Sevdiğiniz şeyle bu
kadar yakın temas halindeyken kendinizi çok savunmasız bulursunuz. Bu eserin
eleştirilmesi nasıl dikkate alınmaz ?
“Herkes gibi değil” olarak tanınmanın ne kadar
tehlikeli olduğunu hepimiz küçük yaşlardan itibaren çok iyi hatırlıyoruz.
Başkalarının , diğerleri gibi olmayan birini seçip ayırmakta, alay etmekte,
geri çevirmekte ve damgalamakta özgür olduğunu biliyoruz. Unutma, şair
olma hayali kuran küçük bir oğlan çocuğunun ya da diğer çocukların oyunlarına
kabul etmedikleri küçük bir kızın küskünlüğünü yaşamış olmalısın.
Bir sanatçı olarak, bu dersleri tekrar tekrar
öğrenirsiniz. Kalbinizin çağrısını takiben, çalışmanızın başkalarının
anlayışına erişemeyeceği gerçeğinden muaf değilsiniz. Her durumda, hemen değil
ve genel halk için değil. Örneğin, yazar oldukça ilginç bir eğilim keşfetti:
herhangi bir negatifin yaratılması, basılması ile bu negatifin satılmaya
başlaması arasında yaklaşık beş yıl geçiyor. Hatta artık popüler olan
fotoğraflardan biri, bu çalışmanın öncekilere göre ne kadar zayıf
olduğunun bir göstergesi olarak ilk kez eleştirel bir makalede yayınlandı .
Sahne sanatlarında, her şeyin üstüne, kişisel olarak ve gerçek zamanlı olarak
kararı kabul etme korkusu eklenir - tıpkı The Rite of Spring'in Paris galası
sırasında çürük meyve yağmuruna tutulan bir orkestra şefi veya Bob Dylan gibi [27].
yuhalandı, ilk kez elektro gitarla sahneye çıkmasına mal oldu [28].
Sanatçıların, çalışmalarının yokuş aşağı gittiğine dair acı verici
bir duyguyla bu kadar sık \u200b\u200bbu kadar eziyet görmelerine neden
şaşıralım: eski eserler her zaman yenilerinden daha çekici, her zaman daha
anlaşılırdır.
Bu iyi değil. Ne de olsa anlaşılma arzusu, temel bir ihtiyaç,
insan doğasının bir tezahürü, hem sizde hem de herkeste var. Şunları riske
atıyorsunuz: Yaratıcılığınız, halka çok ihtiyaç duyduğunuz anlayışı sizden
esirgeme gücü veriyor; ona "bizim gibi değilsin, tuhafsın, delisin"
diyebilme yetkisi veriyor.
Dürüst olmak gerekirse, her zaman haklı olma olasılığı vardır -
işiniz açıkça farklı olduğunuzu, yalnız olduğunuzu gösterebilir. Ve genel
olarak, sanatçıların kendileri nadiren bir normallik modeli olarak hizmet
ederler. Ben Shahn'ın oldukça iğneleyici bir şekilde belirttiği gibi, "Van
Gogh oturma odasındaki duvarda olabilir ve büyük bir gurur kaynağı olarak kabul
edilir, ancak Van Gogh'un kendisi oturma odasında görünseydi, çoğu sanatsever
kaçardı." Bu nedenle, "bireyselliğin ne güzel bir tezahürü" gibi
basmakalıp ifadeler kulağa oldukça aldatıcı geliyor. Sanatınız çevrenizdekilere
- ya da kendinize - ne kadar belirsiz görünse de, en azından şu anda onunla
gerçekten savaşmak istediğiniz bir gerçek değil.
Zaman zaman gerçekten ihtiyaç duyacağınız şey
biraz mahremiyet, bir sanat eserinin yaratılması ile onu başkalarıyla
paylaştığınız an arasındaki saf zaman boşluğudur. Andrew Wyeth yıllardır Helga
serisi üzerinde çalışıyor [29], dizideki
her yeni eserin sırasıyla piyasaya sürülmesine eşlik edecek eleştiri ve
tavsiyelerden uzak, kendi hızında çalışıyor. Muhtemelen, bu tür gecikmeler,
zaten tamamlanmış olan işin, sanki yaratıcının kendisi tarafından daha iyi
anlaşılması için bir şans veriyormuş gibi, sanatçının zihninde ve kalbinde
doğru yeri işgal etmesine izin verir. Ve sonra, başkalarının çalışmayı
değerlendirme zamanı geldiğinde, tepkileri (ne olursa olsun) artık o kadar
tehlikeli değil.
Yanlış anlaşılma korkusu ise tam tersine sizi
dinleyicilerinize bağımlı kılar. En basit ama en elverişsiz koşullarda,
fikirlerinizi izleyicilerinizin hayal edebileceğini düşündüğünüz şeye göre
sulandırırsınız ve böylece küçümseme veya kibir veya her ikisini birden
sergilersiniz. En kötüsü de bu süreçte kendi vizyonunuzdan vazgeçersiniz.
Böyle bir baskı altında,
çağdaşlarınız arasında bir rol model bulmak, halka ulaşmayı amaç edinmiş biri
olsa bile, yardımcı olur. Tasarımcı Charles Ames ve bilim adamı Jacob
Bronowski, [30]izleyicilerinin
büyüme ve yeni fikirlerden yararlanma yeteneğine inanıyorlardı. Bir gün, Ames
ilginç bir müze sergisi tasarladı, yaklaşık beş metre uzunluğunda bir tür
eğitici poster tasarladı (üzerine metnin yazıldığı yazı tipi boyutu, aynı küçük
resimlerle tanıdık bir ders kitabındaki yazı tipi boyutuna karşılık geliyordu),
burada matematiğin bütün tarihi boyandı. Metnin tamamını kimin okuyabileceği
sorulduğunda, Ames sakince herkesin muhtemelen tam olarak algılayabildiği
kadarını algılayacağını ve gerisini atlayacağını söyledi. Ve kendisinin
göremediği bağlantıları keşfeden birinin mutlaka olacağını ekledi.
Bir sanatçı için tanınma sorunu basit ve çirkin
bir soruyla başlar: Eserine bakıldığında sanat olarak kabul edilir mi? Bu,
kökleri uzak çocukluk yıllarına dayanan temel bir sorudur. (Bir beysbol
takımına üye olurken adı geçen ilk kişi siz değilseniz, oyun alanında kalbinizi
kaybettiğiniz o heyecan verici anları hatırlayın [31]. Yine de, adınızın hiç
duyulmamasındansa ölmek daha iyiydi.) Tanınma ihtiyacı aynı zamanda bir
ihtiyaç, yaptığınız işin sanat sayılabilmesi için bir zanaat, hobi, tadilat hatta
bazı saçmalıklarla karıştırılacağı korkusu da olabilir.
1937'de Beaumont Newhall, [32]fotoğraf tarihinin ilk
incelemesini yazdığında (başlıklı olarak A History of Photography),
çalışmalarını övdüğü ya da eleştirdiği birkaç fotoğrafçı seçti. Anlaşıldığı üzere,
Newhall'ın kitabı azarladığı kişileri değil, hiç bahsetmediği kişileri rahatsız
etti. Halkın gözünde birincisi en azından “fotoğraf tarihi”nin bir parçası
olurken, ikincisi hiç yok gibiydi! Bazı yetenekli "yabancılar"ın o
uzak günlerde yarattıkları eserlerin tanınmasını beklemeden önce onlarca yıl
geçti. Tabii ki, bu istisnai bir durumdur, ancak özü aynıdır: kabul ve onay,
ister arkadaş, ister öğrenci, küratör ... veya seçtiğiniz sanatın tarihi
üzerine yetkili bir araştırmanın yazarları olsun, başkalarının ayrıcalığıdır.
biçim.
Belli bir aşamada tanınma ihtiyacı, işin
kendisinin ihtiyaçlarıyla çatışabilir. Sorun bu, çünkü istekleriniz çok makul
görünüyor: yaratıcılıkla meşgul olmak ve onun tanınmasını istiyorsunuz. Ama
kovboy ve dağ adamının türküsü, sanatsal bütünlük efsanesi ve Susam Sokağı gibi
[33]: yürekten
bir şarkı söyleyin ve er ya da geç dünya onu kabul edecek ve orijinal sesiniz
için sizi ödüllendirecektir. Böyle bir inanca gülüyormuş gibi yapabilirsiniz
ama yine de hepimiz buna inanıyoruz.
Sanatsal olmayan dünyada bu inanç sistemi,
Amerikan rüyasının ve orta yaş krizinin arkasındaki itici güçtür. Sanat
dünyasında, illüzyonların çöküşü sırasında darbeyi ilk yumuşatan odur. Ne de
olsa toplum gerçekten (ve oldukça cömertçe) orijinal çalışmaları ödüllendiriyor.
Bu an meselesi: ödül gelecek, ancak onu almak için orada olmayabilirsiniz.
Schubert'e sorun [34].
Tüm bunların basit bir açıklaması var: dünya,
zaten anladığı eserlere, yani bütün bir nesil tarafından bilinen sanata veya
bir asırdır bilinen sanata daha fazla destek verme eğiliminde. Gerçekten yeni
fikirlerin gösterileri, "kötü sanat" değerlendirmesi bile genellikle
reddedilir - onlar bunu sanat olarak görmezler. Stravinsky'nin The Firebird
adlı eseri, bugün yirminci yüzyılın melodik açıdan en sofistike senfonik
eserlerinden biri olarak kabul ediliyor, ilk performansına tam bir kakofoni
denmesinin ardından [35]. Görünüşü
Amerikan fotoğraf tarihinde bir dönüm noktası belirleyen Robert Frank'in
"Amerikalılar" kitabı , ilk yayınlandığı yılda hem basın hem de halk
tarafından görmezden gelindi . [36]süssüz
yaşama dair bu katı görüşü basitçe kabul etmedi. Atget'ten Ouigi'ye
sanatçıların [37], kabul
edilen sanat tanımına uymadıkları için kariyerlerinin çoğunda ihmal edilmiş
olmaları üzücü bir gelenektir .[38]
Sanatçı bariz bir ikilemle karşı karşıyadır: ya
reddedilme riskiyle karşı karşıyadır, ancak yeni dünyaları keşfetmekte
özgürdür; veya tanınırlık kazanır, ancak bunun için alışılmış yolu takip
etmeniz gerekir. Söylemeye gerek yok, son strateji, tek düşündüğünüzün itiraf
olması ihtimaline karşı, doktorun emrettiği şeydir. Sanat gibi görünecek bir
şey üretin ve tanınma kendiliğinden gelecektir.
Şaşırtıcı bir şekilde, bu genel olarak günah
değildir. En azından öğrenirken, bir süre sanatsal özetleme [39]kaçınılmazdır
ve genel olarak faydalıdır. Hem entelektüel hem de teknik olarak yapılacak en
iyi şey, kendinizi tekerleğin sonsuz bir yeniden keşfine mahkûm etmemek için
sanatsal mirasla uyum içinde kalmaktır. Ve küçük bir düzeltme: Çok daha büyük
bir tehlike, sanatçının geçmişten hiçbir şey öğrenemeyecek olması değil,
gelecekte yeni bir şey öğretemeyecek olmasıdır.
Fotoğrafın yakın tarihi, riskli kararların nasıl
başarı getirebileceğinin ve tüm bir sanat hareketinin gidişatını nasıl
değiştirebileceğinin ders kitabı örneğidir. Geçen yüzyılın ilk üçte birinde,
Edward Weston [40], Ansel
Adams ve onların birkaç takipçisi, o zamanlar hüküm süren yumuşak odak
fotoğrafçılığı dünyasını alt üst etti. Bunu, keskin bir şekilde odaklanmış
görüntüler sunan ve doğal manzarayı bir fotoğraf sanatı nesnesi olarak ele alan
bir görsel sistem geliştirerek yaptılar. Halkın kendi konumunu özümsemesi
onlarca yıl aldı, ancak artık hiçbir şüphe yok: fotoğraflar tütün reklamlarında
ve Sierra Club kitaplarının kapaklarında.[41] bugün onaylanmış
olmaları şüpheli resimlerden kaynaklanmıyor. Dahası, algıları nata'ya o kadar
yerleşmiş ki, artık tatildeyken doğa fotoğrafı çekerken insanlar genellikle her
şey doğru yapılırsa sonucun sadece bir manzara değil, Ansel Adams tarafından
çekilmiş bir manzara gibi görüneceğini umuyorlar .
Ve elbette geçecek. Aslında sanat açısından bakıldığında bu akıl
geçmiştir. Harika bir fikrin zaman içinde ortaya çıkma şekli, fraktal bir
kristalin büyümesi gibidir; ince, sonsuz derecede küçük ayrıntılar sürekli
olarak yeniden üretilir. Sonuç olarak (muhtemelen 1960'ların başından beri),
Batı Kıyısı manzara fotoğrafçılığının bayrağını üstlenmek için öne çıkanlar
artık sanat yapmıyor, sanat tarihini yeniden üretiyorlardı. Hayran oldukları
konsepti yaratanlardan iki-üç kuşak ayırarak, kendilerinin hiç yaşamadıkları
deneyimlerden yola çıkarak fotoğraflar çektiler. Kendinizi bu koşullarda
bulursanız, naçizane kovboy tavsiyemize uyun: Madem atınız ölüyor, ondan inin.
Kovboy bilgeliğinin
aksine, Weston-Adams'ın vizyonu, bugün bile sanatçılardan ve öğretmenlerden
oluşan hacimli bir kulübe endüstrisini sürdürüyor. Ancak bu istikrarın bir bedeli
vardır: Risk almak kişinin kendine olan güvenini sarsar, sanatsal gelişimini
engeller ve kişinin bireysel tarzı önceden var olan şablonlara uyar. Yalnızca
sanatta kendi yolunu izleyenler geriye bakıp bu deneyimin neye yol
açabileceğini net bir şekilde görebilirler: Tanınma sorununun özü, sanatı sizin
eserinizde görüp görmeyecekleri değil, kendi eserlerinizde görüp
göremeyecekleridir . sanat.
Tanınma ve onaylanma
arasındaki fark incedir, ancak çok belirgindir. Tanınma, çalışmanızın değerli
bir şey olarak görülmesi anlamına gelir; onay - insanların bundan
hoşlanmasını.
Ve birinin diğerinin olmadan gerçekleşmesinde
özel bir şey yok. Norman Rockwell'in eserleri[42] hepsi hayatı
boyunca çok sevildi, ancak eleştirmenler tarafından çok az takdir edildi. Bir
veya iki nesil önce, John Singer Sargent'ın iyi olduğuna inanılıyordu [43], ancak
çeşitli nedenlerle tuvalleri dikkate alınmaya değmezdi. Madalyonun bir
dezavantajı var: Her sezon bize eleştirmenlerin övdüğü bir dizi film ve oyun
getiriyor, ancak bunların çoğu gişede değersiz.
Bu durumun iki yönlü olduğu gerçeğini
tartışamazsınız, ancak bu ikiliğin zarar verip vermeyeceği açık bir sorudur. Ve
tanınma ve onay, oldukça anlaşılır bir şekilde, halka bağlıdır. Sağlıklı bir
ortamda, iyi iş hak ettiği övgüyü alır; işin kalitesinin teyidi yalnızca içsel
ise, o zaman her şey toplumdadır. Kulağa oldukça basit geliyor, ancak toplum
heterojen, çeşitli ortamlardan oluşuyor: bazıları sanatçıyı eziyor, bazıları da
destekliyor. Yüzleşmeden çıkar sağlayan sanatçılar için toplumsal reddedilme
bir sorun değil ama pek çok sanatçı bu sonu gelmeyen kargaşadan yorulmuş
durumda. Bu tür sanatçılar için "hayatta kalmak", "sanata değer
verilen ve yaratıcılığın desteklendiği bir ortam bulmak" anlamına gelir.
Elverişli bir ortamda - ki bu çoğu zaman
gerçekten bulunur ve sanatsal topluluğun kendisinde - onay ve tanınma
genellikle bağlantılıdır ve hatta bazen birbirinden ayırt edilemez. Bu seçkin
kitle için ana kriter, Ed Ruscha'nın "Yalnızca sanatçılar ve ustalar
vardır" sözüyle veya James Thurber'in [44]"İyi sanat ya da kötü
sanat yoktur" gözlemiyle ifade edilebilir . [45]Sadece Sanat var - ve ne kadar
az, kahretsin!
Ancak dikkatli olun: bu yaklaşım çok acımasızdır.
Genç piyanistler için düzenlenen bir yarışmada jüri olarak görev yapması
istenen bir Usta hakkında bir hikaye var (elbette biraz şüpheli); Yirmi
yarışmacının becerisinin sıfırdan yüz puana kadar bir ölçekte
değerlendirileceği varsayılmıştır. Sonuç olarak, bülteninden takip ettiği gibi,
iki piyaniste yüzer puan verdi ve geri kalanlara sıfır puan verdi.
Organizatörlerin protestolarına yanıt olarak, açıkça cevap verdi: "İki
şeyden biri: ya oynamayı biliyorsun ya da bilmiyorsun."
Görüntü yönetmeni Louis Stonen, [46]öğrencilik
yıllarında vizyona giren ilk filmini ünlü öğretmen ve sinema bilgini Slavko
Vorkapić'e nasıl getirdiğinin ürkütücü ama şüphe götürmez hikayesini anlatıyor [47]. Öğretmek
Adam tüm filmi sessizce izlemiş ve sonunda tek
bir ses bile çıkarmadan kalkıp odadan çıkmış. Şaşıran Stoumman peşinden koştu
ve "Ama filmim hakkında ne düşünüyorsun?"
Cevap şuydu: "Hangi film?"
Çıkarılacak ders şudur: Akranlarınız arasında
bile onay arayarak, izleyicilerinize tehlikeli miktarda güç vermiş olursunuz.
Daha da kötüsü, dinleyiciler sizin için gerçekten önemli olan soruya nadiren
doğrudan cevap verebilirler - işinizde ilerleme var mı, yok mu? Nihai sonucu
düşünürken ne kadar duygulandıklarını (ya da ne kadar şaşırdıklarını ya da ne
kadar harika eğlendiklerini) anlatmakta harikalar, ancak çok az şey biliyorlar
ve genel olarak yaratıcı süreciniz ile pek ilgilenmiyorlar . Seyirci her
zaman daha sonra çeker. Tek mükemmel temas siz ve işinizdir.
İŞİNİZİ BULUN
Aynı nehre iki kez giremezsin, yeni sular seni
hep sarar.
Herakleitos (yaklaşık MÖ 540-480 3.)
M |
Bu, çabaladığımız şeyin en azından dış belirtilerini elde edip
etmediğimiz konusunda mutlak bir kayıtsızlık ortaya koyuyor. Ama sanat değil.
Sanat son derece hassastır. Geribildirim başka hiçbir yerde yaratıcılıkta
olduğu kadar mutlak bir değere ulaşmaz. Yaptığımız iş, algılanamaz olsa ve
diğer insanlar için pek hoş olmasa da, içine koyduğumuz ve onu kurtardığımız
her şeyle uyumlu bir şekilde birleşir. Dış dünya, faaliyetlerimize yanıt
vermeyebilir; Ancak
kendi yaratıcılığımızda tepkiden başka bir şey yoktur.
Bu yanıtla ilgili en şaşırtıcı derecede güzel şey, doğruluğudur.
İşinize bir göz atın, ne zaman kendinizi tuttuğunuzu ve ne zaman bıraktığınızı
size söyleyecektir. Tembel olduğunda sanatın da öyledir; sen dikkatli olduğunda
o da dikkatlidir; şüpheye düştüğünde elleri ceplerinde sana bakar. Ama işe
koyulduğunuzda, tüm gücüyle ileri atılır.
Kısa bir süre önce, sadece zevk uğruna değil, köklü bir sanatçı
aniden dans etmeye ilgi duymaya başladı. Daha önce hiç bu kadar fiziksel bir
sanat yapmamıştı ve şimdi kafasıyla içine girdi. Gittikçe daha çok çalıştı:
daha çok ders, daha çok pratik, daha çok sorumluluk, giderek daha çok dans etme
zamanı. Herkesi geride bıraktı. Bir gün, birkaç ay sonra eğitmen ona gruba
katılmak isteyip istemediğini düşünmesini söyledi. Gerildi. Dansı ters gitti.
Kendisi kemikleşmiş görünüyordu ve utangaç olmaya başladı. Sorumlulukla dolu,
yeterince iyi dans etmediğini hissetti ve aslında daha kötü dans etmeye
başladı. O kadar üzgün ve üzgündü ki, bazı şeyleri halletmek için birkaç haftalığına
sınıftan ayrılmak zorunda kaldı. Kısa bir süre sonra, yine de yeni ve tehlikeli
bir zemine girmeyi göze aldığında, daha önce tek başına zevk aldığı sanatta
mükemmelleşmek için başkaları için sıkı çalışmanın tadını çıkarmayı öğrenmek
zorunda kaldı.
Bir ideal, yani gerçek bir sanatçı için korkular hiçbir
zaman yok olmaz, onları tamamlayan, hatta belki de yönlendiren ve en azından
besleyen arzularla yan yana yaşar. Naif bir tutku bizi engellere rağmen işi
bitirmeye iter ama cesaretle bu engelleri göz önünde bulundurarak işi
bitirmemize yardımcı olacak anlamlı bir tutkuya dönüşebilir .
En büyük engel belirsizliktir. Bu duygu, iş zaten bittiğinde bizi
aşar. Tekdüze yapısı ve içsel soyutlaması ile müzik bunun en iyi örneğidir.
Gerçekten büyülü müziğin icrasında, müzikal temanın nasıl geliştiği ile bize
göre nasıl gelişmesi gerektiği arasında sürekli bir çatışma vardır. Fügün nasıl
çözüleceği konusunda (yalnızca bir an için) tereddüt ediyoruz ve şimdi (tam bu
anda) nasıl çözüleceğini biliyoruz. Sanatçının çalışırken içinde bulunduğu ruh
halini anlatmak ise daha da zor. Pek çok sanatçı, bitmiş işi açıklamaya yönelik
banal bir talebe yanıt olarak, iyi prova edilmiş bir kelimeyi genellikle el
altında tutar. Ama üzerinde çalışırken yaşadıklarını size anlatmalarını
isterseniz , büyük ihtimalle Dorothy'nin Oz Ülkesi'ni Em Teyze'ye tarif etmeye
çalışmasına benzer olacaktır. İlk fikir ile bitmiş iş arasında, prensipte
yüzerek geçebileceğimiz, ancak tüm detayları haritaya asla aktaramayacağımız
koca bir deniz körfezi var. Yaratıcılığın gerçekten özel anları, körfezi
geçtiğimizde fikrin gerçeğe dönüştüğü anlardır. Bu anları daha kesin bir
şekilde aktarmak imkansızdır, ancak işin kendi kendine yapıldığı ve sanatçının
yalnızca bir rehber veya arabulucu gibi göründüğü o harika durumla
ilişkilendirilirler; her şeyi o yapar.
Nihayetinde, sanatta çoğu durumda yaratıcı,
tefekkür edenden daha fazlasını alır. Ama her durumda değil. Sanatta başarılı
bir şekilde kullanabileceğimiz bir dizi avantaja gelince , bunlardan
bazıları yalnızca tefekkür edenlere ayrılmıştır ve baştan çıkarıcı bir şekilde
yaratıcının ulaşamayacağı bir yerde kalır. Bir dinleyici olarak, Bach'ın
Kütlesini Si bemol minörde çalmanın gerçek esrikliğini ve katarsis'ini
deneyimlemenize izin verilir, ancak bir besteci olarak en önemsiz barok eseri
bile besteleyemezsiniz. Bir izleyici olarak, Great Plains Kızılderililerinin
büyülü tılsım demetinin güçlü iyileştirici etkisini hissedebilirsiniz, ancak
bir yirminci yüzyıl sanatçısı olarak, aynısını alıp yapamazsınız.
Bir izleyici olarak, yaratıcıdan çok daha geniş
görünebilir. Hissedebildiğin sanatın başlangıcı bin kilometre ötede, hatta bin
yıl önce olabilir ama yaratabildiğin sanat hayatının zamanına ve
mekanına sıkı sıkıya bağlıdır. Ve bu davadaki sınırlamalar yalnızca içsel
inançlarınızla bağlantılıdır. Haç ve Cennet sembolizmine olan inanç bu kadar
yaygın olmasaydı, Avrupa'nın büyük katedrallerinin haç biçimli kubbeleri ve haç
biçimlerinin hiçbir anlamı olmayacaktı. Tarihin kapsamı göz önüne alındığında,
belirli olaylar ve inançlar, bize katedraller inşa etmeye ve fügler yazmaya
ilham vermek için yalnızca kısa bir güç anına sahiptir. Ancak dini inançların
benzerliği, zamanımızda bile bizden çok önce yaratılan şaheserlerin
gerçekliğini hissetmemizi mümkün kılıyor. Dönen sanat eserleri, yaratıcılarını
saran tarihin dokusuna tamamen dokunmuştur. Basitçe söylemek gerekirse, şimdi
ve burada olmalısınız.
Bu, yaratıcılığın büyüsüne yenik düştüğümüzde
yaratıcılık hakkında çok az şey öğrendiğimize dair şaşırtıcı (ve belki de rahatsız
edici) bir sonuca götürür. Yaratıcılık nerede olduğumuzla ilgilidir ve
izleyiciler olarak sahip olduğumuz sanat deneyimi en güvenilir rehber değildir.
Seyirciler olarak, bu deneyim o kadar zorlayıcı olabilse de, aynı güce sahip
bir sanat eseri yaratmayı neredeyse bir onur meselesi olarak görebileceğimiz
halde, kendimizin üzerinde duramayacağımız zemini kolayca fark ederiz. Daha da
tehlikelisi, işte tutkumuzu uyandıran aynı teknikleri, aynı olay örgüsünü, aynı
sembolleri kullanma - aslında başka bir zaman ve mekandan bir suçlama ödünç
alma - bir cazibesi var.
Bu tür arzuların nereden geldiğini takip etmek
zor değil: Kişisel tarihimizin yıllıkları, bazı ikonik işlerin tefekkürü
tarafından nasıl yakalandığımıza dair net anılar içeriyor. Bu tür deneyimler, bizi
sanatçı yapan unsurların bir parçasıdır ve bize ilham veren eserler büyük önem
taşımaktadır. Edward Weston'ın bir fotoğrafını ilk gördüğüm zamanı anında
hatırlıyorum . UCLA Kütüphanesi'nin Nadir Eserler bölümüne giden loş
koridorda yürüyordum, yukarı baktım ve bu fotoğrafı gördüm. Durdum.
Karışıklık geldi. Daha önce hiç böyle bir şey görmemiştim. Diğer fotoğraflardan
- özellikle benim fotoğraflarımdan - çok daha fazlasıydı, bir şeydi.
Temelde farklıydı. O anda içimde davetsiz bir saygı şekillendi - artık
dünyada iki tür fotoğraf vardı: karşımdaki duvardaki ve diğerleri.
O fotoğraf çok şey anlamama yardımcı oldu. Ama ne böyle ne de
benzeri bana yaratmam için verildi. Yine de çalışmamın onunki gibi bir etkiye
sahip olması gerektiğine dair bana eziyet eden duyguyu ortadan kaldırmak tam on
yıl sürdü. Kendime şunu sormadan önce birkaç yıl daha geçti: Böyle bir sanatın
gücü nedir? Yazarda mı? İşin kendisinde mi? seyircide mi
Tabii belli bir anda belli bir iş hayatla yankılanıyorsa, o zaman
şu anda tam da bu tür bir iş yapmanız gerekiyor. Başka bir şey yapmaya
çalışırsan, an kaybolur. Elbette işimiz zamana ve mekana o kadar girift bir
şekilde bağlı ki , geçmişte çekimser kaldığınız kendi estetik arka planınıza
bile kendinizi kaptıramayacaksınız . Uzun yıllar veya en az aylar boyunca
estetik alanınıza geri dönmeye çalışın. Bundan hiçbir şey çıkmayacak. En iyi
eserinizi zaten yarattığınıza dair hoş ve aynı zamanda acı bir farkındalık
içerse bile, ancak ilerleyebilirsiniz.
Önceden, aşırı kendini anlama nadiren ayrı bir konuşma konusu
haline geliyordu , o zaman sanatçının (ve genel olarak herkesin) köklerinin
kendi kültüründe derinleşmesi doğaldı. Bir sanat eserinin içerdiği anlamlar ve
farklılıklar, gündelik hayatın tuvalinin iplikleriydi ve sanatın görevleri ile
diğer görevler arasındaki mesafe küçüktü. Nüfusun tamamı halk haline geldi,
çünkü o zamanlar ikonlardan ev eşyalarına kadar her şeyi sanatçılar yarattı.
Euripides'in oyunları yirmi iki yüzyıl önce Yunan amfitiyatrosunda modern
tiyatrodakiyle aynı şekilde ama on dört bin seyirci için oynanıyordu.
Bugün öyle değil.
Bugün sanatın sorunları daha çok sadece sanatçıları
ilgilendiriyor, çoğunluğu ilgilendirmiyor, zaten çoğunluk görmezden geliyor.
Günümüz sanatçıları çoğu zaman yaşamlarının zaman ve mekânından uzaklaşmakta ve
Sanatın zaman ve mekanlarının düşünsel sorunlarına kapılmaktadırlar. Ancak bu
zaten doğal olmayan bir kavram, galeri kapılarında başlıyor ve orada bitiyor. Artforum
[48]okuyucuları dışında ,
uykuyu unutarak kişisel yaşamlarında cinsiyetten bağımsız biyomorfik yapısöküm
için bir uygulama bulmaya çalışan çok az kişi var. Adam Gopnik'in The New
Yorker'da belirttiği gibi [49]. "Postmodern
sanat esas olarak seyirci sonrası sanattır."
Bu tür koşullarda
sanatçılar gayretlidir, herhangi bir sonuçta anlam ararlar. Yersiz görünmekten
korkarak tuvallerini ve ekranlarını başka bir uzay ve zamandan
"çalınan" yüklü parçacıklarla doldurmaya başlayabilirler. Sanki
sanatın kendisi konularına evrenseller statüsü veriyor, sanki sanatta tüm
nesneler kendi başlarına enerji biriktiriyor - sanki Great Plains
Kızılderililerinin büyülü bir tılsım demetinin enerjisini kendi eserinizle birleştirebiliyormuşsunuz
gibi . Veya ikna edici bir şekilde Schubert'in Bitmemiş Senfonisini bitirin. [50]Artık
şehirli "beyaz" sanatçılarla gerçekten tanışabilirsiniz - otuz adımda
bir çakalı Alman çobanından ayırt edemeyen, ancak bakmadan düzenbaz bir çakal
imajını tanıtan insanlar[51] işinize
Tüm bu çabaların temelinde hatalı bir varsayım vardır: enerji, uzay ve zaman
yoluyla asimile edilebilir. Yasaktır. Somutlaştırılan anlam ile alıntılanan
anlam arasında bir fark vardır. Bir zamanlar birinin dediği gibi, Yunan balıkçı
dışında kimse Yunan balıkçı şapkası takmamalıdır.
Tanıdığımız çoğu sanatçı gibiyseniz, işin bir süreliğine, herhangi
bir engel olmaksızın hızlandığını, ta ki bir gün görünürde hiçbir sebep
olmaksızın durduğunu fark etmeye alışmışsınızdır. Aniden hareket halindeyken
durmak - daha banal ne olabilir! Ancak bu tür vakaların her biri sanatçılar
tarafından kendi önemsizliklerinin üzücü bir kanıtı olarak yorumlanıyor. Yani,
Long Artistic Depressiac'ta en iyi başrol için adaylar: 1) yeni fikirleriniz
tamamen ve sonsuza dek tükendi; 2) tüm bu zaman boyunca sahte bir çıkmaz pughi
boyunca yürüdünüz. Ve kazanır... (neyse ki) kimse. Yaratıcılığın ana
sırlarından biri, yeni fikirlerin pratik fikirlerden çok daha az işe
yaramasıdır - binlerce varyasyonda yeniden kullanılabilen, işin ayrı bir
parçası için değil, tüm işin gövdesi için bir çerçeve görevi gören fikirler. .
Yanlış yolu seçmiş olma korkusuna gelince, bu, işlerin nasıl yapılması
gerektiğine dair popüler fantezilerin sadece diğer yüzüdür. İlk başta ihmal
ettiğimiz yol daha sonra daha doğru görünebilir; işimizde göründüğünden çok
daha fazlası gizli olduğu için eziyet çekiyoruz; içindeki bir şey biraz farklı
olsaydı, ne kastedildiği birdenbire netleşirdi. Tüm bunları zihninde
karşılaştıran ve sinirlenen biri, şu ya da bu şekilde yaptığı işten vazgeçmeye
çalışacak: “Öyle demek istemedim, onu büyütmek ya da küçültmek gerekiyordu;
keşke daha fazla zamanım veya param olsaydı; o aptal yeşil boyayı
kullanmasaydım..l Hepimiz kaçmak isterdik ama gerçek şu ki: yapmadığın her
şeyi çıkardıktan sonra sanatın bir kalıntı değil; o, yaptığınız her şeyin
sonucudur . Zamanda geriye gitmenin, geçen haftaki çekilişe katılmanın
ve şanslı numaralarınızı seçmenin ne kadar harika olacağını hayal
edebilirsiniz.
Zaman yolcuları ve telepsişikler sayılmaz ve geri
kalanımız yalnızca bugünü yaşar. İşinizin her gün nasıl tuğla tuğla inşa
edildiğini görürseniz, o zaman sebep ve sonuçlardan hiçbir yere
saklanamazsınız. Basitçe söylemek gerekirse, ne ekersen onu biçersin; aynı
yöntemleri tekrar kullanırsanız, sonuç muhtemelen yine aynı olacaktır. Bu ifade
yalnızca durgunluk dönemleri için değil, aynı zamanda son derece üretken
olanlar da dahil olmak üzere diğer sanatsal durumlar için de geçerlidir.
Uygulamada, eskiden işe yarayan fikir ve yöntemler çalışmaya devam eder. İşler
sizin için sorunsuz gidiyorsa ve şimdi sıkışıp kaldıysanız, daha önce mükemmel
bir şekilde kendini kanıtlamış bir yaklaşımı gereksiz yere yeniden gözden
geçirmiş olabilirsiniz. (Uzun yıllar gündüzümü yazmaya, akşamımı yazmaya
ayırdım; bir ara program değişti ve aylar geçti ki yazımın fikir eksikliğinden
değil, çünkü kelimelerin bana geceleri gündüz olduğundan daha kolay geldiği
ortaya çıktı.) İşler kontrolden çıktığında, en iyi strateji -dikkatli ve
düşünceli bir şekilde- son oynadığınızda takip ettiğiniz oyunun
alışkanlıklarına ve kurallarına dönmek olabilir. her şey harika gidiyordu.
Tanıdık sulara dönün ve ardından iş olumlu yönde geri dönecektir (en azından
bunun için bir şans olacaktır).
Ama bazen yardımcı olmuyor. Sanatçıların (herkes gibi) belirli bir
kavramsal ataleti, tüm dünya farklı bir yöne gitse bile kendi pusula rotasına
bağlı kalma eğilimi vardır. Ne zaman Yeni
Sveta, Columbus'a döndü ve Dünya'nın yuvarlak
olduğunu duyurdu, neredeyse herkes onun düz olduğu görüşünde kaldı. Sonra
öldüler ve sonraki nesil, gezegenin yuvarlak olduğuna tam bir güven duyarak
büyüdü. İnsanların inançları bu şekilde değişir.
Her zaman olmasa da genellikle üzerinde
çalıştığınız parçanın ertesi gün daha kesin olacağını ve bugün sahip olduğunuz
araçlarla daha kolay olacağını da söylemekte fayda var. Bu anlamda sanat tarihi
birçok yönden teknolojinin de tarihidir. Rönesans öncesi İtalya'nın freskleri,
Flanders'ın tempera tablosu, Fransa'nın güneyindeki plein-air yağlı boya
tablosu, New York'un akrilik boyaları - birbirini izleyen her teknoloji, bir
sanat eserine karakteristik bir renk ve doygunluk, fırça darbesi ve doku,
duygusallık veya biçimcilik. Aslında, belirli bir araç seti, belirli bir sonucu
mümkün kılar.
Aletleriniz yalnızca son parçanın görünümünü
etkilemekle kalmaz , onunla söyleyebileceklerinizin sınırlarını da
belirler . Ve belirli araç ve gereçler ortadan kalktığında (bunların nasıl
üretileceği veya kullanılacağı bilgisi / bilgisi kaybolduğunda), sanatsal
olanaklar da unutulmaya yüz tutar. Barok enstrümanların sesi, tipo baskı,
platin baskının tonlaması - bugün bunların hepsi yok olma tehdidi altında.
Tersi ifade de doğrudur: Yeni araçların ortaya çıkmasıyla birlikte yeni
sanatsal olanaklar ortaya çıkar. Doğadan yazılan olay örgüsü , dünyayı
ezberden yazılandan tamamen farklı bir şekilde aktarıyor. Bu, 1870'lerde,
ressamların yağlı boyaları sıkı oturan "yumuşak" metal borulara
paketlemenin bir yolunu bulduğunda ve ilk kez sanatçıların stüdyodan ayrılma ve
doğrudan "tarlalarda" yağlı boya ile çalışmaya başlama fırsatı
bulmasıyla ortaya çıktı. . Bazıları kullandı, bazıları kullanmadı. Onu
kullananlar, Empresyonistler olarak tarihe geçtiler.
Ne zaman tanıdık araçlar ve malzemeler kullanılmalı ve ne zaman
yeni olasılıklar vaat edenlere yönelmeli? Her sanatçı bu ikilemle tekrar tekrar
karşılaşır. Daha genç sanatçıların çok çeşitli araç ve gereçlerle deney yapma
eğiliminde olduklarına inanılırken, daha deneyimli sanatçıların küçük, özel bir
set kullanma eğiliminde olduklarına inanılıyor. Zamanla, hareketler giderek
daha güvenli hale geldiğinde, mükemmel bir şekilde eşleşen enstrümanlar, adeta
sanatçının kendisinin yaratıcı bilincini genişletiyor. Keşif zamanla yerini
ifadeye bırakır.
Ne olursa olsun, çalışma yöntemlerimizde fiili değişiklikler
yapmak her zaman zordur çünkü onlar hakkında neredeyse hiçbir şey bilmiyoruz.
Ve işler iyi giderken neden tüm bunlarla ilgilenelim? Bir eserin (ya da bir
yıllık eser arzının) yaratılmasına yol açan sayısız adımın çoğu, yaratıcı
sürecin ne olduğuna dair ifade edilemez inanç ve varsayımların büyüsü altında,
bilinçsizce yapılır. Bir levhayı düz mü yoksa dairesel hareketlerle mi
öğüteceğimize karar verirken aldığımız önlemler kadar tanınmaz ve bilinçsiz
kalırlar. Kendinize sorun: neden (örneğin) fırçanızı kullanırken kangri
dinliyorsunuz? (Yoksa bu müzik sizi daha parlak renkler seçmeye mi teşvik
ediyor?) Paltoyla çalışmanız gerekse bile stüdyodaki ısıtıcıyı neden
açmıyorsunuz? (Yoksa bu soğuk darbeleri daha belirgin mi yapar?) Islatılmış
kağıdın sulu boyayı kabul etmeye hazır olduğunu nasıl anlarsınız? (Dokunmak mı?
Koku almak mı? Kağıdın davranışına mı?) Nadiren belirli eylemleri nasıl ve
neden yaptığımızı düşünürüz - sadece yaparız. Çalışmanın sonucunun ilkesini
değiştirmek için, önce yaratıcı yaklaşımınızın hamur yoğurmak kadar istemsiz ve
yaydan ok atmak kadar zor olan unsurlarını ayırt etmeniz gerekir.
tekrar tekrar başvurduğumuz bazı biçimler sayesinde
ortaya çıkar . (Bazen kasvetli günlerde kendi kendime, stüdyodaysam ve ıslak
kil ile çalışıyorsam, kurumadan en azından bir şeyi bitirmem gerektiğini
söyledim.) stüdyo ve işe koyul, ve beğendiğiniz form belli bir çalışmanın
çıkış noktasıdır. Chopin'in yazdığı mazurkaların sayısı göz önüne alındığında [52], bu
bestecinin müzikal formunu bulduğunda çok daha mutlu olduğu düşünülebilir.
Piyanonun başına nasıl oturduğunu ve bu girift senkoplu dansın temasını üç
çeyrekte nasıl doğaçlamaya başladığını ve doğaçlamaları yavaş yavaş küçük bir
esere sardığını hayal etmek kolaydır. Chopin'in gözünde bu form, yıllarca ona
atıfta bulunabileceği kadar keşif ve varyasyon potansiyeli içeriyordu. J. S.
Bach ile benzer bir şey oldu; yirmi dört perdenin her birine prelüd ve füg
yazma arzusu ona büyük ölçüde yardımcı olmuş olmalı - beste yapmak için
oturduğunda, en azından nereden başlayacağını her zaman biliyordu. (“Bakalım,
Fa diyez minör yazmadım) Belirli bir öz disiplini koruyarak, her yeni
çalışmayla kendimizi yenileme şansımızı artırıyoruz.
Pratik bir form bulmak, ağırlığınca altın değerindedir. Bir tane
bulduğunuzda, önemsiz nedenlerle onu asla bırakmamalısınız. Bir sahne hayal
etmek kolaydır: Modern bir müzik öğretmeni, Chopin'in dikkatini mazurkalarının
biraz ikincil hale geldiğine, yaratıcılığının gelişmediğine çeker. Doğru, belki
gelişmez, ama mesele bu değil. Mazurka yazmanın yalnızca Chopin için yararlı
olduğunu varsayalım - onu işine geri getiren bir tür araç ve bir sonraki
çalışma için bir başlangıç noktası olarak. Yine de, çoğu zaman iyi bir
çalışmanın anahtarı, birçok eserin yaratılmasıdır, bunun sonucunda herhangi
bir numara, bunun sonucunda boş bir tuvale ilk vuruşun uygulanması somut,
faydacı bir değere sahiptir.
Sadece yazar (ve sadece zamanla), işte kalabilmek için küçük
gelenekleri takip etmenin ve ritüelleri yerine getirmenin ne kadar önemli
olduğunu öğrenme fırsatına sahiptir. Yaratıcı sürecin bireysel detayları, büyük
ihtimalle tamamlanan çalışmayı inceleyerek neredeyse hiç görülemeyecekleri veya
anlaşılamayacakları için, halkın (ve genellikle öğretmenlerin) hiç ilgisini
çekmez. Örneğin Hemingway daktilosunu yemek masasının üzerine koyar ve her
zaman ayakta yazardı. Ayağa kalkmıyorsa yazmıyordu. Elbette bu sıra dışı
alışkanlığı hikayelerinde kendini göstermiyor ama bıraksaydı, muhtemelen hiç
hikaye olmazdı.
Yaratıcılıkta en zor şey, işini tekrar tekrar bitirmeyi başaracak
şekilde yaşamaktır. Her şeyden önce, bu, size iyi hizmet edecek daha fazla
numara bulmak anlamına gelir. Bir sanat eseri, etkili kalıplara göre yaşanmış
bir hayatın dışa vurumudur. Zamanla, üretken bir sanatçının cephaneliğinde
yararlı gelenekler ve pratik teknikler birikir ve bitmiş işler zincirini
genişletmeyi mümkün kılar. Ve gerçekten mutlu anlarda, bir teknikten daha
fazlası oldukları ortaya çıkıyor ve kendi mutlak bütünleyici estetiklerini
kazanıyorlar. Şekil ve duygu arasındaki bağlantıyı kuran hem aile ocağınız hem
de işyerinizdir. Bir mazurkanın koyu renkleri veya asimetrik deseni gibi,
yaratıcısının hayatından ayrılamazlar. Bunlar kanonlardır. Güven ve odaklanma
eklerler. Belirli bir bilgi olmadan yapmanıza izin veriyorlar. Mekanik ve ifade
edilemez olanın öyle kalmasına izin verirler. Kendi işinizi bulduğunuzda, hangi
özelliklerin olabileceği önemli değil.
Bankacılar akşam yemeği için bir araya geldiklerinde
sanat hakkında konuşurlar. Sanatçılar akşam yemeği için bir araya geldiklerinde
para hakkında konuşurlar.
Oscar Wilde
VI_ _
Uzağa bakmak başka, oraya gitmek başka.
Konstantin Brancusi[53]
İÇİNDE |
Sanatın tüm sorunları, sanatçı tarafından
benzersiz biçimde kişisel olarak görülür. Bu anlaşılabilir bir durum, çünkü
dünyada öz-değer duygumuza düzenli olarak meydan okuyan çok fazla aktivite yok.
Bu çok, gerçekten kişisel problemler, bir sanat eserinin yaratılmasıyla
ilişkilidir.
sanat. Ancak bir sanat
eseri yaratılır yaratılmaz, sanatçının dış dünyayla ilgilenmesini
gerektiren yepyeni bir dizi sorun ortaya çıkar. Bunlara sıradan problemler
diyelim.
SORUNLAR
Her ne olursa olsun, sıradan problemler hiç de önemsiz değildir.
Bu arada, sanatçının neredeyse tüm zamanının çoğunu yiyorlar. Tanınmış bir
ressam, birkaç ay dikkatli bir şekilde kayıt tuttuktan sonra iç karartıcı bir
sonuca vardı: Tablonun kendisi için, en iyi ihtimalle ayda bir hafta
kadar boş yer ayırabilirdi, ancak kalan yirmi küsur gün kaçınılmaz olarak
giderdi. ya galeri işi, stüdyoda temizlik, teslimat hizmetiyle etkileşim ve
benzerleri için. Ahlaki: Sanatın, sanatın kendisinden başka yapacak çok şeyi
vardır. Çoğu durumda, bugün ürettikleriniz yarın ancak sanat alanındaki eğitim,
çeşitli vakıflar, eleştiriler, yayınlar, sergiler ve sunumlarla belirlenen
geniş sosyal ağ sayesinde kamuoyunu bulur.
Diğer birçok durumda, ne yazık ki, sanatınız bu ağa rağmen
dünya üzerinde bir izlenim bırakıyor . Sanatlarını daha geniş bir kitleye
tanıtmaya yönelik çok sayıda girişim, yalnızca toplumumuzda ekonomik çıkarlarla
inançlarımızı uzlaştırmanın son derece zor olduğunu kanıtlıyor. Pek çok evde
sanat tehlikeli, işe yaramaz, elitist, pahalı ve şımarık Doğu Kıyısı
liberallerinin mali desteğine hayati derecede bağlı olarak görülüyor.
Sanatçıların kendilerinin daha iyi olmadığı yargısına varılıyor, onları
yalnızca günah dolu bir hayattan zevk almakla kalmayan, aynı zamanda bunu
kesinlikle vergi mükelleflerinin pahasına yapan abartılı yıkıcılar olarak
tasvir ediyorlar!
Bunu söyledikten sonra ,
yazarlar, kaç pislik bunu hak ederse etsin, gelecekteki muhakemelerinin kinizmi
üzerine kendi kendine empoze edilen bir moratoryum ilan etmek istediler.
Teşekkür ederim.
Yönetim
Her durumda, böyle bir tutumun nedenlerinde veya sonuçlarında
olağandışı bir şey yoktur. Bazı sanatlar doğası gereği yıkıcıdır. İzleyicinin
dünyayı niteliksel olarak yeni duyumlarla algılamasına izin veren gerçek bir
sanat eseri, kaçınılmaz olarak eski görüş sistemini sorgular. Bu bir rahim mi? Söylemeye
gerek yok! Sanat ne kadar çarpıcı olursa, izleyicinin ilk tepkisinin öfke
ve inkar olması ve ardından linç edecek birini aramaya başlaması o kadar
olasıdır. Ve sanatçı en uygun aday, çünkü kötü haber getiren haberciyi idam
etme gibi eski bir âdetimiz hâlâ var.
, bir dizi açıkça romantikleştirici eşcinsel imajı yaratan
fotoğrafçı Robert Mapplethorpe'un [54]durumudur . Ancak zulüm,
ölümcül hasta olduğu ortaya çıkan Mapplethorpe için pek bir şey ifade etmiyordu
[55]. O
dönemde, sanatı destekleyen aktif kuruluşlar (özellikle Ulusal Sanat Vakfı, NEA)
kontrol altına alındı. Orada aşırı incelikten muzdarip olmadılar: sadece
aldılar ve “sosyal normları” ihlal eden eserler üreten veya sergileyen
sanatçıları ve müzeleri finanse etmeyi durdurmakla tehdit ettiler.
Elbette karşı protestolar oldu ve sonunda Mapplethorpe'un
çalışması halkın karşısına çıktı, ancak sanat camiası için bu ilk zildi: Çok
ileri giderseniz, ardından ceza gelir. Buna seçici sansür diyelim: ifade
özgürlüğü, bir sanat eserinde ifade edilene kadar size garanti edilir. Amerikan
ahlakının bu oyunuyla ilgili çarpıcı olan şey, tehdit belirdiğinde hükümetin
kendi çıkarlarını hukukun üzerinde tutması değil, bunun gelecekte neyle
sonuçlanacağını kimsenin tahmin edememesidir. Biraz tarihsel arka plan:
Amerikan
Devrimi körükleyen
İngiliz tahtının sübvansiyonları değildi.
Sansür kuşkusuz sanatçıyı yorar. Ve (en azından bir sanatçı için)
biraz daha az belirgin olan sansür çok doğal. Ne de olsa, vahşi doğada bile
sürüden kurtulup kendi yoluna gidenler yenilir. Toplumda her şey çok daha
karmaşıktır, ancak bilinmeyene karşı temkinli bir tutum hayatta kalmak için
gerekli bir faktördür. Toplum, doğa ve yaratıcılık ihtiyatlı yaratıklar üretme
eğilimindedir.
İkilem, temayı ve malzemeyi geliştirirken sanatçının her zaman
tedbirsiz olması gerektiğidir. Yaratıcılık sürecinde bilinmeyeni ve aynı
zamanda değişimin getirebileceğinden korkanların paranoyasını uyandırırsınız.
Güneyli bir senatörün gazabına uğrama korkusu ifade özgürlüğünüzü
kısıtlayabilir , ancak dikkat önce geldiğinde durum çok daha kötüdür. Ne de
olsa çoğu insan, bırakın sizinkileri, kendi inançlarını analiz etmek için
hiçbir neden görmüyor.
Ve yapmalılar mı? Sanatsal ve başka bir bakış açısından,
geldiğimiz dünya zaten başkaları tarafından keşfedilmiş ve ayrıntılı,
ayrıntılı, kapsamlı ve genel olarak uygun bir şekilde tanımlanmıştır. Birkaç
bin yıl boyunca insanlık, dile, sanata ve dine göre değişen devasa bir dünya
gözlem koleksiyonu topladı. Bu gözlemler tutarlı bir şekilde birçok, birçok,
birçok teste dayanmıştır. Bu yüzden çok miktarda fabrikasyon miras aldık.
Bize miras kalanların çoğu o kadar gerçek ki
farkına bile varmıyoruz. Dünyaya tam olarak uyuyor. Bu dünya . Ancak
atalarımızdan bize geçen kesin olarak tanımlanmış bir dünyanın bolluğuna ve
değişkenliğine rağmen, herkes için uygun değil. Çoğumuz zamanımızın çoğunu
başkalarının dünyalarında geçiriyoruz: öngörülen işi yapmak, icat edilmiş
şeylerle eğlenmek. Bu hazır dünya ne kadar rahat olursa olsun, periyodik olarak
bir şeylerin eksik olduğu veya bir şeylerin gerçek olmadığı hissi vardır. Ve
sonra arkanıza yaslanın ve zaten var olan sete yeni bir şey getirerek dünyayı
tamamlayın. Hiç şüphesiz, yaratıcı eziyetin en şaşırtıcı ödüllerinden biri,
diğer insanların sizin yarattığınız dünyayı ziyaret etmek için acele
etmesidir . Dahası, bazıları ondan bir parça alabilir veya kendilerininmiş gibi
alabilir. Sanatınızın her yeni eseri, gerçekliğimizi genişletiyor .
Dünya henüz tamamlanmadı.
SANATTA UYUŞMAZLIK KONULARI
Bir Güzel Sanatlar Yüksek Lisansının, MFA'nın
(hatta çağdaş sanat bilgisinin) yaratıcılık için bir ön koşul olmadığını not
etmek zararsızdır. Ne de olsa sanat, sanat bölümlerinden çok önce, kimse
ustaların eserlerini sınıflandırmaya veya toplamaya başlamadan çok önce ortaya
çıktı. Ancak günümüzde çoğu sanatçının geçimini sağlamak için özel bir
eğitimden geçmesi, çağdaş sanatın trendlerinden haberdar olması ve en azından
galerilerde veya topluluklarda listelenmesi gerekiyor.
Açıktır ki (faydalı olmasa da), bu zincirdeki her halka, rolünün
ana ve hayati olarak kabul edilmesiyle çok ilgilidir. Bir sanatçının olağan
görevlerinden biri, sanat kurumu ve onun değerleriyle barışmanın bir yolunu
bulmaktır. Onunla birleşmek gerekli değil, dikkat edin - sadece uzlaştırın. Bu,
yalnızca çalışmanızın öngörülebilir bir gelecekte sergileneceğine,
yayınlanacağına veya icra edileceğine dair güvene ihtiyacınız varsa önemlidir.
Fark edilme ihtiyacı
çoksa sorun yok. Ancak bugün birçok sanatçının hissettiği endişe, kalplerini
koydukları iş ile küratörler, yayıncılar ve diğer patronlarla sahip oldukları
duygusuz iş ilişkileri arasındaki uyumsuzluğu ele veriyor. Bu sorunun önemini
abartmak zordur. Sanat dünyasında yerinizi bulmak, orada size bir yer varsa,
kolay bir iş değildir. Ve işte çağdaş sanatta kesin olarak bilebileceğiniz
birkaç şeyden biri: ne tür sanatın - ve hangi sanatçıların - bu şekilde
sınıflandırılacağına her zaman başka biri karar verir. Bu çağ utangaçlığa,
beceriye ve duyarlılığa karşı acımasız oldu.
Yarışmayı kimse iptal etmedi. Kanımızda var. Bu kimya. İyi
atletler , öndeki koşucunun geçilebileceğinin farkına varmanın getirdiği
enerji patlamasına kendilerini kaptırırlar . İyi sanatçılar sergilerde ve son
teslim tarihlerinde, ara vermeden yirmi saat çalışarak -çömlekler sırlanmalı ve
uygun şekilde pişirilmelidir- bir sonraki çalışmada bir öncekinden daha
iyi performans gösterirler. Rekabet etme arzusu yılmaz bir enerji verir ve
sadece bu amaç için faydalıdır. Sağlıklı bir sanat ortamında bu enerji içe
yönelir, ustanın kendi potansiyelini besler. Sağlıklı bir sanat ortamında
ustalar birbirleriyle rekabet etmezler.
Ne yazık ki, sağlıklı sanatsal ortamlar tek
boynuzlu atlar kadar yaygındır. Rekabetin makul olmayan bir seviyeye
yükseltildiği ve kimin kazandığına karar vermek için katı ve net kriterlerin
belirlendiği bir toplumda yaşıyoruz. Sanatçıları, yarattıkları eserlere (elma
ve vals gibi birbirinden farklı olabilen) odaklanmaktansa, onlara liyakat için
verilen rozetlere göre sınıflandırmak (karşılaştırma yapmak daha kolaydır) çok
daha uygundur. Ve eğer öyleyse, yarışma yaratıcılığın kendisine değil, tanınma
ve onaylanma sembollerini biriktirmeye odaklanır - NEA hibeleri, Galerie
dujour'da sergiler \ The New Yorker'daki kişisel profiller ve
benzerleri.
Uç noktalara götürüldüğünde, bu tür bir rekabet,
kişinin kendi başarılarının başkalarının başarılarıyla gereksiz (ve genellikle
yıkıcı) bir karşılaştırmasına yol açar. WC Alanları[56] [57]Charlie Chaplin'den sadece
bahsedildiğinde öfkeye kapıldı ; Milton, Shakespeare'in hayaletinden
ayrılmadan hayatı boyunca depresyondaydı [58]; Salieri, müziğinden Mozart'ın
müziğiyle bağlantılı olarak bahsedildiğinde genellikle çıldırırdı. (Ve hangimiz
böyle bir karşılaştırmadan hoşlanır ki?!) Tanınmaktan hak ettiğiniz payı
alamadığınız korkusuna, acı bir duygu ve öfke eşlik eder. İş arkadaşınızdan
aşağı olduğunuz korkusuna depresyon eşlik eder.
Pek çoğumuzun daha yüksek olmadığı ve başka biri
gıpta ile bakılan bir burs aldığında gurur duymadığımız veya aynı hedefe
ulaşarak ruhun derinliklerinde zafer kazanmadığımız söylenmelidir. (Kingsley
Amis, [59]yeni bir
romana başladığında, güdülerinden birinin "Bu sefer onlara
göstereceğim!") olduğunu itiraf etti. Ancak hayali rakipleriniz
varlığınızdan haberdar değilken zafer ilan etmek en azından zordur, özellikle
de bazıları yüz yıldır vefat etmişken. Kazanmamaları oldukça olasıdır,
ancak er ya da geç yine de mağlup olacaksınız. Bazı karşılaştırmalarda fiyasko
neredeyse kaçınılmazdır.
Kriterler ne olursa olsun tüm rakiplerin bir özelliği vardır:
Çetenin neresinde olduklarını bilirler. Bilgili rakipler, puanlarını sürekli
kontrol eder. Saplantılı rakipler kendilerini bu konumla özdeşleştirirler;
hareket düzensizdir, arada bir işe yarar (eğer işe yararsa), ancak onları daha
çok çalışmaya iten ve neredeyse her zaman başarılı kariyerlerle sonuçlanan bir
enerji kaynağını harekete geçirir. Kişinin "ben" duygusu, dış
dünyanın belirlediği konuma doğrudan bağlı olduğunda, yüksek beğeni sağlayacak
eserler yaratma motivasyonu muazzam bir şekilde artar. Kendinize işin iyi
olduğunu nasıl söyleyeceğinizi bilmiyorsanız, dünyanın geri kalanının size
söylemesini sağlamaya çalışırken gerçek bir başarı elde edebilirsiniz.
Teorik olarak, kesinlikle güvenilir bir yol, ancak yeteneğiniz
için doğru ölçüyü seçmek oldukça zordur. Sanatta rekabet etmek aldatıcı bir
iştir, çünkü en iyi çalışmanızın ne olduğu konusunda nadiren fikir birliği
vardır. Üstelik her yeni çalışmada, önceki başarıları geride bırakması veya
onlardan daha düşük olması o kadar önemli değil; önemli olan ne kadar benzer
veya onlardan ne kadar farklı olduğudur. Bu nedenle, Bach'ın iki fügünü statüye
göre değil, inşa edilme biçimlerine göre karşılaştırmak mantıklıdır.
“favoriler” listenize girsin ya da girmesin , her
iş kendi başına bir can alıyor . Ne de olsa onlar senin çocukların. Sanatta tek
bir soruya pek çok doğru yanıt vermenin gereksiz olmadığı göz önüne
alındığında, olası varyasyonları göz önünde bulundurmanın sizin göreviniz
olduğu bile eklenebilir. Elverişli zamanlar, tüm unsurları (galeri duvarlarını
görmeye mahkum olmayan başarısız eskizler bile) oyuna katılma şansı kazanan
büyük ölçekli çalışmalara ilham veriyor. Bir refah döneminde, içsel
güdüleriniz ile ustanın yeteneği arasında ayrım yapmayı nadiren bırakırsınız,
son teslim tarihinin bitmesinin neden olduğu heyecan ve yeni bir fikrin
cazibesi - tüm bunlar çalışmalarınıza eşit derecede enerji verir.
SİSTEMİ KULLANMA YETENEĞİ
Sanatçıların oldukça tuhaf oldukları ve şaşırtıcı bir şekilde
zekice sisteme zaten uygulamayı planladıkları şeyi ödetebilecekleri ortaya
çıktı. Michelangelo, Kilise ile yaptığı bir anlaşma kapsamında Sistine
Şapeli'nin tavanını boyadı; Ansel Adams, İçişleri Bakanlığı için Moonrise
Hernandez'i yönetti . [60]Ames'in
mobilyaları ve Avedon'un [61]moda
fotoğrafları, sanatın ticarileşme ve düpedüz saçmalık karşısında bile zafer
kazandığını açıkça gösteriyor. Ve genel olarak, pek çok sanat eserinin,
özellikle Parthenon veya Vietnam Gazileri Anıtı gibi büyük ölçekli eserlerin ,
üzerlerinde çalışma başlamadan önce bile kendi tüketicileri olduğuna dair kanıt
sağlamak zor değil .[62]
ticarete aktığı için, "talep üzerine
çalışmanın" daha fazla yaratıcılık üzerinde iz bırakmasına izin vermek
imkansızdır . Müşteriyi işi doğru bir şekilde nasıl çözeceğinizi yalnızca
sizin bildiğinize ikna etmeniz gerektiğinde, görev özellikle yaygın (ve yüksek
ücretli) sanat biçimlerinde zordur.
Bazı sanatçılar için bu, kendileriyle bir
uzlaşmadır (veya belki bir çıkmaz sokak). Noel tatillerinde, bale toplulukları
(en ünlüleri bile) Fındıkkıran'ı defalarca verir, çünkü bilet satan tek şirket
odur, böylece kar sezon sonuna kadar devam eder. Böylece, bild editörleri,
derginin içeriğini değiştirmeden, hangi resimlerin büyük bir baskı tirajının
maliyetini haklı çıkarma olasılığının en yüksek olduğunu oldukça hızlı bir
şekilde anlarlar.
Yine de, diğer birçok yaratıcı insan için sanat
sistemiyle etkileşime girme girişimleri tam bir felakete dönüşüyor. Yaratıcı
faaliyetin anahtarı olan hayal gücünün serbest uçuşu, her zaman aynı zarif
defter tutmayı garanti etmez. Bununla birlikte, çoğu zaman, özenle öz disiplin
uygulayan sanatçılar bile (örneğin, yalnızca iambik beşli ölçüyle yazan veya
yalnızca piyano için beste yapan) bile, dış baskıyla başa çıkmaya hazır
olmadıklarını açıkça gösterirler. Bir gün, Edward Weston'ın iyi niyetli
arkadaşları, bir kahve şirketini sanatçıya bir dergi reklamı için bir dizi
natürmort yaptırmaya ikna ettiler. Tek şart, her fotoğrafta, kompozisyonun bir
kısmında bu firmanın ürünlerinin yer almasıydı; Bununla birlikte, küçük
nesneleri fotoğraflama yeteneği efsanevi olan Weston, bu tür nesnelerden biri
olarak bir kahve kutusu yapmak zorunda kaldığı için tamamen çılgına döndü [63].
İdeal olarak (en azından sanatçının bakış
açısından), yaratıcılık için kritik olmayan tüm şeylerle başa çıkmanıza
yardımcı olması için sanatsal sistem çağrılır. Bu, sizi besleyen şeylere karşı
sağlıklı bir tutumdur çünkü bazı sanat biçimleri (özellikle sinema ve
edebiyat), dışarıdan önemli bir yatırım yapılmadan hiçbir zaman bir fikirden
gerçeğe dönüşmeyebilir. Yazarlar genellikle müsveddeleri gönderir ve sonraki
tüm süreçleri (düzeltme, mizanpaj, baskı, dağıtım ve tanıtım) yayıncıya
bırakır. Hatta bazı sanatçılar, halkla etkileşimi çalışmalarının önemli bir
parçası haline getiriyor. Christo'nun çeşitli "kılıfları", nispeten
küçük bir grup insan tarafından doğrudan algılanan bir performans biçimidir,
ancak performansın kaydı, haritalar , çalışma çizimleri, yönetime
mektuplarla birlikte müzelerde sergilenen bağımsız bir eser haline gelir.
dünyadaki şehirlerin sayısı, lojistik planları vb. Bugünün sanat sisteminin
geniş kapsamının tüm bu işaretleri sizi ikna etmiyorsa, bir tane ciddi sonuç
düşünün: bir gün öleceksiniz ve bu sistem tüm sanatınızı kontrol edecek.
Ancak modern ekonomi ve pazarlama koşullarında
bir sanat insanı nesli tükenmekte olan bir tür olduğundan, rahatsız edici bir
soru ortaya çıkıyor: neden her yeni nesilde, yalnız bir ustanın kalbinin bir
sonraki çağrısı efsanesi her zaman yeniden canlanıyor?
Bir zamanlar sanatı değerli bir arayış haline
getiren şey üzerine düşünerek olası bir cevaba ulaşılabilir. Yapıtın yönünü,
sanatçı ile eseri, ya da sanatçı ile malzeme ya da sanatçı ile tema arasındaki
ilişki sonucunda ortaya çıkan ve genel olarak doğru gibi görünen sorunlar
belirler. Bu tür çalışmalar, belirli bir dönemin ortamına karşılık gelip
gelmediğine bakılmaksızın, her zaman anlamlı görünmektedir.
İkinci cevap daha fazla şüphe uyandırıyor ve
sanatın derin kökleriyle ilgili: faydacı ve ritüel. Uzun zaman önce acil
ihtiyaçlar bir kez verildikten sonra, sanata kültür içinde ayrı bir yer
sağladı; o zaman kendini ifade etme (böyle algılanmasa bile), daha önemli
hedefler adına kişisel deneyim ve beceriyi birleştirmeye yardımcı oldu. Ancak
bir mağara duvarındaki ilk bizon imgesiyle şekillenen ve büyük dinler çağında
bu kadar görkemli bir şekilde gelişen ritüel, daha sonra "dünyevi
heves" izine kaydı. Ve ilk zanaatkarların obsidyen ok uçlarından
çömlekçiliğe kadar her nesnenin şeklini incelediği faydacılık, yığın ve seri
üretime yol açtı. Bugün, sanatın kültür içindeki yeri boşken, kendini ifade
etmek kendi içinde bir amaç haline geldi. Belki de en sağlıklı durum değil ama
en sağlıklı zamanda yaşadığımızı kimse söylemedi.
V II
DÜNYA
Kızım yedi yaşındayken
bir gün bana nerede çalıştığımı sordu. Üniversitede insanlara nasıl
çizileceğini öğreterek çalıştığımı söyledim.
Bana inanamayarak baktı
ve "Unuttular mı demek istiyorsun ?" dedi.
Howard Ikemoto'
1 Howard Ikemoto (1939 doğumlu),
Japon kökenli Amerikalı bir sanatçıdır. Onun için çizim, özellikle çocuklar
için sanattan çok daha fazlasını ifade ediyor: kendi hatıralarına göre, ailesi
Amerika Birleşik Devletleri'ne taşındıktan sonra İngilizce bilmeden akranlarıyla
çizimler yoluyla iletişim kurdu. Cabrillo College'da (Aptos, California)
(1966-2000) resim dersleri verdi. Halen soyut ve nesnel olmayan resim
yapmaktadır.
gerçekten faydalı olduğu şeklindeki önemli ilkeyi kabul ederek
sohbete başlamak istiyor . Doğru, çok büyük bir fayda değil ve kural olarak tam
olarak spesifik değil. Ama yine de getiriyorlar. Bu oldukça önemsiz bir ifade
gibi görünebilir, ancak unutmayın, en ünlü mezunların örgün eğitime meydan
okuyarak kendilerinden "hayatta kalanlar" olarak bahsettikleri bir
alandan bahsediyoruz.
Dahası, bir öğrenci ya da öğretmen olarak bir sanat eğitimi
sisteminin parçası olma düşüncesi, pek çok kişi için sağanak bir ölü kedi
yağmuru altında durma olasılığı kadar çekicidir. Dışarıdan bakıldığında okul
ortamı sadece kişiliği bastırmakla kalmıyor, aynı zamanda kritik anlarda
kendini kötü tavsiye ediyor. Bununla ilgili pek çok korkunç hikaye var. Bir
öğretmen gibi birinin üçüncü sınıf öğrencilerine Noel yapımında ağızlarını
açacak kadar kötü şarkı söylediklerini söylemesi hepimizi gücendirmiştir. Ya da
rock'n roll ya da sinematografiyi dersten çıkaran sanat tarihi öğretmeni gibi
gülerek "Bu sanat değil."
Ve her gün eğitim sorunlarıyla karşılaşanların
gözünden bakarsanız, elbette her şey daha karmaşık hale gelecektir. Ve kişisel
seviyeyi etkileyecektir. Yine de, üniversite camiasının karşı karşıya olduğu
ikilem, koşullarının yalnızca sanatçı olmayı arzulayan öğrencilerin değil,
aynı zamanda sanatçı olarak kalmak için var gücüyle çabalayan öğretmenlerin
ihtiyaçlarını da hesaba katması gerektiğidir .
ÖĞRETMENLERİN
SORUNLARI
Bu bir paradoks, ancak kural olarak sınıfın
eşiğini geçmeden önce bile öğretmeye hazırlanan bir sanatçı zaten mahkumdur [64]. Zaten
istihdamın ilk aşamasında, öğretmenlik nitelikleri yeterince objektif olarak
değerlendirilmez. Tipik anketlerden, öğretimin kalitesi hakkında çok az şey
öğrenilebilir, ancak her zaman nicel göstergelerini belirtmenin gerekli
olduğu bir sütunları vardır. Sonuç olarak, yeni dönüştürülmüş güzel
sanatlar ustaları kendilerini pedagojik işgücü piyasasında her zaman top yemi
olarak bulurlar, güçlerini test etme fırsatı verilmeden "elenirler".
Ek olarak, yeni başlayan birinin potansiyelini göz ardı eden aynı sistem,
genellikle deneyimli bir uzmanın başarılarına şüpheyle bakar. Yazar, bir
üniversite işe alma komitesinde görev yaptığını ve bir keresinde iki adayın
başvurularını karşılaştırmak zorunda kaldığını hatırlıyor: İlki, yerel Parklar
ve Rekreasyon Departmanı tarafından desteklenen bir yaz programında üç yıl
geçirdi ve ikincisi, Harvard'daki aynı Sanat Fakültesinde çalıştı. . Devlet
direktifine göre, her iki adayı da “üç yıllık öğretmenlik deneyimi” şartını
yerine getirdiği için her iki adayı da kabul etmemiz gerekiyordu; Başvuru
sahiplerine kalite temelinde ayrımcılık yapılması kesinlikle
yasaklanmıştır.
Ancak pedagojik yetenekler istatistiklere
indirgenirse, sanatsal olanlar burada (ki bu çok şaşırtıcı) değerli bir
niteliğe dönüşür. (Aramızda kalsın, üniversiteler değerli sanatçıları çekmekte
nadiren sorun yaşarlar - sanat, öğretmen ve sanatçı arasında şüpheli bir ayrım
yapar: İlk durumda, daha çok kazanırsınız.) Nihai seçim genellikle adayın
sanatsal ortamdaki konumuna bağlıdır: etkileyici bir sergi veya yayın
incelemesinden, ciddi bir eleştirel incelemeden, meslektaşları tarafından
tanınma, prestijli hibeler ve burslar, ilgili çevrelerde ne kadar süredir
bulunduğu - tüm bunlar yardımcı olur. Dünyanın en iyisinde, böyle bir
değerlendirme kriteri çok doğru olacaktır; ancak akademik dünyada felakete yol
açar. Tabii ki, yüksek öğrenim birinci sınıf sanatçıları smaçlamakta en
iyisidir, ancak onları destekleyemez.
Nesnel olarak, zorluklar zaten önceliklerin belirlenmesinde
tamamen yapısal bir düzeyde ortaya çıkar. Doğrudan öğretime daldıktan sonra,
kendi yaratıcılığınızı en azından onda ters giden bir şeyden
koruyabilmeniz pek olası değildir . Bir atasözünde olduğu gibi: iki tavşan
kovalarsan birini yakalayamazsın.
Kural olarak, önce yaratıcılığın tavşanı gözden kaybolur.
Öğretirsen, kalıbı bilirsin. Akademik haftanın sonunda, yaratıcı güçler sadece
kili yoğurmak veya fırçaları yıkamak için yeterlidir. Ve dönemin sonunda,
bitmemiş işler (ve zarar görmüş ilişkiler), herhangi bir yeni çalışma
düşüncesini bile ortadan kaldırabilir. Gerçek bir tehdit var (ve pek çok örnek
var), öğretmeye başladıktan sonra sanatçının yavaş yavaş tüylü deri gibi
küçülmeye başlaması ve ondan yalnızca bir zamanlar sanat yapmış bir öğretmenin kalması.
Kişisel sergiler anılara dönüşecek, eski eserler sıradan karma sergilerde
dolaşacak ve sonunda her şey duman gibi dağılacak. Buradaki geri dönüşüm
süreci, bilim kurgudaki gibi organize edilmiştir: Yeni sanatçılar yaratan aynı
sistem, eski sanatçıları da yaratır.
Senaryonun düpedüz çökmekte olduğunu söylemek
mantıklı değil. Ancak bu mutlak değildir ve kaçınılmaz değildir. Ve burada
kendinize şu soruyu sorabilirsiniz: Biraz daha az sanat yapmanın nesi yanlış?
Çevreler ne olursa olsun, çocuklarınız önemlidir ve işin kendisi gerçekten
iyi bir amaca hizmet eder - tüm bunlar, zamanınıza ve enerjinize değer. Öte
yandan, akademik çevreden ayrılmadan yaratıcılıkla meşgul olma eğiliminizi
hesaba katan ve hatta mükemmelleştiren stratejiler - isterseniz sanatsal
stratejiler - vardır. Her neyse, bunların çoğu, sanatçılar arasında yaygın
olan, öğretmenliğin tek telafisinin öğretmenlik olduğu görüşüne dayanıyor .
Öğretiyorsanız, etkileşimden öğrencileriniz kadar sizin de
faydalandığınızı bilirsiniz. Öğrenme stüdyosu, fikirlerin bir pazarlık kozu
haline geldiği bir tür forumdur. Burada, inanılmaz potansiyele sahip genç bir
düşüncenin enerjisini emmenize izin verilir. Buradaki rolünüz, bir sonraki
sanatsal nesli şekillendirmek. Hayatınızı kurtarır. Öğretmek sanatçı olmaktır.
Bu nedenle, öğrencileriniz için ana hediye, yaratıcı bir şekilde
aktif bir sanatçı örneği olan kendi örneğiniz olacaktır. Filozof George
Santayana hakkında bir anekdot anlatılır: Harvard'da ders verirken bir öğrenci
ona yaklaşmış ve gelecek dönem hangi dersleri almasının beklendiğini sormuş.
Santayana yanıtladı: "Santayana I, Santayana II ve Santayana III üzerine
bir seminer [65]. "
Bu ana şey. Hayatınız, bir sanatçı olmanın ne
anlama geldiğinin bir örneği olduğu kadar, genellikle yaratıcı sürece eşlik
eden zamanların ve koşulların, olayların ve duyguların, cesaret ve korkunun
değişimine dair bir belge ve kanıt koleksiyonudur. Deneyiminiz, genç
sanatçılara, seçtikleri yolun gerçekten bir yere vardığını, gerçekten aynı
yolda olduğunuzu ve aranızda sadece onların önüne geçmeyi başardığınız zaman
olduğunu kanıtlıyor. Kişisel iletişimde, iyi öğretmenler sırlarını
öğrencilerine, bazı sanatsal ve entelektüel yakınlıklara tabi olarak,
başkalarının sanatçıya şu veya bu başarının nasıl verildiğini ve sadece
başarılı olduğunu değil, bilmelerine izin verildiğinde açıklar . Öğretmenin ve
öğrencilerin yaşamları ile onların sanatı arasındaki sınırın bulanıklaştığı
hazır oluş, teknolojiye anlam katıyor ve bize, öğrencinin henüz büyüyüp
büyümediği dönüm noktalarına güvenmeyi öğretiyor. Bu durumda eğitim, harika
fikirler ve harika insanlarla tanışmak için doğal bir ikramiyedir.
Böyle bir etkileşimin başarılı olması için, kişinin hem sanatsal
hem de öğretimsel bağımsızlığının korunması her şeyin üstünde tutulmalıdır. Bu
hiç de kolay değil, özellikle de üniversite sistemi yaratıcılığın önüne
engeller koyma eğiliminde olduğundan. Örneğin, California'da, devlet
üniversitesi öğretim üyelerinin dersleri olmasa bile her gün kampüste olmaları kanunen
zorunludur. Ve her günün geri dönülmez bir şekilde parçalara ayrılması, çok
büyük zaman dilimlerini yaratıcılık için uygunsuz hale getiriyor. Dahası, hem
öğretme hem de yaratıcılık için zaman, gereksiz idari işlerden sürekli olarak
kazanılmalıdır. Felaketin ölçeği her yerde farklı. Oregon Üniversitesi'nde,
sanat bölümünde, toplantılar ve ofis mektupları yazmanın düzenli olarak haftada
yirmi saatlik değerli zamanı tükettiğini hatırlıyorum. Ayrıca (sevgiyle)
Stanford Üniversitesi'ndeki sanat bölümünün tüm bir akademik yıl boyunca tek
bir toplantı planladığını ve ardından çoğunluk sağlanamadığı için iptal
ettiğini hatırlıyorum!
İki cephede savaşmak çok
hoş değil ama ne kadar havalı olsa da hem yaratıcılığa hem de bunu öğrencilerle
paylaşmak için zaman ayırmanız gerekiyor. Çoğu zaman yararlı faaliyetler için
zaman, böyle olmayan herhangi bir faaliyetin reddedilmesi için bir ödül olarak
oluşturulur . San Francisco Eyalet Üniversitesi'nde uzun yıllar
fotoğrafçılık dersi veren sanatçı ve eğitimci Jack Welpott'un çalışmaları , [66]bu
yaklaşımın etkinliğini açıkça gösterdi. Walpott'a bölümde tam zamanlı
çalışırken nasıl bu kadar iyi öğretebildiği ve kendi sanatının çoğunu nasıl
yapabildiği sorulduğunda, fotoğrafçı şu yanıtı verdi: "Uygulamalı sanatlar
bölümünde işe girdiğim günden itibaren, tuhaflıkları olan adam. Notlara yanıt
vermeyi "unuttum", fakülte toplantılarına gelmedim ve yaklaşık bir
yıl kadar sonra benden yanıt istemeyi bıraktılar."
İdealizm birçok kurbanla doludur. Eğer bir sanatçıysanız, aynı
zamanda bir öğrenci olmanızın istatistiksel olarak yüksek bir olasılığı vardır.
Bu sanatı öğrenme arzusu takdire şayan, ancak bu alanda elini deneyenler
arasındaki uğursuz okulu bırakma oranını da unutmayalım. Yine de, şok edici
sonuç şudur: Çoğu insan öğrenci olmayı bıraktığında sanat yapmayı da bırakır.
Böylesine iç karartıcı bir açıklamadan sonra,
sanat eğitiminin faydalı olduğu şeklindeki orijinal ilkemiz, neredeyse akademik
binlerce soruyu gündeme getirecektir. Bu fayda tam olarak nedir? Neden akademik
bir ortamda sanat eğitimi almalısınız? Ve "sanat okumak" ne anlama
geliyor? Hangisi daha iyi, evrensel gerçekler konusu üzerinde düşünmek mi,
sanatta yeni ufuklar keşfetmek mi, yoksa şan ve kadere hizmet etmek mi?
Bir sanatçı için en uygun eğitim yapısının ne
olduğu konusundaki tartışmalar iki asırdır bitmedi ve bu konuyu aşağıdaki
birkaç cümleyle bir anda çözebilmemiz pek olası değil. Bir yığın seçenekten
herhangi birini desteklemek için ikna edici argümanlar toplayabilir, iyi
örnekler verebilir, seçkin mezunlar (ve yeni gelenler) hakkında
konuşabilirsiniz. Çok çeşitli fırsatlara sahip olmak ideal olacaktır: kolejler,
sanat okulları, atölyeler, çıraklık, stajlar, kendi kendine eğitim ve daha
fazlası. Gerçekte, sadece iki olasılık vardır: üniversite ve "geri kalan
her şey".
Çoğunlukla bir yapı meselesidir. Üniversitenin avantajı, orada aynı
anda sanat, fizik, antropoloji, psikoloji ve edebiyat okumakta özgür
olmanızdır . Üstelik “geri kalan her şey” dar bir uzmanlık alanı içinde, tüm
enerjinizi her zaman sadece sanata yönlendiriyorsunuz.
Şaşırtıcı olmayan bir şekilde, her iki seçeneğin de dezavantajları
vardır. Üniversite çok büyük ve uzak görünebilir, ancak uzun süredir kendinden
şüphe duyduğu genç bir sanatçının becerisi ve kendi vizyonu ortaya çıkana kadar
ilgilenilmesi gerekir. Ayrıca üniversitede birçok sanat dersi isteğe bağlıdır:
derslere sanatın ana konusu olmayan öğrenciler katıldığından ve
erişilebilirliği korurken, bu müfredat "kanamalı", yani mesleki
derinlikten kurtulmuş görünmeye zorlanır. (Eğer
sanatta uzmanlaşan öğrenciler diferansiyel ve integral hesap
derslerine "eğlenmek için" gitmeye başladılar, matematik öğrencileri
bunun öğrenmelerini nasıl engellediğini şüphesiz fark edeceklerdi!) Ve tam
tersi, atölyelerde ve küçük eğitim kurumlarında sanata o kadar odaklanılır ki keşfetmek
üzere olduğunuz dış dünyayla bağlantınızı kaybetme riskiyle karşı karşıya
kalırsınız. Öyle ya da böyle, bir sanat eğitiminde değerli olan şeylerin çoğu -
yaratıcılık için tenha bir ortam, (bir süreliğine) kâr için günlük yarışa ara
verme şansı - eğitim kurumunun dışına adım attığınız anda kaybolur. Üzücü
gerçek şu ki, dünyanın geri kalanı sanat yapıp yapmadığınızı umursamıyor ve
yaparsanız onu satın almak için pek acele etmiyor. Birçoğu sanatı bir faaliyet
alanı olarak görüyor, ancak hiçbir şekilde bir meslek olarak görmüyor
(yazarlardan birinin bir öğrencisinin üzücü sözüne göre: "Bir meslek, maaş
aldığın zamandır"). Basitçe söylemek gerekirse, sanat gerçek çalışma olarak
kabul edilmez .
Öte yandan, üniversitenin ebedi rolü eğitmektir; ve eğitim, çalışmadan
küçük ama önemli bir adımla farklılık gösterir. Eğitim sizi işe, eğitim sizi
hayata hazırlar. Üniversite, tüm alanlarda uzun vadeli başarının temelini atar,
ancak yakın gelecekte ihtiyaç duyulacak pratik becerilerin her zaman başka bir
yerde edinilmesi gerekir. A.D. Coleman, [67]öğrencilerinin endişeli
ebeveynleri tarafından sık sık çocuklarının mezun olduktan sonra iş bulup
bulamayacağını soran bir üniversite resim öğretmeninden bahsetti. "Ama
benden öğrendiklerinin bir sonucu olarak değil!" profesör her seferinde
cevap verdi. Bu yaklaşım ne kadar doğru olsa da pek teşvik edici değil: birçok
mezun kendilerini sigortasız dipsiz bir uçuruma itilmiş gibi hissediyor.
Bazı sanatçıların eğitimlerini yarıda bırakırken, diploma alan
bazı sanatçıların ise maddi imkansızlıklar nedeniyle sanat yapmaya devam
edememesi üzücü. Ölmeden nefes almayı umarak lisansüstü eğitimi seçenler var.
İkinci seçenek, en azından aşırı yüklenen ve çoğu zaman yaratıcı yetenekler
üzerinde zararlı bir etkiye sahip olan ek bir on beş yıllık çalışmayı içerir.
(Jerry Welsman, sanatçılar için yüksek lisans eğitimini "fazla
eğitimlilerin rehabilitasyonu" olarak adlandırıyor!)
Tüm bu senaryo bir trajedidir, genellikle öğretmenler ve
öğrenciler suçlanır, ancak asla sistemin başarısızlığına atfedilmez. Öte
yandan, ulaşılamaz ve güvenli bir konumda kendisini güçlendiren sistemin
kendisi, sürekli olarak öğrencilerin başarısızlığından yakınıyor. Kötü
doktorlar her şey için hastalarını suçlarlar.
Profesyonel hayatta kalma şanslarının ne kadar
düşük olduğunun (ve başarı şanslarının daha da önemsiz olduğunun) farkına varan
son sınıf öğrencileri, bir sürüdeki öğretmenliğe, toplum tarafından onaylanan
tek sanat mesleğine girerler. Bu kaygan bir yokuş. Dünyada öğretmek için çok az
iyi neden var ama bilinmeyenden kaçmak bunlardan biri değil. Aylık maaşla gelen
güvenlik duygusu, yaratıcı arayışların istikrarsızlığıyla pek iyi gitmiyor.
Ne yazık ki, Güzel
Sanatlar Yüksek Lisans derecesi, bir öğretmenlik pozisyonu için gerekli bir ön
koşul olarak kuruldu. Aslında bu, eğitimin piramit şemasına yansır: güzel
sanatların ustalarından herhangi birine değer bir düzine başvuran kadar sürer.
İyi ya da değil, piramit çoktan çatladı. Günümüz sanat eğitimi durağan bir
evrendir, artık yeni konumlara yer yoktur. Öğretmen olmak için sanat eğitimi
alıyorsanız, daha sonra bir satış kariyeri için kaderinizde olacak
istatistiksel olarak muhtemeldir. Sanat hakkında bilgi edinmek için sanat
öğrenin.
yapıldığı hakkında çok az şey
söyleme eğilimindedir . “Sanatçının muhalefeti” hakkında romantik benzetmelerle
süslenebilirler, ancak ana fikir her zaman sanatın kesinlikle dahilerin (bazen
delilerin) piskoposluğu olduğu gerçeğine indirgenir. Böyle bir öncülü doğru
olarak kabul etmek, kaçınılmaz olarak okuyucunun sanatı anlamasına, ondan zevk
almasına veya hayran olmasına izin verildiği, ancak kesinlikle onu yaratmasına
izin verilmediği sonucuna götürür . Ve okuyucu ile sanatçı arasındaki
akrabalık bir kez inkar edildiğinde, sanatın kendisi, insanın parmakla gösterebileceği
ve ancak güvenli bir mesafeden hareket ettirilebilen tuhaf bir yabancı nesne
olduğu ortaya çıkar. Eleştirmen için sanat bir isimdir.
Çeviride bir şeylerin eksik olduğu çok açık. Neyi
kaçırıyorlar? En karakteristik şey, tam da sanatçıların hayatlarının çoğunu
geride geçirdikleri şey, yani yaratıcı süreci anlamak için. Bazı sanatçılar
diğerlerinden ne öğrenebilir? Sadece tarih veya teknoloji değil (bu tür pek çok
ders olmasına rağmen). Ustaların yaratıcılığından ne çıkarıyoruz? Kendimizi onlarla
ilişkilendirerek cesaret kazanırız. Ve bağlantı ne kadar güçlü olursa,
korkularımız arasındaki benzerlik o kadar büyük olur (ve korkuların bizim
üzerimizdeki gücü o kadar az olur) ve sanatta bir süreç ve başka bir sanatçıda
bir ruh eşi görürseniz bu kesinlikle olacaktır. Bir sanatçı için sanat bir
fiildir.
Ancak gerçekte, bitmiş bir sanat eserine
bakmaktan gerçekten değerli hiçbir şeyin çıkarılamayacağına dair kışkırtıcı -
aşılamaz demesek bile - inanç sağlam bir şekilde yerleşmiştir. Her halükarda,
diğer sanatçıların kendi eserlerinde kullanabilecekleri hiçbir şey yoktu .
Sadece nihai sonuca bakarak sorumlu kararlar veremezsiniz , bu kararlar herkes
için bireyseldir (örneğin, durma zamanının geldiği nasıl belirlenir). Öte
yandan, tamamlanmış nesne, yaratıcı süreçte sanatçının önüne çıkan hemen hemen her
görevi çözmek için çeşitli seçenekler sunar.
Nasıl olduğunu bilirsiniz: çalışmanın ortasında,
kafadaki düşünceler kişisel, kolektif ve evrensel kaygıların kabus gibi bir
yumağının ortasında dönmeye başlar. (Ah, evet, her sanatçının çok özel bir
karışımı vardır!) Fiziksel olarak, şu anda kendinizi gayet iyi
hissedebilirsiniz: güneşte kavurmak, canlı bir izleyici kitlesiyle etkileşim
kurmak veya - bu satırları yazarken yazar olarak - tek başına dinlenmek - bir
kadeh şarap ile. Edward Weston'ı sebzelerinin fotoğrafını çekmeye sevk
edebilecek yüzlerce farklı ruh hali hayal etmek kolaydır, ancak tahminlerimizin
onun ruh hali ile bir ilgisi olup olmadığını bilmemizin hiçbir yolu yoktur. Ve
son çekimin, Pepper #30'u Pepper #30'a [68]dönüştüren
ruh halini anlamamıza yol açacağını ummak da bir o kadar aptalca .
Ezra Pound'un yetenekli bir çalışmayla
tanıştıktan sonra çıkarabileceği tek sonucun, bir ustanın işini mükemmel bir
şekilde yaptığı ve bu nedenle [Pound] başka bir şeyi keşfetmekte özgür olduğu
olduğunu söylerken muhtemelen belirtmek istediği şey buydu . [69]yön.
Özetle, eleştirmenin önünde daha da sinir bozucu bir ikilem ortaya çıkıyor:
Tıpkı sanatçının motiflerini işinin sonucundan doğru bir şekilde aktaramadığı gibi,
tamamlanmış eseri de sanatçıya bakarak açıklayamıyor. Bu nedenle sanat,
siyasetle, kültürle, tarihle olan ilişkisi ve sanattaki Aruhymn akımlarıyla
ensest bağları ışığında bir tür yabancı nesne olarak ele alınır ve uzaktan
analiz edilir. Ya da üslup sırasına, dönemlere göre ve ayrıca
"şaheserlere" ait olarak kederli bir şekilde kataloglanmıştır. Ders
kitapları, sanat tarihini, reprodüksiyonlar biçiminde temsil edilebilecek sanat
tarihine indirgeyerek bu sorunu çözmektedir . Vermeer'in küçük boyutlu tabloları
[70]ve
Bierstadt'ın büyük ölçekli tabloları [71], bir yaprağın dörtte birine
eşit olarak yerleştirilir ve rasterleştirmeye uygun olmayan sanat, sanki hiç
yokmuş gibi.
Suçlayacak birini bulmaya çalışmıyoruz elbette, bazen tarih
hakkında genel bir fikir edinmek (ve içindeki yerinizi hayal etmek) çok
faydalıdır. Ama mesele şu ki, tuvali istediğiniz gibi boyamanıza yardımcı
olmayacak. Bunların hiçbiri size balyozla mermere ilk darbeyi nasıl
yapacağınızı söylemez. Bininci izleyicinin korkusunu nasıl yeneceğinizi size
öğretmeyecek. Aktif bir sanatçı için sanat üzerine yazılmış en iyi yazılar
analitik veya kronolojik değil, otobiyografik yazılardır. En azından bir
sanatçıları var .
Çin resminin eski ilkesi, ustanın şeyin kendisini değil, onu
yaratan güçleri tasvir ettiği gerçeğine dayanır. Sanatla ilgili en iyi
kitaplarda da durum aynıdır: tamamlanmış eseri değil, yaratılış sürecini
kaydederler. Günlüklerinde Edward Weston, parantezlemenin maruz kalmayı
etkilemesinin sayısız yolunun kişisel (bazıları fazla kişisel diyebilir) bir
açıklamasını veriyor. "Çift Sarmal" da[72] Watson ve Crick,
hipotezin tarihini ve DNA'nın yapısının keşfine yol açan deneylerin gidişatını
(biraz daha özlü bir şekilde) yazdılar. Anna Truitt, [73]bilgeliğini ve içgörüsünü aktardığı
yıllık bir günlük tutmaya başladı (daha sonra yedi yıl sürdü). Weston'ın
tutkusu, Watson'ın mantığı, Truitt'in iç gözlemi, yaratıcı sürecin itici
güçleridir. Her sanatçının da kalbe aldığı bir şey vardır. Her sanatçı böyle
bir kitap yazabilir. Sen de yapabilirsin.
III .
DÜNYALARI
Alacağınız cevap, sorduğunuz soruya bağlıdır.
Thomas Kuhn[74]
İLE |
Bir zamanlar yazar Henry James, [75]faydalı
olabilecek üç soru öngördü.
herhangi bir yazarın çalışmasına hitap edin. İlk ikisi kesinlikle
masum: Sanatçı neyi başarmaya çalışıyordu? Başarılı oldu mu? Ve üçüncü
soru acımasız: Buna değdi mi?
İlk iki soru kabule benzer . Sanatın pratik değerler ve deneyimle
karşılaştırılabileceği bir düzeyde ele alınırlar; yaratıcının vizyonunu
kavramak ve böylece işi anlamak için yukarı kaldırılırlar. Kısacası, onlara
sorarak, "davranışçılık", "feminizm",
"postmodernizm" ve "herhangi bir şey" gibi etiketlerle
hiçbir estetik filtreden geçmeden işin kendisini doğrudan özümsemeye devam
edeceksiniz [76].
Ama bu üçüncü soru - Buna
değdi mi? - gerçekten evreni açar. Ne yapılmalı ? Bazı sanat
problemleri doğası gereği diğerlerinden daha mı ilginç? Daha belirgin? Daha mı
anlamlılar? Daha zor? Kışkırtıcı mı? Her modern sanatçı bu tür sorularla eziyet
çekiyor.
Kışkırtıcı sanat sadece izleyiciye değil, yaratıcısına da meydan
okur. Sanat, çoğu kez, sanatçı sorunu çözemediği için değil, hiçbir sorun
olmadığı için başarısız olur. Örneğin olimpik dalışı ele alalım: Kusursuz bir
kırlangıç atlayışı olsa bile sıçrama tahtasının uzak ucundan atlamazsanız
yüksek puanlar alamazsınız . Temel mükemmellik çok değerli değildir.
Sanatta mükemmellik modelini inkar etmek, hayatın diğer birçok
yönündeki yaygınlığı göz önüne alındığında, en azından gariptir. Dalışla ilgili
artık bir şey yok, ancak Olimpiyat Oyunlarının kalbinde, açıkça tanımlanmış
kurallar dahilinde büyük başarı kavramı yer alır. Yine de yüz metre yarışında
kazanan, bir şekilde özellikle ilginç koşan değil, bitiş çizgisine ilk gelen
kişi olarak adlandırılır. Anne Truitt, Günlüğünde tüm sanatçılar için ortak
olan yükü şöyle anlatıyor: “Bir avukat ve bir doktor bir muayenehane
işletiyor. Tesisatçı ve marangoz neden çağrılabileceklerini bilirler . İşle
ilgili düşüncelerle kendilerine eziyet etmelerine, iş yasalarını keşfetmelerine
ve sonra herkesin önünde tersyüz etmelerine gerek yok.”
Açıkçası, bu, doğrudan girilecek en arkadaş canlısı alan değil. Ve
aslında birçok sanatçı bunu yapmıyor. Doğru yolda olduklarına dair sürekli
güvenceye ihtiyaç duyanlar, rutin olarak net hedefleri ve ölçülebilir yanıt
süreleri olan (genellikle teknik olan) zorluklar ararlar. Buradaki gizli anlam,
teknik mükemmelliğin peşinde koşmanın yanlış olduğu değil, bunu öncelikli bir
görev haline getirmenin, arabayı atın önüne koymanın gerekli olmamasıdır.
Kurallara en titizlikle uyan sanatçıları uzun zamandır hatırlamıyoruz. Bu tür
"kuralların" kaçınılmaz olarak izlendiği eseri yaratanları
hatırlıyoruz.
Çok sinsi bir an: teknik standartlar kendilerini estetik
standartlar olarak gizleme eğilimindedir. Örneğin, bir fotoğrafı basarken
siyahı olabildiğince doygun hale getirmenin ve ışığı üst sınıra getirmenin son
derece zor olduğuna dair yaygın inancı ele alalım. Her ne ise, bir noktada bu
sözde zararsız gözlem (özellikle West Coast manzara fotoğrafçıları arasında),
fotoğrafçıların bu kadar abartılı tonlar sergilemesi gerektiğine dair ahlaki
bir zorunluluk biçiminde kök saldı. Bu tarz yerleşir yerleşmez fotoğraflar,
istenen tonları elde etmek için gerekli olan performansın virtüözlüğüne göre
değerlendirilmeye başlandı. Abartı olmadan ustaca tonlama çalışması en önemli
öncelik haline geldi. Benzer bir kader, armoni teorisinin o kadar güçlü büyüsü
altında olan yirminci yüzyılın senfonik müziğinin de başına geldi ve talepkar
halkın yavaş yavaş gerçek müziğin ritimleriyle güçlü bağları olan diğer
tarzlara (caz dahil) yönelmekten başka çaresi kalmadı. dünya.
Eserlerin nasıl yaratıldığıyla pek ilgilenmeyen izleyici,
öncelikle virtüöz tekniği sergileyerek, sanat genellikle güzel, şaşırtıcı,
rafine ve ... boş görünür. Tüm duygularını işine katan bir sanatçı için
seçtiği yön çok daha önemlidir. Diğer testlerle karşılaştırıldığında, teknik
zorlukların ciddi bir dezavantajı vardır ve bu, karmaşıklıktan değil, tam
olarak bunların üstesinden gelme kolaylığından oluşur.
Bir matris oluşturmak veya metal dökmek için
harcanan yorucu saatlerin kahramanca destanlarının derigueur'un sanatsal
sohbetinde kaldığını doğal olarak kabul edecek son kişiler sanatçılar olacaktır
. Hiç kimse bir tekniği mükemmelleştirmenin zor ve zaman alan bir iş
olduğunu, ancak yine de önceden belirlenmiş bir hedefe ulaşmanın - başlangıçta
"doğru bir karara" varmanın - yeni bir fikir oluşturmaktan çok daha
kolay olduğunu iddia etmiyor. Başka bir sanatçının tablosunda bir meleğin
ayağını çizmek, meleklerin içinizde nerede yaşadığını keşfetmekten daha
kolaydır. Teknoloji sanatın kalbi olsaydı, Usta Sanatçının balmumu heykeli
adayımız San Quentin'den müebbet mahkum olurdu.[77] , [78]kürdanlardan Eyfel Kulesi'nin
ideal bir şekilde bire bir kopyasını oluşturmak için yirmi yılını harcadı . (Ve
oldukça etkileyici görünüyordu!) Ama bununla ilgili değil. Ne de olsa, bir
fikir taşıyan sanat, yalnızca teknolojinin mükemmelliğini gösteren sanattan
daha ilginçtir.
sanat ve zanaat arasında bir fark var ama bu kavramların
her ikisi de belirsiz tanımlarla o kadar büyümüş ki, aralarına net bir çizgi
çekmek neredeyse imkansız. Ama yine de deneyeceğiz.
Zanaat düşünün ve Sam Maloof'un mobilyaları akla geliyor, [79]lenaissaiiceFuar
katılımcılarının [80]sergilediği el yapımı
giysiler , her şey Sanayi Devrimi öncesinden. Sanat deyince aklınıza
hemen Savaş ve Barış, Beethoven'ın konçertosu Mona Lisa gelir. Elbette her iki
endüstri de iyi sonuçlar, değerli sonuçlar ve bazen somut pratik sonuçlar
veriyor ve ilk başta aralarındaki fark kesinlikle açık görünüyor.
Ama Mona Lisa gerçekten sanat mı? Eğer öyleyse,
Mona Lisa'nın ayırt edilemeyen nefis kopyası hakkında ne söylenebilir ?
Bu karşılaştırma (ne kadar belirsiz görünse de), birbiriyle ilişkili birçok
eserden herhangi bir eser çıkardıktan sonra, kategorik olarak "Bu bir
sanattır" veya "Bu bir sanattır" demenin şaşırtıcı derecede zor,
hatta imkansız olduğu gerçeğini pekiştiriyor. zanaat” . Farkı belirlemek, aynı
kişinin art arda yaptığı işleri karşılaştırmak demektir.
Sanatın özü, yapıtların kendisinde değil, bir öncekiyle ilişkili
olarak yapıtın kavramsal öngörüsünde yatar. Ve sanatta ilerleme, kural olarak,
zanaattan çok daha açıktır. Bunun nedeni, zanaatın aksine sanatın her zaman
kusursuz olmaması, ancak daha fazla yenilik içermesidir. Mükemmel bir
zanaatkarın eserinin en net örneği olan beş "Steinways" arasındaki
fark, Vethoven'ın bu enstrümanlarla çalabileceğiniz beş piyano konçertosu
arasındaki farkla karşılaştırırsanız, oldukça küçüktür.
Bir el işi genellikle özel bir kalıba göre yaratılır, bazen o
kadar karmaşıktır ki, ustanın mükemmel bir şekilde ustalaşması için uzun yıllar
sürekli vicdani çıraklık yapması gerekir. İnanması zor ama bugün yapılmış en
büyük kemanların neredeyse tamamı, birbirinden birkaç blok ötede yaşayan birkaç
zanaatkârın eseri ve onlar da onları sadece birkaç yılda yaptılar. Üç yüzyıl
önce ücra bir İtalyan köyündeydi [81]. Antonio
Stradivari ve zanaatkâr arkadaşlarının başarıları, [82]sanat ve zanaat arasındaki
tartışılmaz bir farkı ortaya koyuyor: zanaatta mükemmellik mümkündür. Bu
anlamda Batı'nın zanaat tanımı, Doğu'nun sanat tanımıyla örtüşüyor. Doğu
kültürlerinde eski ustaların geleneğini devam ettiren sanat her zaman yüksek
bir itibar görürken, Batı'da ikinci planda tutulmuştur.
Elbette çoğu eserin zaman içindeki hareketinin sanattan zanaata
bir hareket olması ilginçtir. Aynı şekilde, her bir iş tamamlanmaya doğru
yöneldiği için hayal gücü yerini ustalığa bırakıyor; Sanatçı genellikle en
önemli keşifleri oldukça erken yapar, ardından hayatı boyunca aynı keşifleri
genişletir ve detaylandırır. Bir Zen atasözünün dediği gibi, yeni başlayanlara
birçok yol açıktır, ancak eğitilmişlere çok az yol vardır.
Bu yolun hangi aşaması olursa olsun sanatçı,
zanaatını çerçevesi içinde tutmalı, onun tuzağına düşmemelidir. Ve buradaki yemin
mükemmellik olduğunu unutmayın: yaratıcılığınız yeni çözülmemiş sorunlara yol
açmıyorsa, önceki çalışmadan farklı olarak bir sonrakine geçmenin bir anlamı
yoktur. Sanat ve zanaat arasındaki fark, elinizde tuttuğunuz araçlar değil,
onlara rehberlik eden zihniyettir. Bir zanaatkâr için zanaat başlı başına bir
amaçtır. Bir sanatçı olarak sizin için zanaat, vizyonunuzu iletmenin bir
yoludur. Zanaat, sanatın görünen yüzüdür.
Sanatçı geliştikçe ortaya çıkan her yeni eser,
bir öncekini yanlış yapmaz - ancak arka planına karşı, eski posta yapay,
abartılı görünür. Daha önceki bir çalışma genellikle sanatçıyı utandırır, çünkü
hemen olgunlaşmamış biri, hedeflerini hala net bir şekilde görmeyen ve yaratıcı
eğilimlerini anlamayan saf biri yapmış gibi görünür. Daha önceki çalışma,
şaşırtıcı bir şekilde, hemen hem çok korkutucu hem de çok basit görünüyor. Bu
iyi. Yeni eserin eskisinin yerini aldığı genel olarak kabul edilmektedir
. Ve bunun için eski işi daha aşağı, tatmin edici olmayan ve bitmemiş olarak
ilan etmeniz gerekiyorsa - işte hayat böyledir. (Frank Lloyd Wright, genç
mimarlara ilk yapılarının çevresine sarmaşık dikmelerini tavsiye ederek,
sarmaşığın büyüdükçe "gençlik savurganlığının" etkilerini zamanla
gizleyeceğini ima etti.) Eski yapıt, o sırada dikkat ettiğiniz her şeye ihanet
ediyor; yenisi adeta eskisinin detaylı bir yorumudur, dikkat etmediğiniz şeylere
içinde özel bir yer verilir. Her şey harika, ancak yalnızca yeni işin
aniden eski olduğu ana kadar - bazen bu, işin tamamlanmasından sonraki saniye
içinde olur. Göz açıp kapayıncaya kadar, işin bittiği eski zevkten eser kalmaz.
Tabii ki tatsız, ama bu iyiye işaret.
Okuyucular, bu küfür kelimesinin bu
kitapta hiçbir yerde bulunmadığını fark etmiş olabilirler. Ama yapmalı mı? Fikir
üretebilen, problem çözebilen, hayal kurabilen, gerçek dünyada yaşayabilen ve
havayı soluyabilen sadece bazılarımız mı var?
Alışkanlıklar, zihnin çevresel vizyonudur. Alışkanlıklar, zihnin
bilinçli kararlar alma düzeyini etkilemez, olup bitenleri gözden geçirir ve
çoğuna önem vermez. Teori oldukça basit: Tanıdık olana otomatik olarak yanıt
vererek, bilinmeyene seçici bir şekilde yanıt vermek için zaman kazanırsınız.
Ancak bu teori yeterince güvenilir değildir. Çok fazla alışkanlığa düşkünlük,
zihin uyuşturan bir rutine yol açar. Alışkanlık eksikliği durumunda, amansız
bir gelen veri akışıyla tehdit edilirsiniz (psikotropik bir kullanıcı
birdenbire her bir çimenin büyüdüğünü keşfederek transa mı girer? )
Her şey denge ile ilgilidir ve yaratıcılık bu dengeyi sağlamanıza
yardımcı olur. Bir eskiz defteri ya da defter, sanatçıya araştırma yapma hakkı
verir; bir kütüğe bakarak onlarla istediğin kadar durabilirsin. Bazen tüm
ormanı dikkatlice incelemeniz gerekir, bazen tek bir ağaca dokunmanız yeterlidir
- ikisini de anlayamıyorsanız, o zaman her bir çalışma mantıklı olmayacaktır.
Etrafı görmek, kişinin kendi benzersiz deneyiminden ve evrensel
deneyimden sonuçlar çıkarma yeteneğini geliştirmek anlamına gelir. Bu pratik,
yaratıcı bir yaklaşımdır: Ne gözlemlediğinize dikkat edin. (örn.) Bu
cümleyi tekrar okuyun.) Veya başka bir deyişle: konuşabilen nesneler yaratın ve
ardından onları dinleyin.
Kural olarak, alışkanlıklar sanat dünyasından
uzaklaştırılmaya çalışılır. Pekala, bunda şaşırtıcı bir şey yok: İsyancılar her
yerde övülürken ve yeni fikirlerin keşfinin modası asla geçmezken, kim evinde
tanıdık düzenin enine boyuna ortasında oturmak ister? Bunun derdi ne? Tabii ki,
şu anda yaptığınız şey konusunda rahatsanız, büyük olasılıkla bunları çoktan atlatmışsınızdır.
Ama sonuçta, çeşitli önemsiz şeylerle dolu bir araba dolusu alışkanlığa
güvenmiyorsanız, daha ciddi sorunlarla nasıl başa çıkılır? Sanat zihne gıda
sağlamayı amaçladığından, alışılmış tepkiler
1 örneğin, örnek gratia (lat.) - örneğin. eşit derecede teşvik edilmiş ve meydan
okunmuştur. Etrafınızdaki dünyaya tekrarlayan tepkilerinizi anlamanız, hatalı
ve yararsız olanları izole etmeniz ve onlardan kurtulmanız gerekir. Gerisi
sizin, geliştirin. Her durumda, seçim küçüktür. Matematikçi G. K. Chesterton'ın
zekice belirttiği gibi, "Şeyleri yabancı veya tesadüfi şeylerden kurtarmak
mümkündür, ancak doğal özelliklerden kurtarmak mümkün değildir. Üçgenleri
üçgen hapishanelerini yok etmeye çağırmayın - eğer üç taraftan kaçarlarsa,
yaşamları içler acısı bir şekilde kısalır [83].
hareketlerinizi geliştirmektir . Ne yazık ki dış dünya sanatçıya
bu çabasında pek destek vermiyor. Genler, din, meslek, ilişkiler tarafından
şekillendirilen alışkanlıklara karakter özellikleri denir.
Diğer sanatçılardan edinilen alışkanlıklar (aldıkları biçime göre)
"tavır", "taklit", "intihal" ve hatta
"sahte" olarak etiketlenir. Yazarlar, böyle bir yargının çok sert
olduğunu düşünüyor çünkü sanatçıların çalışmalarının ilk aşamalarında
başvurdukları bu tür ödünç almaların kaynağını hesaba katmıyor.
Evet ve o kadar da kötü değil, bu, eleştirmenlerin göründüğü gibi,
sanatçı üzerindeki dışsal bir etkidir. Birçoğu için, sanata verilen ilk manevi
tepki (ve belki de dünyaya verilen manevi tepki), sanki doğrudan onlarla
konuşuyormuş gibi, eserle bağlantılıdır. Bu nedenle, insanların bu vahyin
kendileri için neyle bağlantılı olduğunu taklit ederek sanata başlamaları
şaşırtıcı değildir. Örneğin, Beethoven'ın ilk besteleri, hocası Franz Joseph
Haydn'ın yadsınamaz etkisine ihanet eder. İlk eserlerde, -potansiyel boşa
harcanmazsa- daha sonra zaten olgunlaşmış eserlerde karakteristik bir özellik
haline gelecek olan temaların ve tavırların yalnızca ipuçları görülebilir . Ayrıca,
hangi konuyu veya tekniği seçerseniz seçin, yaratıcı yolunuzun başlangıcında,
birisinin zaten bu yönü geliştirmiş olması muhtemeldir. Bundan kaçınılamaz:
Küresel temalar ve sanatçıların yüzyıllardır kullandığı temel teknikler olmadan
herhangi bir eserin yaratılması düşünülemez. Kendi yaratıcı pugi'nizi bulmak,
ruhunuza inandığınız şeyi damıtma sürecidir.
Sanatsal alışkanlıklar bir kez oluştuktan sonra
yerleşmiş kabul edilebilirler, güvenilirdirler, faydalıdırlar ve her zaman
kullanıma hazırdırlar. Ayrıca, alışkanlıklar stilistik bir gerekliliktir. Genel
olarak, alışkanlıklar çeliktir. Bilinçsiz hareketler, tekrarlayan
ifadeler, otomatik seçim, tartışma konusuna veya materyallere karakteristik
tepki - tüm bunları stil ile ilişkilendiririz. Sanatçılar da dahil olmak üzere
çoğu, bu tür özellikleri haysiyet olarak kabul eder. Ancak yakından bakarsanız,
stil asalet değil, kaçınılmazlıktır - tekrar tekrar yaptığınız şeyin kaçınılmaz
bir sonucudur. Sanatçının alışkanlıkları, işin ana bölümünde her zaman görünür
durumdadır, tabii ki ana bölümün ayırt edilebildiği bir eserden söz etmiyorsak.
Tarz, iyi bir işin bir yönü olarak görülmemelidir, tarz tüm işlerin bir
yönüdür. Stil, alışkanlığın doğal bir sonucudur.
Sanatçılar ve bilim adamları, faaliyet
alanlarının derin bir düzeyde aynı temele sahip olduğunu gerçek bir dogma
olarak görüyorlar. Bilimin deneysel olarak onayladığını, sanat her zaman
sezgisel olarak bilmiştir: insan her şeyde doğal düzenin tam olarak takip
edildiğini görebilir. Bilim, parabollerin, sinüzoidlerin veya l sayısının
varlığını kanıtlama görevini üstlenmez, çünkü kendileri tam orada oldukları
için herhangi bir fenomeni tanımlamaya değer. Sanat düzeltilmeyecek
Bir fırça darbesinin kdv sayısal göstergeleri,
çünkü onunla birlikte bir arketip ortaya çıktığı için işi tamamlamaya değer.
Charles Ames'e o ünlü kontrplak sandalyeyi yaratmak için kullandığı kavisli
çizgileri nasıl bulduğu sorulduğunda [84], tasarımcı gerçekten böyle bir
sorunun nasıl ortaya çıkabileceğini merak etti; sonunda omuzlarını silkti ve
cevap verdi: "Bu, şeylerin doğasında var." Keşfedilmiş veya icat
edilmiş olsun, bir şey şüphesizdir. Saf haliyle doğal ve güzel ayırt edilemez.
Tabiat Ana'yı aşabilir misin?
Bununla birlikte, günlük yaşamda dünyayı
iyileştirmek, örneğin bir tekerleği iyileştirmekle aynı şey değildir. Bilim,
teknoloji ilerledikçe ilerler ve her zamankinden daha hassas aletler üretir;
sanat, evrimin zihne her zamankinden daha fazla içgörü kazandırdığı hızda
ilerler ve bu hız, iyi ya da kötü, bir salyangoz hızıdır. Bu nedenle, Buz
Devri'nin mağara sakinlerinin ustalaştığı taş aletler, günümüzün teknolojik
standartlarına göre umutsuzca ilkeldir, ancak mağara resmi her zaman herhangi
bir modern sanat kadar rafine ve etkileyici olacaktır. Bilgisayarlar ve yel
değirmenleri olmadan ve hatta tekerlek olmadan kaç medeniyet refah içinde
yaşadı, ama hiçbiri sanatsız yapmadı!
Bu argümanlar, sanat ve bilim arasında bir çekişme olarak
görülmemelidir, sadece - bilimde olduğu kadar sanatta da - alacağınız
cevapların sorduğunuz sorulara bağlı olduğunu vurgulamak istiyoruz. Bilim
adamı, taşın uçtuğu yörüngeyi tarif etmek için hangi formülün uygun olduğunu
düşünecek, sanatçı böyle bir taşı fırlatmanın nasıl bir şey olduğunu
soracaktır.
Douglas Hofstadter, "Asıl mesele, bilimin [85]belirli
örneklerle değil, olay sınıflarıyla ilgilendiğini anlamaktır "
dedi. Sanatın tam tersi bir görevi vardır. Tüm öngörülemezliğiyle,
özgüllüğüyle, pürüzlülüğüyle, düştüğünde çıkaracağı gürültüyle belirli bir taşa
yöneliktir. Bu gerçekleri açığa çıkardığımız ve sanatımızda ifade ettiğimiz
hayatın gerçeklerinin ayrılmaz bir parçası, rastgele ve bağımsız eylemlerdir.
Taşla ilgili soyut fikirler bilimin yetkinliğindedir, beton taşlar ise sanatın
piskoposluğudur.
Bilimin mirası gerçekten akıllı insanlardır, sıkı bir şekilde
kontrol edilen olaylar söz konusu olduğunda, rastgele ve bağımsız eylemlerin
dikkate alınmaması anlamında kontrol edilen soruları açıkça formüle ederler.
Bir bilim adamına bir deneyi tekrarlayıp aynı sonuçlara varmanın mümkün olup
olmadığını sorarsanız, "evet" cevabını vermelidir, aksi takdirde
artık bilim olmayacaktır. Bunun nedeni, bilimsel bir deney sonunda ne
araştırmacının ne de çevresindeki dünyanın değişmemesi ve dolayısıyla böyle bir
tekrarın mutlaka aynı sonucu vermesidir. Açıkça söylemek gerekirse, deneyi
doğru yapan bir amatörün de aynı sonuçları alabilmesi, zaman zaman aynı açık
için çok sayıda patent başvurusu olmasının sebebidir.
Ama bir sanatçıya, bir sanat eserinin röprodüksiyonunun aynı
sonucu verip vermediğini sorarsanız, "hayır" cevabını verir, aksi
takdirde eser sanat olmaktan çıkar. Bir sanat eseri ortaya çıktığında, hem
sanatçı hem de çevresindeki dünya değişir ve bir sonraki boş tuvale tekrar
tekrar yöneltilen soru her zaman yeni bir cevap alır. Bu, şu paradoksu açıklar:
İyi sanat dürüst olmaya - ebedi bir gerçeğin keşfedildiği duygusunu iletmeye -
çabalarken, bu gerçeği şekle sokma eylemi muhtemelen belirli bir kişiye,
belirli bir zamana özgü kalacaktır. Her sanatçının kaderinde, bazı gerçekleri
keşfedebileceği bir an vardır ve bunu tam o anda yapmazsanız, fırsat geri
dönüşü olmayan bir şekilde kaybedilecektir. Hiç kimse Hamlet'in yazıldığı
duruma asla giremeyecek; bu, dünyadaki her şeye anlam verildiğine, anlamın bir
keşif olmadığına dair oldukça ikna edici bir kanıt. Bu dramanın gelişiyle dünya
anlayışımız değişti ve önceki duruma geri dönemeyeceğiz ... Shakespeare bile
dönemedi.
Bu şekilde değişen dünya
bambaşka bir dünya oluyor ve biz değişenler onun bir parçası oluyoruz. Bugün içinde
yaşadığımız dünya, onu her zaman dinleyenler ve gözlemlerini daha sonra özenle
korudukları biçimlere büründürenler tarafından miras alınmıştır. Birisi onları
bir mağara duvarına çizene kadar atların ana hatlarının olmaması pek olası
değildir, ancak sonuç olarak dünyanın biraz daha geniş, daha zengin, daha çok
yönlü ve anlamlı hale geldiğini görmek kolaydır.
Bir alıntı, bir replika, bir parodi, bir hiciv...
sanat ebediyen ensestten suçludur. Bu, Escher'in bir elin bir eli çizdiğini
gösteren çiziminde açıkça gösterilmiştir . [86]Yirminci yüzyıl için, otomatik
alıntı karakteristik bir araç haline geldi - resim konulu resimler, yazar
sürüsü hakkında edebiyat ... Ek olarak, hemen hemen her eser kendisine atıfta
bulunur, isimleri döngüsellik ve tekrar içinde "şifrelenir". Müzik
bize bunun en net örneklerini sunar -örneğin Beethoven, Beşinci Senfoni'sinin
ilk bölümünü dört nota üzerine kurar- ama her sanat formunun bir karşılığı
vardır.
Sanat eserleri kendi adlarına konuşmasalar da, genellikle seleflerine
saygı gösterirler. Shostakovich'in viyola için yazdığı maharetli sonatı (opus
147)' Beethoven'ın Ayışığı Sonatı'ndan alıntı yapar: Ana motifi kendi etrafında
döndürerek, başka bir şeye dikkat çekerek dikkati kendi üzerine çeker. Daha
düşük bir saygı düzeyinde, alıntı, Woody Allen'ın Play It Again, Sam filmindeki
gibi hiciv ve parodi biçimini alır.
(Örneğin) boya sürmek gibi bir iş sadece kendisini değil, dünyada
uygulanan tüm boyaları anlatır. Rembrandt resimleri, Jackson Pollock'un
çalışmalarını gördükten sonra farklı algılanıyor - renkler çok daha bilinçli
uygulanıyor -. Kendiniz boyalarla çalışırsanız, onlara daha farklı gözlerle
bakacaksınız. Geçmişe dair anlayışımız, şu andaki deneyimlerimize göre değişir.
Referans noktası içeride bir yerde olduğundan, bir düzeyde tüm
sanatın otobiyografik olduğu oldukça açıktır. Sonuçta, fırça elinizin
hareketine yanıt olarak bir çizgi çizer, tuş vuruşlarınıza yanıt olarak bir
metin düzenleyicide cümleler görüntülenir. Tennessee Williams'ın gözlemlediği
gibi, tamamen kurgu ve hayal gücünden oluşan edebiyat bile duygusal olarak otobiyografiktir.
Bir zamanlar John Sharkowski[87] Modern
Sanat Müzesi'nde Aynalar ve Pencereler başlıklı bir serginin küratörlüğünü
yaptı. Ana fikri, bazı sanatçıların dünyayı bir pencereden sanki neler olup
bittiğini izliyormuş gibi görmeleri, diğerlerinin ise sanki bir aynaya, kendi
içlerindeki dünyaya bakmaları gerçeğine indirgenmişti. Her iki seçenek de
otobiyografik unsur için uygundur.
Eğer sanat kendinden bahsediyorsa, hiç kimse yaratıcı sürecin
kendini ifade etmekten bahsettiğini iddia etmez. Öyle, ama bununla sınırlı
olmaları hiç de gerekli değil. Kendini anlama arzusunun yaratıcılığın ana
hedefi olarak (yüksek sesle) ilan edildiği zamanımızın özelliği olması
muhtemeldir. Bu yorumda, bu dünyada sizin sayenizde şekillenen, bu dünya ile
yaptığınız, hatta bu dünya için yaptığınız bir şey olarak sanatın ebedi anlamı kaybolur
. Yaratıcı olma ihtiyacı, sadece kendini ifade etme ihtiyacından değil,
aynı zamanda ilişkisini kendisinin dışında bir şeyle tamamlama ihtiyacından
doğar. Bir usta olarak, aynı zamanda kendinizden çok daha fazla olan bir
bilginin koruyucususunuz.
Bazı sanat insanları ilhama kapılır, bazıları provokasyona
sürüklenir, bazıları umutsuzluktan kaçar. Yaratıcılık, tehlikeli, ulaşılamaz,
yasak, çekici ya da hepsi aynı anda olabilecek dünyalara erişim sağlar.
Başka türlü asla
ilgilenmeyeceğiniz dünyalara erişim sağlar. Bunun nedeni, yaratıcılığın
kendinizi ifade etmenize izin vermesi, hatta bunu garanti etmesidir. Sanat
temastır ve işiniz kaçınılmaz olarak bu temasın doğasını ortaya çıkarır.
Sanatınızla, sizin için neyin önemli olduğunu ilan ediyorsunuz.
Uzun bir yolculuğa çıktığınızda, ağaç ağaçtır, su
sudur ve dağ dağdır. Biraz mesafe yürüdükten sonra, ağaçlar artık ağaç değildir,
su artık su değildir ve dağlar artık dağ değildir. Ama uzun bir yol kat
ettikten sonra, ağaçlar tekrar ağaca, su suya ve dağlar tekrar dağlara dönüşür.
Zen bilgeliği
Yaratıcılık, ayrıntıları fark etme yeteneği ile bağlantılıdır -
kişinin arkasındaki, yöntemlerinin arkasındaki, kişinin çalışma konusunun
arkasındaki. Er ya da geç, örneğin sanatçı, çizginin haritanın kenarına nasıl
karşılık geldiğine dikkat eder. Bu ana kadar hiçbir bağlantı yoktu ve bundan
sonra yokmuş gibi davranmak imkansız . Ve o zamandan beri, her yeni
çizgi sanatsal alanın sınırlarıyla tartışıyor. Henüz bu küçük sıçramayı
yapmamış olan, tabloyu zaten yapmış olandan farklı görür - aslında, adeta farklı
dünyalarda yaşarlar.
Çalışmanız bu tür sayısız keşfin kaynağıdır. Ve onlar da
sanatınızın zenginliğinin ve çok yönlülüğünün kaynağıdır. Yaratıcılığınız
geliştikçe kavramsal ilişkiler, gördüğünüz dünyanın şeklini ve yapısını giderek
daha fazla tanımlar. Zamanla dünya olurlar . Siz, işiniz ve dünya
arasındaki çizgi yavaş yavaş şeffaflaşır ve sonunda kaybolur. Zamanla ağaçlar
yeniden ağaç olur.
Yıllar geçtikçe, belirli bir sanat formundaki değişiklikler
genellikle, uzun barışçıl gelişim dönemlerinden hızlı değişime doğru ani
sıçramalara kadar düzensiz dalgalanmaların olduğu tuhaf bir model olarak
görülür. (Bu, burada tam olarak uygun olmasa da, bu modelin kaos teorisinin
bilimsel temsiliyle benzerliğine dikkat çekme isteğine karşı koyamayız.) Bazen
dünyayı anlayışımız sorunsuz ve fark edilmeden bir halden diğerine geçer ve
bazen de öngörülemeyen bir şeyin etkisiyle, tamamen farklı bir konfigürasyonda
yeniden düzenlenir (ve bu geri döndürülemez). Okuldan, Newton'un kafasına düşen
bir elmanın ona evrensel yerçekimi yasasını keşfetmesi için nasıl ilham
verdiğinin hikayesini hatırlıyoruz, ancak bu tür olayların nadir, son derece
nadir olması şartıyla. Peki, aslında, fiziğin temel yasalarını yeniden yazma
fırsatı bulanlardan kaçı?
Ve aynı zamanda, hepimizin zaman zaman bu tür kavramsal sıçramalar
yaptığı açıktır ve bizim durumumuzda bu, gezegen yörüngeleri hakkındaki
fikirlerimizi sarsmasa bile, çevremizdeki dünyayı nasıl gördüğümüzü açıkça
etkileyecektir . Bu nedenle, Fransızca çalışırken, anlamını anlamak için her
kelimeyi özenle ana dilinize çevirmek için koca bir ay harcamalısınız. Ve bir
gün aniden -spia!- çeviri yapmadan Fransızca okuduğunuzu keşfedersiniz
ve eskiden sizin için mistik olan süreç artık neredeyse otomatik hale
gelmiştir. Veya diyelim ki deneyimli bir mantar toplayıcıyla mantar toplamaya
gidiyorsunuz ve ilk başta tüm yürüyüşler sizin için aşağılanmayla sonuçlanıyor:
bu "uzman" tüm mantarları topluyor ama siz mantar bulamıyorsunuz. Ve
sonra, bir aşamada, dünya yeniden inşa edildi, orman sihirli bir şekilde
mantarlarla doldu - ve daha önce görülmesi imkansız olan şey, şimdi oldukça net
bir şekilde görülüyordu.
Sanatçılar için bu tür patlayıcı
"perestroykalar", yenilenme mekanizmasının temelidir. Bunlar en saf
mecazdır: Birbirine benzemeyen şeyler arasında bağlantılar ortaya çıkar,
birinin anlamı diğerinin anlamını zenginleştirir, bundan sonra bu tür farklı
şeyler zaten birbirleri olmadan düşünülemez. Bu sıçramadan önce ışık ve gölge
vardı. Sıçramadan sonra nesneler, ışığın ve gölgenin kendisini ortaya çıkaran
nesneden ayırt edilemeyeceği bir alana taşındı.
Oldukça yetenekli (yine de herkes gibi biz de
güvensiziz) bir sanatçı geçenlerde bir arkadaşıyla kahve içerken bir gün önce
gördüğü bir rüyayı tartışıyordu. Uyandıktan sonra bile her ayrıntısıyla hatırladığınız
o canlı, renkli rüyalardan biriydi. Rüyasında kendini bir sanat galerisinin
önünde buldu ve içeri girip etrafına baktığında, duvarların resimlerle asılı
olduğunu gördü - harika resimler, şiddetli enerji ve silinmez güzellikte
resimler. Rüyayı yeniden anlattıktan sonra sanatçı hararetle sözlerini şöyle
bitirdi: "Böyle bir şey yazabilme yeteneğine sahip olmak için her şeyimi
verirdim!"
"Bir dakika bekle! diye haykırdı arkadaşı.
“Anlamıyor musun? Bunlar senin resimlerindi! Zihninizde ortaya çıktılar. Onları
başka kim yazabilir?
Ve gerçekten, kim?
Elbette hayallerinizi inkar edebilirsiniz, ancak
sonuç her zaman kasvetli olacaktır. Dünyanın belirli bir "X" sayısına
karşılık gelmesini talep ederek, bu "X" ile sonunda bu "X"
ile sonuçlanacaksınız. Belki de bu dünyanın senin için olacağı tek şey bu. Ve
senin sanatın ne olacak? Tek aletiniz bir çekiç olduğunda, dedikleri gibi her
şey çivi gibi görünür [88]. Hayal
gücü ve somutlaştırma, tüm potansiyel başarılarda haklı olarak merkezi bir yeri
paylaşır: çizilebilen resimlerde, bir dans oluşturabilen dans adımlarında,
çalınabilen notalarda bulunurlar. Yaratıcı gelişiminiz, şimdiye kadar
öğrendikleriniz olmadan düşünülemeyecek olan uygulanabilir bir fikrin
gerçekleştirilmesine yönelik bir harekettir. Kendiniz hakkında öğrenmeyi
başardıklarınız dahil.
Bilgisayarlar işe yaramaz; yalnızca yanıt verebilirler.
pablo picasso
H |
Kitap boyunca, yaratıcılığın zorluklarına
her zaman tam da bu zorlukların analiziyle karşı çıkılabileceği fikrini
aktarmaya çalıştık. Basit görünüyor: İşin kendisinin size verdiği ipuçlarını
takip edin ve ardından teknik, duygusal ve entelektüel yönü sizin için açık
hale gelecektir. Buraya kadar geldikten sonra, tüm ipuçlarını genel, özel, özlü,
temel ve zarif bir cevaba indirgeyerek bu fikrin altına bir çizgi
çekmeye çalışmak için sabırsızlanıyorum . Cazip geliyor
Ah, ama pek mantıklı
değil. Cevaplar cesaret verici, ancak gerçekten önemli bir şeyi
hedeflediğinizde, bunlar soru şeklini alabilir.
Uygulamada görüldüğü gibi, ilginç cevaplar verenler ilginç sorular
soruyorlar. Bazen (ve belki de düşündüğümüzden daha sık olarak) önemli sorular,
kafamız karışmadan çok önce kafamızda dönmeye başlar. Bazen biz gerçekten
önemli olduklarını fark etmeden çok önce orada sıkışıp kalırlar. Bu kitap için
büyük olasılıkla tohum kristali görevi gören soru, yazarlara kitap yazılmadan
neredeyse yirmi yıl önce soruldu. Küçük bir yaratıcı ekibin oluşturulmasıyla
ilgili dostça bir tartışma sırasında ortaya çıktı. Soru şuydu: Sanatçılar
arasında ortak bir şey var mı?
Herhangi bir doğru soru gibi, anında birbiriyle bağlantılı bir
soru yağmuruna tuttu: Sanatçılar nasıl sanatçı olurlar? Sanatçılar ne
yapacaklarını nereden biliyorlar? Nasıl mutlu olacağım bir eser yaratabilirim? Genç,
enerjik idealistler için cevaplar hemen köşede gibi görünebilir. Ancak yıllar
geçtikçe, daha da kasvetli bir soruyla giderek daha sık karşılaşıyoruz: neden
sanat okumaya başlayan ve bırakan bu kadar çok insan var?
Tüm bu sorular, Sanat ve Korku kitabının özünü
belirledi. Garip sorular, bilim adamlarının ilgisini çekecek kadar şifreli
değil ama kendi kendini yetiştirmiş psikologların merakını uyandırmayacak kadar
geçici. Muhtemelen, bu en iyi konudur. Ne de olsa, hazır sanat gözlemlerinin
genellikle değersiz olduğu ve çoğunlukla kadercilik koktuğu bir dünyada
yaşıyoruz.
Soru: Hiç kimse Mozart'ın
dehasına yaklaşabilecek mi?
Cevap: Hayır.
Teşekkür ederim.
Şimdi işimize devam edebilir miyiz?
Nesnel olarak, sanatçıların nasıl sanatçı olduklarını açıklayan
özel bir kelime dağarcığı yoktur ve sanatçıların kim olduklarını anlamaları
için hazır bir çözüm yoktur (kim oldukları konusunda hiçbir şey yapamadıkları
sürece). Dil sistemimiz resim yapmayı nasıl öğrendiğimizi söylememize izin
verir ama resmimizi nasıl öğrendiğimizi söylemez . Bir zanaatın sanat
haline gelmesiyle değişimi ... ]uygun sözcüklerle doldurun] nasıl
karakterize edersiniz ?
Tüm sanatçılar, her şey söylenip bittiğinde
stüdyolarına döneceklerinden ve sadece sanatlarına odaklanacaklarından emindir.
Nokta. Belki de hepimizi birleştiren bu basit gerçektir. Boyanmış bir bufalo ya
da oyma kemik heykelciğin içerdiği mesaj, onları yaratanlarla bizim aramızdaki
farklardan değil, benzerliklerden söz eder. Bugün, bu benzerlik şehir
ekranlarının arkasına - seyirci, eleştirmenler, ekonomi, hayattaki küçük şeyler
- gizlenmiş ve özel bir dünyada tutulmuştur . Tüm sanatçıları birleştiren
temel bağı yalnızca işimize kendimizi tamamen kaptırdığımız anlarda yeniden
keşfederiz. Diğer her şey belki gerekli ama artık sanat değil. Senin görevin,
hayatından işine bir çizgi çekmek, düz ve net bir çizgi.
Bir dereceye kadar, dış dünya değişkenlerden
oluşur ve iç dünya sabitlerden oluşur. Karakteristik olan sabitler sabittir,
Allah korusun, bir akıl hastalığı veya nadir bir tropikal ateş ve yarın,
bir ay ve gelecek yıl, bugünün aynı endişeleriyle meşgul olacaksınız.
Sanatçılar olarak hayatı tıpkı başka herhangi bir rolde keşfettiğimiz gibi
keşfediyoruz - sadece var oluyoruz, içimizdeki hayali bir bakış
açısından gözlemliyoruz ama gözlemlediğimiz şey sürekli değişiyor.
Bu içsel istikrar duygusu, aşağıdaki dikkate
değer gerçeğe tekabül eder: genel olarak, sabitlik, herhangi bir yaşamın
yörüngesinin doğasında vardır. İlgilendiğimiz şey, gelecekte ilgileneceğimiz
şeydir. Bunu veya bu durumu algılama şeklimiz, büyük olasılıkla ayırt edici
özelliğimiz olmaya devam edecek. Hepimiz bir okyanus akıntısı gibi o kadar
yakalanması zor ve her yerde var olan güçler tarafından sürükleniyoruz ki
onları sorgusuz sualsiz kabul ediyoruz. İçine sıçradığımız bu “deniz”in bir
anda bir yerlerde kaybolacağını hayal etmek mümkün değil. Molière'in
komedilerindeki karakterlerin düzyazı konuştuklarını, aslında hep düzyazı
konuştuklarını keşfetmek imkansız olduğu kadar imkansızdır.
Sanatta içsel
değişmezliğin kanıtı? Onlar heryerde. Örneğin, çoğu sanatçının tekrar tekrar
iki veya üç belirli konuya dönmesi gerçeğinde. Kanıt Van Gogh'un paletinde,
Hemingway'in karakterlerinde, en sevdiğiniz bestecinin orkestrasyonlarında .
Anlatmamız gereken hikayeler anlatırız, bunlar tutkulu olduğumuz şeylerle
ilgilidir, dolayısıyla her birimizin bir avuç dolusu hikayesi vardır. Ve neden
onlardan daha fazla olmalı? Gerçekten yapmanız gereken tek şey, inandırıcı bir
şekilde yapabileceğiniz tek şey , önem verdiğiniz şey etrafında
çalışmaktır. Bu kuralı görmezden gelmek, hayatınızın değişmezlerini tanımamak
demektir.
Sanat yapmak şarkı söylemek gibidir. Bunu yapmak için öncelikle
ihtiyacınız olan tek sesin zaten sahip olduğunuz ses olduğunu anlamalısınız.
Sanatçının işi en sıradan olanıdır, ancak (bu eseri anlamak için) özel bir
cesaret ve (sanat ile korku arasında kalmamak için) bilgelik gerektirir.
Emeklerinizin kıymetini görmek için uçurumun kenarında yürümek, derinlikleri
keşfetmek gerekebilir. Ancak, tüm evrenin şekilsiz ve aşılmaz olmadığını, bir
yerlerde sadece zihninizin parlaklığından yoksun olduğunu anlamalısınız.
Sanatınızın karanlıktan mucizevi bir şekilde ortaya çıkmadığını, aksine parlak
ışık altında günden güne büyüdüğünü.
Deneyimli sanatçılar, hepsinin gerçekten
sevdikleri şeyi yaptıklarını bilirler. Deneyimli sanatçılar işleriyle nasıl
geçineceklerini bilirler. Basitçe söylemek gerekirse, ya devam etmeyi
öğrenirsiniz ya da hiç devam etmezsiniz . Her sanatçının kendisi için
keşfettiği yol bireyseldir, sadece sahibine uygundur, devredilemez, başkalarına
fayda sağlamaz. Van Gogh'un büyük bir sanatçı olmadan önce kazandığı ve
kaybettiği her şeyin tam bir listesi size yardımcı olmayacaktır. Size gerçekten
mantıklı gelen , Van Gogh'un da kazanmak ve kaybetmek zorunda olması,
çalışmalarının sizinkinden az çok istikrarlı olmaması ve sizin gibi sadece
kendisine güvenebilmesi.
Bu satırları okuduğunuza bakılırsa, gerçekten bir kitap yazdık,
ancak tam olarak nasıl yazdığımızı ayrıntılı olarak anlatmak kolay bir iş
değil. En doğru cevap, belki de yavaş yavaş, bu kelimelerin el yazması
üzerinde aşağı yukarı sürekli yedi yıllık çalışmanın tamamlandığını gösterdiği
düşünüldüğünde olacaktır. Ama eminiz ki en doğal hız buydu. Uzun yıllardır
arkadaş olmamız, ortak çalışmalarımıza gerçek bir zevk getirdi. Aynı zamanda keyifliydi
çünkü yazmak, dostça sohbetler sırasında birçok kez tartıştığımız konuları
netleştirmenin bir yolu haline geldi.
Bazen (işler gerçekten yavaş giderken) taslağı hızlandırmaya
çalıştık ve düşündüğümüz gibi gittik.
anlayış, ortak yazarlar gider. Planı koordine ettik, tartışma
konularını seçtik, bazen yüz yüze görüşürken, uzun bir sohbet sırasında doğan
uçucu fikirleri kaybetmemek için kayıt cihazını açtık. Diğer pek çok harika
teori gibi, bu da işe yaramadı. Sonunda, her şey bu tür şeylerin genellikle
yapıldığı şekilde yapıldı - herkes proje için zaman ayırdı ve aynı cümleyi,
aynı fikri inceledi.
Çoğu proje gibi, bu proje de yaratıcılığın tanıdık sancılarını (ve
oldukça inandırıcı bir şekilde) deneyimlememizi sağladı. Eski dostluğa, kitapta
ana hatları çizilen konuların sürekli tartışılmasına rağmen, her birimizin
güçlü yanları ortak hiçbir şeye sahip olmaktan ziyade birbirimizi tamamlıyordu.
Sonuç olarak, artık yeniden tanımlanamayacak roller verildi (aslında bunu
yapmaya hiç çalışmadık bile). Biraz zaman ayırdıktan sonra, doğru işbirliği
modelini bulduk - sadece işi akışına bırakın. Tandem yerine paralel hareket
etmeye çalıştık, böylece her birimiz bizi ilgilendiren konuları hissetme
fırsatı bulduk. Sanatçılar bu konu hakkında nadiren konuştukları için, aptallık
ve diğer insanların ortak çabalarıyla dikkatin dağılmasına isteklilik
konusundaki geniş (ve her zaman eşleşmeyen) görüşlerimizin ortak bir yanı olup
olmadığını gerçekten bilmiyoruz.
Proje üzerinde çalışırken, birçok arkadaşımız ve
"sempatizanlarımız" bize yardım etti - muhtemelen çoğu katkılarının
farkında bile değil. En başından beri Spencer Bayle, Francis Orlande, Steve
Sturgis, Linda Jones ve Keith Milman bize son derece minnettar olduğumuz yetkin
yardımlarını sağladılar. Görüşümüze sürekli olarak meydan okuyan, iyi niyetli
sorular soran ve önemli ayrıntılara değinen Dave Bohn'a özellikle teşekkür
etmek istiyorum.
CapraPress'ten Noel
Young'a, hiçbirimiz onun mağaza raflarında nerede duracağını hayal
bile edemememize rağmen, bu kitabı yayınlanmak üzere nazikçe kabul ettiği için
teşekkür etmek isteriz . Ayrıca sonsuz sabrı ve birçok soru ve isteğimize yanıt
vermeye devam etme istekliliği için asistanı David Dahl'a. Capra Press, 2001
yılında kapılarını kalıcı olarak kapatana kadar Art and Fear'ı kendi logomuz
/trueCon/gnuit Press altında yayınlamaya başladık.
David Bailey
Ted Orland
David
Bailey, Ted Orland
Sanat ve korku. Çağdaş sanatçı için bir hayatta kalma
rehberi
А.
Кривцов А. Юрченко Ю. Сергиенко Е. Кривцова А. Татарко Н. Викторова Л. Егорова
İngilizceden çeviren: L. Rodionov, E, Karmanov
Yazı İşleri Müdürü Proje Yöneticisi Baş Editör Edebiyat Editörü
Sanat Editörü Son Okuyucu Düzeni
09.12.10 tarihinde yayınlanmak üzere
imzalanmıştır. 84x108/32 formatı. Dönş. sayfa l 11.76. Dolaşım 2500. Sipariş
24746. LLC "Lider", 194044, St. Petersburg, B. Sampsonievsky pr.,
29a.
Vergi avantajı - tüm Rusya ürün sınıflandırıcısı OK 00593־,
cilt 2; 95 3005 - eğitim literatürü.
OAO Printing Yard im.'de CtP teknolojisi
kullanılarak basılmıştır. A. M. Gorki.
197110, St.Petersburg, Chkalovsky pr., 15.
yirmi
beş tiraj
ve
bir milyondan fazla okuyucu
!
Sanatçı olmak ne demektir?
Yaratıcılığınız ne için? Yaratıcılığın önünde hangi engeller var? Başyapıtlar
yaratmak için yetenek gerçekten gerekli mi?
Bu önemli sorular, yaratıcı
gelişimin her aşamasında ortaya çıkıyor - Batı'da uzun süredir kült statüsü kazanmış
olan bu harika kitabın temelini oluşturdular. Yazarlar, sanat yapıtlarının
nasıl yaratıldığını inceler, genellikle yaratılmamalarının nedenlerini düşünür
ve birçok yaratıcı insanın başladıklarını bitiremedikleri zorlukların doğasını
analiz eder.
Bu kitap stüdyoda
veya ofiste, çömlekçi çarkı veya klavye başında, şövale önünde veya elinizde
kamera ile ihtiyacınız olan sonuca ulaşmaya çalışmanın nasıl bir şey olduğu
hakkındadır. Geleceğinizi nasıl kendi ellerinize alacağınız, özgür iradeyi
kaderin ve seçimi şansın önüne nasıl koyacağınızla ilgili. Kendi yaratıcı
yolunuzu bulmakla ilgilidir.
1 Benjamin Shan (1898-1969),
Litvanya asıllı Amerikalı bir ressamdı. Çalışmalarında, sanatın toplumsal
açıdan önemli fikirleri iletmesi ve kendi başına bir amaç olmaması gerektiğine
inanarak, tutkulu bir sosyal adalet arzusunu yansıtıyordu.
\ Jerry Welsman (1934 doğumlu),
geleneksel sinemada bir akım olarak fotomontajın kurucusudur.
2 Rusça
çeviride roman “Elmas Jack” adıyla bilinmektedir. Suç topluluğunun hayatı ve
1930'ların maceralı romantizmi, Kennedy'nin favori temalarından biridir
(sahnesine göre).
2 William (Dukenfield) (1880-1946) —
ünlü film komedyeni. Chaplin ile olan benzerliği belki de bu
konuda sona eriyor. Fields kahramanları kötü niyetle ayırt edilirler, onlar
2 Richard Avedon (1923–2004) Amerikalı bir fotoğrafçıydı. Nagret'ten
Wagaag ile işbirliği yaptı ,
1 Not. Yazarlar: Felsefi olarak
dar görüşlülüğün ne kadar tehlikeli olduğunu kanıtlayan bir çalışma, Frederick
Crews sayesinde. Kısa çalışmasının başlığı kendisi için konuşuyor: “Aşağı kafa
karışıklığı. Winnie'nin masallarının gerçek anlamının keşfedildiği bir vaka
öyküsü.
ünlü psikolojik romanların yazarının, sanatçı ve toplum arasındaki
karmaşık ilişki temasına yöneldiği.
2 Kaliforniya'nın en eski eyalet hapishanesi
(1852'den beri). 1969 yılında onun
[1]Vladimir Nabokov bunu Ada veya Tutkunun Sevinçleri
adlı romanın sayfalarında yaptı. Family Chronicle” (1969) (çeviren S. İlyin,
1996).
[2]Joseph Conrad (Józef
Theodor Konrad Kozeniewski) (1857-1924), Polonya kökenli bir İngiliz edebiyatı
klasiğidir. Eserlerinin karakterleri, en ısrarcıları bile tamamen Kadere
tabidir.
[3]Ansel Easton Adams (1902-1984), Batı Amerika Birleşik Devletleri'nin siyah
beyaz fotoğraflarıyla tanınan Amerikalı bir fotoğrafçıydı. "Saf"
fotoğrafı "resimsel" yani "resimsel" fotoğrafa karşı bir
denge olarak savunan GroupJ\64 derneğinin kurucularından biri .
[4] Frank Lloyd Wright (1867-1959), "organik" in yaratıcısı,
yani doğal olarak peyzaja, mimariye kazınmış Amerikalı yenilikçi bir mimardır.
[5] Imogen
Cunningham (1883-1976) Amerikalı
bir fotoğrafçıydı, bitki ve doğa fotoğraflarının yazarıydı, portreleri de
biliniyor. Ansel Adams gibi o da Groupf\64 derneğinin oluşturulmasına katıldı .
[6] Herman Melville (1819-1891), Amerikalı yazar. Gerçekçi denizcilik
romanlarının yazarı olarak, irrasyonelin önceliğini ilan eden ana eseri Moby
Dick'in (1851) yayınlanmasına kadar oldukça başarılıydı. Ne "Moby
Dick" ne de Melville'in sonraki çalışmaları eleştirmenler ve halk arasında
tanınmadı. Çalışmalarının yeniden düşünülmesi yalnızca 1920'lerde başladı.
[7] JoanDidion (1934 doğumlu) Amerikalı bir gazeteci ve yazardır.
1956-1963 yılları arasında Vogue dergisinin editörlüğünü yaptı . sonra
tamamen edebi bir alan seçti. Makalesi, son derece kişisel yorumlar ve Amerikan
kültürü ve politikasının karanlık bir sunumu ile karakterizedir.
[8]Charles Ormand Ames (1907–1978) ve eşi Ray (1912–1988) mimarlık, mobilya
tasarımı, fotoğraf, film, sergi ve grafik tasarımı alanlarında çalıştılar ve
1940'lardan beri uluslararası tasarımda trend belirleyiciler oldular.
[9]Stanley Kunitz (1905-2006) - Amerikalı şair ve tercüman (İngilizce konuşan
dünyayı Mandelstam, Akhmatova, Yevtushenko ve Voznesensky'nin şiirleriyle
tanıştırdı). İlk şiir koleksiyonu eleştirmenler tarafından kabul edilmedi ve on
dört yıl sonra yayınlanan ikincisi gibi. Ancak üçüncü şiir kitabı için Pulitzer
Ödülü'ne layık görüldü .
[10] Pablo Casals (1876-1973) İspanyol virtüöz çellist, orkestra şefi
ve besteciydi. Çocuğun ilk müzik dersleri babası tarafından verildi ve on iki
yaşına geldiğinde birkaç enstrüman çalabiliyordu. Gelecekte müzik kariyeri
hızla ve başarılı bir şekilde gelişti.
fotoğraflar.
Dijital kameraların yaygınlaşması ve Photoshop'un gücünün artmasıyla herkes yaptığı
işin benzerini yapabilir. Ve Welsman, "karanlık odanın simyasına"
güvendiği için bundan utanmıyor.
[12] Adil olmak
gerekirse, bu Çağın zorluklarının, kocasının el yazmalarının sekreteri ve
kopyacısı görevlerini gönüllü olarak üstlenen Sofya Andreevna Tolstaya'yı daha
fazla etkilediğini not ediyoruz.
[14]1861-1865 İç Savaşı'nın en önemli ve kanlı
muharebelerinden birinin yaşandığı Pensilvanya'da bir şehir. Lincoln'ün 1963'te
mezarlığın açılışında verdiği Gettysburg Adresi, kısalığına rağmen bir hitabet
modeli olarak kabul ediliyor, metni Washington'daki Lincoln Anıtı'nın kaidesine
oyulmuş.
[15] Lawrence
Durrell (1912–1990) bir İngiliz
yazar ve şair, hayvan ressamı Gerald Durrell'in kardeşi ve yazar ve sanatçı
Henry Miller'ın arkadaşıydı. Eserlerinden İskenderiye Dörtlüsü (1957-1960) adı
altında birleşen dört romanı halk arasında en büyük coşkuyu uyandırdı.
[16] Yani kırk beş
metrede bir yerde.
[17] Edward Morgan
Forster (1879-1970) - İngiliz
romancı ve tanınmış halk figürü. Hindistan'a Yolculuk'ta (1924), diğer pek çok
eserinde olduğu gibi, eylemin "yer"i ve onunla birlikte gizlediği
"görünen" ve "görünmeyen" dünyalar büyük önem taşır.
[18]"Yansıtıcı sanat" terimi ilk olarak Alman
filozof ve antropolog Arnold Gehlen (1904–1976) tarafından "Images of
Time" (1960) adlı çalışmasında kullanılmıştır ("Tamamen felsefi bir
yansıma olduğu gün gibi açıktır"). Eserin büyük ölçüde Paul Klee'nin
1921-1922'de Bauhaus'ta verdiği derslere dayanılarak yazıldığına dair bir görüş
var.
[19] Bu ifade,
Einstein'ın yaşamı boyunca popüler olmuş olmalı. Genel anlambilim teorisinin
(insanların dünyayla nasıl etkileşime girdiğini inceleme metodolojisi) kurucusu
Alfred Korzybski (1879-1950), 1933'te "Bilim ve Sağduyu" adlı
çalışmasında bu konumdan başlar.
[20] Darwinci
teoriye göre, dengeleyici seçilim, bir popülasyondaki özelliklerin ortalama
değerini (bir norm olarak) korur ve bu normdan en fazla sapanların bir sonraki
nesle geçmesine izin vermez. Türlerin değişmezliğini belirleyen şey.
[21]John Simmons Barth (d. 1930), kara mizah okulunun kurucularından biri olan
Amerikalı bir yazardır. Barthes'ın 1985'te edebiyat dergisi The Paris
RexLezh'e verdiği bir röportajdan alıntı yapılıyor. Shahrazada'dan söz
edilmesi tesadüf değildir, Bart'ın "Chimera" (1972) adlı romanının
kahramanıdır ve yazarın tüm eserlerinde şu ya da bu şekilde gerçek ile kurgu,
yanılsama ve gerçeklik arasındaki ilişkiye dair sorular gündeme gelir. Bu arada
aynı röportajda yazarın özgüveninden bahseden Bart, bir noktada günlük yazılan
kelime sayısını tayınlamaya başlayan "zavallı adam" Hemingway'i
hatırlıyor.
[22] Anthony
Trollope (1815-1882) - Viktorya
döneminin en başarılı ve yetenekli romancılarından biri olarak kabul edilen
İngiliz yazar. Onun kaleminden elliye yakın roman çıktı. Rus okuyucu tarafından
The Barsetshire Chronicle'ın (altı romandan oluşan bir döngü) yazarı olarak
bilinir.
[23] Brett Weston (1911-1993), ünlü fotoğrafçı Edward Weston'ın oğlu
Amerikalı bir fotoğrafçıydı. Babasının öldüğü yıl, kendi negatiflerini yok
etmeye karar verdi ve bu sürecin bir sanat olarak fotoğrafın ayrılmaz bir
parçası olduğu için fotoğrafçının kendisinden başka kimsenin fotoğraf basmaması
gerektiğini açıkladı.
[24]Bir hedef beyanı, sanatçının kendisi tarafından
verilen teorik fikrin kısa bir açıklaması.
[25]Hristo Yavashev (1935 doğumlu), Amerikalı bir heykeltıraş ve Bulgar asıllı
bir sanatçıdır. Amphetage kavramını geliştirdi , yani nesneleri çeşitli
malzemelere (kumaş, kağıt, film) sarmak, sonuç olarak bir sanat eseri statüsü
kazandı. Küçük eşyaları paketlemekle başlayan Christo, zamanla ağaçları ve
arabaları ve ardından tüm binaları ve manzaraları paketlemeye geçti.
[26]Satchel Page (Leroy Page) (1906-1982) - efsanevi beyzbol oyuncusu,
olağanüstü bir atıcı. Bu söz aynı zamanda John Steinbeck'in The Winter of Our
Anxiety (1961) filmindeki karakterlerden biri tarafından alıntılanmıştır.
[27] Stravinsky'nin
yanı sıra Nijinsky ve Roerich'in de çalıştığı balenin galası 1913'te
gerçekleşti. Durum gerçekten de kolay değildi: “dansçılar titriyordu,
gözyaşlarını tutuyorlardı. Uzun bir aylık beste, bitmeyen provalar - ve sonunda
bu karmaşa.” Ve sadece Diaghilev seyircinin tepkisini kendi tarzında yorumladı:
“Bu gerçek bir zafer! Islık çalsınlar ve öfkelensinler! İçsel olarak,
kendilerini zaten değerli hissediyorlar ve yalnızca geleneksel bir maske ıslık
çalıyor. Sonuçlarını görün.”
[28] Bölüm,
1965'te Newport Halk Festivali'nde gerçekleşti. Böyle bir reddin elektro
gitarın kendisinden değil, halkın bir "halk ozanı" beklemesinden ve
sonuç olarak bir "rock ozanı" bekleyerek acımasızca kandırılmasından
kaynaklandığı varsayılabilir . Bob Dylan'ın biyografisine ve eserlerine dayanan
I'm Not Here (yönetmen T. Haynes, 2008) filmi , izleyicinin bir idolün
reenkarnasyonuna ne kadar farklı tepki verebileceğini çok iyi gösteriyor.
[29]Andrew Newell Wyeth (1917–2009), Amerikalı gerçekçi ressam. “Helga” döngüsü,
çeşitli tekniklerle (tempera, kuru fırça, sulu boya ve kurşun kalem) yapılmış
yaklaşık 250 eserden oluşuyordu. Sanatçının komşusu Helga Testorff'u tasvir
ediyorlar. Döngü, 1971'den 1985'e kadar sanatçının eşi dahil herkesten gizli
olarak yaratıldı. Bu ilkeli bir pozisyondu: fikir nihayet gerçekleşene kadar yabancılara
izin vermemek.
[30]Jacob Bronowski (1908–1974), İngiliz bilim popülerleştiricisi ve edebiyat
eleştirmeni, oyun yazarı, şair ve mucit. Bir fizikçi ve bir söz yazarının
özelliklerini mucizevi bir şekilde birleştiren bir adam.
[31]Softbol, beyzbolun bir çeşididir. Bir softball, bir
beysboldan daha büyüktür ve vurulması daha rahattır; çocukken softbol oynamak
daha keyifli.
[32]Beaumont Newhall (1908–1993), sanat eleştirmeni, fotoğraf tarihçisi ve
koleksiyoncu. Girişiyle birlikte “sanat olarak fotoğraf” türlere, tarzlara ve
yönlere göre tasnif edilmeye başlandı, fotoğraf tarihinin genel seyri dönemlere
ayrılmaya başlandı ve “sanat fotoğrafı” terimi kullanılmaya başlandı.
[33]Dağcılar, 19. yüzyılın ilk yarısında değerli
kürkler elde etmek için Rocky Mountain bölgesine akın eden maceracılardır.
[34]Franz Schubert (1797-1828) yaşamı boyunca gerçekten olağanüstü bir
başarıya sahip olmadı, ancak yalnızca akrabalarının ve arkadaşlarının onayına
değer verdi. Sağlığını korumadan yorulmadan beste yaptı ve 31 yaşında öldü.
Bestecinin mezar taşında "Ölüm buraya 60 yıllık bir hazine gömüldü, ama
daha da harika umutlar var" yazısı yer alıyor.
[35] The Firebird
balesi, Stravinsky tarafından World of Art çevresi üyelerinden sipariş edildi.
Prömiyer, 1910'da Rus Mevsimleri kapsamında Büyük Opera sahnesinde gerçekleşti.
Genel olarak, prodüksiyon büyük bir başarıydı, kitabın yazarları, bestecinin
çalışmasının özgüllüğünden açıkça utanıyorlar.
[36] Robert Frank (1924 doğumlu) Amerikalı bir fotoğrafçı, film
yönetmeni ve kameraman. "Amerikalılar" (1959) kitabı, Frank'in
özellikle bu amaçla yaptığı bir gezi sırasında çektiği çok sayıda fotoğraftan
ve bunlara küçük yazılardan derlendi. Orta sınıfla, günlük hayatıyla ve
hayatındaki her zaman hoş olmayan küçük şeylerle ilgili. Kitabın önsözü Jack
Kerouac'a ait olan ve albümün kendisi de onun Yolda (1951) adlı romanının
fotoğrafik muadili sayılıyor ve beat kuşağı kültüründe önemli bir yer tutuyor.
[37] Weegee (Arthur Fellig) (1899-1968) Amerikalı bir foto
muhabiri ve suç tarihçisiydi. Fotoğrafları, New York'un hayatını - çoğu zaman
gölgeli, kasvetli tarafını - yakalar: “Herkes güzelliği sever. Ama çirkinlik de
var..."
[38] Eugène Atget (1857-1927) Fransız fotoğrafçı. 1888'den itibaren
Paris'in günlük yaşamını fotoğrafladı; belgesel fotoğrafçılığında uzmanlaşarak
kendini bir sanatçı olarak gösterdi. Uzun bir süre dar çevrelerde tanınan Atje,
ancak ölümünden önce Man Ray tarafından halka açıldı.
[39]Özetleme, modern organizmalarda bireysel gelişim
sürecinde atasal formların gelişiminin ana aşamalarının kısa ve hızlı bir
şekilde yeniden üretilmesidir.
[40] Edward Weston
(1886-1958) ünlü Amerikalı
fotoğrafçı, Brett Weston'ın babası. Groupf\64 derneğinin üyesi .
[41] Sierra Club, Amerika Birleşik Devletleri'ndeki en eski (1892'de
kuruldu) ve en etkili sivil toplum kuruluşlarından biridir. Çocuklar arasında
çevre eğitimi konusunda aktif olarak yer almakta ve yayın faaliyetleri
yürütmektedir.
[42] Norman
Rockwell (1894–1978) Amerikalı bir
ressam ve illüstratördü. Gençlik dergileri için Noel kartları, kapaklar ve
illüstrasyonlar çizerken bile başarı ona oldukça erken geldi. Kariyerinin
zirvesinde, küçük kasabalardaki Amerikan yaşamının resimlerini çizdi ve
demokratik değerlerin şarkısını söyledi.
[43] John Singer
Sargent (1856-1925), sözde Belle
Epoque'un en başarılı ressamlarından biri olan Amerikalı bir ressamdı. Ancak
ulusal ve dünya klasiği mertebesine ancak 1960'larda ulaştı. Yaşamı boyunca,
karşılaştırıldığı İzlenimciler, özellikle ona şüpheyle yaklaştılar.
[44] James Grover
Thurber (1894–1961), ikonik bir
Amerikalı mizah yazarı ve karikatüristti.
[45] Ed Ruscha (1937 doğumlu) Amerikalı bir ressam ve fotoğrafçı.
Ölçeği ve tipi cesurca ele almasıyla tanınan, yaşayan bir pop art klasiği;
çalışmalarında meyve suyu, kan, ot, barut, çiğneme tütünü, yumurta sarısı,
çikolata, kahve, çay, reçine ve saten kullanıyor.
[46] Louis Clyde
Stoneman (1917-1991) Amerikalı bir
belgesel film yönetmeni ve yapımcısıydı. Bugün "Ken Burns etkisi"
olarak bilinen bir tekniğe sahipti; bu, bir fotoğrafın veya bir tablonun kamera
tarafından statik olarak sabitlenmemesi, izleyici onları parçalar halinde
inceliyormuş gibi yavaşça üzerinde hareket etmesi gerçeğinden oluşuyor.
[47] Slavko
Vorkapic (1892-1976) - 1930'larda
Hollywood'daki en iyi editör ve özel efekt ustası. Arkasında, belirli
sinematografik tekniklerin izleyicinin fizyolojisi ve psikolojisi üzerindeki
doğrudan etkisi de dahil olmak üzere bir dizi teorik çalışma bıraktı.
[48] Artforum dergisi
(1962'den beri yayınlanmaktadır), çağdaş sanat üzerine kapsamlı makaleleriyle
ünlüdür; bir kitap eleştirisi, film ve popüler kültür üzerine bir köşe yazısı
ve dünyanın en önemli galerilerinden sergilerin önizlemelerini içerir. Her yeni
kapak yayılımı, belirli bir sanatçının çalışmasına adanmıştır.
[49] Adam Gopnik (1956 doğumlu) Amerikalı bir yazar ve yayıncıdır.
1987'den beri The New Yorker için kurum içi sanat eleştirmeni . Sanat
tarihi alanındaki çalışmaları, din ve sanat ilişkisine ve Hıristiyanlık ile
Darwinizm'in uyumuna yöneliktir.
[50] "Bitmemiş
Senfoni" 1824'te Schubert tarafından sunuldu ve tamamlanmasını engelleyen
nedenler bir sır olarak kaldı. Dünyada zaten senfoninin sonunun birkaç çeşidi
var. Öte yandan bunun zaten tamamen tamamlanmış bir çalışma olduğu yönünde bir
görüş var.
[51] Bu tür ödünç
alma, dünya halklarının geleneklerine duyulan evrensel sevgi ile
açıklanmaktadır. Kuzey Amerika Kızılderililerinin mitlerinde çakal, kurnaz ve
yaramaz bir düzenbaz tanrı olarak görünür.
[52]Frederic Chopin (1810-1849) elliden fazla mazurka bestelemiştir.
[53]Constantin Brancusi (1876-1957), Fransız heykeltıraş. Omzunda bir sırt
çantasıyla memleketi Romanya köyünden yürüyerek Paris'e gitti ve burada daha
sonra Auguste Rodin'in öğrencisi ve ardından soyut heykelin kurucularından biri
oldu.
[54] Robert Mapplethorpe
(1946-1989) ikonik bir Amerikalı
fotoğrafçıdır. Burada, Washington DC'deki Corcoran Gallery'deki bir serginin
son anda iptal edilmesi gereken 1978 olaylarından bahsediyoruz. Kısa bir süre
sonra Cincinnati'de bu "pornografik" görüntüleri sergilemeye cesaret
eden bir çağdaş sanat merkezinin müdürü tutuklandı ve "ahlaksız
davranış"tan hüküm giydi.
[55] Aslında,
fotoğrafçıya anlatılan olaylardan neredeyse on yıl sonra ölümcül bir hastalık
teşhisi kondu, bu yüzden bunun onun "tesellisi" olmadığını, daha çok
onun skandal şöhretinin bir başka teyidi olduğunu varsayacağız. Elbette zamanla
Mapplethorpe'un çalışması yeniden düşünüldü. Örneğin, 2005 yılında Devlet
İnziva Yeri'nde eserleri, klasik ve modern sanat arasında bir diyalog olarak
sunulan 16. yüzyıla ait Maniyerist gravürlerin ("Robert Mapplethorpe ve
Klasik Gelenek" sergisi) yanında sergilendi.
[56] Gauerie
dujour, fotoğrafçılıkta
uzmanlaşmış bir çağdaş sanat galerisidir. 1984 yılında tasarımcı Agnes Trouble
(d. 1941) tarafından kendi moda butiği (agnesbi) ile açılan showroom,
ancak 1996 yılında daha geniş bir alana taşındı. Tasarım ve galeri işine ek
olarak, Agnes Trouble bir çağdaş sanat dergisi yayınlıyor ve filmler üretiyor.
hayatın
trepanları, yalan söylemeyi, önemsiz şeyler için kanunları çiğnemeyi, yani
oldukça gerçek insan niteliklerini severler.
[58]John Milton (1608-1674) edebiyata To Shakespeare'le (1632'de
yayınlandı) girdi ve geleneksel olarak büyük oyun yazarının halefi olarak kabul
edildi (Milton doğduğunda, Shakespeare en parlak dönemindeydi). Nigel Smith'in
2008 tarihli monografisi Milton Gerçekten Shakespeare'den Daha mı İyi? dünya
klasiklerinin hâlâ karşılaştırılmakta olduğuna tanıklık ediyor.
[59]Kingsley Amis (1922-1995) ünlü bir İngiliz romancı, şair ve
eleştirmendir. 1950'lerin ana teması çevredeki gerçekliğe, "burjuva"
değerlere karşı bir protesto olan "kızgın gençler" edebiyat akımının
liderlerinden biri. Dünya, gerçek adı ve iki takma adıyla yayımladığı
romanların yanı sıra ironik ve alaycı yazar ve eleştirmen Martin Amis'in (d.
1949) doğuşunu yazara borçludur.
[60] 1941 yılında
çekilmiş bu fotoğraf bugün dünyanın en pahalı fotoğrafları listesinde yer
alıyor. 2006'da bir Sothebtfs müzayedesinde 609.600$'a satıldı .
Vogue ve The New Yorker. Çerçevesinde, yalnızca
dünya “yıldızları” olan Twiggy ve Verushka seviyesindeki süper modeller vardı.
Yine de 1980'lerde, kahramanları sıradan insanlar olan sır altı ve dolayısıyla
hevessiz dizi "The American West" i tanıttı.
[62]Anıt, Washington DC'de Anayasa Bahçesi'nde
bulunuyor. 1982 yılında mimar Maya Lin tarafından tasarlanan bina, Vietnam
Gazileri Anıt Vakfı tarafından yetiştirilen kişi ve kuruluşların fonlarıyla
inşa edildi.
[63]Ancak Edward Weston, kahve temalı bir manzaranın
fotoğrafını çekmeyi başardı. 1937'de Mojave Çölü'nde çekilen "Sıcak
Kahve" resmi, ustanın çalışmalarında yeni, sürrealist bir yönü işaret
ediyordu.
[64]Bu bölümdeki tartışmanın geri kalanı, elbette,
Amerikan sanat eğitimi sistemi hakkındadır.
[65]George Santayana (Jorge Agustin Nicholas Ruiz de Santayana) (1863-1952)
Amerikalı bir filozof ve İspanyol kökenli bir yazardı. Felsefenin görevini
dünyanın değiş tokuşunda değil, ona karşı estetik bir tavır geliştirmede gördü ,
teorisine göre "bilim, sanatın zihinsel eşlikçisidir."
[66]Jack Walpott (1923-2007), savaş sonrası kuşağının en önemli Amerikalı
fotoğraf sanatçılarından ve fotoğraf öğretmenlerinden biridir. Welpott'un
çalışması, kendi deyimiyle, ışık ve karanlık, güzellik ve çirkin, yüce ve
sıradan arasındaki tutarlılığın bir örneğidir.
[67]Çağdaş Amerikalı foto eleştirmen, fotoğrafçı, şair,
nesir yazarı, oyun yazarı, müzisyen vb. Alan Douglas Coleman'ın edebi
takma adı.
[68] Weston'ın
çocukları da fotoğrafçılar, sonuç olarak bu ünlü biberi hangisinin yediğini
uzun süre anlayamadılar. Brett övgüyü kendisine aldı, Neal herkesin onu
yiyebileceğine dair güvence verdi ve Cole herkese tartışmadan bahsetti. Edward
Weston, 1927'de deniz kabuklarını, sebzeleri ve çıplakları fotoğraflamaya
başladı ve aynı sıralarda, daha sonra tartışılacak olan bir günlük tutmaya
başladı.
[69] Ezra Weston
Loomis Pound (1885–1972),
Amerikalı şair, yayıncı ve editör. 1908'de o dönemde edebi hayatın tüm hızıyla
devam ettiği Avrupa'ya taşındı. Muhtemelen, Pound'un yeni, radikal olana
yönelik dizginsiz çabası, faşist fikirlere olan tutkusunu önceden
belirlemiştir. 1948'de, edebi otoritesini hiçbir şekilde etkilemeyen bu
fikirleri yaydığı için mahkum edildi.
[70]Jan Werner'in (1632-1675) en küçük tablosu 24 x 20,5 cm'dir.Resim Sanatı, belki de
Hollandalı'nın eserlerinin en büyüğüdür (130 x 10 cm).
[71]Albert Bierstadt (1830-1902), Alman kökenli bir Amerikan manzara ressamıydı.
Halka göre resimlerinin devasa boyutu, sanatçının inanılmaz benmerkezciliğinin
bir tezahürüydü.
[72] Aslında bu
otobiyografik hikayenin yazarlığı James D. Watson'a aittir. İçinde, her ikisi
de 1962'de Nobel Ödülü alan Francis Crick ve Maurice Wilkins ile yaptığı
çalışmaları ayrıntılarıyla anlatıyor.
[73] Anna Truitt (1921–2004), minimalizm ve renk alanı resminin
temsilcisi olan Amerikalı bir heykeltıraştı. "Ezhednevnik" e ek
olarak, tümü günlük şeklinde yazılmış iki kitabı ("Form",
"Görünüm") yayınlandı.
[74]Thomas Samuel Kuhn (1922–1996), Amerikalı tarihçi ve bilim filozofu. Bilimin
kademeli olarak bilgi biriktirerek değil, bilimsel devrimler yoluyla sıçramalar
ve sınırlarla geliştiği teorisini geliştirdi.
[75]Henry James (1843-1916) Amerikalı yazar, ilahiyatçı ve filozof.
Çalışmalarının "Turgenev" dönemi ancak 1881'de sona erdi (Rus yazar
James'in idolüydü, birçok kez yüz yüze görüştüler), sonra
Pouche'un her
zaman sanıldığı kadar basit olmadığı ve doğru yorumunun ancak farklı eleştirel
yaklaşımlar kullanan birkaç akademisyenin ortak çabalarıyla mümkün
olabileceği.”
[77] de rigueur (fr.) — zorunlu, mevcut normlar veya güncel moda
tarafından dikte edilir.
[79]Samuel Solomon Maloof (1916–2009), iktidar için elle mobilya yapan Amerikalı bir
tasarımcıydı. Reorier dergisi ona Hardwood'un Hemingway'i adını verdi.
[80]1970'lerden bu yana, Rönesans Fuarı , Avrupa ve ABD'de
tarihi canlandırmalardaki trendlerden biri olarak biliniyor.
[81] Aslında
Cremona küçük bir kasaba.
[82] Stradivari'ye
ek olarak, Amati ve Guarneri Cremona'da yaşadı ve çalıştı. 1937'de şehirde bir
keman yapımcıları okulu açıldı.
[83]Gilbert Keith Chesterton (1874–1936) İngiliz Hristiyan düşünür, gazeteci ve yazardı.
Ona matematikçi diyen yazarlar yanılıyor.
[84], 1940 yılında tasarlanan Eames Lcninge Sandalye
Ahşap (LCW) modelini ifade eder .
[85]Douglas Robert Hofstadter (1945 doğumlu) çağdaş bir Amerikan fizikçi ve bilgisayar
bilimcisidir.
[86]Maurits Cornelis Escher (1898-1972) Hollandalı bir grafik sanatçısıydı. Bu baskının
kapağının tasarımında "Çizim Elleri" (1948) çizimi kullanılmıştır.
1 Sonat, D. D. Shostakovich'in son eseridir.
[87]John Sharkowski (1925–2007) fotoğrafçı, küratör, tarihçi ve eleştirmen.
Uzun yıllar MOMA'nın (New York'taki Modern Sanatlar Müzesi) fotoğraf
bölümünün başkanlığını yaptı.
[88]Mark Twain'in aforizması.
[89]Vox humana (lat.) - "insan sesi"; terim organın kayıtlarından
birini belirtmek için kullanılır, diğer kayıt ise vox angelica, "melek
sesi" olarak adlandırılır.
Not: Bazen Büyük Dosyaları tarayıcı açmayabilir...İndirerek okumaya Çalışınız.
Yorumlar