Klasik Çizim Dersleri

         

         Juliet Aristide

         SANAT ATÖLYESİNDEN TEKNİKLER

          DERSLER

         KLASİK

         ÇİZİM

         Juliet Aristide

         SANAT ATÖLYESİNDEN TEKNİKLER

         Ekaterina Petrova tarafından İngilizce'den çeviri

         

         Juliette Aristides

         Klasik Çizim Dersleri: Atölyenin İçinden Temel Teknikler Bilimsel Editör Yulia Ovanesyan

         İlk kez Rusça olarak yayınlandı

         Penguin Random House LLC ve Synopsis Literary Agency'nin bir bölümü olan Crown Publishing Group'un bir baskısı olan Watson-Guptill Publications'ın izniyle yayınlanmıştır.

         Kitabın yayınlanması Natalie Ratkowski tarafından tavsiye edilmektedir.

         Kapak çizimleri: Elizabeth Zenzinger. Dinleniyor Sarah. 2008.

         Paul McCormack. Abigail Rose (sanatçının kızının portresi). 2007. Amaya Guripid. Bir düşüş. 2009.

         Elizabeth Zenger. Daire. 2008

         Jennifer Baker'dan mürekkep ve fırça çizimleri

         Aristide, Juliet

          Klasik çizim dersleri. Sanat atölyesinden teknikler ve teknikler / Juliet Aristide; başına. İngilizceden. Ekaterina Petrova.

         

         Ünlü çağdaş sanatçı Juliette Aristide'nin kitabı, bir çizim üzerinde çalışma sürecini ve onu başlatmak için gerekli tüm malzeme ve araçları ayrıntılı olarak anlatıyor. Yazar, tüm dahiyane çizimlerin ortak bileşenlerini inceledikten sonra başarının formülünü paylaşıyor ve ustalığa götüren yöntem ve tekniklerden bahsediyor. Her bölümün sonunda, edinilen bilgileri pekiştirmeye yardımcı olacak pratik bir ders vardır.

         

         Juliet Aristide

         KLASİK RESİM DERSLERİ

         Sanatsal teknikler ve teknikler

         atölye

         Genel Yayın Yönetmeni Artem Stepanov

         Yönetim başkanı Vera Ezhkina

         Yönetici editör Anna Kuzmina

         Sanat yönetmeni Aleksey Bogomolov

         Editör Olga Svitova

         Düzen Nadezhda Kudryakova

         Natalia Maykova'nın kapağı

         Son okuyucular Maria Kanturova, Nadezhda Bolotina

         

 Bu çeviri         , Penguin Random House LLC'nin bir bölümü olan Crown Publishing Group'un bir baskısı olan Watson-Guptill Publications ile anlaşarak yayınlanmıştır.

         

          

çizmeyi seven herkes için

         ÖNSÖZ

         YAZARDAN

         Bölüm 1 İLK HATLAR

         Bölüm 2 UYUMLU İLİŞKİLER

         3. Bölüm ZARİF ÇİZGİ

         Bölüm 4 HACİM İLLÜYONU Şeklin küçük öğelerini çizme

         BÖLÜM 5 TON KOMPOZİSYONU DERSİ 5 TON ÇİZİMİ

         6. BÖLÜM IŞIK VE GÖLGE Özeti

         KAYNAKÇA

 

 çizmeyi seven herkes için

         Bu kitabı oluşturmama birçok kişi yardım etti. Jordan Paretti olmasaydı ne başlatabilir ne de bitirebilirdim. İki harika film yapımcısına, Don Porter ve Bob Campbell'a hayal güçleri ve espri anlayışları için teşekkürler. Fred ve Sherry Ross'a özel teşekkürler, Rönesans Merkezleri klasik sanat için güçlü bir destek. Düzen ve düzen için Elizabeth Zenzinger'a ve küçük bir fırça ve bir şişe mürekkep kullanarak bu kitabın çizimlerini yaratan inanılmaz Jennifer Baker'a çok teşekkürler. Projeyi başlattığı ve ilk düzenlemeleri yaptığı için Sarah Howard'a ve teşvik ve desteği için editör Alison Haig'e teşekkürler. Lauryn Chang'a yardım ve araştırma çalışmaları için teşekkürler. Kim Bendheim ve Susan Torrance, yardımlarınız paha biçilmezdi. Teşekkür ederim. Pennsylvania Güzel Sanatlar Akademisi arşivlerinden çizimleri kullanma fırsatı verdiği için Barbara Catus'a özel teşekkürler. Dünya algısını kamera merceğinden ifade eden fotoğrafçı Andrei Orlano'ya teşekkürler. Bu kitaba inandığı için Watson-Guptill'in Genel Yayın Yönetmeni Candice Raney'e teşekkürler. Gage Güzel Sanatlar Akademisi'nin yönetici direktörü Pamela Belia, sanatçıları her zaman desteklemiştir. Bana cömertçe sevgilerini ve desteklerini sunan aileme özellikle minnettarım: Francis Bendheim ve Barry Babu, Dino, Natalia, Jason ve Simon Aristides. Kitap için çalışmalarını sağlayan tüm sanatçılara en derin şükranlarımı sunuyorum. Dünyaya güzellik getiriyorsun ve sana ihtiyacı var. Herkese ve herkese teşekkürler.

         

 İÇİNDEKİLER

         9 Önsöz

         10 Yazardan

         Bölüm 13 1 İLK HATLAR

         SANATÇININ GÖZÜNDEN DÜNYA

         16 Uygulamadan önce teori

          16 Yedi kez ölçün

          17 Bütünsel bir görüntü şekillendirme

          22 Satır dili

          23 Ana hatların konumu

         26 Hat türleri

         29 Esneklik ve hafiflik

          31 Malzeme seçimi

          32 DERS 1. Büyük bir ustanın eskizini kopyalamak

         37.Bölüm _ _

         39 Doğadan öğrenin

         41 Sanatçının Şeması

         46 Görsel referanslar bulma

         48 Ölçüm yöntemleri

         54 Görsel ölçüm yöntemini anlamak

         56 Düzeltme yapmak

         58 Gözlerinizi tazeleyin

         60 DERS 2. Yapıcı çizim

         65 BÖLÜM 3 ZARİF ÇİZGİ

         HAT İLE İLGİLİ SORUYA

         66 Mütevazi Hattın Gücü

         68 Şekillendirme figürleri

         70 Diyagramları kullanma

         72 Negatif alanın tanımı

         74 Konturun keskinleştirilmesi

         78 Ritim Oluşturma

         80 Hat yoğunluğunun belirlenmesi

         83 Hava perspektifini bir çizgi ile iletmek

         86 DERS 3. Çizgi çiziminde ritim

         91 BÖLÜM 4 HACİM İLLÜYONU

         ÜÇÜNCÜ BOYUT

         92 Geometrik cisimlerin tanımı

         98 Basit geometrik şekillerin kullanımı

         100 Üçüncü Boyutun Tanıtımı

         104 Doğrusal Perspektif Kullanma

         108 Elipsin önemli rolü

          110 Elips nasıl çizilir

          111 3D nesnelerin çizimi

          112 3B Şekil Çizimi

         115 Üç ana kütlenin çizilmesi

          121 Bir şeklin küçük öğelerini çizme

          122 DERS 4. Üç boyutlu çizim

         127 BÖLÜM 5 TEMEL BİLEŞİMİ

         GRİ PALET

          129 Ton değişimi

          130 ton genelleme

         132 Ton ölçeği oluşturma

         134 Ton kompozisyonu uygulama

         140 Göreli Parlaklığı Anlamak

         142 Şekillendirme gölgeleri

         146 Kompozisyon merkezi seçimi

         149 Ton Dengesini Bulma

         152 Çizim Kompozisyonu

         154 DERS 5. Ton taslağı

         159 BÖLÜM 6 IŞIK VE GÖLGE

         HACİM VE RAHATLIK YARATMAK

          160 Işık ve gölge ile hacim oluşturma

          161 Klasik ışık dağılımı yasası

         166 Nesne aydınlatması

         170 Gölge çalışması

         172 İki çeşit gölge

         174 Gölge Anatomisi

         176 Yıkım

         178 Yarım Ton

         180 Refleks

         182 Parlama

         184 Pratik Şekil Çizimi İpuçları

         198 Sonuçlar

         200 DERS 6. Form çizme

         204 Son Söz. Cesaret etmek!

          206 Kaynakça

          207 Endeksi 

 

 ÖNSÖZ

         Neden çizmeyi öğreniyorsun? Kısacası çizimde güç olduğu için. Bu, derin, ebedi düşünceleri, duyguları, inançları ve gerçekleri sanat aracılığıyla ifade edebilme yolundaki ilk adımdır.

         Beethoven terazi ile başladı. Shakespeare alfabeyi öğrendi. Ve temel bilgilerle başlasan iyi olur. Kompozisyon, orantı, çizgi, ton, biçim ve hacim unsurlarını anlamak, sanatçıya hemen hemen her fikrin başarılı bir şekilde uygulanmasının anahtarını verir. Bu temel pratik bilgiler aşağıda sunulacaktır. Nasıl çizileceğini öğrenmeden iyi bir ressam olamazsın. Günümüzde birçok insan ölümcül bir hata yapıyor - temel becerilerde uzmanlaşmadan yaratmaya başlıyorlar. Ve onlar gereklidir.

         Çalışmanız - çizim, resim veya heykel - ancak sağlam bir temel üzerinde güvenle durabilir. Temeller olmadan kendini sanatta ifade etmek imkansızdır. Gelişmekte olan sanatçılar için çok önemlidirler ve nitelikli bir öğretmenden edinilen belirli bilgilerden sağlam bir temel oluşturmaya yardımcı olurlar. Yalnızca malzemeye kendinden emin bir ustalık ifade özgürlüğü verecek ve görsel sanatlarda mükemmelliğe ulaşılmasına yardımcı olacaktır.

         Sanatın kendi büyüsü vardır. Ve yaratıcı yaratıcı süreçte sihir yoktur. Büyük sanat eserleri, anlaşılmaz güçlerden ilham almaz ve somutlaşmaz. Yüzyıllar boyunca sanatçılar, sanatsal ifadenin belirli yöntem ve tekniklerini kullandılar. Bu kitapta onlar hakkında bilgi edineceksiniz.

         Bu kitabı okumaya yeni başlayanlar, yüzyıllardır büyük sanatçıları seçkin kılan öğrenme şevki ve disiplin arzusunu benimsemelidir. İyi bir eğitim alırsan her düşünceni resimle ifade edebilirsin.

         Fred Ross,

         Art Revival Center Başkanı

         AYKIRI. JULİET ARİSTİDE. Ima. 2010, Renkli kağıt, karakalem, tebeşir. 63,5x47 cm

         Kâğıt üzerindeki vuruşlar, bizi her kuşaktan sanatçıyla ilişkilendiren görsel bir dildir. Çizim, sanatçı ve izleyici arasında duygusal ve kavramsal bir bütünlük oluşturur.

         S. 1. ALFONSE MUHA. Sanatçının kızı Yaroslava'nın portresi. 1922. Renkli kağıt, pastel ve guaj. 39x32,5 cm Özel koleksiyonda. Art Revival Center'ın izniyle

         2. SAYFADA. JOHN SARGENT.

         Venedik kanalı. TAMAM. 1905. Beyaz parşömen kağıdı, suluboya, guaj ve grafit. 53,8x36,8 cm New York Metropolitan Museum of Art koleksiyonundan. Bayan Frances Ormond'un Hediyesi

         Görüntü Telif Hakkı © The Metropolitan Museum of Art / Art Resource, New York, NY

         5. SAYFADA. VICTORIA HERRERA. Seraphim çelenklerle süslenmiştir. 2009. Kağıt, grafit. 12,7x53,3 cm

         S. 6. BENNET VEDNE. huş ağacı 2008. Kağıt, grafit ve tebeşir. 40,6x30,5 cm

         ÖNSÖZ 9

 

 YAZARDAN

         Tüm büyük sanat eserlerinin yaratılmasındaki ana dürtü, onlara olan sevgiydi.

         JOHN CHAPMAN. Amerikan çizim kitabı

         AYKIRI. JORY GLEISNER.

         Vezelay şehir kapıları. 2005. Bez kağıt, bistre*. 30,5x30,5 cm

         Açılıştaki küçük bir figür, izleyicinin bakışını ön plandan arka plana "aktarır".

         Lise resim derslerinde geri kaldım. Sorunun bir kısmı, çizmek istememdi ve bize daha çok iğne işi öğretildi. Tutkal tabancasıyla arkadaş olmaya çalışırken, çizmeyi ya da daha dikkatli olmayı asla öğrenemedim.

         Ama inatla sanat okumayı arzuladım. Eskiz defterinde çizim yapmak benim için güvenli bir sığınak ve bitmeyen bir tutku haline geldi. İçinde düşüncelerimi somutlaştırdım, karanlık zamanlarda yol gösterici yıldızımdı. Yine de harcanan zamana ve emeğe rağmen çıtamı aşamadım, doğuştan gelen yeteneklerin sınırlarını aşamadım.

         Pensilvanya'nın küçük bir kasabası olan Copley'de eski ustaların sırlarını öğreten öğretmeni ilk duyduğumda on yedi yaşındaydım. Bunun ne anlama geldiğini tam olarak bilmiyordum ama bir heyecan hissettim: sanki içimde uzun süredir uykuda olan bir gen rahatsız edilmiş ve uyanmış gibi.

         Babam ve ben Myron Barnstone'u ziyaret etmeye karar verdik. Bir akşam iki kat merdiveni geçtik ve onun stüdyosuna giden merdivenleri çıktık. Myron kapıyı kendisi açtı ve hemen buyurganlığıyla bizi etkiledi. Onu görmek bile beni ölesiye korkuttu: ağzının kenarından sarkan bir sigara, çift odaklı gözlüklerinin üzerinde tehditkar bir şekilde kaşını kaldırdı. Bana yeteneklerimi değerlendiriyormuş gibi baktı. Sonra babasına baktı ve "Juliet'in eğitimi için 100.000 dolar harcayabilirsin ama o hayatı boyunca garsonluk yapacak" dedi.

         Tahmin etmedim, Myron.

         * Bistre ( Fransız bistresinden ) - bir bağlayıcı (tutkal) ile karıştırılmış özel olarak işlenmiş ahşabın kurumundan boya. Not. ed.

         Barnstone atölyesinde okumak benim için en zor sınavdı. Kaybedilen zamanı telafi ettim. Benim için her zaman doğal olan çizim süreci bir anda anlaşılmaz ve rahatsız edici bir hal aldı. İlk başta nasıl çizileceğini unutmuş gibiydim. Ancak umutsuzluğun yanı sıra, yaratıcılığa dalma sevinci de vardı. Bana yeni bir çift göz verilmiş gibi hissettim. Var olduğunu bile bilmediğim bağlantıları, kalıpları ve ilişkileri gördüm.

          Öğrenmeye aşık oldum ve sonraki on yıl boyunca bulabildiğim en iyi insanlardan öğrendim: Pennsylvania Güzel Sanatlar Akademisi'nde, Ulusal Tasarım Akademisi'nde ve çeşitli atölyelerde.

         Yıllar geçtikçe çok şey öğrendim. Her şeyden önce, sanat eğitiminin hayat boyu süren, sonsuz derecede zor ama keyifli bir yolculuk olduğunu anladım. Ayrıca çizimin tıpkı matematik, müzik veya okuryazarlık gibi öğretilebileceğini de öğrendim. Harika sanat eserleri yaratmanın sırrı, temel becerilerin ve ince bir teknik anlayışın birleşiminde yatmaktadır. Yalnızca zaman içinde test edilmiş bilgileri özümsemek ve uygulamaya mümkün olduğunca çok zaman ayırarak tutarlı bir şekilde tamamlamak gerekir.

         Size adım adım çizmeyi nasıl öğreneceğinizi anlatacağım. Süreç basit görevlere bölünecektir. Böylece, beğeninize göre herhangi bir sanatsal yönde beceri geliştirebileceğiniz sağlam bir temel oluşturacaksınız. Kitap, ustaların tekniklerinde bağımsız olarak ustalaşmanıza izin verecektir. Sadece zaman ayırmanız ve pratik yapmanız gerekiyor.

         Dünyanın daha fazla güzelliğe ihtiyacı var. Çizmeyi öğrenin - ve süreçten mümkün olduğunca çok zevk alın.

         Juliet Aristide

         YAZARDAN 11

  

 Bölüm 1 İLK HATLAR

         SANATÇININ GÖZÜNDEN DÜNYA

         Bir elma çiçeğinin, bir kabuğun veya sallanan bir sarkacın yapısına dikkatlice baktığımızda, içimizde çocukluktan beri aşina olduğumuz bir huşu duygusu uyandıran mükemmelliği, inanılmaz bir düzeni keşfederiz. Kendimizden sonsuz derecede daha büyük bir şey açığa çıkar, ama o bizim bir parçamızdır; sonsuz, sonludan doğar.

         GYORD DOZHA. limitlerin gücü

         Birkaç yıl önce, New York'a kısa bir gezi için evden ayrıldım. Bir gece uçuşundan sonra sadece iki günüm olduğu için, bir an önce işime - sanat eserlerini incelemeye - başlamaya karar verdim.

         AYKIRI. Michelangelo Buonarroti. "Çocuklu Kutsal Aile" tablosu için eskiz. TAMAM. 1505. Kağıt, kalem ve kahverengi mürekkep. 28,7x20,9 cm Devlet Müzesi (Berlin) Gravür Dolabı koleksiyonundan. Art Revival Center'ın izniyle

         Michelangelo, nesneleri ayrıntılı olarak incelemek ve sanatsal vizyonunu göstermek için Madonna ve Child'ın eskizlerini yaptı. Genellikle bu tür zahmetli çalışmaların sonucu, "hareket halindeyken" elde edilenden daha karmaşık ve güzel bir çizimdir.

         Babam Philadelphia'dan benimle bir gün geçirmek için geldi. Müzeye yürürken, yavaş yavaş vitrinleri, reklam panolarını ve yoldan geçenlerin alışılmadık kıyafetlerini inceleyerek, "Yakından bakarsanız her şeyde sanat var" dedi. Yavaşlığından rahatsız olmuştum ve felsefesine katılmıyordum. Ne de olsa, düzgün bir sanat eğitimi almamış olmam onun sayesinde oldu.

         Uzun zamandır bu konuyu tartışıyoruz ama ben müzeye gitmek istedim ve bu yüzden sessiz kaldım. Müze nihayet görünene kadar yavaşça dolaştık. Adımlarımı hızlandırdığım anda babam yan pencereye koştu.

         Bu sefer yolda taş, mineral ve fosil satan bir dükkan vardı. Yeni bir şey görmeyi beklemeden oraya baktım. Ama sıra dışı bir şey hemen gözüme çarptı. Vitrinde sergilenen tüm örnekler, bir merak dışında - neredeyse mükemmel bir parlak metal küp dışında, yerden açıkça kazılmıştır. İnsan yapımı bir nesneyi doğal olanların arasına neden koymanın gerekli olduğunu sordum.

         Dükkan sahibi yanıma geldi ve kalın bir Yunan aksanıyla şöyle dedi:

          İspanyol piriti - neredeyse mükemmel bir küp - New York'tan satın alındı. Duvarları o kadar pürüzsüz ki aynadaki yansımamı onda görüyorum.

         Fotoğraf: Andrey Kozlov

         AYKIRI. WINSLOW HOMER.

         Kıyıdaki balıkçı kızları, Tynemouth. 1884. Kağıt, İtalyan kalemi ve beyaz ton. 52,7x43,8 cm Wadsworth Atheneum Museum of Art (Hartford) koleksiyonundan

         Fotoğraf Kaynağı: Wadsworth Atheneum Museum of Art / Art Resource, New York, NY

 Amerikalı sanatçı Winslow Homer için doğa, sürekli bir ilham         kaynağı olmuştur .

         "Burada yapay bir şey yok. İspanya'da bir madende bulundu. Parlatmadık bile.

         hayrete düştüm

         - Bu bir mucize! Taşı elime verirken bağırdım.

         "Hayır," diye yanıtladı. Mucize sensin. Duyabilir, yürüyebilir, konuşabilirsiniz. Ve bu sadece bir kaya.

         Şok olmuştum. Yerin altından antik bir heykelin ortaya çıkmasının bile beni daha fazla şaşırtabileceğinden şüpheliyim. Metal küpün mükemmelliği tüm temellerimi yerle bir etti. Doğada bir düzen olduğunu biliyordum ama bu kadar beklenmedik bir biçimde beni etkiledi. Bu küçük, neredeyse mükemmel küp beni hayretle doldurdu - ve bu duyguyu çok nadiren yaşarım ve o zaman sadece doğanın ve sanatın en şaşırtıcı yaratımlarından önce.

         Sonraki bir saati mağazada geçirdim. İlk başta gözlerim bariz desenlere alıştı, sonra dükkan sahibi daha az net desenleri görebilmem için bana bir büyüteç verdi. Sonunda İspanyol piriti satın aldım. Bir çift mükemmel ayakkabı için verebileceğimden daha fazlasını ödedim. Ama her baktığımda yeniden hayatın mucizesine hayran kalacağım umuduyla satın aldım. Genel olarak, bir sanat eseri elde edeceğim amaç için en basit minerali satın aldım.

         Mağazadan çıktıktan sonra hemen müzeye gittik. Ama o gün, gördüğüm başka hiçbir şey beni bu kadar etkilememişti. Mineralin sanat olduğunu söylemiyorum. Ama babamın her yerde güzellik arama arzusuna daha saygılı olmayı öğrendim.

         En verimli çabalar, belirli tekniklerde uzmanlaşmadan önce zamansız kuralları öğrenmeye harcanacaktır.

         Aşağıdaki bölümler, bir çizimin iç yapısının önemini anlamanıza yardımcı olacaktır. Çevrenizdeki dünyanın büyüklüğünü gözlemleyecek, ana ve isteğe bağlı çizgiler arasındaki farkı görmeyi öğrenecek ve çalışmalarınızı oluşturabileceğiniz geniş görüntüleri izole edeceksiniz. Bir nesnenin yapısını ne kadar net görebilirseniz, onu çizmek o kadar kolay olacak ve onu başka sanat eserlerinde düşünmekten o kadar keyif alacaksınız.

          /J

          Michelangelo Buonarroti. Porta Pia kapısının incelenmesi. TAMAM. 1561. Kağıt, tebeşir ve mürekkep. 44,2x28,1 cm Buonarroti Evi (Floransa) koleksiyonundan. Art Revival Center'ın izniyle

         Michelangelo'nun nesneyi en iyi şekilde konumlandırmak için kullandığı yatay ve dikey yapı çizgilerinin, çizim tamamlandıktan sonra da görünür durumda kaldığına dikkat edin.

 Uygulamadan önce teori

         Çizmeyi öğrenmenin birçok yolu var. Teori teknikten daha önemlidir. Başyapıtların yüzeyinin altında saklı harika kalıcı gerçekler vardır. Örneğin, çok iyi bir çizim ton, orantı, uyum ve kompozisyonun anlaşılmasını ve kontrolünü gösterir. Basit bir tekniği öğrenmek bir tatmin anı olabilir, ancak süreç ilk başta çok uzun görünse bile teorik temelleri keşfetmek için zaman ayırmak daha iyidir . İstediğiniz her şeyi inşa edebileceğiniz sağlam bir temel sağlayacaktır. Bir çizim üzerinde çalışmanın karmaşık sürecini daha iyi anlamak için onu parçalara ayırmayı öneriyorum. Kitabın sonunda, bir çizimin unsurlarını tanıyabilecek ve işin tüm aşamalarını eleştirel bir şekilde analiz edebileceksiniz.

 Yedi kez ölçün

         Büyük çizimler, kalem kağıda değmeden çok önce başlar. Ana göreviniz dikkatlice gözlemlemektir. Çizime başlamadan önce nesneyi incelemek için birkaç dakikanızı ayırırsanız, zihinsel olarak onun görsel görüntüsünü oluşturacaksınız.

         Ön gözlemin sürece farkındalık kattığını fark ettim. Bir nesnenin ilginç ya da heyecan verici görünen özelliklerini seçebilirim ve altında yatan desen ya da yapının önemli öğelerini daha iyi anlayabilirim. İspanyol piriti örneğinde olduğu gibi, bir nesneyi yavaş ve dikkatli bir şekilde inceleyerek ve varsayımlarımı sorgulayarak birçok kez inanılmaz keşifler yaptım. Güzelliği bir yerde görmeyi umuyordum ama başka bir yerde buldum.

         Çizmeye başladığınızda, ne aradığınızdan her zaman emin olamazsınız. Doğru cevapların olmadığı bir araştırma makalesi olarak düşünün. Nesne hakkındaki düşüncelerinizi ve duygularınızı ifade ederek, çalışma boyunca coşkuyu sürdürebileceksiniz. Hedefinize ulaşıp ulaşmadığınızı anlamanıza da yardımcı olacaktır.

         Bir nesneye bakarken kendime sık sık şu soruyu sorarım: " Gördüğüm şeyin nesi güzel? Olağandışı aydınlatma? Şekillerin veya çizgilerin tekrarı? » Genellikle yanıtlar birkaç saniye düşündükten sonra belirmeye başlar. Sanatsal _______ __________________ ___ _____ ve _ _ geliştirin.

         vizyon kolay bir iş değildir, yalnızca sezgiyle uzağa gidemezsiniz. İnanılmaz bir konsantrasyon ve irade gerekiyor.

         İyi alışkanlıklar sonucu doğrudan etkiler. Çizmeden önce düşünmek için biraz zaman ayırın.

         Fiziksel olarak farklı bir şekilde görünmeye çalışmak, aynı zamanda kalıplaşmış algıların üstesinden gelmeye de yardımcı olur. Hilelerden biri gözlerini kısmaktır. Böylece nesneyi sıradan değil, sanatsal bir bakışla göreceksiniz. Yarı kapalı gözler sayesinde retinaya daha az ışık girer ve görsel algı basitleşir. Böylece dikkat dağıtan detayları ana şeyden ayırmış olursunuz. En gerekli olanı büyük formlarda bulunur ve eğer gözlerinizi kısarsanız onları daha net görürsünüz. Ancak hangi yöntemi kullanırsanız kullanın, çizmeye başlamadan önce gözlemlemeniz gerekir.

 Bütünsel bir görüntünün oluşumu

         Büyük bir sanatçı, tüm detayları dikkatlice çizerek değil, izleyicinin bakışını yönlendiren unsurları kasıtlı olarak seçerek en sıradan nesneyi bir mucizeye dönüştürebilir. Sanatın gücü bariz içerikte değil, çizgilerin, tonların ve renklerin uyumunun daha az belirgin izleniminde yatar. Bu, tüm sanat şaheserlerinin temelidir.

          Bu üçgen gibi basit bir şeklin yakalanması ve hatırlanması daha kolaydır.

          ALBRECHT DUERER. Tavşan. 1502. Kağıt, sulu boya ve guaj. 25,1 x22,6 cm Albertina, Devlet Grafik Koleksiyonu (Viyana). Art Revival Center'ın izniyle

         Dürer'in çerçevesi güçlü, saf bir geometrik form. Terim yalnızca basitleştirilmiş bir taslağı belirtmek için kullanılır. Bunlar, konuyu özetleyen birkaç satırdır.

          Merkezi karakterler, her iki tarafta bir yay şeklinde kıvrılarak bir daire oluşturan ters çevrilmiş figürlerle çevrelenmiştir.

         AYKIRI. WILLIAM BLAKE.

         İnsanın kurtarıcısı olarak Mesih. 1808. Kağıt üzerine suluboya. 50x38,9 cm Boston Güzel Sanatlar Müzesi koleksiyonundan.

         Art Revival Center'ın izniyle

         Blake'in kompozisyonu, geometrisi Tanrı'yı simgeleyen bir daireye dayanmaktadır: dairenin ne başı ne de sonu vardır.

         SAĞDA. Daire mükemmel bir bütünlük önerir ve genellikle sanatta görüntünün farklı kısımlarını uyumlu bir şekilde birleştirmek için kullanılır. Doğada, su damlalarından gezegenlere ve bu ahtapotun dokunaçlarına kadar her yerde bulunur.

         Fotoğraf: Jeff Leisawitz

          Bilgileri filtreleme ve ana şeyi izole etme yeteneği, yetenekli bir sanatçının ayırt edici özelliğidir. Çizim üzerindeki çalışmanın ilk aşamasını yapının tanımına adadım. Yazarlar, bir projeye başlamadan önce genellikle bir plan hazırlarlar - tüm çalışma fikrini özetleyen birkaç cümle.

         Bu, "etle büyümüş" iken orijinal fikri kaçırmamalarına yardımcı olur. Aynı mantık çizimde de çalışır. Fikrin özünü izole edebilir ve her şeyden önce onu kağıt üzerinde tasvir edebilirseniz, o zaman detaylandırma sürecinde fikri destekleyen temel haline gelecektir. Çalışmayı başarılı kılan çizilen çizgilerin sayısı değil, doğruluğu ve amaca uygunluğudur.

         Çizimin ilk aşamasını çizgileri ve şekilleri birleştirmeye ayırın.

         Yeni başlayan sanatçıların parçalar halinde çalışması, özenle sayfanın belirli bir bölümünü çizmeye başlaması ve devam ederek geri kalanını nereye yerleştireceğine karar vermesi alışılmadık bir durum değildir. Gelecek çizimi için ne bir planları ne de genel bir yapıları var. Her yıl parmak arası terlik ve bir şişe gazozla ormana giden turistleri duyuyorum. Üç gün sonra arama kurtarma ekipleri imdadına yetişir. Yapısız oluşturulan bir çizimin sonucu o kadar da kötü değil; ancak başlangıçta uygulanan yalnızca birkaç kompozisyon satırı, başarılı çalışmayı hayal kırıklığından ayırır.

         Gelecekteki çizimin boyutlarını kağıda işaretleyin ( o zaman tüm parçalar üzerinde çalışmanız gerektiğini unutmayacaksınız.

          Fotoğraf: Greg Nissen

          Spiral, Romantik sanatın birçok eserinde, özellikle duygu ve hareketi iletmek istedikleri eserlerde kullanılır.

         AYKIRI. PETER PAUL RUBENS. Aşağı bakan genç kadın (Aziz Apollonia'nın başını inceleyin). 1628. İtalyan kalemi, iyimser, tebeşir. 41.4x28.7 cm Uffizi Galerisi Koleksiyonu (Floransa). Art Revival Center'ın izniyle

         Barok çağın jest ve anlatım ustası Rubens, daha çok anıtsal portreleriyle tanınır. Bu daha samimi portrede, izleyicinin bakışları elden yüze doğru dönmektedir.

         SAĞDA. Doğadaki sarmal, büyüme ve hareketle ilişkilidir. Burada kabuk yapısında bulunur.

          aynı zamanda ) . Hangi sonucu istediğinizi belirleyin: her satır onunla eşleşmelidir. İlk olarak, ortak unsurlara odaklanın. Daha fazla detaylandırma için temel oluşturmak için çizgiler mümkün olduğunca serbest ve uzun olmalıdır. Unutmayın: sadece bir çizim yaratmakla kalmaz, aynı zamanda sizi de yaratır.

         İlk aşamada, işin sonunda açık kalacak tutarlı bir görüntü oluşturun.

         Ana kompozisyon öğelerinin veya pozların yerini gösteren ilk birkaç satır, işin sonuna kadar bozulmadan kalmaları için kolayca ve güvenle çizilir. Bu, uzun çalışmalardan kaynaklanan sanatsal entropiden kaçınmanıza yardımcı olacaktır. Ayrıntıları ve nüansları arama sürecinde, duruşun çizgilerini ve algı keskinliğini kaybetme şansı vardır. Başlangıçta dinamik ve hayat dolu olan bir çizim, ilk izlenimle ilgili hafızanızı sürekli tazelemezseniz ve ana hatların görünür kalmasına dikkat etmezseniz, belirsiz çıkacaktır.

           ALBRECHT DUERER.

         Ölçüm Sanatı Üzerine Bir İnceleme'den . 1525. Kağıt, kalem ve mürekkep. orijinal boyutu bilinmiyor

 hat dili

         Çapraz, dikey, yatay ve kavisin kontrollü kullanımı, C ve D harflerinden okyanustaki bir tekneye ve daha fazlasına kadar akla gelebilecek her şeyde sonsuz varyasyonlarla uygulanır.

         Tanıdığım tüm çocuklar tutkuyla çizer. Yeni yürümeye başlayan çocuklar sırf zevk için karalama yaparlar. Çocuklar büyüdükçe çizim tarzlarında desenler gelişebilir. Örneğin, birçoğu bir ağacı uzun bir dikdörtgen üzerinde oval olarak ve bir arabayı birkaç daire üzerinde bir kutu olarak çizer. Farklı yönlere sahip birkaç basit çizgi - dikeyler, yataylar, köşegenler ve yaylar - emrinde olan çocuklar yazmayı öğrenirler. Önce satırlar harflere, sonra kelimelere ve son olarak da cümlelere dönüşür. Bu satırlarla çocuklar masaya bir şeyler yazabilir ve yanında oturan orada yazılanları anlayacaktır. İletişimin büyüsü böyle doğar.

         Farklı açılarda ustaca çizilmiş birkaç çizgide zarafet ve kısıtlama var.

           Dikeyler, yataylar, köşegenler ve yaylar diğer daha karmaşık şekillerin ana bileşenleridir.

         Çizmeyi öğrenmek için yazma becerileri - ince motor becerileri eğitimi, orantı duygusu ve bilgi paylaşma arzusu - da gereklidir. Çocuklar birkaç basit, köşeli çizgiyle başlar ve daha sonra harflere dönüşür. Ve harfler sonsuz sayıda cümleyi oluşturan birçok kelimeyi oluşturur. Birçok büyük sanat öğretmeni, şekillere ve bunlar da görüntülere dönüşen aynı basit çizgilerle başlar. Ve en karmaşık çizimler bu temellerin sınırlarının çok ötesine geçse de, her birinin bir yerden başlaması gerekir.

         Bir çocuk harf ve kelime yazmayı öğrendiğinde, ifade edici araçlarla iletişim olanaklarını genişletme arzusu duyar. Sıfatlar ve noktalama işaretleri kullanılmasaydı yazı kuru ve anlaşılmaz görünürdü. Anlamı daha doğru bir şekilde iletmeye yardımcı olurlar. Ve sanatçı çizgilerini çeşitlendirmeli ve süslemeli, "noktalama işaretlerini" kullanmalıdır. Anlamlı bir çizim yaratmak için bilgiyi ne zaman ve nasıl kısaltacağınızı, ne zaman abartacağınızı ve detayları tutarlı, düşünceli bir bütün haline getirmeyi öğrenmeniz gerekir.

 Ana hatların konumu

         İnsan zihni bir nesneyi önce bariz olanın farkına vararak algılar (bir taş dükkânındaki benim gibi). Bir sanatçı hangi çizginin en önemli olduğunu nasıl belirler? Hangisi nesnelerin görüntülerini en iyi aktarır ve aralarında bağlantı kurulmasına yardımcı olur?

         Eylemi en iyi tanımlayan satırla başlayın.

         Hangi çizgilerin baskın olduğunu kendi kendime "Tek bir çizgi çizebilseydim, çizimdeki hareketi veya eylemi iletmek için onu nasıl konumlandırırdım?" Bu çizgiye genellikle eylem çizgisi denir.

          COLLIN BARRY. Alçıdan bir Eros figürü çizimi. 2009. Kağıt, kömür. 33x27,9 cm

         Poz çizgisi veya hareket çizgisi sayfanın sol tarafında görünür.

         ve bitmiş çizimde bulunan hareketi iletir.

           SOL ÜSTTE: Öğrencim Katherine Leeds, çizimindeki birkaç adımın ilkini tek bir dikey çizgiyle başlattı. Heykelin konumunu tanımlar ve merkezi denge ekseni ile ilişkilidir . Bu çizgiyi çizmek için Katherine bir çekül kullandı.

         ÜST ORTA: Katherine daha sonra figürün hareketini gösteren bazı temel çizgiler çizdi. Algı sürecinde hissedilirler, ancak gerçekte yokturlar. Ayrıca Katherine, alçı figürün tabanı boyunca merkezi simetri çizgisini ve sırtın kısa çizgisini görsel olarak güçlendirdi.

         SAĞ ÜSTTE. KATHERINE LİDERLER.

         Erkek gövde. 2010. Kağıt, kömür. 40.6x30.5 cm Aristide atölyesinin izniyle

         Finalde Katherine, ana hat bölümlerinin yönünü değiştirdi. Önceki adımda uzun çizgilerin yönleriyle nasıl ilişkili olduklarını görün. Bu ilk çizgiler, büyük ölçüde görüntünün pozunu ve izlenimini belirler.

         Kitabın özetinin bir benzeridir. Eylem çizgisi, çizimin konusunu belirler. En basit çizgiler ve yaylar, hareketin çoğunu tanımlar ve belirli bir yöne sahip ilk baskın çizgi, tüm görüntüyü birleştirerek ana ses olacaktır.

         Mükemmel bir şekilde yerleştirilmesi gerekmez. Yönünü izleyen ek çizgiler eklediğinizde, çizim güçlü ve sağlam hale gelir. Bu çizgiler ifade, odak ve ritim verir. Tek yönlü çizgi gruplarının netliği, güçlü bir görsel mesaj haline gelir.

         İlk çizgilerin konumu hakkında dikkatlice düşünün: çizimin geri kalanı yapılarına bağlı olacaktır.

         Yinelenen öğeler monoton görünüyor.

         Ana temayı belirledikten ve geliştirdikten sonra, çizimi oluşturan zıt çizgileri ve yayları tanıtmalısınız. Kesişen çizgiler genellikle ifade olanaklarını genişletir. Yeni bir yöne sahip çizgilerin tanıtılması, hareket çizgilerinin gücünü baltalamadan nesneyi daha fazla tanımlar.

         Bir çizimde ahenk yaratmak için hem tekdüzelik hem de farklılık gereklidir. Varyasyonlarla yinelenen temalar, görüntüyü hayata geçirecektir.

          JOHN DEMARTIN. Triton. 2002. Kağıt, iyimser, tebeşir.

         45,7x61 cm

         Sanatçı Jacob Collins, "Ustanın taslağı her adımda bitmiş görünüyor" dedi. Yeni başlayanlar genellikle sürece yanlış bir şekilde yaklaşır, tek bir parçaya odaklanır ve gerisini unutur. Örneğin, kolları ve bacakları unutarak figürün başını ve göğsünü çizerler . Net bir poz çizgisi ve kompozisyonun düzeni bununla mücadele etmeye yardımcı olur. Düz ve eğri çizgilerin genel dinamiklerinden yola çıkarak, bazı bölümlerin diğerlerinden daha gelişmiş olmasını en başından garanti edeceksiniz.

         DeMartin, figürün hareketini aşırı bir enerjiyle titreşiyormuş gibi görünen kıvrımlı çizgilerle aktardı.

          Da Vinci'nin kavisli hatları çok ölçülü. Kas kütlesinin hacmini çevreleyerek öne doğru çıkıntı yaparlar.

         LEONARDO DA VİNCİ.

         At stüdyosu. 1490. Astarlı kağıt, gümüş iğne. 25x18,7 cm Windsor Kalesi (Londra) Kraliyet Kütüphanesi koleksiyonundan.

         Art Revival Center'ın izniyle

         Atın sırtının ve göbeğinin konturu boyunca değişen düz ve kıvrımlı çizgiler kendinden emin bir ritim duygusu yaratır.

         AYKIRI. HRISTIAN SHUSSEL. Metalurji tesisi. Tarih bilinmiyor. Yeşil gri parşömen kağıdı, grafit ve siyah mürekkep yıkama.

         15,2x32,8 cm Pensilvanya Güzel Sanatlar Akademisi (Philadelphia), John Philips Koleksiyonu

         10. yüzyıla ait bir ressamın çizimi ağırlıklı olarak çizgilerden oluşur. Düz çizgi teknolojik dünya için semboliktir ve takım tezgahında çalışan işçilerle bu arsa için idealdir.

          Çizgi türleri

         Böyle bir hedef koysak bile gözümüzle algıladığımız tüm bilgileri yakalamamız mümkün değil. Çizim, gerekli olmayanları filtrelemek zorunda kalıyoruz. Ve çizgiler bunun için en iyi araçtır.

         Tek tek öğeleri görsel bir bütün halinde bir araya getirmek için düz çizgiler kullanın.

         Bir çizgi, esasen belirli bir yönde düzenlenmiş bir dizi noktadır, ancak gözü ve zihni belirli bir yol boyunca yönlendirebilir. Düz ve eğri çizgiler, görsel bilgilerin iletilmesinde farklı ancak eşit derecede önemli roller oynar.

          düz çizgiler

         Düz çizgiler, kompozisyonu sembolize etmeye ve ayrıntılara geçmeden önce özü görmeye yardımcı olur. Düz çizgiler açılıdır ve birçok genel bilgiyi doğru bir şekilde iletir. Düz bir çizgide eksiklik vardır; ilk deneme, daha sonra netleştirilmesi gerektiğinin hatırlatıcısı olarak algılanır. Ancak bu bitmemiş çizgiler, öğeleri görsel bir bütün halinde birleştirebilir. Kompozisyonun gücü, şekillerin ve çizgilerin etkileşimi ile belirlenir.

         kıvrımlı çizgiler

         Düz çizgilerin aksine, eğri çizgiler doğanın büyümesini, öngörülemezliğini ve değişkenliğini sembolize eder ve bir sanat eserinde görüntünün canlılığından sorumludur. Pek çok kaotik eğri çizgi, bir duygu akışı izlenimi veriyor ve hassasiyetten çok hareketi iletmek için daha sık kullanılıyor.

         Eğri çizgiler, doğadaki büyümeyi ve değişimi temsil eder.

         Eğimli bir çizgi, özensiz de olsa bitmiş gibi görünür. Bu nedenle çizim yaparken hataları bulmak ve düzeltmek çok zordur. Bu tür çizgiler gereklidir, ancak onlarla çalışmak zordur. Bu nedenle, özellikle bir çizimin başında onları dikkatli kullanırım.

          ALBRECHT DUERER. Dürer'in eşi Agnes Frey. TAMAM. 1494. Kağıt, kalem. 15,6x9,8 cm Albertina, Devlet Grafik Koleksiyonu (Viyana). Art Revival Center'ın izniyle

         Takıntılı bir analist olan sanatçının çalışmaları arasında eşinin böyle uçarı bir portresini görmek güzel. Burada düz çizgiler yok.

  Esneklik ve hafiflik

         İşin ilk aşamasında en önemli şey esnekliktir. Şekildeki ilk birkaç satır genellikle geneldir, yaklaşıktır. Ancak bu onların hatalı oldukları anlamına gelmez.

         İlk adımı mümkün olduğu kadar uzatarak, ilk başta yavaşça ve hafifçe çizin.

         Bana New York'tan Seattle'a nasıl gidilir diye sorarsanız, "Batıya doğru ilerleyin" dersem haklı çıkarım. Ancak, ilk verilere sahip olmadan daha spesifik olmaya çalışırsam ve "Önce sağa dönün, sonra iki kez sola dönün" dersem, bu yanlış olur. Yanlış olsa bile doğru olacak yaklaşık çizgiler çizmek daha iyidir. Ayrıntıları sonra ekleyin. Hafif çizgilerle hemen çizmenin en kolay yolu. Karanlık olanlar saplantı izlenimi veriyor: "Haklı olduğumu biliyorum." Böyle bir kibir işe yarar sağlamaz. Koyu ve keskin çizgilerle yola çıkan bir sanatçı, çizmeyi planladığından çok daha kısa sürede bitirecek ve geri adım atmayı bilemeyecektir. Ayrıca, kalın çizgilerin iz bırakmadan silinmesi bazen zordur.

         Bir çizim ne kadar uzun süre yarım bırakılırsa o kadar doğru olacaktır.

         Kural olarak, bir sanatçı ne kadar çok deneyime sahipse, ilk aşamadaki çizgileri o kadar hafif ve o kadar yavaş çalışır. Yetenekli zanaatkar, bir çizim ne kadar uzun süre yarım bırakılırsa, aşamalı olarak çalışarak o kadar kesinlik elde edilebileceğini bilir. Bu nedenle, çizgiler ince ve hafif olmalıdır. Rastgele doldurmaktansa boş bir alan bırakmak daha iyidir. Hafif çizgilerle kasıtlı ve düşünceli bir şekilde çizerseniz, sonuçtan memnun kalacaksınız. Zamanla, el kendi başına başarılı sanatsal çözümler bulmaya başlayacak ve doğal ve içgüdüsel olarak hafif, düzgün çizgilerle çizmeye başlayacaksınız.

         AYKIRI. ALFONSE MUHA.

         Bir kızın portresi. 1913. Malzemeler bilinmiyor. Boyut bilinmiyor. Özel koleksiyon, resim Art Revival Center'ın izniyle

         Mucha, etkileyici grafikleriyle tanınır. Nazik ve şehvetli tavrı, küçük bir kızı canlandırmak için mükemmeldi.

          Kalemin ucu kağıda zar zor değiyor. Stabilite için el küçük parmağa dayanır. Bazı sanatçılar bunun için bir mastbel (bir ucunda yumuşak bir ped bulunan bir çubuk) kullanır.

  MALZEME SEÇİMİ

          MATERYALLER BASİT VE PAHALI OLMALIDIR: çizim yapacak bir şey ve çizilecek bir şey. Herhangi bir sanat mağazası, çeşitli sanat malzemeleri satar. Çok fazla satın alma veya kafanın karışması ve eli boş çıkma riski vardır. Bolluğun sizi durdurmasına izin vermeyin: Bu kitapta herhangi bir ders için kalem ve kağıt yeterlidir. Sanat eğitiminin temel amacı, temelleri anlamak ve fikirlerin nasıl somutlaştırılacağını öğrenmektir.

         Önerdiğim minimum şey, çok keskin bir kurşun kalem (en iyisi grafit sert-yumuşak, HB), standart boyutlu beyaz çizim kağıdı ve bir silgidir. Ardından en uygun malzemeleri deneyebilir ve bulabilirsiniz. Koyu ve kalın bir çizgi veren kalemleri kullanmamak daha iyidir: silmek zor olacaktır. Kitaptaki her ders bir malzeme listesiyle başlar. İstenirse, benzerleri ile değiştirilebilirler. Mükemmel malzemelere sahip olmadığınız için başlamayı ertelemeyin . Mutfak masasında oturan bir kağıt parçasına tükenmez kalemle de ustaca bir çizim yapılabilir.

         Sanatçı kalem kutusu, keskinleştirilmiş grafit kalemler, bıçak ve zımpara kağıdı.

         AYKIRI. BEN UZUN. Calliope'nin ellerinin incelenmesi. 2003. Kağıt, grafit. 38,1 x 27,9 cm Ann Long Gallery, Charleston'ın izniyle

         Şekil, deneme kalem çizgileriyle ne kadar sıcaklık ve bireysellik aktarılabileceğini göstermektedir. Görüntü sessiz bir fısıltı ile çağırıyor.

 ders 1 BÜYÜK USTA'NIN ESASINI KOPYALAMAK

         Alıştırmanın amacı ana hatları ve yönlerini tanımaktır. Ustaların şaheserlerini kopyalamak, tüm zamanların en büyük sanatçılarının eğitimine yardımcı oldu. Aşağıdaki soruları cevaplamanız gerekir: “ Görüntünün bütünlüğü için hangi çizgiler gereklidir? Çizimi daha dinamik yapan nedir? » Bitmiş çizimdeki ana çizgileri bulmak için göz egzersizi yapın ve onları hayatta görmeyi öğreneceksiniz.

         MALZEMELER

         Büyük ustanın taslağını kopyalamaya hazırlanmak için aşağıdaki malzemelere ihtiyacınız olacak.

         Ana çizim*

         Kopya kâğıdı

         kağıt bant

         basit kalem

         Çizim için tablet

         çizim kağıdı

         Kalemtraş

         Normal silgi veya dırdır

         * Görsel, bir kitapta veya Art Revival Center çevrimiçi müzesi (artrenewal.com) gibi bir web sitesinde bulunabilir.

         BİR SİHİRBAZ DESENİNİ SEÇME

         Resim seçerken belli kriterlerden ilerliyorum. Birincisi, ondan gerçekten hoşlanıyor olmalıyım. İkinci olarak şaheser niteliğinde bir eser seçerim ve onu kopyalama sürecinde bir şeyler öğreneceğimden eminim. Son olarak, net poz çizgileri veya diğer güçlü çizgiler içeren bir görüntü bulmaya çalışıyorum. Örnek aldığım Michelangelo'nun çizimi her üç parametreye de karşılık geliyor ( orijinali s. 116'da gösteriliyor). Bir şaheser yüzyıllar boyunca hayatta kaldıysa, genellikle ondan öğrenilecek bir şeyler vardır.

         HATLARIN YÖNÜNÜN BELİRLENMESİ

         Aydınger kağıdını kopyaya veya çıktıya kağıt bantla tutturun ve yaprakların hala birbiriyle ilişkili olduğundan emin olun.

         Aydınger kağıdı üzerine bir kalemle, pozun çizgisini ve ana çizgilerin yönünü tekrarlayın. Sayfada bir örnek verilmiştir. 24-25.

         ÇİZİM İÇİN TUTMA KAĞIDI

         Bir kopyayı veya çıktıyı çizim kağıdı yakın olacak şekilde tabletin sert bir yüzeyine bantlayın. İdeal olarak, çizim orijinaliyle aynı boyutta olmalıdır, böylece gözlerinizi iki resim arasında kolayca ve hızlı bir şekilde hareket ettirebilir ve orantıları kontrol edebilirsiniz. Çizim kağıdının altındaki tabletin yüzeyini aralarına daha fazla sayfa koyarak yumuşatabilirsiniz.

         BİR KOPYASINI ÇIKARMAK

         Şaşı ve pozun ana çizgisini tanımlayın. Bazen bir çizimi görmek için bir iki dakika bakmanız gerekir. Şeklin yerini doğru belirleyip belirlemediğinizi, sonucun aslına nasıl karşılık geleceğine bakarak anlayabilirsiniz. Lütfen sürümünüz çirkinse, büyük olasılıkla yanlış olduğunu unutmayın. Başarılı bir sonuçla, birkaç satırda bile sadelik ve güzellik kendini gösterir.

          BİRİNCİ AŞAMA: Sayfadaki görüntünün üst ve alt kenarlarını çizgilerle işaretleyin. Ardından eylem çizgisini çizin. Bu durumda, bu dikey bir denge ekseni ve birkaç yaydır.

         BİRİNCİ ADIM: Hareket çizgisinin belirlenmesi Bir çizgi çizin ve hareketi iyi aktarıp aktarmadığına bakın. Merkezde ilerleyebilir veya şeklin şeklini yukarıdan aşağıya tanımlayabilir. Artık ipucu arayan bir dedektifsiniz ve hangisinin işe yaradığını görmek için farklı tahminler deniyorsunuz. Bazen tek bir rehber tanımlamak mümkün olmayabilir. Ardından minimum olanı kullanın.

          İKİNCİ ADIM: Pozun genel şeklini açıklayan birkaç ana çizgi çizin. Resimde oval bir göğüs ve kafadan başlayan bir yay gösterilmektedir.

         İKİNCİ ADIM: tekrar eden çizgilerin yerleştirilmesi Bir doğru çizgi çizdikten sonra, tekrar ettiği yeri arayın (bütün veya ayrı parçalar halinde). Kaç çizginin aynı açıya sahip olduğunu görün. Nerede başladıklarını, kaybolduklarını ve yeniden ortaya çıktıklarını izleyin. Tüm satırlar tekrarlanmaz. Bazıları yukarıdaki resimde olduğu gibi bir noktadan çıkıyor. Mümkün olduğunca fazla bilgi elde etmek için mümkün olduğunca çok çizimi incelemenizi tavsiye ederim.

          ÜÇÜNCÜ AŞAMA: çizimi orijinaliyle aynı hizaya getirmek için çizgileri istenen şekillere genişletin.

          DÖRDÜNCÜ AŞAMA: Gölgelerin geniş alanlarını ışıktan ayırmak için renklendirin. Vurgulamak için bazı kenarları vurgulayın.

         ÜÇÜNCÜ AŞAMA: Tüm Şeklin Yeniden Oluşturulması Tek tek çizgilerden şekiller oluşturmaya başlayın. Bu aşamada orijinal çizgiler doğru bir şekilde yerleştirilirse çizim gelişebilir. Formu çizdikten sonra, çizimin ne kadar iyi çıktığını ve oranların ve pozun bozulup bozulmadığını belirlemek kolay olacaktır. Başlangıç konstrüksiyon çizgileri ve poz çizgileri çizime güç verir ve omurgasını oluşturur. Yavaşça gölgelere ilerleyin ve vücudun şekline uygun olarak ana düzlemlerini işaretleyin, süreçteki yanlışlıkları düzeltin.

         DÖRDÜNCÜ AŞAMA: Ana duruşun üzerinde çalışmak Ana hatları kendinizden emin bir şekilde belirlemeyi öğrendiğinizde, çizim üzerinde pratik yapın. Edinilen bilgileri doğadan çalışmak için uygulayın - canlı bir modelin veya natürmort görüntüleri. Bir şaheseri kopyalarken öğrenilen teoriden, onun kendi çalışmalarınızdaki uygulamasına köprü kurmanız önemlidir.

         Bu şekilde daha fazla eğitim için Charles Bargue ve Jean-Léon Gérôme'nin Çizim Kursuna bakın. Bu iyi bir kopyalama kılavuzudur ve pratik yapmak için kullanabileceğiniz birçok renkli çizim içerir.

         YUKARI. JULİET ARİSTİDE. Michelangelo Buonarroti'nin "Kashin Savaşı Stüdyosu" taslağının bir kopyası . 2011. Kağıt, kalem Conte*. 61 x45,7 cm * Conte kalemleri - çoğunlukla boya kalemi ve kurşun kalem şeklinde, yapay grafit bazlı grafik ve resim malzemeleri; pastelden daha sert, grafitten daha yumuşaktır. Genellikle kaba karton üzerinde kullanılırlar. Not. ed.

   

 Bölüm 2 UYUMLU İLİŞKİLER

         ÇALIŞMA ORANLARI

         Hiç kimse, bir hevesle sanatın temellerinde hemen ustalaşan bir dahi olarak doğmaz. Herkes çizmeyi öğrendi - ve öğrenmeli -.

         JOHN CHAPMAN. Amerikan çizim kitabı

         Sanatta uyum, tek tek parçalar arasındaki orantılı ilişkilerle sağlanır - öğelerin mükemmel dengesi. Bu alanda eğitim almamış çoğu insan, doğuştan gelen bir uyum duygusuna sahiptir. Doğamız gereği içimizde var, çünkü düzenli bir ortamda var oluyoruz ve örneğin bir insan yüzünün simetrisini veya mevsimlerin ritmini alışkanlıkla tanıyoruz. Vücudumuzun yapısında, parmakların ve elin, elin ve elin nasıl ilişkili olduğu konusunda düzen hissediyoruz, vb.Çoğu zaman bu doğruluğu içgüdüsel olarak, bilincin katılımı olmadan hissederiz.

         Uyum, farklı büyüklükteki unsurların birbirini ve bütünü dengelemesiyle oluşur. Doğru orantılara kesin gözüyle bakıldığı için, bunlara ancak bir sorun çıktığında dikkat ederiz. Örneğin, hiç sanat eğitimi almamış ve gönüllü olarak bir müzede bir gün bile geçirmeyecek olan ağabeyim, özellikle orantıların yanlışlıkla bozulması nedeniyle doğal görünmedikleri takdirde, figür çizimlerimi kolayca eleştirebilir.

         Ama oranları iyi görmek başka bir şey, harika sanat eserleri yaratmak başka bir şey. En yetenekli sanatçıların bile doğruluğa ulaşmak için çok fazla pratiğe ihtiyacı vardır. Neyse ki, tekerleği yeniden icat etmeye gerek yok. Mimariden moda illüstrasyonuna kadar pek çok sanatsal disiplin orantı çalışmalarını içerir.

         Sonuçta, herhangi bir sanat eserinin başarısının anahtarı budur. Oranları incelemenin iki yolu vardır: doğanın dikkatli bir şekilde incelenmesi veya pratik profesyoneller tarafından oluşturulan şemaların incelenmesi.

         AYKIRI. CLODIA RILLING.

         Otoportre. 2003. Kağıt, karakalem. 40.6x30.4 cm Barnstone Studio'nun izniyle

         Sanatçı, çizimin ayrı ayrı öğelerinin oranını kontrol etmek için kafa görüntüsüne çizgiler çizdi. Aynı eğime sahip yinelenen kaç tane doğru bulabilirsin?

         35. SAYFADA. JENNIFER BAKER. Charles Bargue'nin "Genç İtalyan" çiziminin bir kopyası . 2009. Kağıt, sepya. 34,3x25,4 cm

         Bu, atölyemdeki birinci yıl programının bir parçası olan bir ustanın çiziminin bitmiş bir kopyasına bir örnektir.

  Doğadan öğrenin

         Bin yıldır sanatçılar armoni üzerinde çalışıyor, doğayı gözlemliyor ve yavaş yavaş bilgi biriktiriyor.

         Eski Yunan mimarları, binalarında insan vücuduna özgü elementlerin oranını kullandılar. Her parçanın kendi kişiliği vardır, ancak bütünle mükemmel uyum sağlar. Albrecht Dürer, Filippo Brunelleschi ve Piero della Francesca doğayı o kadar derinlemesine incelediler ki, bilginin sınırlarını zorlamayı ve birçok alanı geliştirmeyi başardılar. Sanatçılar, doğayı dikkatli bir şekilde inceleyerek, içindeki her şeyin sanat, bilim ve tasarımda formüle edilebilecek ve faydalı bir şekilde uygulanabilecek belirli kurallara ve kalıplara tabi olduğunu keşfettiler.

         Doğa, sanatçı için en büyük öğretmen ve bilgi kaynağıdır.

         Bilim adamları, Leonardo da Vinci'nin anatomik ve mimari çizimler için aynı orantı sistemini kullandığını fark ettiler. Leonardo da Vinci: The Complete Paintings'in yazarı Pietro Marani şöyle yazdı: "Leonardo, insan vücudunun tanımını orantılı ilişkiler açısından formüle etti ve bu, ona figürü yalnızca gözlemlere değil, aynı zamanda uyum ve güzelliğin temel yasalarına da dayalı olarak sanatsal ifadeye dönüştürmek için matematiksel olarak ölçülebilir, sağlam bir temel verdi."

         Rönesans'ta, klasik sanatta olduğu gibi, çevredeki dünyanın analitik gözlemi ile onun yapısının incelenmesinin birleşmesi vardı. Bu gelenek

          SOL. BİLİNMEYEN MİMAR ÖĞRENCİ, Roma Ödülü sahibi. Antik Roma başkenti. 1903. Kağıt, kalem. Boyut bilinmiyor

         Doğal yapılar, sanatsal orantı sisteminde kök salmıştır ve mimarlar ve tasarımcılar için paha biçilmez bir bilgi kaynağı olmaya devam etmektedir.

         AYKIRI. DEAN SNYDER. Katedral. 1972. Kağıt, mürekkep. 27,9x21,6 cm

         Sanatçı, katedralin cephesini daireler ve üçgenler kullanarak analiz ediyor. Organize bir geometrik temel, parçalara ve bütüne tekdüzelik ve birlik verir.

          bu güne kadar korunur. Pek çok modern sanatçı, doğanın güzelliğini ve rasyonel düzenlemesini takdir ediyor ve eserlerinde kullanıyor. Onlardan Batı sanat geleneği hakkında çok şey öğrenebiliriz.

 Sanatçının planı

         Daha önce herkes kurallara göre çizmeye çalıştı. Hayvan, bitki ve insan figürlerinin kalıpları yaygındı. Sanatçılar ideal nesneyi kopyalamayı öğrendiler ve ardından gözlemlerine dayanarak çizimi iyileştirebildiler.

         Bir insan figürünü ve kafasını tasvir etmek için birkaç basit orantı kuralını unutmayın.

         Sanat tarihinin ilk günlerinde, Viktorya döneminde, gelecek vadeden sanatçılar, ezberleyene kadar kulaklar ve gözler gibi bireysel unsurları klasik kanonlara göre çizmeye çalıştılar (üstte ve altta bir çizgi çizin, bir daire ekleyin, vuruşlu bir ton uygulayın ve işte orada - inandırıcı bir vücut parçası). Şimdi bu seçenek

         AYKIRI. BENVENUTO

         CELLINI. Beş çalışma. Tarih bilinmiyor. Kağıt, kalem. Boyut bilinmiyor

         Geçmişte sanatçılar, bir figürü tam olarak anlamak için her bir öğeyi incelemek için çok zaman harcarlardı. Bu, Cellini reşit olduğunda Rönesans sırasında kabul edildi.

          Bir çocuk çizim kitabından bir illüstrasyonun kopyası, ABD, kolonyal dönem. Gözün yapısı bir üçgen yardımıyla anlatılmıştır.

          SOL. ALBRECHT DUERER.

         İnsan Oranlarının Dört Kitabından. 1528 yılında yayınlandı.

         Kağıt, kalem ve mürekkep. Orijinal resim boyutu bilinmiyor

         Albrecht Dürer, tipik rönesans bilgi sevgisiyle, başyapıtlarının temeli olarak kullandığı mükemmel orantılara sahip sonsuz eskizler yaptı.

          Başın yüksekliği, figürün yüksekliğinin 7,5 katıdır. Her bölümün sonu, vücudun belirli bir bölümüne karşılık gelir. Bu oranlar sadece önden bakıldığında görülen figür için doğrudur, altında değil.

         açı.

          Bu altın kural, konumu canlı bir model üzerinde kontrol edilebilecek noktaları tanımlar. Görüntüyü her zaman onlara uyacak şekilde ayarlamak zorunda değilsiniz, ancak inanılmaz derecede doğrular.

         hariç. Okullara ezberden çizmenin öğretildiği günler geride kaldı. Bu yaklaşımın neden gözden düştüğü, zor bir tartışma konusu. Ancak gerçek şu ki: zevkler değişti.

         Geçmişin ve günümüzün en büyük sanatçılarının çoğu, orantı kurallarını derinlemesine araştırdı. Rönesans ve Barok dönemlerinin bazı temsilcileri, yalnızca selefleri tarafından yazılan formülleri ezberlemekle kalmadı, aynı zamanda mantıksal evrensel kurallar arayışı içinde sürekli olarak canlı doğayı inceledi. Da Vinci, Dürer, Nicolas Poussin, Rubens ve diğerleri, insan oranlarını tasvir etmeye, eski gelenekleri incelemeye adanmış koca albümler oluşturdular. Albümlerdeki görseller karşı sayfada görüldüğü gibi kendi başlarına güzel. Büyük sanatçıların nasıl çalıştığını gösteriyorlar.

         Kuralları öğrenerek sanatsal sorunları hızla çözebilir, inandırıcı eskizler yapabilir ve sonucun beklentilerden ne kadar farklı olduğunu anlayabilirsiniz. Bu şemalar, işinizi "inşa edebileceğiniz" güçlü bir temel sağlar. Zamanla, bazı şemaların pratikte nasıl çalıştığını fark edeceksiniz. Sapmalar olacaktır, ancak kurallar mükemmel bir başlangıç noktası sağlar.

         Formül kullanmanın dezavantajları açıktır: Onlara çok fazla güvenirseniz, çizim sıradan ve basmakalıp olacaktır. Ancak, daha sık doğru bir görüntü elde edeceksiniz. Ayrıca formüllerin dikkatli ve düşünceli kullanımı ile doğayı keşfetmeyi öğrenmeniz daha kolay olacaktır. Sanatsal kanonlar, mantık dünyasını - evreni - ve gerçek, gözlemlenebilir dünyayı ideal bir şekilde birbirine bağlar. Solda, insan figürünün oranları için yaygın olarak kullanılan birkaç formül var.

         Unutmayın: şemayı doğaya uyarlamanız ve modeli ideale ayarlamamanız gerekir.

         Figür ve insan kafasının oranlarının standart olarak ayrılması çizim kitaplarının çoğunda ele alınmıştır. Şekli ölçmek için genel olarak kabul edilen birim, başın yüksekliğidir (veya genişliğidir). Genellikle, çeneden aşağı bir baş yüksekliği daha kenara bırakılırsa, segment meme uçları hizasında ve bir sonraki ise göbek hizasında sona erer. Şeklin ortası genellikle kasık kemiği seviyesindedir. Kural olarak, başın yüksekliği tüm figürün yüksekliğine 7,5 kat sığar. Humerusun normal uzunluğu bir buçuk kafadır. Uyluk kemiğinin uzunluğu başın yüksekliğinin iki katı, kaval kemiğinin uzunluğu ise neredeyse bir buçuktur.

          Bir portre çizmek, inşaat çizgilerini kullanmanın başka bir faydasını gösterir. Bir figürde olduğu gibi, yüzün parçaları arasındaki istikrarlı bir ilişki, bütünün doğru bir şekilde ölçülmesine yardımcı olacaktır.

         Örneğin, gözler başın yarı yüksekliğinde bulunur. Ön kısım, çeneden burun tabanına, burun tabanından kaş çizgisine ve kaş çizgisinden saç çizgisine kadar olmak üzere üç eşit parçaya bölünmüştür. Gözler arasındaki mesafe yaklaşık olarak gözün genişliği kadardır.

         LEONARDO DA VİNCİ.

         Orantılı profilde erkek kafası. TAMAM. 1490. Kağıt, kalem ve mürekkep. 27,9x22,2 cm Accademia Gallery koleksiyonundan (Venedik)

         Da Vinci, kafayı doğru bir şekilde bir kareye yerleştirdi ve onu bir ölçü birimi olarak kullandı. Analitik çizgiler yardımıyla kafa bölümlerinin kare içindeki oranının düzenliliğini belirledi.

          Önden bakıldığında alındaki yüzün genişliği genellikle göz genişliğinin beş katı, burun tabanının genişliği ise göz genişliğine eşittir. Bu oranların doğru olabilmesi için gözlerinizin modelin gözleriyle aynı hizada olması gerekir. Modelin başı, yüzü perspektif küçültmede olacak şekilde çevrilirse çalışmazlar.

         Tabii ki, bu genel parametreler bireysel özellikleri dışlamaz. İdeal oranlara yalnızca doğrulama için ihtiyaç duyulur. Modelin normdan nerede saptığını belirlemeye yardımcı olurlar: Ne bekleyeceğinizi bilmiyorsanız, bireysel özellikleri belirlemek imkansızdır.

         AYKIRI. COLLIN BARRY. Bir iskelet ile çıplak kadın. 2009. Renkli kağıt, grafit. 61x45.7 cm

         Sanatçı, bir canlılık ve hareket duygusu iletmek için anatominin temellerini ve duruşun dinamiklerini anlama ihtiyacını gösteriyor.

          JULİET ARİSTİDE. Peter Paul Rubens'in çizimlerinin kopyası ve İnsan Figürü Teorisi'nden açıklamalar . 2010. Kağıt üzerine ceviz kabuğu mürekkebi. 30,5x22,9 cm

         Rubens'in kitabından çarpıcı bir sayfa, bu yüce dehanın dünyasına bir pencere açıyor. Gördüklerini kopyalamakla kalmamış, atın asaletini bir insan profili yardımıyla aktarmak için insan başı ile atın başını birleştirmiştir.

         TENAIA SIMS. "Enginar Çiçeği ve Pirinç Kase" çizimi için kompozisyon yapısı . 2010. Kağıt, grafit. 34.3x58.4 cm Tim Ross koleksiyonundan

         Doğrulanmış bir natürmort, örneğin nesnelerin konturları veya keskin ışık ve gölge geçişleri gibi ana noktalara bölünebilir.

         AYKIRI. Michelangelo Buonarroti. Sistine Şapeli için çıplak bir gencin incelenmesi. Tarih bilinmiyor. Kağıt, iyimser. 27,9x21,6 cm Taylor Müzesi koleksiyonundan (Haarlem, Hollanda).

         Art Revival Center'ın izniyle

         Bu çizimi yaratmak için Michelangelo'nun gözleme, anatomi bilgisine ve fanteziye ihtiyacı vardı. Nasıl yapacağını bildiği için doğaya hayali detaylar ekleyebiliyordu.

  Görsel referanslar bulma

         Yer işaretleri, uzayda veya bir görüntüde konumunuzu kontrol etmenize yardımcı olan tanınabilir öğelerdir: araba sürerken veya çizim yaparken. Bu net alanlarla nereye gittiğinize göre nerede olduğunuzu belirleyebilirsiniz.

         Yer işaretleri geleneksel (anatomide gözler, kalçalar ve omuzlar) veya özel (ahşap bir masa yüzeyinin ortasındaki bir düğüm gibi) olabilir.

         Etrafımızdaki dünyadan gelen karmaşık bilgileri filtrelemek zorunda kalıyoruz ve geriye sıkı sıkıya tutunabileceğimiz bir şey bırakıyoruz. Gördüğümüz her şeye isim vermemiz gerektiğinden, algımız nesne yönelimli hale geldi. "Lütfen bana bir sandalye getirin" demek daha kolayken, "Lütfen bana üst kenarında mavi-mor yansıma olan ve perspektif küçültme nedeniyle artık X'e benzeyen dört ayağı olan siyah, parlak, sert bir nesne getirin" demenin ne anlamı var? Ancak görsel yer işaretlerinin çoğu, adlarını bildiğimiz nesneler değildir. Bunlar ton, renk, doku veya konturda göz alıcı geçişlerdir.

         Evrensel formları çizme tekniklerinde ustalaşan sanatçılar için anatomi kitaplarından çizim yapın.

         Her şey görsel referans olarak kullanılabilir. Ve özellikle onları nerede arayacağınızı biliyorsanız, onları bulma sürecini sistematik hale getirmek kolaydır. Sanatçılar, referans kolaylığı sağlamak ve yer işaretlerini tanımlamayı kolaylaştırmak için insan vücudunun haritasını çıkarmak için anatomi çalışırlar (konuyla ilgili birkaç mükemmel kitap, kaynakça bölümünde listelenmiştir). Manzara veya natürmort gibi diğer konulardaki işaretler, herhangi bir şey olabilir.

           Bir kağıdı dörde katladıktan sonra, karşılaştırma için tasvir edilen nesneye veya kişiye getirebilirsiniz.

         İlgiyi hak ediyor. Nesnenin açıkça tanımlanmış herhangi bir parçası bir referans noktası olabilir.

 Ölçüm yöntemleri

         Büyük sanatçılar tarafından keşfedilen ölçüm sistemleri, gördüklerimizi parçalara ayırmamıza, uzayın bölündüğü formları incelememize ve algımızı keskinleştirmemize yardımcı oluyor. Ölçümler, varsayımlarınızı test etmenin bir yoludur. Duyguları aklın soğuk spotları altında gönderirler ve kesinliği doğuştan gelen yeteneğin sınırlarının ötesine zorlarlar.

         Doğruluk için çabalayın: En baştan çiziminiz için birkaç önemli kontrol değeri belirleyin.

          Sanatçı, heykelin başının büyüklüğünü ölçmek ve çizimde göstermek için bir örgü iğnesi tutar.

         Geleneksel ölçüm yöntemleri - ince bir örgü iğnesi, çekül veya sapma açıları kullanarak - aşağıda açıklanacaktır. Bu konuda sürekli olarak yeni bilgiler topluyorum. Birkaç ay önce küratörü Barbara Katus ile Pennsylvania Güzel Sanatlar Akademisi'nin arşivlerindeydim. Sanat eserlerini inceleyerek sohbet ettik. Barbara, öğretmeninin ona öğrettiği, bana doğru bir şekilde ölçmenin basit bir yolundan bahsetti. Nesneyi tamamen gizleyecek kadar büyük bir kağıt alın ve soldaki şekilde gösterildiği gibi dörde katlayın. Sayfayı, yüksekliği nesnenin yüksekliğiyle eşleşecek şekilde tutarak, üst ve alt kenarlıklarla hizalamak için kendinize doğru veya sizden uzağa doğru hareket ettirin. Onu dört parçaya bölen noktaları hatırla. Daha sonra bu dört parçayı kağıt üzerinde ince çizgilerle işaretleyin ve çalışırken birbirleriyle karşılaştırın. Bu kadar kolay ve doğru bir ölçüm yöntemini daha önce hiç duymamıştım. Ama bana pek çok yararlı numara olduğunu ve en iyilerinin güvenilir bir karşılaştırma sistemine dayandığını hatırlattı.

         Örgü iğnesi ile ölçmek

         Sanatçılar farklı kendi kendini inceleme yöntemleri kullanırlar. Atölyemde kullandığım yöntem bir örgü iğnesi gerektiriyor (bir şiş veya kalem yapacak): ne kadar ince ve düzse o kadar iyi. Kolunuzu öne doğru uzatın, dirseğinizi düzeltin, bir gözünüzü kapatın ve ilk bölümün sonunu işaretlemek için başparmağınızı iğneye bastırın. Ardından, gövdeyi ve başparmağı aynı konumda bırakarak iğneyi çevirin.

          RUDI ELERT. Bir bitkinin yapısal çizimi. 2003. Kağıt, kalem Conte. 43,2 x 22,9 cm Barnstone Studios'un izniyle

         Bu çizimde, her bir levhanın varsayımsal alanı ölçülerle belirlenmiş ve yatay ve dikeylerin göreli konumları dikkatlice ayarlanmıştır. Harika bir parça olduğu ortaya çıktı. Bir elemanı doğru bir şekilde ölçün ve çalışma sırasında parametrelerini referans olarak kullanın.

         çizgiyi yatay değerlerle karşılaştırmak için 90° veya dikey değerlerle karşılaştırmak için ofset. Nesnenin ortasındaki noktayı belirlemeniz veya parçanın yatay veya dikey bir çizgiye kaç kez sığdığını bulmanız gerekir. Örneğin, önden bakıldığında bir insan figürünün omuzları arasındaki mesafe genellikle iki baş yüksekliği kadardır. Bu yöntem, orantıları gözle değerlendirmenin zor olduğu uzun yatay nesneler için iyidir.

          Sanatçının şakül hattı, ucuna bir yükün bağlı olduğu ince bir ipliktir. Dikeyleri kontrol etmek için kullanılır.

          JULİET ARİSTİDE. Peter Paul Rubens'in çizimlerinin kopyası ve The Theory of the Human Figure'den yorumlar (detay). 2010. Kağıt üzerine ceviz kabuğu mürekkebi. 30,5x22,9 cm

         Rubens ve Poussin albümlerindeki çizimlerin çoğu, figürün içinden geçen dikey bir çizgiye sahiptir. Bir insan figürünün ağırlık merkezini belirlemeye yardımcı olur.

         Elemanları yatay ve dikey olarak kontrol etmek birçok gizli hatayı ortaya çıkarabilir. Ölçümler faydalıdır, ancak kusurlara karşı sigortalanmaz. Pek çok şey doğruluğunu etkileyebilir. Yanlışlıkla kolunuzu dirsekten bükerseniz veya iğnenin üst ucunu kendinizden / kendinize doğru saptırırsanız, sonuçlar hatalı olacaktır. Gözdeki bir değişiklik kadar vücut pozisyonundaki bir değişiklik de sonucu etkileyecektir. Bu nedenle, hareketsiz durun, kolunuzu dirsekten tamamen uzatın ve iğneyi ona 90 ° açıyla tutun.

         Nesneden yeterince uzakta durmalısınız: yakın mesafede, öğeler arasındaki ilişkiyi değerlendirme yeteneği sınırlıdır (nesneye olan mesafe, çizimin yüksekliğinin üç katı olmalıdır). Unutmayın: büyük boyutlara (bir nesnenin ortası veya çeyreği) güvenmek, küçük boyutlara (göz genişliği) güvenmekten daha iyidir: hata yapma şansı daha azdır.

         Ancak burada sonucu şüphe götürmez bir gerçek olarak kabul etme tehlikesi vardır. Öğrenci, ölçümlerinin doğruluğuna güvenerek bariz bir hatayı düzeltemeyebilir. Sezginize güvenin. Bir şey yanlış görünüyorsa, genellikle öyledir. Yanlışlıkları düzeltin. Ölçerken hata yapabileceğinizi unutmayın. Haklı olduğunuz konusunda ısrar etmeyin, her şeyi iki kez kontrol etmek daha iyidir. Ne de olsa, hataları bulmak ve düzeltmek büyümeye giden yoldur.

         Çekül bob kullanma

         Eski Mısır zamanlarından beri bilinen bir çekül, dikey çizgileri doğru bir şekilde kontrol etmek için ağırlıklı bir ipliktir. Atölyemde, üzerine ağırlık takılmış ince siyah dikiş ipliğinden yapılmış bir çekül kullanıyorum. Herhangi bir nesne olabilir: sanatçılar balık tutma ağırlıkları, cıvatalar ve hatta lastik ördekler kullanır. Ancak sürekli sallanmayacak ve ipliği iyi çekmeyecek kadar ağır olmalıdır. Bazı insanlar dikey olarak sarkması ve tutulmasına gerek kalmaması için şövalenin tepesinden (zemine paralel) ipliğin diğer ucundaki ilmeğe asarak bir çekül asarlar.

         Ölçümler - varsayımlarınızı iki kez kontrol etme ve nelerin iyileştirilebileceğini anlama fırsatı.

         Bir çekül kullanmak için bir gözü kapatın ve hangi çizgilerin üzerinden geçtiğini görün. Örneğin, modelin başının bir tarafına bir çekül getirirsem, koltuk altından ve ayağın içinden geçtiğini görüyorum. Resimdeki öğeler ne kadar doğru hizalanırsa, tutarlı bir bütün oluşturma olasılıkları o kadar artar.

         Bu doğrulama yöntemi birçok büyük sanatçı tarafından kullanıldı. Bir keresinde Londra'daki Kraliyet Akademisi'ni ziyaret ederken tavanda metal bir ızgara fark ettim. Rehberim, sanatçı John Sargent'ın* modelin yanında olacak şekilde üzerine çekül ipleri astığını açıkladı (ve çekülü elinde tutmasına gerek yoktu). Pozun ağırlık merkezini belirlemek için tasarlanmış denge eksenini de gördüm.

         Poussin ve Rubens'in albümlerinde, çizimlerin çoğu yukarıdan aşağıya doğru uzanan dikey bir çizgi gösterir. Şeklin hayali denge eksenine göre doğru bir şekilde yerleştirildiğini ve dikey ve dengeli göründüğünü gösterir.

         Köşegenlerin sapma açıları

         Elemanları uygun şekilde konumlandırmak ve hizalamak için dikey çekül kullanmanın önemini tartıştık. Yatay çizgiler (örgü iğnesi veya başka bir uzun, düz nesne ile tanımlanabilen) aynı derecede önemlidir. Açılara ve kesişme noktalarına bakalım.

         BRETT DOWNEY. Charles Bargue'nin Lifetime Mask of a Young Woman kitabının bir kopyası. 2008. Kağıt, kömür. 40,6x71,1 cm

         19. yüzyılda güzel sanatlar öğrencileri yetiştirmek için tasarlanan Bargh'ın el kitabından bir kakmanın bu ustaca kopyası, basit, düz çizgilerin bir çizimin temelini oluşturduğunu gösteriyor.

          * John Sargent (1856-1925) - Amerikan kozmopolit ressamı, en başarılı ressamlardan biri

         Belle Epoque (genellikle İzlenimciler arasında yer alır; en çok portreleriyle tanınır). Not. ed.

         Bobby Ditrani atölyesinin bir öğrencisi tarafından yapılan çizim üzerindeki çalışma aşamaları, kafatasının parametrelerinin tanımını göstermektedir. İlk olarak, nesnenin belirgin bir ortası olan hafif çizgilerle bir kompozisyon işaretlemesi yapıldı. Kafatasının dış hatlarını basitleştirmek için Bobby bir örgü iğnesi kullandı. Varsayımsal alan, nesnenin içine kaydedildiği dikdörtgendir; yüksekliği ve genişliği ilgili nesne parametreleri tarafından belirlenir. Varsayımsal uzayın, nesnenin boyutlarına mükemmel şekilde uyan şeffaf bir cam kutu olduğunu varsayalım.

          Bobby daha sonra köşegenleri birkaç düz yaya dönüştürdü, ana çizgileri vurgulayarak öne çıktılar ve büyük köşegenleri birkaç parçaya ayırdı.

          Köşegenleri, dikeyleri ve yatayları ölçmek ve kontrol etmek gibi güvenilir çizim tekniklerini artık ihtiyacınız olmayacak kadar kesin olana kadar kullanın.

         Elemanların dikeye göre göreli konumunu kontrol ettikten ve yatay hizalamayı kontrol ettikten sonra, sapma açılarını belirtin - ve doğru yolda olduğunuzdan emin olabilirsiniz.

         Sapma açıları, tek bir çizginin eğim açısını belirlemeye yardımcı olur. Toplamdaki küçük sapmaların ölçüm sonuçlarını bu kadar çarpıtması şaşırtıcı.

          Ana köşegenleri, genel düzenlemeyi ve oranları daha da tanımladı. Kafatasının kalan elemanlarının yerini doğru bir şekilde belirlemek için tüm nesne boyunca çapraz olarak devam etti.

          BOBBY DITRANI.

         Kafatasının bileşimsel yapısı. 2010. Kağıt, kömür. 45.7x61 cm. Aristide atölyesinden alınmıştır.

         Son olarak, Bobby inşaat çizgilerini sildi ve ışığı gölgeden ayırmak için tekdüze bir ton ekledi.

         ve oranlar. Gerçek dikey, aynı noktadan çıkan köşegenin ne kadar saptığını belirlemeye yardımcı olur. Örneğin, bir nesnenin içindeki açıları bir çekülün gerçek dikeyiyle karşılaştırarak , köşegenin ondan hangi yönde ve hangi açıda saptığını anlayabilirsiniz.

         Sapma açılarının ölçülmesi, nesne üzerinde üçgen noktaların aranmasını içerir. Nirengi jeodezi ve matematikte kullanılan bir terimdir. Bir noktanın konumunu zaten bilinen diğer iki noktadan belirlemek anlamına gelir. Bir noktanın konumu göz önüne alındığında, aksi ispatlanana kadar bunun doğru olduğunu varsayabiliriz. İkinci noktanın konumunu belirterek bir ilişki yaratırsınız. Üçüncü noktanın konumunu belirleyerek geometrik bir şekil oluşturursunuz.

          Görsel ölçüm için, konum değiştirmeyecek ve aynı zamanda nesneyi ve şövaleyi görecek şekilde ayakta durmanız gerekir. Sanatçı, bakışlarını hızla birinden diğerine kaydırarak nesneyi ve çizimi karşılaştırabilir.

         Floransa'daki Angel Academy'de iki öğrenci aynı alçı modeli çiziyor. Çizimler, modelle aynı seviyede sabitlenir: sanatçılar, ayrıntıları geliştirmek için geri çekilir ve şövale geri döner.

          Çizim sürecinde verilen öğelerden bilinmeyen öğelere geçiyoruz. Çizimin doğru şekilde gelişmesi için neyin zaten onaylandığını ve neyin henüz onaylanmadığını ayırt etmek önemlidir. Unutmayın: bir noktanın konumunun doğruluğu veya yanlışlığı yalnızca diğer noktalara göre belirlenir.

         Öğelerin ilişkilerini görme yeteneği, onları inandırıcı bir bütün haline getirmeye yardımcı olur.

         Tüm noktalar çevreleyen alana göre doğru bir şekilde ayarlanırsa, doğru bir görüntü elde edilir. Yavaş hareket edin ve noktaların göreli konumlarını titizlikle kontrol edin. Üç noktayı zihinsel olarak birleştirirseniz ne tür bir üçgen elde ettiğinizi görün. Bu, hatalardan erken kaçınmanın iyi bir yoludur.

 Görsel Ölçüm Yöntemini Anlamak

         Minneapolis'teki Fine Arts Studio Studio'da Sid Wicker ve Dale Redpath ile çalıştım. Öğrencilere kanıtlanmış bir yöntemden bahsettiler - görsel ölçüm. Bir nesnenin bir çizimle doğrudan karşılaştırılmasını sağlar. Stüdyo, sanatçı için nesne ve çizim aynı boyutta olacak şekilde düzenlenmiştir.

         Bir nesnenin mesafe nedeniyle gerçekte olduğundan çok daha küçük göründüğünü unutmak kolaydır. Bir örgü iğnesi alın ve onu uzaktaki bir nesnenin önünde tutarak ölçüm yapın. Şimdi aynısını yapıyorum, masanın karşı tarafındaki bir bardağın benden yüksekliğini ölçüyorum. 4 cm civarındadır, aslında yüksekliğinin 20 cm olduğunu biliyorum ama 4 cm gibi görünüyor, görsel boyutu bu olacak.

         Genellikle, karşılaştırmalı ölçümler kullandığımda, bir nesneyi gerçek boyutunun birkaç katı olarak tasvir ederim. Bu, süreci karmaşıklaştırıyor çünkü yakınlaştırırken tam olarak yeniden oluşturmaya çalışıyorum. Nesneleri görsel boyutlarına göre çizmenin avantajı, ölçeklendirmeyi düşünmenize gerek olmamasıdır. Bu, doğrudan karşılaştırma olasılığı nedeniyle kolayca tolere edilebilen yanlışlıklar ve çarpıtmalardan kaçınır. "İki resimde beş fark bulun" dizisindeki çocukların sorunlarını hatırlayın.

         Görsel ölçüm yöntemi, herhangi bir desen boyutuna uyarlanabilir.

         Çizimin nesne ile aynı boyutta olmasını istiyorsanız, sağdaki resimde olduğu gibi yanına bir şövale yerleştirin.

         Görsel ölçümle çizim için bir nesneye önerilen mesafe, yüksekliğinin yaklaşık üç katı olmalıdır. Bu noktadan itibaren başınızı çizimden ayırmadan nesneye bakmak uygundur. Nerede duracağınızı belirledikten sonra, her iki ayağın parmaklarının altından ve ayakların arasından geçecek şekilde (işaret T şeklinde olacaktır) zemine koli bandı ile işaretleyin. Nesneye bakmak için üzerinde durabilecek ve çizim yapmak için şövale geri dönebileceksiniz. Nesneye şövale konumundan bakarken asla resim yapmayın: bu şekilde tamamen farklı bir açı elde edersiniz. İlk başta rahatsız olacaksınız, ancak birkaç saat sonra her şey saat gibi olacak.

         Görsel ölçüm yöntemini kullanacaksanız, ancak çiziminizin nesneden farklı bir boyutta olmasını istiyorsanız, bu seçeneği deneyin (özellikle bir figür çizmek için kullanışlıdır: çok az kişi bir tuval üzerine bir metreden daha yüksek çizmeyi sever). İstenen boyutu elde edene kadar sehpayı nesneden uzağa, işarete doğru hareket ettirin. Çizim, nesnenin yanında değil, sizinle nesne arasında bir yerde olmalıdır. Ayrıntıları netleştirmek için işaretin üzerinde durun ve ardından çalışmaya devam etmek için şövale geri dönün.

         Görsel ölçüm yöntemi, nesnenin ve çizimin tam anlamıyla karşılaştırılmasını içerir.

         Kısa bir açıklamadan sürecin özünü anlamak zordur. İlgili konuyla ilgili ders kitaplarında, örneğin daha önce bahsedilen Charles'ın el kitabında daha fazla bilgi bulabilirsiniz.

          Sanatçının işyerinin üstten görünümü. Nesneye bakmak ve şövale geri çekilmek için geri adım atmanız gerekir.

          AMAYA GÜRİPİD. Bir düşüş. 2009. Kağıt , grafit. 25,4x35,6 cm Keith Lehman ve Travis Schlacht koleksiyonundan

         Sanatçı bu çizimde malzemenin sınırlarını aşmıştır. Tüylerin çizildiği sert grafiti değil, sadece yumuşak dokusunu görüyoruz.

         Barga ve Jean-Leon Gérôme (ve bibliyografik bölümde listelenen kitaplarda). Sürecin Floransa'daki Güzel Sanatlar Akademisi'nden bir profesör tarafından adım adım gösterimi s. 188-189.

         Görsel ölçüm yönteminin avantajı, makul bir sonuç almanızı sağlamasıdır. Çizimin nesneden ne kadar farklı olduğunu hemen görebilirsiniz, böylece hataların düzeltilmesi daha kolaydır. Dezavantajları, şövale konumuna bağlı olmanızdır. Ölçüm sonuçlarının değişmeden kalması için nesne çalışma sırasında da sabit kalmalıdır.

 Düzeltmeler yapmak

         Hatalarınızı düzeltmeyi öğrenmek ve herhangi bir alanda kolay değildir. Bu beceri dahilerin karakteristiğidir. Ölçüm için bir iğne, çekül ve köşegenler kullanarak gözlerinizi eğitirsiniz. Yavaş yavaş, doğru bir çizim oluşturmak için bu cihazlar olmadan yapacak kadar güven kazanacaksınız. Zamanla, dikkatli inceleme sayesinde bir desen ortaya çıkmaya başlayacak ve tipik hatalarınızı anlayacaksınız (örneğin, bir figür çizerken belim genellikle çok uzun çıkıyor).

         New York'ta birlikte çalıştığım Jacob Collins, bir çizimin en zayıf veya bitmemiş kısımlarını düzeltmenin öneminden sık sık bahsederdi. Başarılı parçaları, geri kalanı gölgede bırakacakları umuduyla sonsuza kadar iyileştirme arzusu doğaldır. Ancak bu yaklaşım nadiren işe yarar. Bir çizimi geliştirmenin en iyi yolu, çizimin her parçasının mümkün olduğunca bir sanatçı olarak yeteneklerinizi yansıtmasını sağlamaktır.

         Bir zamanlar bir portre üzerinde çalışıyordum. Sonuç felaketti. Tamamen umutsuzluğa kapılmıştım ve yeniden başlamak üzereydim. Jacob bana sakinleşmemi ve parçaları birer birer, en kötüsünden başlayıp mükemmele kadar çalışmamı tavsiye etti. Bu fikre şüpheliydim ama Jacob'a güvendim ve denemeye karar verdim. Hatalar üzerinde metodik olarak çalışarak, tüm işi aynı kalite düzeyine getirdiğimi fark ettim. Sonuç olarak, bu portre o dönemdeki en iyi çalışmam oldu.

         Çalışmanızı eleştirel bir şekilde değerlendirin.

         Doğrulama, sürecin bir parçasıdır. Çizim, titiz ölçümler yoluyla kademeli olarak doğruluk kazanır.

         Neşterin yeterli olduğu yerlerde sık sık balta almaya çalışırım. Ancak bir çizimin korkunç, hatta düzeltilemez görünebileceğini fark ettim, ancak aslında her biri düzeltilebilecek birçok küçük yanlışlığın yarattığı genel bir izlenim.

          STEPHANİ JOHNSON. Rapan. 2010. Kağıt, grafit. 27,9x35,6 cm

         Çizimin son aşamasında konstrüksiyon çizgileri görünür durumda, sanatçının düşünce akışını takip edebiliyoruz. Öğeler arasındaki ilişki açıkça görülüyor ve tüm parçalar tek bir bütün oluşturuyor.

         AYKIRI. JOHN ROSKIN.

         Aziz Ambrogio Kilisesi'ndeki minber. TAMAM. 1860. Kağıt üzerine suluboya.

         Boyut bilinmiyor. Ulusal Sanat Galerisi koleksiyonundan (Washington, DC).

         Art Revival Center'ın izniyle

         Bir sanatçı ve eleştirmen olan Ruskin, çizim teorisi ile birlikte doğanın yakından incelenmesinin destekçisiydi. Sulu boyaları profesyonellik ve natüralizmi birleştiriyor.

 Görünümünüzü yenileyin

         Hataları düzeltmek için sınırlı bir süre var. Yavaş yavaş göz onlara alışır ve onlara objektif bakmayı bırakırız. Doğal olmayan veya bozuk öğeler normal görünür. Tek bir basit çözüm var: Belirli aralıklarla molalar verin ve çalışmayı daha sık uzaktan değerlendirin.

         Bir süre sonra çizimi yeni gözlerle görebileceksiniz ve bundan sonra ne yapacağınıza karar vermeniz daha kolay olacaktır. Ancak deneyimlerime dayanarak biliyorum ki görüş netliği paniğe ve aceleci düzeltmelere yol açabilir. Bu dürtüyü dizginlemek için, bir sayfa yazı kağıdı almanızı tavsiye ederim. Şu anda yanlış görünen her şeyin bir listesini yapın: " Kafa çok dar görünüyor, çizgiler çok karanlık, bazı köşegenler yanlış, arka plandaki ton alacalı, vb. " . Değişiklikleri aceleyle yapmak yerine, listeyi kullanabilir ve iyileştirmeye metodik, rasyonel bir şekilde yaklaşabilirsiniz.

         Dikkatli olmayı öğrenin. Hataları düzeltme süresi sınırlıdır, yorgun bir bakış onları fark etmez.

         Gözlerinizi tazelemenin başka bir yolu da arkadaşlarınızdan çalışmanızı derecelendirmelerini istemektir. Birçok insan, hataları doğru bir şekilde fark etme konusunda hoş olmayan bir yeteneğe sahiptir. Cesaret ister ama bir aile üyesinden veya arkadaştan böyle bir talepte bulunma riskine neredeyse her zaman değer. Savunma pozisyonu almazsanız, gururunuz incinmiş olsa bile yardımları için onlara teşekkür ederseniz, dürüstçe konuşmaları daha kolay olacaktır. Bir yazılım mühendisi olan bir öğrenci bana "Kodunuzda hatalar görmüyorsunuz" dedi.

         Yerleşik bir yol var - aynada ters çevrilmiş veya yansıyan bir resme bakmak. Gözlerinizi tazelemenize ve çalışmalarınızı yeni bir bakış açısıyla görmenize yardımcı olur. Bu çok önemlidir: Çoğu durumda, çizim sihir veya irade gücüyle değil, dikkatli analiz yoluyla, çalışma boyunca iyileştirmeler yaparak ve hataları düzelterek daha iyi hale gelir.

  ders 2 YAPI ÇİZİMİ

 Çizim sürecinin         en zor kısımlarından biri nereden başlayacağınızı bilmektir. Bu eğitimde size bir çizime nasıl başlayacağınızı ve onu kabul edilebilir bir forma nasıl getireceğinizi göstereceğim. Yaratıcı gelişim için temel kuralların tutarlı bir şekilde uygulanması gereklidir. Cevap istemiyorsun, iyi sorular istiyorsun. Neyi arayacağınızı ve hangi soruları soracağınızı öğreneceksiniz.

         Hangi hatların önemli olduğunu anlayacak, ölçü alıştırmaları yapacak ve genelden özele çalışmanın faydalarını fark edeceksiniz. Söylendiği gibi, tekrar öğrenmenin anası ve tembellerin sığınağıdır. Bu nedenle, anlamlı bir şekilde tekrarlamak gerekir. Hatalarınızdan ders çıkarırsanız, sonraki her çizim öncekilerden daha iyi olacaktır.

         MALZEMELER

         Yapıcı bir çizime hazırlanmak için aşağıdaki malzemelere ihtiyacınız olacak.

         Natürmort için öğeler

         Doğal kömür, Conte kalem veya grafit kalem

         Kalemtıraş veya zımpara kağıdı

         kağıt

         çizim kağıdı

         Çizim için tablet

         Silgi dırdırı

         İskoç

         şakül

         İnce şiş veya şiş

         Eskiz kağıdı (isteğe bağlı)

         İFADE

         Çok zor olmayan birkaç öğe seçin. Herhangi biri yapacak, ancak çok fazla şeffaf almamaya çalışın (veya daha doğrusu beyaz mat boya ile örtün).

         Uzun süre incelenmelerine gerek kalmaması için çok ayrıntılı olmayan, iyi tanımlanmış bir forma sahip nesnelerde durmaya değer.

         Örnek olarak basit bir metal sürahi ve bir ampul ayarını seçtim ve onları neredeyse göz hizamda olacak şekilde masanın üzerine yerleştirdim. Işığı sola çevirdim. Odam karanlık olduğu için kağıdın iyi yanması için lambayı şövale bir kelepçe ile tutturdum.

         HAREKETSİZ BİR YAŞAM ÇİZMEK

         Natürmort ile, ilk görüşte aşkı deneyimleyen herkes için nadirdir. Sonuç adım adım iyileştiğinde insanlar yavaş yavaş buna dahil olmaya başlar. Natürmort resim, gözlem güçlerini keskinleştirmek isteyen herkes (hatta portre ressamları) için harika bir uygulamadır. Gözleri ve eli koordine etmek zaman ve çaba gerektirir. Ek olarak, natürmort, bir çekül ve sapma açılarıyla nasıl ölçüm yapacağınızı öğrenmenize ve bu becerileri kendi takdirinize bağlı olarak daha fazla uygulamanıza yardımcı olacaktır.

          BİRİNCİ ADIM: Bir çekül kullanarak en uzun nesnenin üstünü ve altını ve denge eksenini çizin.

          İKİNCİ AŞAMA: İnce çizgilerle her nesnenin varsayımsal alanını işaretleyin ve ardından ana köşegenleri çizin.

         BİRİNCİ AŞAMA: ölçümler

         Sayfadaki kompozisyonu sınırlayan üst ve alt çizgileri çizin. Aralarında herhangi bir mesafe olabilir, ancak doğal boyutundan daha büyük bir nesneyi tasvir etmenizi önermiyorum. Bu, çizimin boyutunu kontrol etmeyi kolaylaştırır. Ardından, nesnenin uzaydaki yönünü gösteren dikey bir çizgi tanımlayın (benimki gibi kurulumunuzda dikey bir nesne varsa). Bir denge ekseni veya nesneyi ikiye bölen bir çizgi olabilir. Bu birkaç etiket, daha sonra karşılaştırmanız için size bir ölçü birimi verir. Sürahinin dikey çizgisini çizmeye karar verdim: bu, üretimimdeki en büyük, baskın nesne.

         İKİNCİ AŞAMA:

         baskın köşegenleri tasvir etmek Ana hatları belirtmek için birkaç ana köşegeni ince bir şekilde çizin. İşlem aldatıcı bir şekilde basittir. Mesele açıktır, ancak pratikte dikkatli düşünmeyi gerektirir.

         Sapma açıları için en iyi öneri: onları belirlemek için, kenarlarının bir saatin kolları olduğunu hayal etmeniz gerekir. Bir gözü kapatın, elinizi şiş ile öne doğru uzatın ve belirlenen köşegene göre eğin. Sapma açısını doğru bir şekilde hatırlamak için bir saat hayal edin (örneğin, ibre saat 11'i gösteriyor). Şimdi bu açıyı şekilde yeniden oluşturmaya çalışın.

         Burada destek düzlemini ve ana kılavuz çizgileri çizdim: kalemin açısı, sürahinin sağ tarafı ve ampulün sürahiye göre konumunu tanımlayan köşegen. Bu bana hemen prodüksiyon konularının yaklaşık yerini verdi.

          ÜÇÜNCÜ AŞAMA: nesnelerin dış hatlarını oluşturan çizgilerin açılarını belirleyin. İnşaat çizgilerini uzatmayı unutmayın: nesnelerin birbirlerine göre doğru konumlarını sağlarlar.

          DÖRDÜNCÜ AŞAMA: Ana unsurları yerleştirdikten sonra detayları üzerinde çalışmaya başlayabilirsiniz. Çizimimde bunlar elipsler.

         ÜÇÜNCÜ AŞAMA: kompozisyon oluşturma Bir natürmortun kompozisyon yapımını gerçekleştirin. Bu, nesnelerin oranlarını belirleyen çizim üzerinde çalışmanın önemli bir ilk aşamasıdır. Ölçüme başlamanın ve yanlışlıkları dikkatle izlemenin zamanı geldi. Bu aşamada, çizim karmaşık ve bulanık görünebilir. İlk başta satırlarda boğuluyormuş gibi hissederseniz endişelenmeyin, yakında kendi sanatsal çizginizi anlamlandırabileceksiniz.

         Nesnelerin şekillerini görüntülemek için önce dış konturların köşegenlerinin sapma açılarını belirleyin. Ana unsurları doğru bir şekilde yerleştirdikten sonra, ikincil unsurları çalışmak için temel alacaksınız (çizimimde bu, sürahinin tutacağıdır). Küçük, önemsiz ayrıntıları çizmeye çok erken başlamamak önemlidir.

         AYKIRI. David DWYER. Alçı bir kafanın yapıcı çizimi. 2011. Kağıt, grafit kalem. 33x22,9 cm

         Bu alçı kafa çizimi, ölçümler kullanılarak yapılmıştır. Sanatçı bunu atölyenin yeni öğrencilerine örnek olması için yaptı.

         DÖRDÜNCÜ AŞAMA:

         Kompozisyon yapısının tamamlanması Nesnelerin ayrıntıları üzerinde büyük formlar çizdiğiniz gibi çalışın. Genel hatlarını net, düz çizgilerle çizin ( örneğin, bir sürahinin sapı ve ağzı eğri çizgilerden oluşur, ancak ben onları düz çizdim. Daha sonra düz parçaları tek bir eğri çizgide birleştirdim ) . Ardından, ışık gölgenin nesneler üzerindeki desenini belirleyin. Gölgeleri işaretleyerek, konturlarını koşullu çizgilerle işaretleyerek başlayın. Işığı gölgeden ayırın. Tüm çizgileri, hatta kendi gölgelerinizin ana hatlarını bile önemli yapısal unsurlar olarak düşünün. Çizimi doğrusal bırakıp nesnelerin gölgeli yüzeylerine ışığın yönünü göstermek için çok hafif bir ton uygulayabilirsiniz.

         YUKARI. JULİET ARİSTİDE. Bir natürmortun yapısal çizimi. 2011. Kağıt üzerine sepya kalem. 30,3x25,4 cm

   

 3. Bölüm ZARİF ÇİZGİ

         HAT İLE İLGİLİ SORUYA

         Vücudun konturları incedir ve doğru bir şekilde yeniden üretilmesi zordur, ancak inanılmaz derecede güzeldir. Belki de bu nedenle kontur çalışması ayrı, bağımsız bir konu olarak kabul edilebilir.

         TONY SÜRÜCÜ. Sanatçılar için Eksiksiz Şekil Çizim Kılavuzu

         Yıllar önce annem ve ben New York'ta bir akşam yemeği partisine gittik. Bize trüf çorbası ısmarladı. Görünüşe göre, ilk yudumumu almadan önce, içindeki yer mantarlarını neredeyse hiç göremeyen veya takdir edemeyen biri için yüksük büyüklüğünde bir çorba kasesine 30 dolar harcadığı düşüncesi onu şaşırttı. Bana olumlu bir tepki vermem için zemin oluşturmak amacıyla yaratıcı bir görselleştirme tekniği kullandı: " Ormanda olduğunuzu hayal edin. Bu nemli. Kokla, mantarların kokusunu alacaksın. Şimdi gözlerini kapat ve çorbayı dene . ” İşe yaradı. Mantarları ve ormanı hissettim. Bu daha sonra benim dünyadaki gastronomik cennet tanımım oldu. Yer mantarı, eşlik eden bir görsel imge olmadan asla tanımlayamayacağım veya hatırlayamayacağım eşsiz bir tada sahipti.

         AYKIRI. LORD FREDERICK LAYTON. Limon ağacının incelenmesi. 1858. Beyaz kağıt, gümüş iğne. 53,3x39,4 cm Özel koleksiyon. Art Revival Center'ın izniyle

         Layton bir hafta boyunca sabahtan akşama kadar bu çizim üzerinde çalıştı. Konuya vicdanlı yaklaşırsanız, bitki çizmenin bir kafa çizmeye benzeyebileceğini söyledi.

         Büyük, parlak bir resmin yanına bir çizgi çizerseniz, mükemmel olsa bile çok az kişi bunu fark edecektir. Uygun bilgi olmadan, bazıları bunun pahalı bir çorbadan başka bir şey olmadığını düşünebilir. Sanat hakkında hiçbir fikri olmayan insanlar genellikle bir çizimi diğerinden daha iyi yapan şeyin ne olduğunu ve neden bazılarının bu alandaki beceride ustalaşmak için büyük çaba harcarken, diğerlerinin sonuç için yüklü bir meblağ ödemeye hazır olduğunu anlamazlar.

         Bir şaheserde hataya yer yoktur - her satır değerlidir. Sanatçının beceri düzeyini halka ifşa ederek hiçbir şeyi saklayamaz. Çizim hakkında ne kadar çok şey öğrenirsem, büyük ressamların en basit eskizlerinde bile göze çarpan yeteneğe o kadar çok şaşırıyorum. Tıpkı tat tomurcuklarının gurme yemeklerin inceliklerini takdir etmeyi öğrendiği gibi, hevesli sanatçılar da harika bir çizimin "içeriği" olarak çizginin değerini takdir edebilecekler.

 Alçakgönüllü hattın gücü

         Gençken, güçlü bir izlenim bırakmak için bir çizimin çok sayıda çizgiye, siyahtan beyaza tüm tonlara ihtiyaç duyduğunu düşünürdüm. Şimdi aksini düşünüyorum: güzel bir çizim, hayal gücüne yer bırakmalı. Yavaş bir inceleme gerektirir, değeri yavaş yavaş ortaya çıkar.

         En basit çizgi çizimini oluşturmak karmaşık ve bireysel bir görev olabilir.

         Çizgi, kısıtlama ve akılcılık ile karakterize edilir, nazikçe boyun eğdirir. Fısıltısını sadece onu dinleyenler duyar. Çok fazla gürültünün olduğu bir dünyada, çizgilerin mütevazi inceliklerini düşünmek güç verebilir.

         PETER VAN DYCK. Otoportre. 2006. Kağıt, kömür. 61X45.7cm

         Enerjik çizgiler sonuçtan ziyade bir süreç duygusu taşır. Çalışan bir sanatçı için uygun bir görsel metafor.

         AYKIRI. LEONARDO

         DA VİNCİ. Kadının kafası profilden. TAMAM. 1480. Hazır kağıt, gümüş iğne, beyaz ton. 17,9x16,8 cm Louvre (Paris) koleksiyonundan. Art Revival Center'ın izniyle

         Bu enfes portrede profil sadece bir çizgi ile tasvir edilmiş ve hacim aktarılmıştır. Sanatçı bakış yönünde oldukça boşluk bırakmıştır.

           WILLIAM CRESSON. Albüm (perdeli iki sandalye ve grafitten üç eskiz stüdyosu). 1861-1863. Krem parşömen kağıdı, grafit, kalem, fırça eskizleri: sepya, kahverengi ve siyah mürekkep ve sulu boya. 22.9x30.5 cm Pensilvanya Güzel Sanatlar Akademisi (Philadelphia) koleksiyonundan

          Perdeliğin girift kıvrımları, doğru figür çiziminde pratik yapmak için bolca alan sağlar.

          Bu iki figürün - geometrik ve doğal - ortak bir yanı var. Doğal formlar, şematik varyantlarıyla çağrışımları çağrıştırır: bu durumda yaprak bir yıldıza benzer.

 şekiller şekillendirme

         Montessori hazırlık okulundan ilk hatıralarımdan biri basit ahşap figürlerle eğitici bir oyuncağın keyfi. Daireler, kareler ve üçgenler tüm dünyada farklı kültürlerin sanatında bulunur. "Şekil" kelimesini duyduğumda hemen en basit biçimleri hatırlıyorum. Ancak görsel dünyamız o kadar net bir şekilde belirlenmiş ve net bir şekilde organize edilmiş değil.

         Sanatta figür terimi, bir nesnenin ana hatları veya parametreleri anlamına gelir. Aynı zamanda daha soyut bir uzay bölümü kavramına da atıfta bulunabilir. Özünde sanat, şekil ve renk bakımından farklılık gösteren figürlerin bir koleksiyonudur.

         Sanatta, ilkokuldan farklı olarak, figürler neredeyse hiçbir zaman geometrik değildir. Aksine belirsiz ve doğaldırlar. Görsel bilgileri optimize etmek ve parçalarını daha erişilebilir bir biçimde birleştirmek insan doğasıdır (örneğin, aynı anda görülen 50 elma bir piramit olarak algılanabilir). Çoğu zaman gördüğümüz şekiller, nesnelerin ana hatlarıyla uyuşmuyor.

         Şekil tanıma hayatta kalmak için esastır. Arkadaşlar arasında ayrım yapmamıza ve eve doğru yolda gittiğimizden emin olmamıza yardımcı olur. Gözler, etrafımızdaki dünyayı düzenlemek, basitleştirmek ve yeniden üretmek için zahmetsizce ve genellikle bilinçsizce beyinle birlikte çalışır. Ayrıca eksik bilgileri deşifre eder ve anlamını yeniden oluştururlar.

         Geometrik şekillerin isimleri vardır: üçgen, kare, daire vb. Ancak sanatsal ve doğal

          başka bir şeyle (örneğin, hayvanlarla bulutlar) benzerliklerini bulmaya çalışmazsak, figürler belirli bir anlam içermez. Kendinizi bir nesneyi adlandırma ihtiyacından bilinçli olarak kurtarmak, onun belirsizliğini kabul etmenize ve onu oluşturan figürleri yeniden üretmenize yardımcı olacaktır.

         Görsel belirsizliği kabul edin ve bildiklerinizi değil gördüğünüzü çizin.

         JORDAN PARİETİ. Karkik Parkı'ndaki eski çalılıklar. 2010. Renkli kağıt, kurşun kalem. 30.5x45.7 cm Aristide atölyesinin izniyle

         İç içe geçmiş ağaç kökleri, uzun ve dikkatli doğrusal çalışmalara elverişlidir. Ağaçların genellikle hareket yaratan bir ritmi vardır. Ağaçlar bir natürmort gibi hareketsizdir ama canlılar gibi ritmi ifade edebilirler.

         Çizime başlamadan önce, belirsiz gerçek şekiller yerine görmeyi beklediğiniz şeyi tasvir etmenin cazibesine karşı koymanın zor olduğunun farkında olun. Nesnenin belirlediği koşullara (gördüklerinize değil, bildiklerinize) uyarsanız, sonuç olarak her şeyin ortaya çıkacağı konusunda hemfikir olmak kolay değildir . Buna alışmak için kırışmış bir kumaş parçası veya yaşlı bir ağacın budaklı kökleri gibi hiçbir şeye benzemeyen nesneleri tasvir etmekte fayda var. Kompozisyon yapısının tamamlanmasının ardından hemen gölgeler çizmeye başlayın. Tüm çalışmaların üzerine inşa edilebileceği görsel bir çapa oluşturacaklar.

         BİLİNMEYEN SANATÇI.

         Şişe tasarımı. Tarih bilinmiyor. Kağıt, kalem Conte. Boyut bilinmiyor. Barnstone Studios'un izniyle görüntü

         Sanatçının, öğelerin ilişkilerini ne kadar titizlikle kontrol ettiğine dikkat edin. Her bir elemanın yatay, dikey ve köşegeni tüm çizim boyunca çizilir.

  Şemaları Kullanmak

         Şekillerin tartışılması bizi, karmaşık nesnelerin basitleştirildiği bir şema (veya şematik plan veya şablon) kavramına götürür. Örneğin, güneş sisteminin bir modeli bir diyagramdır. Burada basitleştirilmiş bir model, karmaşık bir kavramı anlamanın paha biçilmez bir yoludur. Sanatta da ilk bakışta gördüğümüzü anlamak genellikle zordur. Diyagram bize görsel dünyayla karşılaştırmak için kullanabileceğimiz basitleştirilmiş bir referans verir.

         Çalışılan konuların çoğu, karmaşık teorileri daha basit parçalara ayırmayı gerektirir. Bu yaklaşımı, daire ve üçgenlerin adım adım kuş çizmek için kullanıldığı çocuk çizim eğitimlerinde iş başında görmüşsünüzdür.

         Bu teknik, öğrenciye yalnızca inandırıcı bir görüntü oluşturma fırsatı vermekle kalmaz, aynı zamanda karmaşık bir yapının küçük figürler kullanılarak nasıl yeniden üretileceğini de gösterir. Bariz dezavantajları vardır, ancak basitleştirme bir amaç yerine bir araç olarak kullanılırsa çok yararlı olabilir.

         Şahsen, şemaların gerekli olduğunu düşünüyorum: doğru kullanılırsa, size daha dikkatli bakmayı öğretecekler. Küçük bir çizgi parçasını tanımlayıp daha büyük bir şekle gömerseniz, bağlamı derinleşir. Daireler, üçgenler, kareler ve diğer şekilleri ararken, "kelime resmi" veya piktografik algıdan uzaklaşmak ve dikkatlice gözlemlemek zorunda kalırsınız. Diyagramı öğretmeniniz olarak düşünün. Dünyayı küçük, soyut şekillere bölmek, büyük miktarda görsel bilgiyi erkenden organize etmenin etkili bir yoludur.

         Bir diyagram veya basitleştirilmiş model, zihninizi karmaşık bir kavram etrafında sarmanın paha biçilmez bir yoludur.

         Myron Barnstone ile çalıştığımda ilk alıştırmalardan biri şişe analiziydi. Konturu çizgilere ayırdık ve bir şekil oluşturmak için genişlettik. Dikey kenarlar dikdörtgenlere ve yaylar dairelere dönüştü. Bu yüzden sadece nesnelerin satırlarını kopyalamadık, aynı zamanda onları geriye doğru inşa ettik. İnsanlar şişeleri hızla, neredeyse mekanik bir şekilde çekiyor ve rakamlara bakmak hızı yavaşlatıyor, sizi daha dikkatli ve anlayışlı bakmaya zorluyor. Bir ödev bize iyi çizim için neyin gerekli olduğunu öğretti: Görünenin nasıl ölçüleceğini ve yorumlanacağını.

         Çizim yaparken deseni aklınızda tutmanız gerekir. Geçmişte, bu model katı, değişmemiş bir biçimde "yukarıdan indirildi". Ve hala yer işaretlerine ihtiyacımız var, ancak kabataslak rakamlar veya oranlar yalnızca doğanın doğrudan gözlemlerinden çıkarılabilecek başlangıç noktalarıdır. Gördüklerimizle ilgili kendi fikrimizi çiziyoruz, ancak birkaç yönerge bize rehberlik ediyor. Çalışmanız her halükarda gözlemlerle tamamlanan net bir plan veya yapıdan faydalanacaktır.

          ELIZABETH SENZINGER.

         Doğal nesnelerin analizi (detay). 2007. Bristol kağıdı, kalem. 20.3x25.4 cm Aristide atölyesinin izniyle

         Çuha çiçeği yaprağının ve çiçeğinin beşgen tasarımı birçok meyve veren yumurtalıkta bulunur. Yapısal kalıpları arama alışkanlığı, karmaşık bir sanatsal soruna basit bir çözüm bulmanıza yardımcı olacaktır.

          RON ÇİK. İzabel. 2006. Renkli kağıt, karakalem ve tebeşir. 38,1x48,3 cm

         Çizgilerin düşünceli kullanımı, sanatçının çocuğun ağır maddeselliğini ve uykusunun dinginliğini aktarmasına yardımcı oldu. Elleri çevreleyen küçük üçgen negatif boşluk alanları, çizim öğelerinin yerleşimini ve kontur çizgilerinin açısını belirledi.

 Negatif alanın tanımı

         Negatif alan, bir nesneyi çevreleyen her şeydir.

         Çizdiğimiz nesneye (sürahi gibi) odaklanma ve çevresini (yerleştirildiği alan) unutma eğilimindeyiz. Aynı zamanda çizimin tüm bölümleri üzerinde çalışmak için kendimi zorlamak zorunda kaldım.

         Negatif alan - nesneyi çevreleyen alan - köşegen görüntüsünün doğruluğunu kontrol etmenize yardımcı olacaktır.

         Negatif boşluk çizmeyi öğrenerek, sonuçlarda bir iyileşme fark edeceksiniz. Nesneyi farklı gözlerle görmenizi sağlar. Ek olarak, parmaklar veya daldaki yapraklar gibi nesneler arasındaki küçük alanlar, görüntü doğruluğunu kontrol etmeye yardımcı olur.

          Norman Lundin gibi bazı sanatçılar çalışmalarında negatif alana odaklanır. Lundin bir keresinde şöyle demişti: " Kısa" bir şeyi karşılaştırmadan "uzun" bir şeyi düşünmek imkansız olduğu gibi, "boşluk" olmadan bir "nesnenin" varlığı da imkansızdır. Beni ilgilendiren boşluk . "

         Ancak negatif alan kararsızdır. Sanatçı beceriden yoksunsa, nesnelerin arasındaki veya etrafındaki boşluk onları gölgede bırakabilir. Bir portrede başı çevreleyen boşluk önemli bir unsurdur, ancak başın kendisi hava tarafından değil, kafatasının yapısı tarafından şekillendirilir. Ana hatların tam olarak yeniden üretilmesi, kafatasının gücünü ve şeklini yeniden oluşturmaya yardımcı olmayacaktır. Negatif alanı fark etmeyi öğrenin, ancak bunu akıllıca kullanın.

         NORMAN LUNDIN. Kara tahta ve anahtar. 1 974. Kâğıt, karakalem. 71.1x111.8 cm Museum of Modern Art (New York) koleksiyonundan

         Lundin, bir duvara ışık huzmesi gibi çoğu insanın fark etmediği nesneleri boyayarak ün kazandı. Çizimlerinde olay örgüsü sadece hava ve ışıktan oluşsa da her parçanın kendi formu vardır.

          Sağdaki sürahinin siyah şeklini düşünün ve zihninizde düzeltin. Ardından, negatif alanı görmek için soldaki kavanozun etrafındaki siyah şekille karşılaştırın.

          Tencerenin taslağının kesintisiz çizgisi, taslağın dikkatli bir şekilde incelenmesini teşvik eden düz çizgilere ve yaylara bölünmüştür.

          İyi düşünülmüş bir taslak, bir nesnenin siluetini tamamen tanımlar, parametrelerini karakterize eder ve tasarımının kabaca ana hatlarını çizmeyi mümkün kılar.

         AYKIRI. ROBERT ARMETTA.

         Genç bir adamın portresi. 2001. Kağıt, grafit. 31,8x29,7 cm Theodore ve Catherine Prescott koleksiyonundan

         Güzel kontur çizgisinin netliği, arka planda öne çıkan profilin yontulmuş kabartmasına dikkat çekiyor.

 Konturu keskinleştirme

         Bir aceminin işaretlerinden biri, bir nesnenin sınırları veya "kontur çizgileri" için aşırı coşkudur. Yeni başlayan sanatçılar, tanınabilir basit bir form elde etmek için kullanılabileceği için ona yöneliyor. Gerçekten de siluet, mümkün olduğunca nesneye ilişkin zihinsel imgemize karşılık gelir. Ama doğada çizgi yoktur. Bir çizgi olarak algıladığımız şey, daha çok renkler veya tonlar arasındaki bir geçiş veya açık bir gökyüzüne karşı bir ağaç gövdesinin karanlık kenarı gibi nesnelerin sınırlarıdır.

         Bir nesnenin ana hatlarının sanatsal bir teknik olduğunu unutmayın.

         Kontur hatları sanatçı için vazgeçilmezdir. Bu kitabın ilk iki bölümünde ana hatların nasıl belirleneceği ve ölçümlerin nasıl yapılacağı anlatılmaktadır. Çizim üzerinde çalıştınız ve kaba ama orantılı olarak doğru bir kompozisyon yapısı elde ettiniz. Kontur çizgisini incelemek sizi bir sonraki adıma götürecektir: ana çizgileri dikkatlice gözlerinizle takip ederken fark edeceğiniz küçük artımlı değişikliklere odaklanacaksınız.

         İşin ilk aşamalarında satırları bitirmeyin. Ve her bölümün yüksek ve alçak noktalarını arayın.

         Kontur çizgileri, doğrulamadan sonra rafine edilir. Büyük resme baktınız ve her bir öğenin bütünle nasıl ilişkili olduğunu belirlediniz ve şimdi nesnenin ayırt edici özelliklerini ayrıntılı bir şekilde incelemeye başlayabilirsiniz. Nesne çizgilerinin açılarını belirlediğiniz gibi, artık işlemi daha küçük ölçekte tekrarlayabilirsiniz. Her çukurun ve çıkıntının boyutlarını dikkate alın ve değerlendirin.

         Sürece mantıklı bir yaklaşım, her şeyi basitleştirmeye yardımcı olacaktır.

         Bir köşegen alıp parçalara ayırıyorum. Çizgiyi ayrı parçalara ayırmanın ne kadar kolay olduğunu değerlendiriyorum. Her segment, çizginin ana yönünün üstünde veya altında sapacaktır. Bu adım için, nüansları araştırmama yardımcı olacak bir dizi sorum var ( örneğin, "En üst nokta nerede?

            ve bu segmentin en alçak noktası?” ) . Negatif boşluğu değerlendirmek, kontur çizgisinin yönündeki değişiklikleri görmeyi de kolaylaştıracaktır.

         Yolu çok küçük, kesin parçalara bölerek, bütünü bozma korkusu olmadan en küçük ayrıntıları bulmaya odaklanabiliyorum.

         Doğru bir şekilde konumlandırıldığında, kapalı sürekli bir çizgi güzeldir. Ama yanlışsa düzeltmek zordur.

         Bireysel kontur değişiklikleri üzerinde çalışırken, çizime güvenilirlik katacak ton değişikliklerine dikkat etmek faydalı olacaktır. Çizginin daha açık hale geldiği veya kaybolduğu, başka bir şekil tarafından gizlendiği parçaları arayın. Bu nüanslar esere zenginlik ve kesinlik verir. Göz, konturdan milimetre milim zevk alır. Bu yaklaşım, her nesnenin bireyselliğini iletmeye yardımcı olacaktır.

         JULİET ARİSTİDE. Roma'daki Fransız Akademisi'nden bir görüntü. 2009. Renkli kağıt, kurşun kalem. 15.2x27.3cm

         Gökyüzüne karşı silüetlerin ana hatlarını çizen bir kalem çizgisi yeterli bilgi verir. Roma'daki Fransız Akademisi'nin iç kısmında görülebilen aynı manzaraya sahip manzaradan ilham aldım.

         AYKIRI. JEAN AĞUSTOS

         DOMINIK ENGRE, Raphael ve Fornarina için eskiz. TAMAM. 1814. Kağıt, grafit. Boyut bilinmiyor. Art Revival Center'ın izniyle

         Ingres, kalem çizimleriyle ünlüdür. Hassas ve duygusal çizgisi, büyüklüğünü takdir etmek için orijinalinde görülmeye değer. Herhangi bir malzemenin olanaklarını nasıl aşacağını biliyordu.

          Aynı formları tekrarlamak mekanik ve yapay görünüyor.

 Ritim Yapmak

          Yinelenen noktalardan oluşan bir çizgi, tek bir zıplayan öğe tarafından kesilir. Ve tek bir olay bir kompozisyon merkezi haline gelir.

         Doğa en iyi öğretmendir. Gördüklerinizi inceleyerek çok şey öğrenebilirsiniz. Eski domates çeşidini ilk gördüğümde gözlerime inanamadım. Çok garip bir şekle sahiptiler: nervürlü, eğri ve göbekli. Bazıları farklı renklerde şeritler giyiyordu: mor, turuncu, sarı. Hiçbiri mağazalarda satılan sıradan kırmızı balonlara benzemiyordu. Sanatın temel ilkelerinden biri tema ile varyasyonun, birlik ile çeşitliliğin etkileşimidir. Domateslerin kanıtladığı gibi, doğada bizi hayrete düşürmeye yetecek kadar tuhaflık var. Tony Ryder, The Complete Artist's Guide to Figure Drawing adlı kitabında, "Doğada var olan düzenli form kalıpları her zaman bir tür kusur içerir ve bu, doğanın gizemli güzelliğini azaltmaz, geliştirir."

         Bir çizimde herhangi bir aralık veya ritim çok monoton veya tekrar tekrar tekrarlanırsa, mekanik ve doğal olmayan görünür. Ve eser stilize (veya ortalama, genelleştirilmiş bir yoruma göre resmileştirilmiş) göründüğünde, bu, sanatçının düşünmeyi veya bakmayı bıraktığı anlamına gelir. Bu tipik bir başlangıç sorunudur, ancak her zaman başıma gelir. Çeşitlilik ve canlılık duygusu yaratmak için her zaman farklılıkları arayın. Küçük dokunuşlara odaklanın. Farklılıklar, gözün resimde kolayca hareket etmesine yardımcı olur.

         Sanatta doğrusal ritim, izleyicinin kolayca ve doğal olarak yorumlayabileceği bir bilgi hiyerarşisi oluşturmada önemli bir rol oynar. Çeşitliliğin olmaması, sonsuz çit direkleri veya fark etmediğimiz ve dikkatle onurlandırmadığımız bir kalp atışı gibi, desenin duvarla kaynaşmasına ve ilgi çekmemesine neden olacaktır.

         Alternatif düz ve dalgalı çizgiler, net ve soluk konturlar, koyu ve aydınlık alanlar.

         Ancak tekrarlama her zaman kötü değildir. Çeşitlilik, çalışmayı ilginç ve inandırıcı kılar, ancak öngörülebilir bir ritim süreklilik yaratır. Çok fazla çeşitlilik kafa karıştırıyor. Uyku yoksunluğundan muzdarip herhangi bir yeni ebeveyne sorun, biyolojik ritimlere saygı duymanın önemi konusunda kulaklarınızı çınlatacaklardır.

         Kalemi kağıda döktüğünüzde verdiğiniz her kararın görsel sonuçları olacaktır. Yeterli birlik olmazsa kaos çıkar. Çok fazla ve sıkıcı olacak. Çizimde ritim oluşturmak için birkaç önemli nokta bulun. Değiştirmeyi dene

          CAMİLLA KORY. Sanatçının elleri. 2006. Kağıt, kömür ve kalem. 30,5x17,8 cm Ann Long Gallery'nin izniyle (Charleston)

         Bakış, hareket ve dinlenme arasında gidip gelen ellerin dinamik ritmini takip ederek çizimi takip eder.

         kavisli ve düz çizgiler: bir duraklama ile noktalanan dalgalı bir eylem etkisi yaratırlar.

         Bazı parçaların uzayda daha fazla itilebildiği, diğerlerinin ise ileriye doğru hareket ettirilebildiği net ve soluk konturlar arayın. Arsadaki önemlerine göre tek tek öğeleri vurgulamak için çizginin yoğunluğunu değiştirin. Kalınlıklarını değiştirerek vuruşlarla oynayın: bu, animasyon oluşturur. Bu ve diğer yollarla, doğanın ayrıntılarını değil özünü kopyalayarak işinize hayat ve hareket katabilirsiniz.

          JULİET ARİSTİDE.

         Söğüt dalı. 2010. Kağıt üzerine ceviz kabuğu mürekkebi. 25,4x20,3 cm

         Bu söğüt dalı gibi bitkilerin doğal formu, negatif alanı, kontur çizgisini, ritmi ve çizgi yoğunluğunu keşfetmek için bolca fırsat sağlar.

 Hat Yoğunluğu Tayini

         Çizgi yoğunluğu kavramı, birlik ve çeşitlilik ilkelerinden gelir. Eski ustalar, uzayda uzaklaşma veya yaklaşma hissi yaratmak, hareket yanılsamasını iletmek ve kompozisyon merkezini yerleştirmek için çizginin doygunluğunu ışıktan karanlığa değiştirdiler. Çizimdeki çizgi değişmiyorsa sanatçının monoton bir sesle konuştuğu söylenebilir.

         Yeni başlayanlar için, doğru orantılara meraklı olanlar için, cesur ve koyu konturlar ortaya çıkıyor. Ve sonra, zaten inandırıcılık için çabalayarak, çizgileri daha da kalın ve koyu hale getiriyorlar. Hatta bazen oranların ihlal edildiği noktaya kadar. Her nüansın önemli olduğu bir nesneyi deforme etmek çok çaba gerektirmez. Şekil çiziminde, doğrulukla çirkinliği yalnızca birkaç santimetre ayırır.

         Koyu bir çizgi gibi, kapalı sürekli bir konturu düzeltmek zordur. Etkileyici bir mesajları var - güven. İzleyiciye çizimin eksiksiz ve doğru olduğunu söylerler. Bir anda donuyor. Bu şekilde yapılmış pek çok güzel çizim var, ancak bu tür çizgilerin başarılı bir şekilde kullanılması olağanüstü bir hassasiyet gerektiriyor (tabii, bilinçli olarak eksantriklik ve tavırlar için çabalamıyorsanız).

         En koyu ve en net vuruşlar, dikkat çeken vurgulardır.

         Kesik yaklaşık çizgi zaten "hareket ediyor" ve hem sanatçının hem de izleyicinin iyileştirme yollarını görmesine yardımcı oluyor. Ayrı ayrı görüntülenebilen ve iyileştirilebilen bölümlere ayrılmıştır. Ancak teknik olarak doğru bir çizim bile mantıksız görünebilir. Örneğin, düzgün yerleştirilmiş bir çizgi, çok karanlıksa ikna edici olmayacaktır. Niyet ve uygulamayı dengelemeye çalışın.

         İlk aşamada ince, hafif çizgilerle çizim yapmanızı öneririm. Bu zorsa, daha sert bir kurşun kalem veya karakalem kullanın. Çizginin doğru yerini bulmak için, birden fazla ince çizgi çizmek, bir kalın çizgi çizmekten daha iyidir. Belirsizliğe alışın. Nasıl bağlayacağınızdan emin değilseniz yollarda boşluk bırakın. Özellikle çizimde netlik kalmayana kadar tüm çizgileri tamamen çizmenize gerek yoktur. Tüm öğelerin tam olarak doğru yerlerde olduğundan emin olduktan sonra, ifadeye, keskin kenarlara veya geniş hatlara ihtiyaç duyduğunuz çizgileri güçlendirin.

         Yumuşak ve sert kontur ilkesi doğrudan çizgi yoğunluğuyla ilgilidir. Spektrumu hayal edin

          BARTLETT. İsimsiz (Betsy, 3 Ağustos 2008). 2008. Kağıt, grafit. 38,1x57,1 cm

         yumuşak ve keskin konturların yanı sıra beyazdan siyaha bir dizi ton. Resmin en net ya da en karanlık parçası dikkat çeker. Kompozisyon merkezi veya vurgu haline gelir ve yumuşak konturlar atmosfer ve belirsizlik yaratır. Arka planda kaybolurlar. Ve çizim çok yönlü ve ilginç hale geliyor.

         Paul McCormack tarafından çizim, s. Sanatçının kızını betimlediği 82 no'lu resim, çizgi yoğunluğunun, yumuşak ve keskin konturların izleyicinin bakışını nasıl kontrol edebildiğinin mükemmel bir örneğidir. Burada basit bir çizginin sınırlı olanaklarından en iyi şekilde yararlanmak mümkündü. Kompozisyon merkezi, yüzdeki koyu vurgularla oluşturulur. Kızın gözlerinden kulağına ve daha sonra başının arkasına bakarsanız, çizgilerin inceldiğini ve hafiflediğini fark edeceksiniz. Giysilerin arasından aşağı inerken çizginin tamamen kaybolarak kağıdın tonuyla birleştiğini görüyoruz. Ve tam olarak nereye bakacağımızı biliyoruz.

         Resmin geri kalan dış hatlarını onlarla karşılaştırmak için iki tür kontur - çok keskin ve çok yumuşak - ayarlamanızı öneririm. Yavaş yavaş gözler görüntüye alışır ve farkı fark etmek gittikçe zorlaşır. Doğru bir değerlendirme için bir devreyi diğeriyle karşılaştırmanız gerekir. Bakışlarımı hızla çizdiğim yol ile karşılaştırma için seçtiğim yol arasında değiştiriyorum. Görüntü tutarlılığını bu şekilde sağlıyorum.

         Çizginin enerjisi, karı koca arasındaki yakınlığı aktarır (sanatçı Betsy Ibi). İşte sanatın sırrı: Bir ustanın elinde küçük bir grafit parçası, insan deneyiminin tüm zenginliğini nasıl ifade edebilir?

           JULİET ARİSTİDE. San Marco. 2009. Hazır kağıt, grafit ve beyaz ton. 25,4x20,3 cm

         Mimari, eskiz için sınırsız olanaklar sunar. Bu silindirik tonozlu tavanda, alan derinliğini hatlar aracılığıyla iletmek için ne kadar potansiyel bulunduğuna dikkat edin.

         AYKIRI. PAUL MCCORMACK.

         Abigail Rose (sanatçının kızının portresi). 2007. Renkli kağıt, kurşun kalem ve beyaz kömür. 50,8x40,6 cm

         Çizginin şehvetliliği, sanatçı ve kızı arasındaki hassas duygusal bağı aktarıyor.

          Her iki bardağın konturlarının aynı yoğunluğu, kompozisyon merkezi için rekabet ettikleri anlamına gelir. Arkadaki kupa, konumu nedeniyle daha ileride görünmelidir, ancak birincisiyle "dövmeye" çalışır.

         Havadan perspektifin bir çizgi yardımıyla iletilmesi Perspektif, uzayda bulunan nesnelerin insan gözüyle algılanması bilimidir. Hava perspektifi (atmosferik), renk ve ton geçişlerini kullanarak uzayın derinliğini tasvir etmenin bir yoludur. Doğrusal bir çizimde, çizginin yoğunluğu değiştirilerek iletilebilir.

         Geçenlerde bir sanatçı analiz için bana eserini getirdi. Sonuçtan hayal kırıklığına uğradı ve hatanın tam olarak nerede olduğunu bilmiyordu. Teknik olarak çizim doğruydu (fotokopi için şaşırtıcı değil). Ama yanlış hissettirdi. Sorunu bulmak birkaç dakika sürdü: Sanatçı, ana nesneyi hava ile çevrelemek yerine arka planı ön plandaki merkezi figürler kadar karanlık, net ve parlak yaptı. Göz basitçe böyle göremez. Nesnelerin uzak görünmesi için her bakımdan - tonda, çizgide ve renkte - bir yoğunluk derecesine ihtiyacı var. Bir çizgi çiziminde, uzaklaştıkça kontrastı azalan çizgilerle havadan perspektif oluşturulabilir .

          Bu şekilde, görsel hiyerarşi açıktır. Ön kap öne çıkarken, arka kap çizgi yoğunluğundaki farktan dolayı geri çekilir.

          JACOB COLINS. Eastholme'deki kayalar. 2007. Kağıt, kalem. 25,4x34,3 cm

         Göz hemen resmin en karanlık ve en detaylı bölgesine düşüyor.

         AYKIRI. JEAN AĞUSTOS DOMINIC INGR. Torrel lakaplı Andre-Benoit Barrot. 1819. Kağıt, grafit. 28,8x20,4 cm Özel koleksiyon. Art Revival Center'ın izniyle

         Karakteri bir modelin portresinde aktarma becerisiyle tanınan Ingres, birkaç kurşun kalem çizgisiyle çok şey söyleyebilirdi.

         Ingres'in karşı sayfadaki çizimini inceleyelim ve sanatçının izleyiciye algılamada yardımcı olmak için kullandığı teknikleri belirleyelim. Çizimdeki çizgiler uzaklaştıkça daha açık hale gelir. Ingres, kompozisyon merkezinin ana hatlarını çizerek en koyu noktaları başa ve boyuna yerleştirdi. Gömleğin ve pantolonun çizgilerinin tonu kabanın kıvrımlarından daha açık: daha uzak oldukları belli. Adamın arkasındaki şehrin ana hatları, figüründen belirgin şekilde daha hafiftir ve bu, aralarındaki mesafeyi vurgular. Ek olarak, Ingres, nesne ile arka plan arasında büyük bir mesafe olduğu izlenimini vererek binaların boyutunu büyük ölçüde küçülttü (bu perspektif özellikleri Bölüm 4'te açıklanacaktır).

         Hava perspektifini iletmek için, uzaklaşan nesnelerin ton ve renk kontrastını azaltmanız gerekir.

         Ingres, tutarlı ve güzel bir sanat eseri yaratmak için sanatsal teknikleri bilinçli olarak kullandı. Ve onu inceleyebiliriz - sadece müdahale olmadan değil, aynı zamanda zevkle de. Resimde olduğu gibi elinizin altında bulunan sınırlı sayıda bileşenle, her birinden en iyi şekilde yararlanmak önemlidir. Ingres, kendisine sunulan her tekniği olabildiğince verimli bir şekilde kullandı.

  3. DERS DOĞRUSAL ÇİZİMDE RİTİM

         bitkilerin doğal formunda harika bir sanatsal potansiyel yatıyor. Dallardaki yaprakların ve gövdedeki dalların ritmi, hikayeli görsel bir kompozisyon oluşturur. Aynı unsurlarda bile, çoğu zaman hayal edebileceğiniz hiçbir şeye benzemeyen birçok şaşırtıcı farklılık bulunabilir. Yapraklar alışılagelmiş stilize formlara karşılık gelmediği için detaylı bir çalışma gerektirmektedir. Bu alıştırma iki yararlı sonuç sağlayacaktır. İlk olarak, insan vücudunun hatlarına benzeyen ayrıntılı eğrileri nasıl çizeceğinizi öğreneceksiniz. İkinci olarak, doğal formların güzelliğinden kısmen sorumlu olan negatif boşluk ve kontur çizgilerini yakından inceleyebileceksiniz.

         MALZEMELER

         Çizgi çizmeye hazırlanmak için aşağıdaki malzemelere ihtiyacınız olacak.

         Yaprakları, meyveleri ve/veya çiçekleri olan güzel bir dal

         Grafit kalem veya preslenmiş kömür çubuğu

         Kalemtıraş veya zımpara kağıdı

         çizim kağıdı

         Çizim için tablet

         Yoğurulmuş silgi veya sert silgi Kağıt bant Şakül

         İnce şiş veya şiş

         HAZIRLIK

         Şubeyi önünüzde rahat bir mesafeye yerleştirin. İnce ise küçük bir vazoya koymak daha iyidir. Natürmort arka planı dikkat dağıtıcı görünüyorsa, onu bir beyaz veya gri kağıtla karartabilirsiniz. Yaprakların şeklini net bir şekilde görmek için ihtiyacınız olmadıkça, çizim için özel bir aydınlatmaya ihtiyacınız yoktur.

         ŞUBE ÇİZİMİ ÇALIŞMASI

         Çizim, konturları ve alanı eğlenceli bir şekilde keşfetmeye yardımcı olacaktır. Büyük olasılıkla, izleyicilerden hiçbiri bitkinin görüntüsünün ne kadar benzer olduğunu bilemeyecek. Bu botanik bir örnek değil, ancak görüntü doğru ve inandırıcı görünmelidir. Resimde, zor yaşam hissini iletmeniz gerekiyor. Bir şaheser yaratmaya çalışmayın. Doğruluk için çabalayın.

         BİRİNCİ ADIM: Öncü Çizgileri Bulmak Tesisin genel dinamiklerini aktarabilecek bir çizgi tanımlayarak başlayın (güçlü bir köşegen, dalımı herhangi bir yatay veya dikey çizgiden daha iyi tanımlar). Ardından nesnenin destek düzlemini belirleyin: bu, nesnenin uzayda yönlendirilmesine ve gölgelerin konumunu belirlemesine yardımcı olacaktır ( s. 80'de destek düzlemi olmayan bir dal çizimi örneği vardır ) . Dalın üstünü ve altını ayarlayın ve diğer tanımlayıcı köşegenleri işaretleyin (örneğin, dalımda yaprakların büyüdüğü yönde en uzun çizgiyi çizdim).

          BİRİNCİ ADIM: Nesnenin temel dinamiklerini tasvir edin. Ardından, boyutu ayarlamak için üst ve alt sınırları işaretleyin.

          İKİNCİ ADIM: Referans çizgilerini daha ayrıntılı tanımlayıcı çizgilere bölün.

         İKİNCİ ADIM: Orijinal çizgileri ayırma Basitleştirilmiş kılavuzları doğayı daha çok anımsatan parçalara ayırın (sapın yönünde bir değişiklik gösterdim ve elmaların ve yaprakların yerlerini belirledim). Çizgiler düz ve açık olmalıdır. Nesneyi mükemmel bir çerçeve içine almayın, karşılaştırma için kullanılabilecek ölçülebilir bölümler elde etmek için düz çizgiler çizin. Çizgiler arasındaki boşluklar, sabitlenene kadar elemanların konumunu değiştirmeyi kolaylaştırır. Gerekirse, her birini biraz değiştirebilirsiniz. Düz çizgiler, açık bir kontur ve hafif vuruşlar, düşünceli bir kompozisyon oluşturmaya yardımcı olacaktır.

          ÜÇÜNCÜ AŞAMA: kompozisyon oluşturma aşamasından doğru bir yapıcı çizime geçmek için tek tek çizgileri ölçün.

          DÖRDÜNCÜ AŞAMA: genel şekli belirledikten sonra gölgeleri işaretleyin ve üzerlerine hafif bir ton uygulayın.

         ÜÇÜNCÜ AŞAMA: Gölgelendirme Yerleşimi Şekilleri daha somut hale getirerek bir sonraki aşamaya geçme zamanı geldi (benim çizimimde zaten dalların, yaprakların ve elmaların ana hatlarını alıyorlar). Çizimin yapısına gölgeler ekleyin. Çizgilerin genel yönünü koruyun ve konturları kapatmayın, böylece tek tek öğeler son aşamadan önce tam olarak doğru olmayan bir şekil almaz. Vurgulanan alanlardan görsel olarak ayırmak için gölgelere çok hafif bir ton uygulayın. Buna chiaroscuro şeması denir. Çizgileri değil şekilleri karşılaştırmanıza ve çizimi doğa ile daha doğru bir eşleşmeye yaklaştırmanıza olanak tanır. İkna edici bir benzerlik elde ettiğinizde, bir sonraki adıma geçmeye hazır olacaksınız.

          BEŞİNCİ ADIM: Görsel olarak vurgulamak ve formdaki boşlukları daha iyi incelemek için bazı öğeleri vurgulayın.

         JULİET ARİSTİDE.

         elma dalı. 2010. Kağıt, kömür. 22,9x30,5 cm

         DÖRDÜNCÜ AŞAMA: Küçük Formları Bulma Bir satır seçin ve küçük görsel staccato'yu iyileştirin - bölümlerinin yönünde ve gölgelerin şeklinde küçük değişiklikler. Yakında, daha önce bir çizgiyi oluşturan bölümlerin yönünde çoklu bir değişiklik fark edeceksiniz. Aynısını diğer satırlarla tekrarlayın. Bu aşamada, gölgelerin genel şeklini koruyun. Dikkat çekecek gelecekteki konturların yerini belirleyecek birkaç karanlık ayrıntıyı işaretleyin. Bu, işin ilk aşamasında bile keskin ve yumuşak konturlar arasında bir dengenin korunmasına yardımcı olacaktır.

         BEŞİNCİ AŞAMA: Benzerlik kontrolü Genel yapı korunsa da orijinal çizgiler tamamen kaybolacaktır. Gölgelerdeki hacmin henüz çözülmesine gerek yok. Gölge ve ışık konusunda endişelenmeyin: Gerçek bir çizgi çizmenin bir tona ihtiyacı yoktur. Konturların karakterine ve ifadesine odaklanın. Doğaya benzerliği aktarmayı başardığınızı hissedene kadar kısa çizgileri ve vurguları hassaslaştırın. Bu ders, fotoğrafik doğruluk elde etmenize değil, daha çok sanatsal olmanıza yardımcı olacaktır.

  

 Bölüm 4 Hacim Yanılsaması

         ÜÇÜNCÜ BOYUT

         Genellikle sanatçı tam bir kopya yapmaya çalışmaz. Yorumluyor, işaret ediyor ve bazen abartıyor. İlham almak için Doğa'ya döner, ancak çalışmaları kişiliğinin izlerini taşır. Bir kopyacıdan çok bir tercümandır.

         ARTHUR GAPTİL. Çizim eğitimi

         Bir gün Barnstone stüdyosunda uzun süre orada eğitim almış bir öğrenciyle otururken Myron geldi. Caravaggio'nun Emmaus'ta Akşam Yemeği'nin bir kopyasını getirdi ( bkz. s. 92). Myron onu önümüze koydu ve kompozisyonu bu kadar sağlam ve güçlü kılan şeyin ne olduğunu sordu.

         AYKIRI. NİKOLAS

         REYNOLDS. Yangın çıkışı. 2009. Kağıt, kalem ve guaş. 52,1x34,9 cm

         Perspektif kullanmak ve tonun yoğunluğunu azaltmak, büyük bir alan derinliğine dair inandırıcı bir yanılsama yaratır.

         Benden bir cevap beklemediğini biliyordum, çünkü onunla sadece altı ay çalıştım ve şimdiye kadar onun huzurunda tek kelime edemedim. Tecrübeli bir öğrenci uzun süre oturdu, resme baktı ve sonra bilmediğini itiraf etti. Sonra Myron bize masada oturan figürlerin bir daire oluşturduğunu açıkladı: onlar bir tarafı kaplıyor ve biz (izleyiciler) orayı kapatıyoruz. Bu güçlü bir çekim etkisi yaratır. Bu resimde Caravaggio, fotoğrafik doğruluk için değil, sanat, sanatçı ve izleyici arasında mutlak bir ilişki için çabaladı. O kadar şok oldum ki o dersi sonsuza kadar hatırladım: İzleyicinin duygusal tepkisini artırmak için bir sanat eserine basit geometrik şekiller dahil edilebilir, ancak ne olduğunu asla bilmeyebilir.

         Sanat sadece dünyayı kopyalamak değildir. Bunu kendiniz denemek isterseniz, fotoğrafı daire içine almayı deneyin. Kopya doğru olacak, ancak şaşırtıcı derecede inandırıcı olmayacak: hem yaşamdan hem de sanattan yoksun olacak. Sanat bir fikirle başlar. Sıradan hayatın bir sanat eserine dönüşmesi, ince bir gözlem gerektirir. Düz bir görüntünün hacmi, farklı öğeleri birleştirerek tek bir bütün oluşturabilir. Bu bölümde, kapsamı ve fizibilitesini keşfetmenin yollarını belirleyeceğiz.

          Yulan Moore. Şişelerin analitik çizimi (detay). 2011.

         Kağıt, grafit. 45,7x61 cm

         Basit bir nesne, görüntü için son derece zor olabilir, çünkü üzerinde tüm bozulmalar görülebilir . Bu çizim, Barnstone'un stüdyosundaki birinci sınıfın temasına dayanmaktadır.

         MICHELANGELO MERISI DA CARAVAGGIO. Emmaus'ta akşam yemeği. 1601-1602. Kanvas, yağ. 139x135 cm National Gallery koleksiyonundan (Londra). Art Revival Center'ın izniyle

 Geometrik cisimlerin tanımı

         Myron'la ilk dersimde sanatta geometrik şekiller kavramı hakkında bir fikir edindim. Şarap şişesini göz hizamızda tutarak (elips yok, sadece bir çerçeveyle çevrelenmiş düz bir alan) sordu, "Bu şişede kaç tane iki boyutlu şekil -kare, üçgen ve daire- görüyorsun?" İlk başta kimse neden bahsettiğini anlamadı: biz sadece şişenin şeklini gördük. Birkaç dakika sonra, topu yutan bir yılana benzeyen ortadaki şişkin şeklin büyük olasılıkla bir daire olduğunu fark ettim. Sonra birisi bir dikdörtgen gördü - şişenin gövdesi. Dikdörtgen bir boyunda daireye dönüşen bir üçgen fark etmiş ( bkz. s. 70).

         Sonra Myron altı üçgeni kimsenin bulup bulamayacağını sordu. İlk başta sessizlik vardı. Ama sonra her köşenin bir üçgenin parçası olduğunu fark etmeye başladık. Ve bir saat içinde görmeyi öğrenme yolundaydık.

         Bir nesneyi oluşturan basit iki boyutlu şekilleri izole etme yeteneği esastır. Bir sonraki adım, üçüncü bir boyut eklemektir. Çember küre olur

          Anlamı iletmek için sanatçılar yapıcı öğeler kullanır. Caravaggio, oturan figürlerin başladığı bir elips yardımıyla bizi masaya oturanların dairesine dahil ediyor ve biz kapatıyoruz.

          BENNET VEDNE. Roma forumu. 2004. Kağıt, grafit. 25,4x38,7 cm

         bir üçgen - bir koni, bir dikdörtgen - bir küp (veya silindir) vb.

         Doğadaki tüm nesneler üç boyutludur - yükseklikleri, genişlikleri ve derinlikleri vardır. Her andaki derinlik, nesneyi gözlemlediğiniz noktaya göre belirlenir.

         Bizi çevreleyen karmaşık nesneler, temel geometrik cisimlerden oluştuğunu düşünürsek basitleştirilebilir.

         İnsan eliyle veya doğa tarafından yaratılan sonsuz sayıda karmaşık form, birkaç yapısal öğe kullanılarak yeniden üretilebilir . Hacmi anlamak, üç boyutlu dünyamıza girmeye yardımcı olacaktır.

         İnsan eliyle yaratılan her şey, genellikle mimari planlardan ve tasarım çizimlerinden elde edilen geometrik şekiller kullanılarak tasarlanır ve uygulanır.

          Birkaç gizli geometrik cismi Vedne'nin çiziminden izole ettim. Kaç tane daha bulabilirsin?

          Hacmi inandırıcı bir şekilde yeniden üretmek için, bir nesnenin yapısının altında yatan geometrik cisimleri görselleştirmek gerekir.

          JULİET ARİSTİDE. Krynka. 2003. Odun, yağ. 25,4x20,3 cm

         Bu kapak gibi günlük eşyalar, geometrik cisimleri incelemek için bir hazinedir.

         AYKIRI. REMBRANDT

         VAN REIN. Koni kabuğu (Conus Marmoreus). 1650.

         gravür 9,7x13,2 cm Rijksmuseum (Amsterdam) koleksiyonundan.

         Art Revival Center'ın izniyle

         Bu geniş formun geometrisini tanımak her zaman kolaydır. Çizim, onu güzel, benzersiz kılan ve dikkatli bir hazırlıktan bahseden tüm kusurları yansıtıyordu.

         Küre

         Küre, kürenin yüzeyidir. Her yerde bulunan evrensel bir formdur. Küre, hacmini oluşturan ve daire şeklini almasına izin vermeyen birkaç temel elipsten oluşur. Küreler, kubbe gibi mimaride en kolay şekilde görülür. Kilisenin apsisine girip yukarı bakarsanız, mekanın bir küre temelinde düzenlendiğini fark edeceksiniz. Tüm kemerler ayrıca bir daireye veya küreye benzer. Örneğin, gözün düz şekli, bir boşlukta bulunan bir top olduğu ve göz kapaklarının tam elipsler gibi göz küresinin etrafına sarıldığı hayal edilerek mecazi olarak tamamlanabilir. Bir portakal aynı zamanda bir su sürahisinin dibi, bir çaydanlık veya bir kabartma kasın silueti gibi bir küredir.

         silindir

         Silindir, yangın söndürücü, mum, silo kulesi vb. şeklinde görülebilir. Bir nesne önden bakıldığında dikdörtgen, yukarıdan bakıldığında daire gibi görünüyorsa silindirdir. Bu geometrik gövdenin kenarları düz çizgilerden oluşurken, genişliği en iyi kavislerle ifade ediliyor. Birlikte, bu bileşenler - güçlü düz çizgiler ve yüzeyin pürüzsüz bir eğrisi - kapsamlı bilgi sağlar.

          DEREK GANDİ. Bir şırınganın yapısal çizimi. 2009. Kağıt, kalem. 45,7x61 cm

         Küp

         Herhangi bir dikdörtgen şekil, bir küp veya bir küboid olabilir. Kutular, evler, kitaplar ve bilgisayar sistemi birimleri bu tür cisimlerin bariz örnekleridir. Ayrıca doğal formlarda bulunurlar: dizler, bilekler ve ayak bilekleri. s. 117, gövde, leğen kemiği ve baş da bir küp olarak gösterilebilir. Küplerin yüzleri, nesneye nereye işaret ettiklerini anlamanıza izin veren bir yön verir.

         koni

         Bir 2B üçgen birkaç farklı 3B katıya dönüştürülebilir. Koni belki de en yaygın olanıdır. Üst noktaya - tepeye doğru sivrilen yuvarlak bir tabana sahiptir.

          KATHERINE LİDERLER. Natürmort kroki. 2010. Kağıt, kömür. 25,4x20,3 cm Aristide atölyesinin izniyle

         Tuğlanın üç düzlemi, izleyiciye yükseklik, genişlik ve derinlik anlayışı verir ve bu parametrelerin her biri, nesnenin uzayda sabit olması için gereklidir.

         Buradaki ana geometrik gövde bir silindirdir, paralel kenarları ve eliptik tabanlıdır.

          WILLIAM BLAKE. Eyüp ve kızları. 1825. Gravür (kağıt üzerine mürekkep). 15,1x19,9 cm Tate Gallery koleksiyonundan. Art Revival Center'ın izniyle

         Sanatta geometri yalnızca bireysel nesnelerde değil, aynı zamanda kompozisyonda da bulunur. Burada Blake, figürleri tanınabilir bir piramit şeklinde düzenleyerek izleyicinin anlayabileceği bir birlik ve hiyerarşi yarattı.

         AYKIRI. HIRİSTİYAN

         SHUSSEL. Pamuklu pres. Tarih bilinmiyor. Grafit üzerine kahverengi ve siyah mürekkeple yıkanmış fildişi renkli parşömen kağıdı. 25,2x17,6 cm Pensilvanya Güzel Sanatlar Akademisi (Philadelphia). John Phillips koleksiyonundan

         Yirminci yüzyılın bu sanatçısı, matbaa görüntüsünü geometrik bir gövde şeklinde yeniden üretti. Birçok küçük forma bölünmüştür, ancak kendinden emin bir bütünlük izlenimi bırakır.

          Düz ancak paralel olmayan kenarları olan herhangi bir nesne konik bir şekil önerir. Bir dondurma külahı veya bir Kızılderili tipi bariz örneklerdir; bir kağıt kahve fincanı veya bir şarap şişesinin boynu da ona benziyor: bir külah kullanılarak tasvir edilebilirler. Bazı ağaçlar da koni gibi görünür. Örneğin, yaprak dökmeyen bitkilere bakın. Tepeye doğru kısalan tabanda yayılan dalları göreceksiniz. Bazı kabaklar, bir koninin alışılmadık doğal örnekleridir.

         Piramit

         Piramit ve tetrahedron (üç kenarlı piramit), kare veya üçgen tabanlı bir koniye benzer. Kenarların bir koni şeklinde birleştiğini, ancak elipsler ve yaylar yerine aralarında bir düzlem olduğunu görürseniz, piramidal şekli temel alın. Esas olarak kulelerin sivri çatıları gibi mimari unsurlarda bulunur (Big Ben'i düşünün).

         Piramit, hem fiziksel hem de görsel olarak çok kararlı bir yapıdır. Kütlesinin çoğu bir destek üzerinde bulunur.

         Kare tabanlı ve sivrilen kenarları olan herhangi bir gövde, bir piramit segmenti oluşturur. Tuzluğumda, yönlü taban yuvarlak gümüşi bir kapağa geçer ve aralarındaki geçiş kısmı bir piramidi andırır.

          AYKIRI. MICHAEL MENTLER.

         El çalışmaları. 2009. Renkli kağıt, kalem ve beyaz pastel kalem. 33x25.4cm

         El çizmek öğrencilerde her zaman bir sersemlik yaratır. Pürüzsüz anatomik eğrilerin düzlemlere ve katı cisimlere nasıl dönüştürüleceğini anlamak, başlamak için doğru yoldur.

 Basit geometrik şekiller kullanma

         Görünür nesnelerin iç yapısını belirleme becerisine hakim olmak, çizim sürecini iki nedenden dolayı basitleştirir. İlk olarak, neye baktığınızı belirlemek için yüksek hacimler kullanabilirsiniz. İkinci olarak, çizimde üç boyutlu şekillerin net bir şekilde çoğaltılması, onları uzayda yönlendirmeye yardımcı olacaktır.

         Kişi nesnelerin içsel biçimlerini bu şekilde algılamaya başladığında, genellikle algılanamayan ama önemli bir değişim olur: nesnelerin hacmi çürütülemez hale gelir. Ten rengi ve dolgunluğu olan özleri ortaya çıkar. İç şekilleri görselleştirerek nesne için daha fazla alan bırakırsınız. Ayrıca bir nesnenin gövdesini üç boyutlu formlardan oluşturarak ona bütünlük kazandırmış olursunuz. Bu düşünce tarzı, diğer (görünmez) tarafta neler olduğunu düşünmeden (bir nesnenin ana hatlarının çizildiği) bir taslak çizimi yapmayı imkansız kılar.

         Bölüm 2'de, bir tel veya çekül hattına göre nasıl yön değiştirdiklerine dikkat ederek bir nesnenin çizgilerinin göreli konumunu nasıl belirleyeceğinizi öğrendiniz. Çizginin yönü ondan her saptığında, bu şekilde bir değişiklik ve yeni bir düzleme geçişi göstermesi koşuluyla, büyük şekiller bir örgü iğnesi kullanılarak da belirlenebilir. Bir çizginin yönündeki değişiklik, bir nesnenin farklı şekillerin birleşimi olduğunun kesin bir işaretidir. Yavaş yavaş buna o kadar alışacaksınız ki, çizginin yönündeki değişikliğe baktığınızda, tam yerini bilmeden bunun da yeni bir uçağa geçiş olduğunu otomatik olarak hesaba katacaksınız .

         Geometrik cisimlerin anatomisini hatırlayın: bunlar karmaşık şekillerin yapısal bileşenleridir.

         Çevrenizde gördüğünüz geometrik şekilleri tanımlama alıştırması yapın. Onları tanıdık nesnelerde görmeye çalışın ve bir eskiz defterine çizin. Örneğin, Mentler'in karşı sayfadaki çalışmasında görüldüğü gibi, insan eli dikdörtgen gövdelerden oluşan bir koleksiyon olarak temsil edilebilir. Bu tür çizimler, hacmin evrensel doğasına karşı bir alıcılık geliştirmenize yardımcı olacaktır. Basit yapay nesnelerle başlayın ve yavaş yavaş doğal formlara geçin.

         Teoriyi bir kez anladığınızda, gördüğünüzü kopyalamazsınız. Bir nesneyi zihinsel olarak parçalara ayırmanıza yardımcı olacak bir anlayış geliştireceksiniz.

          SİDNEY MCGINLEY. Seri "İlk Lale" No. 1. 2004. Kağıt, kalem Conte. 76,2x50,8 cm

         Bu çizimde, Myron Barnstone'un eski bir öğrencisi olan McGinley, bir çiçeğin kabartmasını taçyaprakların dokusunu tekrar eden çizgilerle tanımlamıştır. Pürüzsüz eğrilerinde, gövde silindiri ve piramidal genel şekil gibi geometrik bir yapı ortaya çıkardı.

          Birbirine temas eden çizgiler belirsizlik yaratır. Resimdeki sağ kuş, daha küçük olduğu için soldan daha uzak görünüyor. Ancak biçimleri açıkça örtüşmediği için göreli konumları belirsizdir.

          ve kağıt üzerinde yeniden yapılandırın. Ayrıca hacim yanılsaması yardımıyla çizimdeki formun önemini artırabilirsiniz.

 Üçüncü boyutun tanıtımı

         Rönesans'ta doğrusal perspektif yeniden keşfedilmeden (belki de yeniden keşfedildi) önce, sanatçılar bir görüntüde derinlik yanılsaması veya üçüncü bir boyut yaratmak için birçok etkili tekniğe zaten sahipti. Nesnelerin farklı mesafelerde olduğu izlenimini yaratabilirler. Şimdi ikna edici bir üç boyutlu alan yaratmak için aynı teknikleri lineer perspektifle birlikte kullanabiliriz.

         Örneğin, bir nesne ön plana ne kadar yakınsa o kadar büyük görünür. Ve bir nesneyi daha tasvir ederseniz,

          diğerinden daha yakın görünüyor. Kesintisiz bir yol çizgisine sahip bir nesne, kesik bir yol çizgisine sahip bir nesneden daha yakın göründüğünden, bir şeklin diğerinin üzerine bindirilmesi, bunların göreli konumlarını hemen ayarlar.

         Örneğin, bir kapı eşiğinde birinin başını ve omuzlarını görürsem, o kişinin önünde olduğunu anlıyorum.

         ELIZABETH SENZINGER.

         Gaz istasyonu. 2009. Kağıt, kalem. 22,9x30,5 cm Aristide atölyesinin izniyle

         Sanatçı, ön plandaki öğeleri karartarak ve yakın nesnelere odaklanarak ikna edici bir alan derinliği aktarmayı başardı.

         SONRAKİ SAYFALARDA. GEORGE FENNEL ROBSON.

         Nantes-Francon'daki Penrhyn Kalesi'nin penceresinden manzara. Tarih bilinmiyor. Kağıt, sulu boya. Boyut bilinmiyor.

         Penrhyn Kalesi koleksiyonundan (Gwynedd, Galler)

         Fotoğraf: John Hammond

         Fotoğraf Kaynağı: National Trust Fotoğraf Kütüphanesi / Sanat Kaynağı, New York, NY

         Bu resim, hava perspektifinin olanaklarını mükemmel bir şekilde göstermektedir. Arka plandaki büyük dağlar soluk görünüyor ve ön plan izleyiciye doğru çıkıntı yapıyor.

         Sanatta mesafe, değişen konturlar, ton, konum ve ölçek gibi birçok yolla iletilebilir.

         s'de öğrendiğiniz gibi. 83-85, konturların yardımıyla konumu da ayarlayabilirsiniz: keskin olan nesneyi ileri iter ve yumuşak olan onu geri iter. Ufuk çizgisi, önündeki her ne ise, nesneyi çok geriye taşıyacaktır. Havadan veya atmosferik perspektif yasasına göre, bir nesne gözlemciden ne kadar uzaktaysa, o kadar çok havayla çevrilidir ve o kadar az ayırt edilebilir. Karanlık nesneler uzaklaştıkça daha açık hale gelir ve bunun tersi de geçerlidir. Uzaktaki nesnelerin renkleri matlaşır ve grileşir. Bu desenin çizgi ve tonda uygulanması, çizimdeki mekan organizasyonunu ortaya çıkaracaktır.

         Alanın derinliği, resimdeki nesnelerin göreli konumuyla da vurgulanabilir. Aşağıda bulunan nesneler yakın görünecek ve daha yüksekte, ufuk çizgisine daha yakın olan nesneler uzak görünecektir. Örneğin üçüncü kattaki stüdyosunun penceresinden dışarı bakarken,

           AYKIRI. JORY GLEISNER. Ortaçağ Fransa. 2006.

         Bez kağıt, bistre. 27,9x20,3 cm

         Perspektifin gösterilme şekli bizi resme "tanıtır". Yol boyunca uzanan çizgiler, gözü ufka doğru yönlendirir.

         Dünyanın alçak olduğunu görüyorum. Benim için görsel olarak pencere kenarında yatıyor ve binalar, göl ve orman yükseliyor, daha da uzaklaşıyor. Pencere açıklığında adım adım nasıl yükseldiklerini yakalamak için bir işaretleyici alıp camın üzerindeki ana hatları çizebilirim. Fırsatınız varsa yapın: bu, teoriyi doğrulamanın harika bir yoludur.

 Doğrusal Perspektif Kullanma

         Rönesans'tan önce yaratılan sanat eserlerinde genellikle çelişkili bir bakış açısı vardır. Örneğin, orantı veya ölçeğe bakılmaksızın, bir görüntüde bir masanın üstten görünümü, bir sandalyenin yandan görünümü ve bunların üzerinde yükselen bir figür olabilir. Bu tür tutarsızlıklar, o zamanın dini dünya görüşü nedeniyle kabul edilebilir görülüyordu. O zamanlar inanıldığı gibi, Tanrı aynı anda her açıdan görebiliyorsa, o zaman nesnelerin böyle bir görüntüsünde felsefi bir anlam vardır. Rönesans'ta doğrusal perspektifin ortaya çıkmasıyla, tek açı kullanmak daha yaygın hale geldi. Zamanımızda çizimdeki tutarsızlıklar felsefeden değil, beceriksizlikten kaynaklanmaktadır.

         Perspektife gereken özen gösterilerek birçok çizim hatası önlenebilir. Görsel algı için ipuçları verir ve sezgisel olarak anlaşılabilen ancak her zaman bilince ulaşmayan anların fark edilmesine yardımcı olur. Formun görüntüsündeki üç düzlemi (yükseklik, genişlik ve derinlik) ne kadar doğru üretirsek, uzayda o kadar güvenli bir şekilde konumlandırılır. Neyse ki, çizimi geliştirmeye yardımcı olacak ipuçları her zaman oradadır; ne arayacağınızı bilmek için yeterli. Birkaç basit kuralı hatırlayarak bilinçli kararlar verebileceksiniz. Tam gelişmiş bir perspektif çizimi yapmayı düşünmeseniz bile bu unsurlarla ilgilenmek sizi daha dikkatli ve gayretli bir gözlemci yapacaktır. Üç ana girdi göz seviyesi, ufuk çizgisi ve ufuk noktasıdır.

         Çizime başlamadan önce gözlerin seviyesini ve ufuk noktasını belirleyin.

         Çizimin birçok detayı sabit bir bakış açısı önerir. Bu, çizgilerin açılarını belirlediğiniz ve baktığınız manzarayı tasvir ettiğiniz konumdur. Kendinize doğrusal bir perspektif oluşturma görevi vermeseniz bile, göz hizasını dikkate alabilmek tutarlılık açısından önemlidir. Bunu belirlemek için kendinize bir nesneyi yukarıdan mı yoksa aşağıdan mı gördüğünüzü sorun. Yukarıdan bakıldığında (örneğin bardağın içini görebilirsiniz), gözler nesnenin üzerindedir. Eğer

           IDA BENDHEIM. Kimberley Yolu. TAMAM. 1929. Kağıt üzeri suluboya 30.5x47 cm Juliet Aristide koleksiyonundan

         Bu Afrika manzarasında sanatçı, dikkatli gözlem ve titiz uygulama yoluyla doğal olarak uygun bir perspektif duygusu yaratmayı başardı.

          Yolun çizgilerini takip edin ve ufuk noktası adı verilen bir noktada nasıl birleştiklerini göreceksiniz. Ufuk çizgisi yer ile göğü birbirinden ayırır ve bu tablodaki gözlerin seviyesini ayarlar.

         uzanırsın ve biri sana bir bardak getirir, bardağın dibini görebilirsin ve göz hizan bardağın altındadır. Ne tabanı ne de iç yüzeyi göremiyorsanız, yalnızca yan profili veya silueti görüyorsanız, kupa göz hizasındadır.

         Ufuk çizgisi, göz hizasına denk gelen (gerçek veya hayali) bir çizgidir. Okyanusu veya sonsuz bir alanı hatırlayarak düz bir ufuk çizgisi hayal etmenin en kolay yolu: gökyüzünde sınırlandıkları yerden geçer. Ufuk çizgisi nerede olursanız olun her zaman göz hizasındadır: karada, denizde veya gökyüzünde.

         Ufuk noktası, görünür çizgilerin birleştiği noktadır. O her zaman ufukta. Bir noktada birleşen doğruları görmenin en kolay yolu...

         demiryolu raylarının arasında durun ve nerede kaybolduklarını görün. Burada hayal gücüne gerek yok: aslında uzakta aynı noktada biten iki düz çizgi görebilirsiniz.

         Perspektif, çizimin iki boyutlu dünyasını üç boyutlu uzayın inandırıcı bir yanılsamasına dönüştürür.

         Demiryolu rayları, bir kaçış noktası olan düz doğrusal perspektife bir örnektir. Ancak çoğu durumda, doğru çoğaltma (açısal perspektif) için bu tür iki veya daha fazla nokta gerekir. Burada sadece bir genel bakış dersi verildiği için bu konuya kısaca değinebiliriz.

         Kitapların tamamı perspektif yasalarına ayrılmıştır. Ve burada adım adım öğrenmeniz gerekiyor.

         Bir çizimdeki birçok yanlışlık, temel perspektif kurallarını bilerek ve ana çizgilerin eğim açısını dikkatlice belirleyerek önlenebilir.

         Natürmort ve figür resmindeki perspektif problemlerinin çoğu, farkındalıkla çözülebilir. Ancak bakış açısını anlamak, ne gördüğünüzü anlamanıza ve hatalara karşı hassasiyetinizi artırmanıza yardımcı olacaktır. Gage Güzel Sanatlar Akademisi'nin sanat yönetmeni Gary Feigin'in "Fagin Yasası" adını verdiği kendi bakış açısı kuralı vardır: "Doğru görünüyorsa, doğrudur." Pek çok hatadan paçayı sıyırabilirsiniz ama bakış açısının temel kurallarını bilmek gerektiğinde doğaçlama yapmanıza yardımcı olacaktır.

         LEONARDO DA VİNCİ.

         Perspektif Stüdyosu

         Magi'nin hayranlığına. TAMAM. 1481. Kalem ve mürekkep, gümüş iğne izleri. 16,3x29 cm Uffizi Galerisi koleksiyonundan (Floransa). Art Revival Center'ın izniyle

         Bu harika hazırlık çiziminde, da Vinci perspektifi hesapladı ve üstteki figürleri ve atları çizdi.

          ALEX CURTIS. İsimsiz. 2005. Kağıt, grafit kalem. 20,3x25,4 cm. Barnstone Studios'un izniyle

         Burada sanatçı, nesnenin her bir öğesini ayrıntılı olarak tasvir etti. Elipslerin doğru düzenlenmesi nedeniyle çizim, yalnızca çizgilerle gösterilen nesnenin üç boyutlu olduğu hissini yaratır.

 elipsin önemli rolü

         Elipsler çizim için çok önemlidir: her yerdeler. Bu formdan kaçabilirsin ama saklanamazsın. Elips, başparmak ve işaret parmağı arasında bir madeni para tutulup yavaş yavaş döndürülerek görülebilir. Açıya bağlı olarak, bir daire, çok dar bir elips ve ikisinin arasında bir yerde olabilir.

         Yanlış tasvir edilen bir elips her zaman dikkat çeker. Birçok çizimin çökmesine neden oldu. Elips, aletlerle çizilmiş gibi görünmek zorunda değildir. İnandırıcı olmak için yeterli.

         Elips - yukarıdan veya yandan eşit şekilde düzleştirilmiş bir daire. İki ekseni vardır: uzun olana büyük olan ve kısa olana küçük olan denir. Uzun eksen sabit bir boyuta sahipken, nesne döndükçe kısa eksen küçülür.

            Dönen düz bir daire bir elips oluşturur.

         Çizimdeki faz sıralamasında yüksekliğin değişmediğini ancak genişliğin önemli ölçüde azaldığını görebilirsiniz. Ayrıca elipsin düzlükler veya köşeler içermeyen sürekli bir eğriyi tanımladığını unutmayın.

         Grafik tarafından John Clark

         Bu daire, önemli büyük ve küçük eksenler işaretlenmiş olarak perspektifte gösterilmiştir. Görme merkezi ile gerçek orta hat arasındaki tutarsızlığa dikkat edin.

         Grafik tarafından John Clark

         Perspektif küçültmede elipsin gerçek orta çizgisi, nesnenin görsel merkezi ile örtüşmez. Görme merkezi, hesaplanan orta noktanın karşısındadır. Elips uzayda genişler ve ön yayı izleyiciye doğru çıkıntı yaparak orta noktayı gizler. Yaygın bir acemi hatası, düzgün yaylar yerine sivri uçlu elipsler çizmektir. Bir başka ciddi hata da, bir çizim için birden fazla bakış açısı kullanmaktır. Örneğin, yeni başlayan biri farkına varmadan bir bardağı farklı açılardan çizebilir, bu da yuvarlak bir üst ve düz bir alt ile sonuçlanabilir. Çoğu zaman bu, sanatçının nesneye çok yakın olması veya alıştığı şekilde çizim yapması nedeniyle olur.

         Yanlış çizilen elipsler işin kalitesini düşürür.

         Uzayda nesnenin tüm uzunluğu boyunca elips parametrelerinde düzenli bir değişikliğin olmaması, nesnenin havada asılı gibi görünmesine yol açar. Bazen bir elipsin iki kenarı birbirine uymaz ve çevresi eğri gibi görünür. Mantıksız elipsler ve çizgiler, gözlem noktası ve olup bitenlerin özü hakkında çelişkili bilgiler verir.

 ELİPS ÇİZİMİ NASIL YAPILIR

          Bir daireyi (elipsin özel bir durumu) bir kareye nasıl sığdıracağınız aşağıda açıklanmıştır. Geometriyi kullanarak yayın ana büküm noktalarını ayarlayabilirsiniz. Perspektif küçültmede aslında bir daire olan bir elipsin (bitişik diyagram) görüntüsü için de tanımlanabilirler.

          Tipik olarak sanatçılar, elle çizilmiş bir elips oluşturmak için matematiksel yöntemi kullanmazlar. Ancak doğru çizilmiş bir elipsin nasıl görünmesi gerektiğini anlamaya yardımcı olacaktır.

         Grafik tarafından John Clark

         Grafik tarafından John Clark

 Elips         çizmenin ÇOK DOĞRU BİR YOLU , bir zamanlar stüdyomu ziyaret eden sanatçı John Clark tarafından bana tanıtıldı. Bir kare çizin ve her kenarın ortasını işaretleyin. Karşılıklı taraflardaki noktaları birleştirin - ana eksenleri ve dört kadranı elde edersiniz. Ardından, alt tarafın ortasını üst köşelere bağlayan bir V çizin. Sol üst kareyi yatay olarak ikiye bölün. Sol dikey kenarın ortasından karenin üst kenarının merkezine bir köşegen çizin. Bu köşegen ile V köşegeninin kesişimi elipsin kırılma noktasını verir. Dört tarafta da tekrarlayın ve elipsin yayının geçeceği dört noktanız olacak.

         Aynı yöntem, perspektif küçültmede bir elips için uygundur. Ana köşegenleri köşeden köşeye çizerek ve kesişme noktalarını işaretleyerek, perspektife doğru uzanan (şekilde gösterilmeyen) bir düzlem üzerinde orta noktayı ayırın.

 3B nesneler çizme

         Simetrik natürmort nesneleri tıpkı doğrusal bir çizim yapıyormuş gibi çizmeye başlayın ( s. 52). Kağıt üzerinde konunun ortasını ve üst ve alt kenarlıkları işaretleyin. Ardından toplam genişliğin toplam yüksekliğe oranını belirleyin. Nesnenin ana oranları bu şekilde gösterilir.

         Bir sonraki aşama - iki boyuttan üçe geçiş - çok kısa. Örneğin bir armut çizerken, yüksekliğinin genişliğinin yaklaşık iki katı olduğunu belirledim. Bu genel şekle, armutun tabanının dairesini çizerek üçgen tepeye çeviriyorum. Bu geometrik ipuçları, küresel bir tabana ve konik bir tepeye sahip bir nesneyi üç boyutlu olarak hayal etmeyi kolaylaştırır. Çizim yaparken, etrafındaki, arkasındaki, üstündeki ve içindeki nesneye dokunduğunuzu hayal edin. Böylece dokunsal özelliklerini aktarabilirsiniz.

          MARK GUCCHARDI. Gayzer kahve makinesi. 2008. Renkli kağıt, kalem ve tebeşir. 24x15cm

         Bu kahve makinesinin görüntüsü dikkat çekici. Düzlemler doğru çizilmiş ve ışık ve gölgelerin eklenmesi, ikna edici bir kütle ve hacim yanılsaması yaratıyor.

          JULİET ARİSTİDE. Figürün görüntüsüne yaklaşım. 2010. Kağıt üzerine sepya kalem. 61x45.7 cm

         Figürün üç ana kütle (baş, gövde ve pelvis) şeklinde sunumu ve bunların ana hareket hattına göre doğru yerleşimi, figürün imajına güçlü bir başlangıç sağlar.

         AYKIRI. MICHAEL MENTLER. Bir figürün beş çizimi. 2009.

         Renkli kağıt, kalem ve beyaz tonlu pastel. 33x25.4cm

         Sanatçı, figürü üç ana yapısal öğeye ayırdı: baş, gövde ve pelvis. Bu öğelerin çizgilerinin temel anatomik şekillerle nasıl hizalandığına dikkat edin.

 3D Şekil Çizimi

         Hangi formlardan oluştuğunu anlarsanız, şeklin çizimi gözle görülür şekilde iyileşecektir. New York'taki Sanat Öğrencileri Ligi'nde ders veren Robert Hale ve George Bridgman gibi sanatçılar, yapıcı anatomi üzerine yazıları ve dersleriyle öğrencilere harika bir hediye verdiler. Bridgman, kasları belirli bir şekle sahip kitleler halinde yeniden üretilebilen gruplar halinde birleştirdi. Bu konudaki kitaplarını şiddetle tavsiye ederim.

         Plastik anatomi, insan vücudunun yapısına bakmanıza izin verecektir. Bu bilgi, anlaşılmaz kısımları netleştirmenize yardımcı olacaktır.

         Sadece bakarsanız vücudun yapısını anlamak zordur. Çoğu modelde, kasların ve kemiklerin açıkça görülebildiği yontulmuş bir figür yoktur. İpuçlarına ihtiyacım var. Plastik anatomi üzerine kitaplar, bu bilgiyi almanın hızlı, verimli ve yetkin bir yoludur.

         Yaygın bir figür çizim egzersizi, vücudu basit kütlelere bölmeyi içerir. Kafatası bir topa indirgenebilir ve ön kısmı oval şeklinde tasvir edilebilir. Boyun bir silindir olarak kabul edilebilir. Göğüs oval veya küp olabilir, bilek küp, kollar oval vb.

         Pek çok sanatçı, doğrudan gözleme dayanmadığı için insan vücudunun bu yorumuna itiraz ediyor. Aksine, sanatsal kurallardan çıkarılan analitik imgelerdir. Bu yaklaşımı öğrenmeyi teşvik ediyorum çünkü işe yarıyor. Şekle baktığınızda yapısını daha iyi anlayabilirsiniz.

         Algı psikolojisinde parlak bir uzman olan Rudolf Arnheim, "Sanat ve Görsel Algı" adlı kitabında şunları yazdı: "Tüm algı aynı zamanda düşünmektir, herhangi bir mantıksal yargı aynı zamanda sezgidir, herhangi bir gözlem aynı zamanda yaratımdır." Ancak figürün böylesine genelleştirilmiş bir görüntüsü, bitmiş iş için değil, yalnızca eskizler için uygundur. Kafayı bir küp şeklinde tasvir ettikten sonra, yüzün eğimini, kafatasının çizgilerini hesaplayabilir ve ışık kaynağına göre uzayda yönlendirebilirsiniz. Ancak bir kafa yerine koyu çizgilerle bir kutu çizerseniz, kare bir kafa elde edersiniz ve hiçbir ayrıntılandırma onu kurtaramaz.

   Üç ana kütlenin çizilmesi

         Bazen çizgi romanlarda süper kahramanlara ve kötü adamlara bakmayı seviyorum. İnanılmaz derecede büyük ve güçlü görünüyorlar ve bir robot ile bir vücut geliştirmecinin melezi gibi görünüyorlar.

         Süpermen benzeri figürler çizmeyi arzulamıyoruz, ancak onun hacim anlayışını ve belki de X-ışını görüşünü ödünç almak isteriz. Plastik anatomiden birkaç ipucu, vücut kısımlarını geometrik şekiller olarak görselleştirmenize yardımcı olacaktır. Figürü üç ana kütleye ayırmak benim için özellikle uygun: gövde, pelvis ve baş.

         gövde

         Kavisli şekillerin uzayda düzenlenmesi daha zordur. Gövdeyi yönlendirmeye yardımcı olacak bir çerçeve oluşturmak, omuz kuşağının altına gizlenmiş göğüs kafesinin kütlesini göstermenin kullanışlı bir yoludur. Başı ve pelvisi çizmeden önce göğsün ana hatlarını çizmeyi tercih ederim: büyük merkezi şekil hemen şeklin temelini oluşturur. Üç ana kütleyi - gövde, pelvis ve kafa - bir çizgide (ağırlık merkezinin çizgisi) gerilmiş ve şeklin yüksekliği boyunca dağıtılmış olarak hayal ediyorum.

         Her zaman aynı anda simetrik vücut parçaları çizin. Göğsün bir tarafının yerini belirledikten sonra hemen diğerine geçin.

         Göğsün yerini belirlemek için, şeklin önünde omuzların arasında oturan eşleştirilmiş kemik olan köprücük kemiğini çizerek başlayın. Elinizi juguler fossaya koyup parmaklarınızı omuzlara doğru gezdirirseniz bunu kendi üzerinizde hissedebilirsiniz. Klavikula her zaman göğsün ortasında uzanan sternuma diktir.

         Yuvarlak bir şekle sahip oldukları için omuzları konumlandırmak daha zordur (dairenin uzayda yönü yoktur: onu nasıl döndürürseniz çevirin, değişmeden kalacaktır). Ve klavikulanın sternuma göre dik konumu, omzun dönme açısını tasvir edebileceğiniz güvenilir bir nokta oluşturur. Göğüs kemiğine göre boşluktaki eğimlerini göstermek için omuzların arasından bir çizgi çizin.

         Ardından, iki paralel çizgi veya bir ovalin iki yayı olarak tanımlanabilecek göğsün iki tarafını tanımlayın. Küp veya ovalin nerede biteceğini belirlemek için belinizin en dar kısmını bulun. Bu adım için bir çizim s. 112.

         AYKIRI. JULİET ARİSTİDE. Asker. 2010. Kağıt, karakalem ve sepya kalem. 61x45.7 cm

         Gövdeyi üç boyutlu bir yapısal eleman olarak temsil etmek, onu tasvir etmeye yardımcı olur. Ayrıca daha küçük formların yerleştirilebileceği mantıksal bir çerçeve sağlar.

          JACOB COLINS. Toraks ve pelvis. 2010. Kağıt, grafit ve kalem. 35,5x27,9 cm

         Collins'in eskiz defterleri insan iskeletinin eskizleriyle dolu. Göğüs bölgesindeki sırtın bükülmesine göre pelvisin hafifçe öne doğru çıktığını fark edebilirsiniz.

          7 ■■V !? III

         İkna edici hacim yaratmak için üç boyuta ihtiyaç vardır: yükseklik, genişlik ve derinlik. Daha önce yükseklik ve genişliği tanımlamıştık. Derinliği ayarlamak için, koltuk altlarından bele kadar şeklin yanlarındaki düzlemleri işaretleyin. Şekil önden görünümde değilse, bir düzlem diğerinden daha iyi görülecektir. Küpün üst kısmının hacmi, omuz kuşağının genişliği ile sınırlı olacaktır.

         Göğüs küpünü göz hizasında mı, yukarıda mı yoksa aşağıda mı gördüğünüzü belirlediğinizden emin olun. Küpün uzayda doğru şekilde yönlendirilmesi için size en yakın köşeleri karartarak vurgular oluşturun.

         Arkadan bir şekil çizerken, birkaç yönerge belirlemek yararlıdır. Göğsün arkadan eğimi, omuz bıçakları üzerinde noktalar belirlenerek ve aralarında düz bir çizgi çizilerek belirlenebilir. Önden görünümde köprücük kemiği ile aynı şekilde göğsü uzayda yönlendirmenize izin verecektir. Sırtın orta çizgisi, omurganın belirlenmesine yardımcı olacaktır. Sırtın genişliğini omurganın soluna ve sağına ölçün ve ortada olup olmadığını veya sırtın bir tarafının diğerinden daha görünür olup olmadığını anlayacaksınız. Böylece göğsün hangi yöne eğildiği netleşecektir. Son olarak, göğsün yanlarına iki yay çizin.

         Leğen kemiği

         Pelvisin üç ana noktası vardır. Önce iliak tepeleri bulun (vücudunuzdaki bu kemik çıkıntıları hissetmenizi tavsiye ederim: bir kez hissedildiğinde, onları görmek daha kolay olacaktır). Nazik ve anlayışlı modellerin bazen çıkıntılı kemiklerin üzerine renkli bant şeritleri yapıştırmasına izin verilir: bu, model yeni bir poz aldığında değişen güçlü bir köşegen oluşturarak bunların nasıl bağlandığını açıkça gösterecektir. Pelvis üçgeninin üçüncü noktası bacakların arasındadır. Pelvis üçgeninin görüntüsü, pelvisin tüm kütlesini uzayda yönlendirmek için uygundur.

          Aydınger kağıdı üzerinde büyük ustaların çalışmalarını ana hatlarıyla belirtin. Bu, ana vücut kütlelerini belirlemek için çalışmak için harika bir fırsat. Bu şekilde üç ana kütleyi ve uzuvların pozisyonunu daire içine aldım.

         AYKIRI. Michelangelo Buonarroti. Kaşin Muharebesi için eskiz. 1504. Kağıt, tebeşir ve gümüş iğne. 35,6x23,5 cm Uffizi Galerisi koleksiyonundan (Floransa). Art Revival Center'ın izniyle

         Michelangelo, insan vücudunu üç boyutluluk yanılsaması yaratan iyi koordine edilmiş kütlelere genellemede ustaydı.

         Pelvisin kare yapısı, vücudun kıvrımları için güçlü bir görsel çapadır.

         Pelvisin kütlesini tasvir etmek için önce pelvis kemiklerini birleştiren bir çizgi çiziyorum. Daha sonra, şeklin her iki tarafına, leğen kemiklerinden hayali noktalara ve biraz aşağıya doğru iki paralel çizgi çiziyorum. Ardından, kabaca kalçaların en geniş kısmına yerleştirerek dikdörtgenin alt çizgisini tanımlarım. Bundan sonra, gözlerin seviyesini kontrol etmeye değer. Pelvis küpünü yukarıdan bir oturma gibi görüyorsunuz.

           DAN THOMPSON.

         Yapısal çizim. 2010. Kağıt, grafit ve renkli kurşun kalem. 48,3x63,5 cm

         figür mü yoksa merdivene çıkan bir kişininki gibi aşağıdan mı? Şeklin bir tarafı görsel olarak diğerinden daha büyükse, küpün o taraftaki yüzü görünecektir.

         Pelvisin arkasında, kuyruk sokumunun her iki yanında yer alan iki gamze vardır. Bir üçgen elde etmek için üçüncü noktayı gluteal sulkusun üstüne yerleştirin. Pelvisin açısını farklı düzlemlerde gösterir . Vücudun normal pozisyonunda pelvisin hafifçe öne doğru çıktığını ve ağırlığı iki kütle arasında dağıtmak için göğsün geriye doğru eğildiğini unutmayın. Pelvis küpünün alt çizgisi, kalçaların altındaki kıvrım çizgisi boyunca uzanır (bir örnek karşı sayfadadır).

         KAFA

         Bu harika çizim, soyut veya teorik olarak değil, yakından inceleyerek kafatasının incelenmesi sürecini yakalar. Sayfanın sağ tarafında, Thompson insan iskeletinin göreli boyutunu kendinden emin bir şekilde anladığını gösteriyor.

         AYKIRI. SCOTT NOEL.

         Çizim öğretimi: iskelet çerçevesinden figürün evrimi. 2007. Kağıt, Conte kalem ve pastel. 76,2x55,8 cm

         Noel, içeriden başlayarak figürler oluşturur. İnanılmaz anatomi bilgisi, iskeleti ve kas kütlesini deriden görmesini sağlar. Sağdaki diyagram, pelvisin doğru temsilini gösterir - öne doğru eğilmiş bir kova şeklinde.

         Başın belirgin üst, ön, arka ve yanal düzlemleri vardır. Ön kısımda ön kısım bulunmaktadır. Gözlerin arasından çeneye kadar uzanan orta çizgi, başın önden mi yoksa döndürülmüş olarak mı gözlemlendiğimizi söyler. Önden bakıldığında yüz hatları - gözler, burun tabanı ve dudakların ortası - orta hatlara dik olarak uzanır ve farklı düzlemlerde başın açısının belirlenmesine yardımcı olur.

         Yüzün yanal planları şakaklardan başlar ve başın arka düzlemine kadar devam eder. Başınızın üzerinde hissetmek için ellerinizi kulaklarınıza koyun ve düz kısmı hissedin. Şimdi yavaşça başınızı çevirin.

          FARIH GADERİ. Kafa diseksiyonu. 2005. Kağıt, kalem. 49,5x59 cm

         Sanatçının bilgisinin somutlaşmış halinin ilginç bir kombinasyonu. Kafatası sağda, yüzün genelleştirilmiş düzlemleri solda ve ortada bazı ana yüz kas grupları. Bu teorik bilgi, kafa görüntüsünü anlamak için önemlidir.

         Yan düzlemlerin eğim açısının nasıl değiştiğini hissedeceksiniz.

         Başın arka düzlemi, kafatasının arkasıyla çakışır. Öndekinden daha küçüktür ve genellikle bir küp veya küre olarak tasvir edilir. Yüz kısmının alt düzlemi çene hattının altında görülebilir. Kural olarak, çene altındaki gölgede normal ışıkta açıkça görülebilir.

         Yüz hatları bizim için o kadar önemlidir ki inandırıcı bir kafa çizmek zordur. Bunu bir cilt olarak hayal edin: bu, kafatasının yapısını aktarmaya yardımcı olacaktır.

         Figürün ana kütlelerini incelemeye devam ederken, figürün çiziminin veya resminin üzerine bir aydınger kağıdı koyarak bunların izini sürmenizi tavsiye ederim - ayrıca Michelangelo'nun s. 117. Bir iskelet veya alçıdan bir figür çizme imkanınız varsa, becerilerinizi pekiştirebileceksiniz. Son olarak, Eliot Goldfinger'ın Sanatçılar için İnsan Anatomisi gibi ayrıntılı bir anatomi kitabıyla bilginizi genişletmenize yardımcı olur.

 

 Bir figürün küçük öğelerini çizme

         Vücudun üç ana kütlesinin kompozisyon yerleşimi için kullanılan yöntem, küçük elemanlara da uygulanabilir. Örneğin, önkol çiziyorsanız, kas kütlesinin büyük kısmının bir silindire daralan ve bir bilek küpüyle biten bir dizi oval şekil olduğunu düşünün. İnsan yapımı ve doğal olan çoğu nesne ilk başta ezici bir şekilde karmaşık görünür. Ancak bunları ayrı ayrı incelenebilecek basit bir formun bileşenlerine ayırırsanız, oldukça yönetilebilirler.

         Deneyimli bir ressam, üç boyutlu form illüzyonunu nasıl yaratacağını öğrenmeye zaman ayırmanın neden önemli olduğunu anlar. Nesnenin hacmi ve ağırlığı hakkında bir fikir vermek gerekir, o zaman çizim inandırıcı olacaktır. Hacmi görmeyi ve tasvir etmeyi ve görsel ipuçlarını deşifre etmeyi öğrenmek zaman ve pratik gerektirir. Ama yavaş yavaş bu bir alışkanlık haline gelecek.

           İLK SOL. MICHAEL MENTLER.

         Stüdyo gözleri. 2009. Renkli kağıt, kalem, beyaz tonlu pastel. 33x12,7 cm

         Mentler'in gözün yapısına ilişkin genel anlayışı, eksiksiz bir çizim yapmasına yardımcı oldu. Göz kapaklarının göz küresinin etrafını nasıl sardığına dikkat edin.

         İKİNCİ SOL. MICHAEL MENTLER.

         Stüdyo gözleri. 2009. Renkli kağıt, kalem, beyaz tonlu pastel. 33x12,7 cm

         Mentler bakışın yönünü inceler ve bir daireden başlayıp onu tanınabilir bir göz küresine çevirerek iki boyuttan üçe doğru hareket eder.

 ders 4 HACİMLİ ÇİZİM

         bazıları natürmortları veya manzaraları tercih eder ve canlı bir modelle çalışmaya hevesli değildir. Ancak çok azı şekil çizmekten sonsuza kadar kaçınabilir. İnsan vücudunun şeklini yeniden üretme yeteneği, sanatçı için en büyük başarı olarak kabul edilir. Olay örgüsü hiyerarşisi değişmiş olsa da, bugün insan doğasının en iyi şekilde figürün görüntüsüne yansıdığına inanıyoruz.

         Bununla birlikte, figür tasvir edilmesi zor bir nesnedir. Yaklaşan tüm zorlukları değerlendirmeyi ve heyecanı bir kenara bırakmayı öneriyorum. Temel ilkelere odaklanın: inandırıcı bir poz, doğru ölçümler, çizimin tüm alanı boyunca çizgiler çizme, geometrik şekilleri tanımlama ve yeniden üretme. Sakin ve telaşsız bir şekilde süreci baştan sona aşamalara ayırın. Son olarak, daha fazla hayat çizme seansı planlayın . Zaman ve uygulama, güven ve beceri kazanmanıza yardımcı olacaktır.

         MALZEMELER

         Figürü çizmeye hazırlanmak için aşağıdaki malzemelere ihtiyacınız olacak.

         çizim kağıdı

         Çizim için tablet

         Doğal kömür veya grafit kalem

         Kalemtıraş veya zımpara kağıdı

         Nag veya normal silgi

         İskoç Çekülü

         İnce şiş veya şiş

         HAZIRLIK

         Kağıdı güvenli bir şekilde düz yatağa takın. Çizimin biçimini belirlemek için nesnenin konumunu analiz edin. Başınızı çevirmeden tüm modeli görmek için modelden yeterince uzakta, rahat bir izleme mesafesinde durmayı unutmayın. Nesnenin genişliği yüksekliğinden büyükse, kağıdı yatay olarak çevirmek daha iyidir. Yükseklik genişlikten büyükse, dikey bir format iş görecektir.

         ŞEKİL ÇİZMEK

         Başarılı bir çizim çoğunlukla genelden özele doğru hareket eder. Figürün ana kütlelerinin yerini belirlemeden önce, duruşu kabaca anlatan birkaç temel çizgiyi özetlemenizi tavsiye ederim. Bu ders, insan vücudunu oluşturan geometrik şekillerin görselleştirilmesine dayanmaktadır. İlk aşamada bu hacimleri dikkatlice düşünürseniz, şekil ağırlık kazanacak ve mantıksal olarak uzayda konumlanacaktır. Çalışma sırasında konturlar düzeltilebilir. Aynı zamanda, dışsal bir benzerlik değil, inandırıcı bir çizim için çaba gösterilmelidir.

         BİRİNCİ ADIM: Poz ve oranların işaretlenmesi Figürün orantılarını ve genel duruşunu tanımlayarak başlayın (her zaman önce şeklin üstünü ve altını işaretlerim, ardından ağırlık merkezini belirlemek için bir çekül kullanırım). Bu aşamadaki çizgiler çok açık olmalıdır. Omuz kemeri ve kalça hatlarını özetlemek uygundur. Üst kısımdaki yatay çizgi (dikey çekül çizgisinin yanında) omuzların en uç noktalarını işaretler. Alttaki köşegen daha belirgin bir sapmaya sahiptir. Başın arkasından kalçalara C şeklinde bir yay çizdim ve figürün önüne doğru tekrarladım. Her çizim, bütünlük ve güçten sorumlu olan kendi çizgi dizisine ihtiyaç duyar. Hangi çizgilerin en önemli olduğunu belirlemek için, gözlerini kısarak modelin duruşunda baskın çizgiler arayın.

          BİRİNCİ AŞAMA: Bir şeklin uzunluğu gibi net bir kılavuza odaklanın. Ardından pozu veya kompozisyonun diğer güçlü unsurlarını ana hatlarıyla belirtin.

          İKİNCİ AŞAMA: Gövde, pelvis ve başın şeklini ve açısını ayarlayın. Başın yanal ve ön düzlemi, sırt düzlemi vb. gibi basit düzlemleri arayın.

         İKİNCİ AŞAMA: figürün oluşturulması Şeklin daha belirgin unsurlarına dikkat edin. Gövdeyi, pelvisi ve başı tasvir etmeye yardımcı olacak geometrik şekilleri belirleyin. Uzayda nasıl konumlandıklarını, uçaklarının model figürüyle nasıl ilişkili olduğunu hayal edin.

         Gövdeyi özetledikten sonra, pelvise gidin ve kafaya gidin. Başınızı doğru yerleştirdiğinizden ve kollarınızın ve bacaklarınızın birbirine göre doğru konumda olduğundan emin olun. Tüm öğeler üzerinde aynı anda çalışarak bütün bir parça yaratmaya çalışın. Birçok güçlü karar en başından gelir.

          ÜÇÜNCÜ AŞAMA: Işık kaynağına göre konumlarını ortaya çıkarmak için vücudun gölgede kalan düzlemlerine genel bir ton uygulayın. İlk başta genelleştirilmeleri ve basitleştirilmeleri gerekir.

         ÜÇÜNCÜ AŞAMA: açıklama

         Şimdi şekle kütlesini ve hacmini verecek bazı 3B yapısal öğeleri tanımlayın. Sadece çizgi açısından değil, aynı zamanda hacim açısından da düşünün. Daha sonraki eylem planını belirlemek için küçük bir eskiz yapmanızı tavsiye ederim. (Çizimimin sağına, basit geometrik şekiller kullanarak, şeklin ana kütlelerini ve ayrıca uyluk ve üst bacağı yönlendirdiğim küçük bir diyagram çizdim.) Bu düzlemlerin, süreçte şeklin yapısını düzenlemek için nasıl kullanıldığına dikkat edin.

         Temel geometrik şekiller yerinde olduğunda, alanları daha yumuşak kontur çizgileriyle birleştirmeye başlayın. Başlangıçta, ortak çizgiler tarafından yönlendirildiniz. Çizimi tamamlamaya yaklaştığınızda, tek tek küçük çizgi parçalarını, şekilleri ve diğer ayrıntıları iyileştirmeye çalışın.

          DÖRDÜNCÜ AŞAMA: Gözlemlerken, geniş gölge ve ışık düzlemlerine küçük ayrıntılar ekleyin. Düz çizgileri yumuşatın, konturları iyileştirin ve yarı tonlar ekleyin.

         JULİET ARİSTİDE.

         İzabel. 2011. Kağıt, sepya kalem ve karakalem. 45,7x61 cm

         DÖRDÜNCÜ AŞAMA: yarım tonların ve aksanların tanıtılması

         Önceki adımda, büyük bir gölgenin ana hatlarını çizdim (onu büyük bir ışıktan ayıran bir çizgi çizdim) ve ona açık bir ton uyguladım. Bana görüntünün doğruluğunu kontrol etme fırsatı verdi. Bu aşamanın başında büyük uçakların uzayda ne kadar iyi konumlandığını ve tek bir yapı olarak bir arada durup durmadıklarını belirlemeye çalıştım.

         Bir sonraki hedefiniz, yapıcı temeli kaybetmeden işi tamamlamaktır. Büyük formları etkilemeden küçük formları çözmek kolay değildir. Ton taslağında tasvir edilen genelleştirilmiş ciltleri aklımda tutarak her iki görevi de tamamlamaya çalıştım. Bunu yapmak için, hızı yavaşlatmanız ve ayrı alanlar arasındaki geçiş tonlarını kademeli olarak çözmeniz gerekir.

  

 Bölüm 5 TEMEL BİLEŞİMİ

         GRİ PALET

         "Güzel" kelimesi, "duyulara ve zihne çok hoş gelen" olarak tanımlanır. Unutulmaz bir süs, tutarlı bir bütün, fiziksel veya zihinsel bir birlik oluşturan bir dizi öğe uygun görünüyor.

         KROM BARRAT. Sanat, bilim ve matematikte mantık ve tasarım

         Her yerden üzerimize görsel görüntüler yağıyor. Ortalama bir insan günde binlerce resim görür. Bir noktada, titreştikleri anda unutulan bir resim denizinde birleşmeye başlarlar. Çalışmanızı öne çıkarmak için ton kompozisyonunun temellerini öğrenmeniz gerekir. İzleyicinin gözlerini tutmasını ve işinizi ayrıntılı olarak incelemesini sağlayacaktır.

         AYKIRI. GEORGE SEURAT. Aman-Jean. 1883. Kağıt, kalem Conte. 64,8x48 cm Metropolitan Museum of Art (New York) koleksiyonundan. Stephen Clark'ın ölümünden sonra hediyesi

         Fotoğraf Kaynağı: Görüntü Telif Hakkı © The Metropolitan Museum of Art / Art Resource, New York, NY

         Büyük net tonal şekiller, bu modelde güçlü bir varlık etkisi yaratır. Adamın başının etrafındaki hafif haleye dikkat edin: yüzün ve başın hatlarını belirginleştirerek sert bir rahatlama sağlar.

         Geçenlerde binden fazla sanatçının katıldığı bir resim yarışmasında jüri üyeliği yaptım. İlk izlenimi elde etmek için, sunumların küçük resimlerini içeren çıktılara baktım. Bir görüntü büyük bir posta pulu boyutuna sıkıştırıldığında, küçük ayrıntılar ve gerekli olmayan unsurlar kaybolur: özne, ton kompozisyonuna ikincil hale gelir. Dikkatimi çekenleri işaretledim. Daha sonra bu çalışmaları orijinal boyutunda gördüm. Ve orijinal olarak seçilen resimlerden bazıları bu seçimi geçemedi. Ancak bana minyatürde güçlü görünen işlerin çoğu, büyütüldükten sonra bile en çekici olmaya devam etti.

         Ton, renkli dünyamızın temelini oluşturan siyahtan beyaza uzanan ton aralığını ifade eder. Sanat okumaya ilk başladığımda, siyah beyaz fotoğrafla bir paralellik kurana kadar bu teoriyi anlamak benim için zordu. İçinde renk yok, ancak olay örgüsünü tanınabilir kılan şeylerin çoğu değişmeden kalıyor. Bir nesne üzerindeki ışık-gölge deseni bize onun nasıl göründüğü hakkında herhangi bir renkten daha fazla bilgi verebilir. Ton, ışık kaynağı, günün saati, nesnenin şekli ve uzayın derinliği hakkında bilgi verir.

         MARK GUCCHARDI. perde stüdyosu. 2007. Kağıt, kalem. 58,4x35,5 cm

         Gucciardi, vizyonunu güçlü bir tonal çizime dönüştürdü. Olay örgüsünün sadeliğine rağmen, sıcaklık ve şehvetle dolu görünüyor.

          Usta bir yaklaşımla bir sanat eserindeki üslup, görsel şiire dönüşebilir. Başarılı bir ton şeması, izleyicinin dikkatini çekecektir. Seyirci resminize dikkat ettiğinde, onu koruyup koruyamayacağınız yalnızca size bağlıdır ve yalnızca olay örgüsüne değil, aynı zamanda düzenleme becerisine de bağlıdır. Bu bölümde, çalışmanızın ilk izlenimini etkileyen tonun çeşitli yönleri ele alınmaktadır.

 Ton değişimi

         20. yüzyılın başında, öğretmen ve sanatçı Arthur Dow, Japon "notan" kavramını destekledi: sanatta koyu ve açık tonların değişmesi bir süs yaratıyor. Mekânın düzlüğü ve tonların karşıtlığı, sanat ve tasarımın temel ilkesini oluşturdu. Doğu grafik geleneğinden etkilenen bir sanatçı olarak Dow, 19. yüzyıl Batı Avrupa sanatının nesnelere ve konuya odaklanmasının, sanatın kurucu dekoratif yönünü gölgede bıraktığından emindi.

         Soyut süsleme ile görsel ilgi yaratmak, tonun temel işlevlerinden biridir. Geometrik motifli bir İran halısı gibi zengin desenleri çoğaltmak için kullanılabilir. Gümüş bir vazodaki yansıma gibi gerçekçi sahneleri tasvir etmek için de gereklidir. Ayrıntıları görmek için en azından küçük bir ton kontrast aralığına ihtiyacımız var.

         Ton şeması, çizimin yapıldığı adadaki görsel yapıyı belirler. Bu tür şemalara bazen ton yamaları denir. Ton kontrastı, beyaz oyun kartları üzerindeki siyah maçalar gibi yüksek veya su dalgaları gibi düşük olabilir. Ton noktalarının konumu büyük ölçüde

          Değişen koyu ve açık tonlar

         vadideki zambakların bu çiziminde basit bir süs oluşturuyor. İki boyutlu bir düzlemde bu ton kullanımı, dilin ana yapısal öğesidir.

         sanat.

         SCOTT BURDICK. Katmandu'dan adam. 2001. Kağıt, kalem. 30.5x30.5 cm Özel koleksiyon

         Koyu ve açık tonların düşünceli yerleşimi, gerçekçiliğin altında yatan soyut öğelerin önceliğini gösterir.

           Yüksek ton kontrastı, bu kalem ve mürekkep kamelyasını grafik bir süslemeye dönüştürür.

          Tonları yer yer değiştirirseniz, genel ruh hali önemli ölçüde değişir.

         görüntü hoş veya kaotik. Ton kompozisyonu iyi planlanmışsa, görüntü sağlam ve düşünceli görünür. Tonların dağılımına yeterince dikkat etmediyseniz, görüntü dağınık görünebilir.

 Tonla genelleme

         İyi bir sanat eğitimi, doğanın uzun yıllar dikkatlice incelenmesiyle başlar. Gördüğümüz şeyi tam olarak yeniden üretmeye çalıştığımızda sorunlar ortaya çıkar. Çevremizdeki dünya sonsuz miktarda bilgi içerir, ancak çizimde sınırlı sayıda araç kullanılır. Doğanın tam bir kopyasını oluşturmak imkansızdır. Örneğin, doğal bir ışık kaynağının radyasyonunu iletemeyiz. Ampulün parlaklığını tekrarlamak imkansızdır, çünkü elimizdeki en parlak beyaz, kağıdın rengidir.

         Neyse ki, sanatın amacı her zaman doğayı kopyalamak değil, onu yorumlamak olmuştur. Doğa, sanatçının kişiliğine, deneyimine ve duygularına göre filtrelenir. Herkes tencere ve tavaları gözlemledi, ancak kimse onları büyük Fransız natürmort ustası Jean Baptiste Simeon Chardin gibi görmeyi başaramadı, ta ki algısını resimlerde somutlaştırana kadar.

         Sanatta basitliğe ulaşmak karmaşıklığa ulaşmaktan daha zordur. Karmaşık bir sorunu birkaç net tonda çözerseniz, memnuniyet getirecek harika bir sonuç elde edersiniz. Daha küçük bir ton aralığı, sanatçıya geniş ton alanlarını güzel bir kompozisyonda düzenleme ihtiyacını dikte eder. Sonuç, önemli bir görsel deneyim olabilir: birkaç geniş ton alanında somutlaşan doğanın çok yönlülüğü.

         Çekici bir ton kompozisyonu, estetik bir deneyim yaratır. Burada kısalık, karmaşıklıktan daha iyi bir etki sağlayabilir. Güçlü bir ton kompozisyonu, büyük bir sanatçının damgasını taşır.

         Çoğu sanat eserinin gücü, büyük tonal formların organizasyonunda yatar. Birçok büyük sanatçı da basılı grafiklerle uğraştı. Baskı tekniklerinin sınırlı olanakları onlara harika bir deneyim yaşattı.

          tasarım. Malzeme kısıtlamaları içinde çalışarak, güçlü görüntüler oluşturmak için çoğunlukla siyah mürekkep ve beyaz kağıt kullandılar. Dar bir ton paleti, yaratıcı bir yaklaşımı çalışmaya zorladı. Sonuç olarak, sanatçılar tonları genelleştirme sanatında ustalaştılar, yetersiz araçlarla çok şey ifade etmeyi ve birkaç tonu olabildiğince verimli kullanmayı öğrendiler.

         Seurat gibi sanatçılar resim yaparken, uyumlu bir kompozisyon yaratmak için çizgileri değil, ton biçimlerini kullanarak "kitleler halinde çalışırlar". Her ton, nesnenin ilgili tonuyla eşleşir, ancak en önemlisi, çekici bir genel bütün oluştururlar. Öğrencilerimi bu genelleştirilmiş yapıyı görmeleri için gözlerini kısmaya teşvik ediyorum. Ayrıca görevleri yalnızca siyah mürekkep ve beyaz kağıt kullanarak tamamlarlar ( örnekler 134, 136 ve 138. sayfalarda görülebilir ) . Dolayısıyla sanatçı, ortaya çıkan açık ve koyu formların tek bir görüntüde oluşması için tonları nasıl birleştireceğine karar vermek zorunda kalıyor. Bu en kolay iş değil ama sonunda güzel bir çizim ortaya çıkabilir. Sanatçının yararına sınırlamalar. Çok fazla seçenek kafa karışıklığına neden olabilir

         GEORGE SEURAT. Courbevoie: ay ışığında fabrikalar. 1882-1883. Kağıt, kalem Conte. 23,5x31,1 cm.

         Metropolitan Museum of Art (New York) koleksiyonundan. Alexander ve Gregoire Tarnopol'ün Hediyesi

         Fotoğraf Kaynağı: Görüntü Telif Hakkı © The Metropolitan Museum of Art / Art Resource, New York, NY

         Bu şekildeki ay, azınlık hakimiyeti adı verilen bir anormallik oluşturuyor. Şekil, ton ve boyut olarak öne çıkıyor. Bakışlar hemen bu köşeye çevrilir.

         AYKIRI. SUSAN LYON.

         Kilimanjaro Dağı'ndan bir kız. 2007. Krem kağıt, pastel kalem. 50,8x40,6 cm

         Bir sanatçı, resimsel araçların diline mükemmellik için hakim olduğunda, sanatı bir kalem, kağıt ve bir sanat eserinin unsurlarının yeteneklerinin ötesine geçecektir. İnsan duygularının bir "aracı" olacak.

         ve basitleştirilmiş bir ton aralığı - gelecekteki çalışmalar için gerekli omurgayı oluşturmak için.

 Ton ölçeği oluşturma

         Dijital kameram 256 ton üretebiliyor. Bana 9'u kullanmam öğretildi. Bazı sanatçılar 6'yı kullanırken diğerleri 22'yi tercih ediyor. Bu sayılarla ilgili değil, farklı görünümler yaratmak için düzenlenebilen net, basit tonlar açısından düşünmekle ilgili. 6 tonu kaldıramıyorsanız, 50'nin size en iyi sonuçları vermesi olası değildir.

         Sınırlı bir ton paleti, harika bir parça için zarif bir omurga oluşturur.

         İdeal ton ölçeği, baştan sona değişen tonlara sahip aynı blok dizisidir. Ara adımlar, tonun kırılgan gelişimini bozan beyaz ve belirgin çizgilerden arındırılmış olmalıdır. Doğru yapıldığında, "eşzamanlı kontrast" optik yanılsaması görünecektir: her kare, hangisiyle karşılaştırılacağına bağlı olarak açık veya koyu olabilir. Bir tonlu kare, daha açık olana bitişik tarafta koyu, daha koyu olana bitişik tarafta açık görünecektir. Bu yanılsama sayesinde, her tonun gerçekte olduğundan daha fazla değişkenliği vardır ve bu da paletin olanaklarını büyük ölçüde genişletir.

         Mümkün olduğunda, ton varyasyonunu geniş ton alanlarına dahil edin.

         Ton ölçeğinde çizim alıştırmalarının teknik bir avantajı vardır: Size ister kömür ister grafit olsun, malzemede ustalaşma fırsatı verirler. Ve bir ölçek kullanmak, tonları daha iyi analiz etmenize yardımcı olacak ve size çok çeşitli ifade araçları sağlayacaktır. Gördüklerinizle karşılaştırın. Bazı sanatçılar, konuya onların içinden bakarak tonların uyuşup uyuşmadığını kontrol etmek için her ton bloğunda delikler açar.

         Bu ölçekte sekiz derece vardır.

         En etkili olanı, aralarında bir miktar beyaz kenarlık olmayan, birbiri ardına eşit şekilde doldurulmuş bloklar içerir.

           STEPHANİ JOHNSON. Hayali bir manzara taslağı. 2010. Kağıt, kalem ve mürekkep. 17,8x12,7 cm Aristide atölyesinin izniyle

         Bu çizimde siyahtan çok beyaz var. Bu nedenle göz, bir anomali ve kompozisyon merkezi olarak koyu vurgulara (ağaçlara) odaklanır.

         AYKIRI. PATRICIA WAWOOD.

         Lisa Argus. 1999. Kağıt, kurşun kalem ve bakır rengi sulu boya. 40x29,2 cm

         Bu resimdeki kız ışık saçıyor gibi görünüyor. Kompozisyon merkezi, yüz hatlarında ve kulakların arkasında koyu vurgulardır.

 Ton kompozisyonu uygulaması

         Yeni başlayanlar, başarılı bir çizim yaratmada ışığın önemli rolünü unutacakları bir noktaya kadar konu hakkındaki düşüncelere kolayca kapılırlar. Nesneyi çevreleyen atmosfer, ışık kaynağına bağlı olarak değişecektir. Parlak gün ışığı tüm renk ve ton nüanslarını ortaya çıkarırken, akşam ve gece ışığı tonları gizleyip yumuşatır.

         Sanatçı Claude Monet aynı sahneleri günün farklı saatlerinde resmetmiştir. Örneğin saman yığınlarıyla yaptığı resimlerde en küçük değişiklikleri samanlıkların kendisinde değil, onları dönüştüren ışıklandırmada aktarmaya çalıştı. Resimler aynı hikayeyi anlatıyor ama her biri benzersiz.

         Aydınlatmayı hesaba katmak ve esere yansıtmak zordur, bu nedenle çizime başlamadan önce ton kurallarını kendiniz belirlemenizde fayda var. Üç ton senaryosundan veya şemasından birini kılavuz olarak kullanarak, yalnızca çalışmanızı geliştirmekle kalmaz, aynı zamanda ton kompozisyonu üzerinde de düşünebilirsiniz. En iyi eserinizi tesadüfen değil, düşünerek ve planlayarak yaratacaksınız. Daha sonra bu yaklaşıma karşı karar verseniz bile, onunla deneyerek öğrendiğiniz dersler gelecekteki kararlarınızı etkileyecektir.

         Açık ton düzeni

         Açık renklerde bir desen oluşturmak için ton ölçeğinin açık kısmını kullanın. Sonra iş rafine edilecek. En koyu tonlar ölçeğin ortasından alınabilir : gerçek siyah çok zıt olacaktır. Her durumda, koyu tonların varlığı muhtemelen önemsizdir, ancak görüntü hiyerarşisine gözle görülür bir katkı sağlar. Hafif ton şeması (“yüksek ton”) formda hafiftir, ancak içerikte değildir.

         Ingres'in gösterişli çizgi çiziminin ustaca bir örneği s. 85. Sanatçı doğadan çalıştı ve bizimle aynı renk ve ton yelpazesi onun için mevcuttu. Ancak niyetini bu şiirsel sanat eserinde somutlaştırmak için aralığı kasıtlı olarak sınırladı. Koyu tonları yalnızca gözler gibi kilit unsurlarda kullandı. Bu görüntü fotoğrafik doğruluktan uzak, ancak çok inandırıcı.

         Karşı sayfa, New York merkezli sanatçı Patricia Watwood'un yüksek tonlu bir kompozisyonunu gösteriyor. Soluk ton şeması ve yumuşak kenarların oluşturduğu desenin şeffaflığı, masum bir maneviyatı yansıtıyor. Göz, bu ışıkla dolu alanda birkaç önemli koyu vurguya çekilir.

           BOBBY DITRANI. Caravaggio'nun " Gömme" tablosunun bir parçasının kopyası. Kağıt, kalem ve mürekkep. 22,9x12,7 cm Aristide atölyesinin izniyle

         Caravaggio'nun tuvalinin bir parçasının iki tonlu analizi, beyaz ve siyahın eşit oranda olduğunu gösteriyor.

         Orta ton şeması

         Orta ton şemasında, gamın açık ve koyu kısımlarının ton oranı dengelenir. Bu şemanın metaforu, nesnelerin parlak güneşten derin gölgeler düşürdüğü öğle saatlerinden akşamın "altın saatine" kadar geçen süre olarak düşünülebilir. Daniel Garber'ın karşı sayfadaki çiziminde bu net ton değişimi var. Aydınlatılmış alanların parlaklığı, karanlık alana zıttır ve palet, görüntüye netlik ve uyum sağlar. Başka bir örnek, Pierre Paul Prudhon'un s. 164. Koyu yoğun gölgeler ve parlak ışık alanları güveni ifade eder. Tüm ton alanları, bir yapbozun parçaları gibi etkili bir şekilde bir araya gelir.

         Açık ve koyu tonların birbirini takip etmesi, izleyicinin bakışını çizim boyunca yönlendiren bir ton ritmi yaratır.

         Genellikle böyle bir görüntüde, kontrast alanları izleyicinin bakışını kontrol eder. Orta ton şemasına sahip resimler, sürekli olarak ışıktan gölgeye ve tam tersi geçiş yapan dalgalı bir ton dizisi ile karakterize edilir ve izleyicinin gözünün kolayca hareket etmesine izin verir. Genellikle ortalama ton şeması uzaktan fark edilir, ton ritmi açıktır ve yaklaşmaya gerek yoktur.

         JACOB COLINS.

         Weymouth çamları. 2007. Kağıt, grafit ve tebeşir. 24,1x30,5 cm.

         Hudson Nehri Müzesi koleksiyonundan

         Grafik koyu ve açık formlar, izleyicinin gözünü bir ton alanından diğerine yönlendirerek ilginç bir desende iç içe geçer.

           DANIEL GARBER. Kış akşamı. Tarih bilinmiyor. Krem kağıt, kömür. 45,7 x 83,8 cm Pensilvanya Güzel Sanatlar Akademisi (Philadelphia) koleksiyonundan

         Göz, çizimin etrafında kolayca hareket edebilir. Koyunlar, samanlar ve kazlar onu Pensilvanya'daki bir çiftçinin evinin karanlık kütlesine götürür.

          VALENCIA CARROLL. Bernardo Cavallino'nun "Annunziata Bakiresi" tablosunun bir kopyası. Kağıt, kalem ve mürekkep. 25,4x20,3 cm Aristide atölyesinin izniyle

         Görüntüdeki karanlık kızı içine çekmiyor, aksine vurgulayarak onu kendisinin üzerine çıkarıyor. Karanlık denizde küçük bir alev gibi görünüyor ve ondan uzağa bakmak zor.

         Koyu ton şeması

         Koyu tonlu bir şema veya düşük tonlu bir görüntü kasvetle doludur. Görüntünün çoğu orta ve koyu tonlardan oluşur ve birkaç açık leke kompozisyon merkezini oluşturur . Rembrandt bu düzeni tercih etti. Karanlık, sağır alanları melankolik ve gizemlidir. Işık öğeleri, böyle bir arka planda ilgi çekici bir şekilde göze çarpıyor ve tuvallerindeki anlatı öğeleri genellikle bunlar oluyor.

         Karanlık ne kadar yoğunsa, ışık o kadar parlaktır. Bu, sanatın gerçeği ve ruhsal bilgelik için güçlü bir metafor. Bunu bilen Rembrandt, görüntülerinin ton aralığını kasıtlı olarak daralttı. Tıpkı Ingres'in figürlerinin hafif çizgilerini görmediği gibi, konularını tam anlamıyla görmedi. Rembrandt bunu bir teknik olarak kullandı. Bize görsel algı yasalarına dayalı bilgiler verdi, ancak önemini vurgulamak için abarttı.

         Karanlık ve dramatik bir parça yaratmak istiyorsanız, koyu tonlu bir kompozisyon harika bir seçenektir. Kırışıklıklar gibi ilginç ve hacimli, hafif bir tonun şeklini vurgulamak istediğiniz çizimler için idealdir.

         SAĞDA. NICHOLAS REYNOLDS. Boş oda 1. 2007. Kağıt, kurşun kalem ve kurşun kalem Conte. 24,1x21,6 cm

         Tek bir parlak pencereye sahip boş bir karanlık oda, düşük anahtar görüntüye bir örnektir. Küçük öğeler, etraflarını saran karanlık nedeniyle daha fazla görsel ağırlık kazanır.

         AYKIRI. Rembrandt Van Rijn. Yaşlı bir adamın başının incelenmesi. Tarih bilinmiyor.

         Oymak. 24,8x17,8 cm Juliet Aristide koleksiyonundan

         Bu çarpıcı görüntüde, ton kompozisyonu sayesinde tüm dikkatimiz yaşlı bir adamın bitkin yüzüne odaklanmış durumda. En parlak ışık, alındaki küçük bir alanda yoğunlaşır.

           DANIEL GRAVES. Zeytin ağaçları. 1990. Gravür. 12,1 x 11,4 cm Ann Long Gallery'nin izniyle (Kuzey Karolina)

         Sanatçı, güneş ışığıyla yıkanmış bir orman hissini aktardı. Görsel olarak çalılıklara daldığımız ışıklı alanların parlaklığını azalttı.

          karşı sayfadaki yaşlı bir adamın gözlerinin etrafında.

         Düşük tonlu bir şemada, bir veya iki ayrıntı için her şey feda edilmelidir.

 Göreceli parlaklığı anlama

         Bir nesnenin ortamı, onun ne kadar açık veya koyu görüneceğini belirler. Konu, konunun tonunun nasıl yorumlanacağına dair bağlam ve ipuçları sağlar. Görsel algı rasyonel ve çevreye duyarlı olduğu için mutfak tezgahımdaki beyaz çay fincanı ve sos teknesi, aslında orta gri tonda olsalar bile ay ışığında beyaz görünecektir.

         Herhangi bir nesnenin tonu, çevresi tarafından belirlenir - yakındakilerin tonu.

         Bir sanat eserindeki tonların doğru değerlendirilmesi, sanatçının en önemli görevidir. Tonların yanlış dağılımı birçok soruna neden olur. Tonları birbirine göre yargılamak, bir nesneye gerçekte olduğu yerine sahip olduğunu düşündüğümüz tonu verme cazibesinden dolayı kolay değildir: örneğin, ay ışığında bir fincanı gri yerine beyaza boyamak.

         Normal gün ışığı koşullarında gerçek bir nesnenin tonuna yerel denir. Beyaz kupanın yerel tonu ton 1 olabilir, ancak gölgede ise ton 4 veya ton 5 olacaktır.

         Lekeli bir ceviz sandalyenin yerel tonu 5. ton olabilir, ancak ışık kaynağına göre belirli bir konumda siyah görünecektir.

         Leonardo da Vinci ve diğerleri, tonların doğru işlenmesini sanatçının becerisinin ölçütlerinden biri olarak görüyordu. Defterlerinde, tonların doğru bir şekilde değerlendirilmesi için bir karşılaştırma yöntemi anlatıyor: baskın aydınlık ve karanlığı bulun ve bunları diğerlerine karşı bir ölçüt olarak kullanın. 19. yüzyıl akademisyeni ve ressamı Thomas Couture şöyle yazmıştı: “ Modele yakından bakın ve kendinize en açık tonun nerede olduğunu sorun. Doğada gördüğünüz ton dizilişini çiziminizde tekrar edin ” . Baskın ışık çizimde en açık olarak kalmalıdır, diğer tüm açık tonlar ona göre belirlenir. Aynı kural gölgeler için de kullanılabilir.

         Ancak, yalnızca doğadan başlayarak bir ton kompozisyonu oluşturmanıza gerek kalmaz. Sanatsal tekniklerden biri, daha yoğun bir şekilde bir figürün görüntüsüdür.

         NORMAN LUNDIN. Geceleri kırsal yol. 2009. Kağıt, kömür. 35,5x55,8 cm Özel koleksiyon

         Bu karanlık manzaranın dar ton aralığı, izleyicinin hayal gücünü bir gizem atmosferi ve bela önsezisiyle uyandırıyor.

           Bu görüntü, ışığın yönünü ve başın yapısını ileten birkaç genelleştirilmiş gölge kütlesinden oluşur. Gölgeler yüze ve boyuna düşer ve saçın ve bluzun koyu yerel tonu tarafından emilir.

         AVCI EDDIE. Eliza. 2008. Kağıt, kömür. 48x35cm

         Bu muhteşem portre, birkaç farklı, kesintisiz ton alanı tarafından yaratılan zarif bir kafa gösteriyor.

          beklediğinizden daha fazla aydınlatılmış, iterek

         arkasında tasvir edilenden (arka plandaki gökyüzü bulutlu bir gün olduğunu gösterebilir ve kişi parlak bir şekilde aydınlatılmış olarak tasvir edilmiştir). Tonla çalışma tekniklerinde ustalaştığınızda, istenen kompozisyonu yaratmak için doğayı ihmal edebilirsiniz.

         Ancak, yolunuzu seçene kadar göreli parlaklığın sağlam bir şekilde anlaşılması çok yardımcı olacaktır.

 Gölgeleri Şekillendirmek

         Sanatta ton terimi farklı anlamlara sahiptir. Bu bölümde, esas olarak tonun soyut veya dekoratif kullanımını tartışacağız: düz bir desende ışık ve gölgemiz var. Mekanı bölmek, sanatsal denge oluşturmak ve ilgi çekmek için ton gereklidir. Hacim ve yüzey özelliklerini tanımlamak için de kullanılabilir,

           Bu plan, arka planın koyu tonuyla birleştirilmemesi gereken gölge şekillerinin dizilişini gösterir.

         ışığın düştüğü yer. Bir sonraki bölüm tamamen ışık ve gölge ile hacim yaratmakla ilgili. Tonla ilgili tartışmayı, biri iki boyutlu nitelikleri ve diğeri üç boyutlu nitelikleri hakkında olmak üzere iki bölüme ayırarak, olasılıklarının gücünü ve genişliğini daha iyi anlamanıza yardımcı olacağım.

         Geçenlerde öğrencilerim ve ben 17. yüzyıl Japon gravürlerinden oluşan bir sergiyi ziyaret ettik. O zamanın sanatçıları, yaratıcı kendini ifade etmek için geleneksel kaligrafik çizgileri ve düz tonlu formları kullanmayı tercih ettiler.

         Çalışmalarını incelerken, bu kadar sınırlı araçlarla bu kadar çok duyguyu aktarmanın mümkün olduğuna inanamadık. Basit ton blokları, nesnelerin zarif görünmesini sağlar. Gravürcüler, ışığın ve gölgelerin yeniden üretilmesi konusunda endişe duymadan, sınırlı bir paletin olanaklarını maksimumda kullanır ve inandırıcı ve tutarlı bir dünya yaratır.

 Hacmi         iletmeye odaklanmadan önce ışık ve gölge biçimlerini ayırmayı öğrenmek gerekir . Bir görüntüdeki koyu tonları algılama işlemine "chiaroscuro shadow marking" denir. Tıpkı bir haritacının bir bölgenin topoğrafyasını çizerek üç boyutlu bir dünyanın iki boyutlu bir diyagramını oluşturması gibi, bir sanatçı da haritalarda işaretlenmeyen gölgelerden oluşan bir "kıyı şeridi" çizer. Bu basit yaklaşım, bir nesnenin yüzeyinin topografyasını aktarmada çok etkilidir ve yakından incelendiğinde ortaya çıkabilecek ayrıntılı bilgiler sağlar.

         Gölgenin şeklini düzenlerken, onu genel ve basit tutmak en iyisidir. Nüansları aramak yerine, gözlerinizi kısın ve maksimum alanın gölgelerinin tam şeklini görmeye ve tasvir etmeye çalışın. Bu durumda, konturlar

         THOMAS ANSCHUTZ. Bilinmeyen bir heykeltıraş tarafından Kefiss'in alçıdan bir figürünün çizimi. Tarih bilinmiyor. Krem serilmiş kağıt, kömür. 47,3x61,9 cm Pensilvanya Güzel Sanatlar Akademisi (Philadelphia) koleksiyonundan

         Bu desen, büyük ton kütleleri nedeniyle güçlü bir izlenim bırakıyor. Yapının ayrılmaz bir parçası olan büyük, basitleştirilmiş gölge şekillerine dikkat edin.

         MİKHAEL MELEK. Con Brio, bir müzisyenin portresi. 1981. Kağıt, Conte kalem ve grafit. 28x25 cm Nancy ve Thomas Guldy koleksiyonundan

         Müzisyenin etkileyici görünümü, muhteşem bir ton kompozisyonu ile destekleniyor. Hikaye ve malzeme birlikte güçlü bir mesaj veriyor.

         KARŞISINDA: JULIET ARISTIDE. James. Renkli kağıt, kömür ve tebeşir. 63,5x45,7 cm

         Bu karakalem eskiz, vücut boyunca koyu gölge şekillerinin dikkatli bir şekilde yerleştirilmesini göstermektedir.

          olabildiğince ayrıntılı. İzole edilmiş ışık ve gölge biçimlerinin ifade gücü güçlü bir izlenim yaratır. Işık ve gölgenin oluşturduğu formlar, üzerinde bulundukları formdan esasen farklıdır. Çizgilerin sıra dışı şeklini dikkatle inceledik ve aynı kriterlere göre ton üzerinde çalışacağız.

         Bir çizimi ışık ve gölge biçimlerine ayırma işlemi, çalışmanın önemli bir aşamasıdır. Olay örgüsünü kabaca tanımlayan birkaç basit satırla başlayacağız. Çekül hattı ve sapma açıları kullanılarak yapılan ölçümler sayesinde, dış benzerliğe yaklaşacağız.

         Yavaş yavaş daha somut bir görüntü ortaya çıkıyor. Bir fikirden kendi hayatına kadar aşamalardan geçer. Bu aşamayı ergenlik çizimi olarak görüyorum - tüm kaçınılmaz zorluklarla birlikte. Artık çocukluğun sonsuz olanaklarına sahip olmasa da daha gelişmiştir. Ancak sonraki aşamalarda çok şey değişebilir.

 Işığı gölgeden ayırma yeteneği, güçlü bir         görüntü yaratmanın ilk önemli becerisidir .

          Çizgi çizme aşamasında görüntüyü olabildiğince rafine ettikten sonra gölge şekillerine düz bir ışık tonu uyguluyorum. Genellikle bunu yaptığımda tutarsızlıklar buluyorum. Bakışlarınızı hızlı bir şekilde ileri geri değiştirmek ve bozulmaları fark etmek daha kolaydır. Çizim olabildiğince doğru hale geldiğinde, devam etmeye hazırım.

         Bir nesnenin gölgelerinin şeklini belirlemek, ton ve biçim dünyasına kesin bir yol açar. Hataları satırlarda değil kütlede takip ederek önemli düzeltmeler yapmak için son bir fırsat sağlarlar. Gölgelerin şekilleri, başarılı bir son aşama için sahneyi hazırlayarak ayrıntılarda ince ayar yapmanıza olanak tanır.

          DANIEL GARBER. Michelangelo'nun San Lorenzo Kilisesi Medici mezar taşının BİLEŞİMİNDEN "Gün" heykelinin bir parçasının çizimi. 1904. Sarı kağıt, karakalem. 47,3x61,9 cm Pensilvanya Güzel Sanatlar Akademisi (Philadelphia) koleksiyonundan

         Bu şekilde, iyi işaretlenmiş gölge şekillerinin bir örneğini görebilirsiniz. Yanlara ve göbeğe bakın ve tümseklerden gamzelere salınan karmaşık ton modelini kopyalamaya çalışın.

 Kompozisyon merkezi seçimi

         Bir keresinde meyvelerle bir resim çizmiştim. En başından beri, birbiriyle yarışan iki formum olduğunu biliyordum. Ana armutun yanında, neredeyse aynı boyutta , şekil ve renkte başka bir armut vardı - bir ikiz. Bu sefer tartışmalı kompozisyon merkezinden çıkabileceğimizi düşündüm. Ama resim üzerinde çalışırken sürekli bu ikinci armutla mücadele ettim.

         Gölgelerin şekillerini işaretlerken, onları büyük ve basit hale getirmek en iyisidir.

         Savaşı kazanmak için her şeyi denedim: koyulaştırdım, kenarları yumuşattım, renk doygunluğunu azalttım, küçülttüm. Sonuç olarak, formun tekrarı çok güçlü çıktı: boyun eğdirmenin imkansız olduğu ortaya çıktı. Sonunda, kaybedilen savaşın anısına resme "İkilik" adını verdim ve önemli bir ders öğrendim: sorunu sahneleme aşamasında gerçek armutlarla çözmek ve zaten tuval üzerinde düzeltmeye çalışmamak gerekiyordu.

         Aşağıdaki şekil, Seurat'ın benzer bir sorunu çözmeye çalıştığını ancak galip geldiğini göstermektedir. Birkaç öğe aldı - bir ev, bir çiftçiyle bir at ve üzerinde yürüyen figürlerin olduğu sonsuz bir tarla - ve bütünsel bir görüntü yarattı. İnsanlar, dünya ve hatta gökyüzünün bir kısmı birleşti. Seurat, görsel hiyerarşiyi vurgulayarak, gökyüzünün aydınlık kısmının ön plandaki iki figürü özetlemesine izin verdi. Bakış iki nedenden dolayı bu figürler arasında durur. Birincisi, gökyüzü onlarla maksimum kontrast oluşturur. İkincisi, resimdeki insanlar neredeyse her zaman nesnelerden daha fazla dikkat çeker. Şimdi Seurat'ın bu çizimini sayfadaki diğer çizimle karşılaştırın. 131 ve tek bir kompozisyon merkezi kullanmanın - çok farklı ama aynı derecede etkili - başka bir örneğini göreceksiniz.

         İzleyici, görüntüyü algılamak için görsel bir ton hiyerarşisine ve bir kompozisyon merkezine ihtiyaç duyar. Thomas Anschutz'un s. Bir kadının şapkası ve kafasından oluşan 151 üçgen net bir kompozisyon merkezi oluşturur. Bu sadece resimdeki en koyu şekil değil. Ayrıca en net konturlara sahiptir. Üstelik bu eleman görüntünün tam ortasında yer aldığı için olay örgüsünü belirliyor.

         GEORGE SEURAT. çiftçilik 1882-1883. Kağıt, kalem Conte. 27,5x32 cm Louvre koleksiyonundan (Paris)

         Fotoğraf: Michelle Bello

         Fotoğraf Kaynağı: Reunion des Musee Nationaux / Art Resource, New York, NY

         Bunun gibi ahenkli bir modelde her unsur önemlidir. Ev, figürler ve at toprakla bir bütün gibi görünüyor: Seurat onları tek bir büyük formda birleştirdi. Göz, gölge ve ışığın buluştuğu ton kontrastına çekilir.

          Myron Barnstone, görüntünün en açık ışığın ve en koyu gölge sınırının bulunduğu noktasının tonal kompozisyonun ana merkezi haline geldiğini söyledi. İlk etapta dikkatinizi çeken kişi o. Bu kompozisyon merkezi, ana nesne ile aynı yerde bulunmayabilir, ancak gözü ona çekecek olan odur . Örneğin, bir portrede gömlek yakasında açık beyaz bir vurgu yapmak adettendi ( özellikle Seurat bu tekniği s. 126'daki şekilde kullanmıştır ) . Kimse görüntünün ana konusunun gömleğin olduğunu düşünmez ama göze hitap eder ve yüzün yumuşak hatlarıyla muhteşem bir kontrast oluşturur.

         Ton tarafından verilen görsel hiyerarşi, gözün görüntüdeki hareketini kontrol eder.

         Bir sanat eseri yaratma sürecinde, nesnenin algısı değişir. Kafa karıştırıcı olabilir: aynı seansta onu farklı görüyoruz. Gözler nesneyi anında algılar. Mesela bir model poz verdiğinde onu bir bakışta görüyorum. Genelden özele doğru çalıştığım için, genel bir kompozisyon işaretlemesiyle başlıyorum.

         Bitiş çizgisine yaklaştıkça dikkatim belirli alanlara veya ayrıntılara odaklanır. Bu, gözlerin küçük bir alanda olup bitenlere alışmasını sağlar, ancak ton hiyerarşisi dahil bütünün algısını yok eder. Bu nedenle kompozisyonun görsel merkezinin yerini ilk aşamada belirlemek benim için önemli. Bu, sonraki adımlar için önemli bir çapa sağlar.

         ZOİE FRANK. Medici bahçeleri. 2009. Kalem, ceviz derisi mürekkebi ve beyaz tonu.

         15,2x22,9 cm

         Sanatçı, bu İtalyan manzarasının unsurlarını farklı tonlarda birkaç grupta birleştirdi. Aydınlık yol, izleyicinin gözünü görüntünün kompozisyon merkezine götürür.

   Ton Dengesini Bulmak

         Bazı sanatçılar tüm biçimlerin mutlak netliğini sever. Gölgeler karanlık ama ayrıntılar korunmuş. Işık yeniden üretilir, ancak sınırları vardır. Bu tür çalışmalar doğadan alınırsa güzel olabilir, ancak insanın tek bir öğeye odaklanmaya yönelik doğal eğilimi dikkate alınmadan tüm görüntü aynı şekilde işlenirse doğal görünmeyebilir. Bu yöntemle doğruluk elde edilene kadar tüm detaylar titizlikle sabitlenir. Ancak bu her zaman daha anlamlı bir sonuca veya gerçekle daha büyük bir örtüşmeye yol açmaz.

         TOBY WRIGHT. Ölü bir serçenin incelenmesi. 2007. Kağıt, kömür. 20x30 cm Sanatçının kişisel koleksiyonundan

         Bir masanın üzerindeki bu küçük kuş taslağı, aldatıcı bir şekilde basit olan dengeli bir ton kompozisyonudur. Yalnızca birkaç büyük biçim ve bir ayrıntı ipucu var, ancak olay örgüsü dikkatlice incelenmiş gibi görünüyor - üzücü bir gerçeğin samimi bir ifadesi.

         Gölge ışığa bitişik olduğunda, doğal bir kompozisyon merkezi veya aksanı yaratılır.

         Ancak başka bir uç nokta daha var - genel etki uğruna her şeyi ihmal etmeye istekli sanatçılar. Görüntünün çoğunu kenarlarda sisli veya tamamlanmamış bırakırlar ve tek bir öğe ideale getirilerek kompozisyon merkezini güçlendirir. Çok ileri giderseniz, sonuç bir reklam hilesi gibi olur. Evet, etkilidir, ancak her zaman bir kompozisyon merkezi oluşturmak için kullanılıyorsa, en az dirençli yoldur.

         JAN VERMEER. Uyuyan hizmetçi. TAMAM. 1656-1657. Kanvas, yağ. 76,5x87,6 cm Metropolitan Museum of Art (New York) koleksiyonundan. Art Revival Center'ın izniyle

         Vermeer, bu tablodaki tonu ustaca kontrol ediyor: bakış, masada uyuklayan hizmetçiden aralık kapıdan çıkışa kadar takip ediyor. Sanatçı, ana ton kontrastını figüre yerleştirdi.

         AYKIRI. THOMAS ANSCHUTZ. kadın çizimi TAMAM. 1895. Kâğıt, karakalem. 64x46.4 cm Pensilvanya Güzel Sanatlar Akademisi (Philadelphia) koleksiyonundan

         Sanatçı, şapkanın üçgenine dikkat çekmenin etkili yollarını seçti - onu ortaya yerleştirerek, güçlü bir ton kontrastı oluşturarak ve bazı hatlarını çok net hale getirerek. Bu resimde Pennsylvania Güzel Sanatlar Akademisi'nde bir öğrenci alçıdan bir figür çizimi yapmaktadır.

          Sanatçı Jan Vermeer'in tuvalleri, doğa ile birebir örtüşmeleri nedeniyle yaratıldıktan yüzyıllar sonra popülerdir. Ustaca uygulamaya ek olarak, ustanın araştırmaya çok zaman ayırdığı hissine kapılırlar. Bu, natüralizm ve sanatsal tasarımın birliğinin doruk noktasıdır. Göz, sanki gerçek dünyayı keşfediyormuş gibi görüntüde kolayca hareket eder. Açık bir hiyerarşi ve olay örgüsünün netliği var. Mükemmel yetiştirilmiş bir bahçe gibi, Vermeer'in tablosu izleyiciye kaybolma riski olmadan rotayı bağımsız olarak seçme fırsatı veriyor. Dikkate değer görünmeyen tek bir parça yok.

         Özel olan her zaman göze çarpar ve küçücük bir öğe bile ton ve yerleşimle sahneyi ayarlayabilir.

         Ton dengesi üzerinde çalışırken, belirli bir tonun küçük bir detayının bile, yalnızca özgüllüğü nedeniyle görsel olarak büyük bir tondan daha iyi performans gösterebileceğini anlamak önemlidir. s'de gördüğümüz gibi. 131, karanlık bir gökyüzünde parlak bir ay, kompozisyonun ana unsuru olabilir. Ve küçük, koyu renkli bir tahta parçası, geniş bir sisli sabah sahilinde bulunuyorsa, güçlü bir görsel çekicilik kazanacaktır.

  ÇİZİM KOMPOZİSYONU

          JOHN SARGENT.

         Eskiz defterinden deniz çizimleri.

         TAMAM. 1874-1880. Kağıt, kalem.

         Boyut bilinmiyor. Metropolitan Museum of Art (New York) koleksiyonundan. Bayan Frances Ormond'un Hediyesi

         Fotoğraf Kaynağı: Görüntü Telif Hakkı © The Metropolitan Museum of Art / Art Resource, New York, NY

         Bu ton eskizleri, resim üzerinde çalışmadan önce kompozisyon örneklerini gösterir.

 mimarlıktan müziğe kadar         çoğu yaratıcı meslekte , en iyi sonuç, nesnelerin (veya notların) ve alanın (veya sessizliğin) karşılıklı başarılı bir şekilde düzenlenmesiyle elde edilir. Görsel sanatlarda, bir nesneyi çevreleyen boşluk, yalnızca algısını değil, aynı zamanda genel izlenimi de etkiler. Belirli (genellikle dikdörtgen) bir alandaki bir nesnenin konumu ve buradaki alanın organizasyonuna kompozisyon denir.

         Boş bir sayfada bile formatının belirlediği ana çizgiler vardır ( üstte, altta ve yanlarda onu sınırlayan dikey ve yatay kenarlar). Gözü kendi yönlerine çekerler. Bileşimsel güçler, siz daha kaleminizi elinize almadan önce iş başındadır.

         Bazı insanlar çok karmaşık ve sınırlayıcı buldukları için kompozisyon hakkında düşünmemeyi tercih ederler. Kişi spekülatif bir şey seçmeli ve onu bilinçli olarak yeniden üretmelidir. Ama yine de bu konuyu incelemenizi tavsiye ederim. Seurat gibi sizin de fikirlerinizi yakalayabilmeniz ve deneyim kazanabilmeniz için küçük genel eskizler yapma alıştırması yapın.

          Bu küçük ton eskizleri, tam karşısında gösterilen John Sargent'ın albümünden bir sayfanın parçalarıdır. Sanatçı, farklı deniz temalarını aynı dikdörtgen formatta deniyor.

   

 5. DERS TONLU SKEÇ

 tonlu eskiz genellikle         geniş formatlı çalışmalara hazırlık olarak yapılır . Bu "sesli düşünme" yolu, sanatçının olay örgüsü hakkındaki düşüncelerini analiz etmesine, kompozisyon seçenekleriyle, nesnelerle ve ışıkla oynamasına yardımcı olur. Bir tablo veya çizim üzerinde çalışmak zaman alan bir yatırımdır ve eskiz yapmak, bir fikrin değerini takdir etmenin ve ne kadar ilginç olduğunu görmenin hızlı bir yoludur. Bu süreçte sanatçı risk alabilir çünkü kaybedecek fazla bir şeyi yoktur.

         Çizgilerin genellikle baskın olduğu ve işin çeşitliliğinden ve çekiciliğinden sorumlu olduğu çizimin aksine, tonal eskiz, tonal kütleleri birleştirmeye ve analiz etmeye yardımcı olur. Bunu renkli kartondan kesilmiş çokgenlerden oluşan bir mozaik olarak hayal edebilirsiniz: beyaz, gri ve siyahın farklı tonlarında. Tonlar bir araya gelerek görüntüyü oluşturur.

         MALZEMELER

         Ton taslağına hazırlanmak için aşağıdaki malzemelere ihtiyacınız olacak.

         Natürmort için öğeler

         Grafit kalem veya doğal kömür*

         Çizim kağıdı**

         Çizim için tablet

         Silgi dırdırı

         İskoç

         şakül

         İnce örgü iğnesi veya şiş Tortillon/gölgeleme

         Eskiz kağıdı (isteğe bağlı)

         * Kalem kullanacaksanız 2H'den 3B'ye kadar farklı sertliklerde veya orta ve sert kömür deneyin.

         ** Grafit için pürüzsüz yüzeyli, kömür için hafif dokulu kağıt alın.

         İFADE

         Net bir ton ayrımı olan ve çok karmaşık olmayan birçok öğe seçin. Güzel bir şekilde düzenleyin ve tek bir kaynakla aydınlatın. Ortamı incelerken gözlerinizi kısın. Her şey birbirine karışırsa, net ışıklar ve gölgeler içeren bir kompozisyon elde etmek için aydınlatmayı değiştirin. David Dwyer tarafından seçilen konular, parlak ışıklı yumurtalar üzerindeki beyazdan koyu gölgeler ve arka planlara kadar geniş bir ton yelpazesi içerir. Prodüksiyonun arkasındaki duvara, parlak bir şekilde aydınlatılmış konularla kontrast oluşturmak için bir sayfa koyu kahverengi çizim kağıdı bantladı. Çoğu zaman, başarılı kompozisyonun anahtarı basitliktir. Üretimi eşyalarla doldurmamaya çalışın ve bunları nasıl gruplandıracağınızı düşünün.

         ÇİZİM ÜZERİNDE ÇALIŞIN

         Tonlu bir eskiz, yalnızca bir eskiz defterinde değil, aynı zamanda bir şövale üzerindeki bir tablete yapıştırılmış kağıt üzerinde de yapılabilir. David, çizim kağıdının altına birkaç yaprak eskiz kağıdı yerleştirdi ve onları klipslerle sabitledi. Yüzeyi pürüzlü kağıt kullanmayın: düz, eşit tonlu alanlar istiyorsunuz. Çizim küçük olmalı, uzun kenarı 15 cm'den fazla olmamalıdır. Bu, büyük şekillere odaklanmanıza ve istenen alanı hızlı bir şekilde tonla kaplamanıza olanak tanır.

          BİRİNCİ AŞAMA: nesnelerin oranlarını ve kompozisyon düzenlemesini dikkate alarak bir çizgi çizin.

         İLK AŞAMA:

         nesnelerin kompozisyon düzenlemesi Her şeyden önce, karenizde (veya dikdörtgeninizde) yeterli kenar boşlukları bırakarak kompozisyonun boyutunu çizgilerle sınırlayın. Tonlu eskiz, bir kompozisyonun orantılarını keşfetmenin harika bir yoludur ve üzerinde çalışırken onu bir yönde genişletmek (veya daraltmak) isteyebilirsiniz. Eskiz yaparken ana görev, büyük tonlu şekillere odaklanmaktır. Ama önce nesneleri ana çizgilerle işaretleyin. Öğelerin göreceli genişliğini ve yüksekliğini ve konumlarını analiz etmek için bir örgü iğnesi veya şiş kullanın. Hafif, serbest çizgilerle çizin. David ufuk çizgisine, masanın ön kenarına ve yumurtaların, kahve makinesinin ve fincanın yaklaşık boyutuna ve konumuna girdi.

          İKİNCİ ADIM: arka plandan ön plana doğru hareket ederek en geniş alanlara ton uygulayın ve prodüksiyona genel bir ton katın.

         İKİNCİ ADIM: tonu ön uygulama Geniş alanlara eşit ton uygulayın. Çizimin en büyük ve en karanlık kısmıyla başlamak en kolayı. Bu, parlak beyaz kağıt alanının çoğunu kapatır ve tonun göreli yoğunluğunu yargılamayı kolaylaştırır. İstediğiniz ton yoğunluğunu hemen elde etmeye çalışmayın, yavaş yavaş elde edin.

          ÜÇÜNCÜ ADIM: çizimde gölgelerin şekillerini tanımlayın ve geçiş alanlarını (nesneler arasında bulanık bir ana hatla) belirleyin.

         Farklı kalem sertliklerini deneyin ve hangisinin size en uygun olduğunu görün. David bu aşamada 2B kullandı. Yumuşak 2B veya 3B kalemler, koyu bir tonu daha hızlı elde edecek, ancak kademeli ve eşit bir şekilde artırma sürecini karmaşıklaştıracaktır. 2H veya HB gibi daha sert kalemler, tonu kademeli olarak almanıza izin verir, ancak kağıdın yüzeyini parlatabilir, böylece daha sonra tonu koyulaştırmanız gerekirse ek bir grafit tabakası tutması zor olacaktır. İstenilen alana düzgün bir ton uyguladıktan sonra, tüy alma aletinin ucuyla grafiti kağıdın yüzeyine sürün.

         ÜÇÜNCÜ AŞAMA: Ton İyileştirme

         Çizimin istenen alanlarına orta ton uygulayın. Bu aşamada, farklı tonlardaki alanları karşılaştırmak zaten önemlidir. Hangisinin daha koyu olduğunu analiz ederek gözlerinizi bir alandan diğerine hareket ettirin. Bitişik nesnelerin alanlarının aynı tonda olduğunu görebilirsiniz (örneğin, David'in çizimindeki gölgedeki kupanın tarafı, masa yüzeyinin onunla temas halindeki alanıyla neredeyse eşleşir). Bu, resimde "geçiş" alanları yaratmak, nesneleri birleştirmek ve bütünlük ve tekdüzelik vermek için bir fırsattır. Tek tek nesneleri unutun ve tonlarla düşünün. Üretime bakarken gözlerinizi kısıyorsanız, ton ilişkilerini analiz etmek ve geçiş alanlarını belirlemek daha uygun olacaktır.

          DÖRDÜNCÜ ADIM: Kalan gölge şekillerini bulun ve arka plana karıştırın. Bu aşamada, göz zaten görüntüde kolayca hareket edebiliyor olmalıdır.

         David DWYER. Kahvaltı taslağı.

         2010. Kağıt, grafit kalem. 17.8x29.2cm

         DÖRDÜNCÜ AŞAMA: Taslağı Bitirme Ton taslağı üzerinde çalışırken, bunun bir ön eskiz olduğunu unutmayın. Küçük detayları tasvir etme, büyük ton alanlarını ve genel şekilleri yeniden üretme cazibesine karşı koyun. Genel formların hakim olduğu çizimler (ve resimler) daha çok izleyicinin ilgisini çeker ve algı bütünlüğünü gösterir.

         Eskiz tamamlanmak üzereyken, geri çekilin ve geniş ton alanlarının yerinde ne kadar iyi göründüğünü ve bir bütün olarak ton kompozisyonundan ne kadar memnun olduğunuzu değerlendirin (David sordu: sağdaki gölgelere biraz boşluk eklemek daha iyi olmaz mıydı? Tablonun karanlık ön kenarı, boyutuyla diğer her şeyi alt üst etmiyor mu? ) . Tonlu taslağın avantajı, siz çizim üzerinde çalışmaya başlamadan önce bu değişiklikleri yapmanın kolay olmasıdır.

  

 6. BÖLÜM IŞIK VE GÖLGE

         HACİM VE RAHATLIK YARATMAK

         İyi çalışmanın ana niteliği bütünlüktür: tüm çeşitlilik, en küçük ayrıntılarda bile kendini gösteren genel fikre uygun olarak yaratılır.

         HAROLD AIDS. Çizim pratiği ve bilimi

         Myron Barnstone ile çalışırken, ilk önce ışık ve gölge kullanarak hacim yanılsaması yaratma teorisiyle tanıştım. Orta tonlu yüzeyde Myron basit bir daire çizdi. Sınıf, öğretmenin onu yavaşça üç boyutlu uzaya doğru çıkıntı yapan üç boyutlu bir küreye dönüştürmesini hayranlıkla izledi. Myron, yalnızca hayal gücünü kullanarak tam teşekküllü, inandırıcı bir nesne yaratmayı başardı. Sihir gibi görünüyordu.

         AYKIRI. JULİET ARİSTİDE. Nadia. 2010. Renkli kağıt, kömür ve tebeşir. 63,5x47 cm Jordan Sokol koleksiyonundan

         Sanatçının hacim yanılsaması yaratması için forma düşen ışığın incelenmesi gereklidir.

         Myron basit ama etkili bir dizi eylem kullandı. İlk olarak, daire üzerinde hilal şeklinde bir gölge alanı işaretledi. Sonra bir elips çizdim (destek düzlemindeki gölgenin şeklini belirtmek için) ve her iki şekle de koyu bir ton uyguladım. Sonra beyaz tebeşir aldım ve dairenin açık renkli kısmını boyadım ve üzerine daha parlak bir vurgu yaptım. Ve sonunda, ana yarı tonu elde etmek için kenarları gölgeledim.

         Myron'ın her eylemi, ışık ve gölgenin kendine özgü, benzersiz niteliklerini tanımlar. Tüm bu öğelerin sık sık göreceğiniz adları vardır: vurgu, ışık, yerel ışık, yarı ışık, yarı gölge, şekil bozulması, kendi gölgesi, yansıma ve koyu vurgu. Bu bölüm, hacim yanılsaması yaratmak için chiaroscuro'nun kullanıldığı çizimi tartışacaktır. Çalışma, ayrıntıların eksiksiz ve ayrıntılı bir şekilde algılanmasına olan sevgiye dayanmaktadır. Form çalışması, doğayı daha derinlemesine anlamaya, sıradan bir bakışta neredeyse görünmez olan küçük yapısal unsurları fark etmeye yardımcı olur. Ve bu iyi bir sanatçıyı tanımlar.

 Chiaroscuro ile hacim oluşturma

         Yeni başlayanlar için en tatmin edici keşiflerden biri, bir nesnenin üzerine düşen ışığı inandırıcı bir şekilde tasvir etmenin çok az bilgi gerektirmesidir. Temel ilkeleri öğrenirseniz, zamandan tasarruf edecek ve temel hatalardan kaçınabileceksiniz. Günlük olarak karşılaştığımız görsel gerçeklik bazen anlaşılmaz ve çelişkilidir.

         Işığın dağılım yasaları değişmez, onların bilgisi görüleni anlamaya ve yorumlamaya yardımcı olur.

         ELIZABETH SENZINGER. Daire. 2008. Kağıt, kömür. 16,5x24,1 cm Aristide atölyesinin izniyle

         Doğal kömür, kütle ve havaya mükemmel bir şekilde reenkarne oldu. Dikkatli çerçeveleme, çok sayıda orta ton ve gölgelerde dikkatlice düşünülmüş bir ton aralığı dahil olmak üzere bu görüntüde yer alan birçok önemli ilke vardır.

         Bu temel kurallardan herhangi birini kendi başınıza çözmeniz zaman alacaktır. Neyse ki, sanatçılar yüzyıllardır küre çiziminde Myron tarafından gösterilen ışığın dağılımı yasasını kullanıyorlar. Karşı sayfadaki bilgiler, bir nesne çizdiğinizde ne gördüğünüzü anlamanıza yardımcı olacaktır.

         Nesnenin aydınlatılan alanlarının nüanslarının netliği, fiziksel özelliklerine, ışık kaynağının yönüne ve gücüne bağlıdır. Bazı nesnelerin şekli

  IŞIĞIN KLASİK DAĞILIMI

         KLASİK IŞIK DAĞILIMI YASASI'NIN 5. Bölüm'de tartışılan Ton Skalası ile İLİŞKİLİ OLMASI tesadüf değildir. Onları aynı anda düşünmeye değer. Aşağıdaki küreye bakın. Ton 1'in vurguya, ton 2'nin ışığa, ton 3'ün yerel ışığa, ton 4'ün yarı ışığa, ton 5'in orta yarı tona, ton 6'nın gölgeye, ton 7'nin kendi gölgesine, ton 8'in formun bozulmasına, ton 9'un koyu vurguya karşılık geldiğini göreceksiniz. Elbette bu, ideal aydınlatma koşullarının görselleştirilmesidir. Gerçekte, tüm ton aralığı her zaman mevcut değildir. Örneğin, beyaz bir kağıdın üzerine bir yumurta koyarsam ve onu aydınlatırsam, kendi gölgem çok soluk olabilir, belki de 4. tona karşılık gelir. Ancak desen kalacaktır.

          Dünyada on binlerce ton var. Büyük bir sanatçının kendini ifade etmesi için sadece birkaç kişiye ihtiyacı vardır.

           Resimde işaretlenen ve aşağıda listelenen ışık gölgenin dokuz bileşeni, bir nesneyi tasvir ederken ne gördüğünüzü anlamanıza yardımcı olacaktır. Bir kürenin klasik görüntüsü aşağıdaki öğeleri içerir.

         IŞIK:

          1) vurgulayın;

          2) ışık (parlamayı çevreleyen hale);

          3) yerel ışık (yerel ton).

         ORTA TONLAR:

          4) yarı ışık;

          5) orta yarım ton;

          6) penumbra (refleks için de kullanılabilir).

         KOYU TONLAR:

          7) kendi gölgesi (bir refleks içerir);

          8) formun yıkılması;

          9) koyu vurgu (alt gölge).

         Sanatçılar geleneksel olarak ışık kaynağını yukarıdan sola yönlendirerek sözde barok köşegeni oluşturur (burada gösterildiği gibi sağdan sola yönlendirilen ışık, "uğursuz köşegen" olarak adlandırılır). Işığın teğetsel olarak nasıl ilerlediğini ve şekilde bir kırılma yarattığını görebilirsiniz. Üzerindeki her şey ışık kaynağına doğru çevrilir.

         JULİET ARİSTİDE. Üç boyutlu bir çizimin gösterilmesi. 2008. Kağıt, kömür. 30,5x35,5 cm Özel koleksiyon

         Erkek gövdenin bileşimsel yapısı sağda gösterilmiştir.

         Sol taraf, büyük formların hacim elde etmek için hangi parçalara bölündüğünü gösterir.

         AYKIRI. EDWARD MINOFF. Santiago. 2009. Hazır kağıt, kalem. 27,9x25,4 cm

         Bu çizim, dikkatli ölçümleri ve doğa çalışmasını sanatçının sezgisel algısıyla birleştirdi. Büyük ve küçük şekiller, görüntüde uyum yaratmak için birlikte çalışır.

          metal, cam ve siyah kadife gibi nesneleri algılamak kolay değildir: yüzeyleri çok yansıtıcıdır, şeffaftır veya ışığı tamamen emer, bu da soluk yarı tonların algılanmasını zorlaştırır. Ancak daha sıklıkla, ışık gölge unsurları, bu ilkeleri anlamanız ve uygulamanız için bir harita görevi görecektir.

         Şekildeki hacim ve gerçekçilik izlenimi, gölge ve ışığı birleştiren mütevazı yarı tonlarla yaratılmıştır.

         Klasik ışık dağılım yasası ile ton ölçeği arasındaki ilişki, tonları mantıklı ve tutarlı bir şekilde yeniden üretmeye yardımcı olacaktır. Ne zaman açık renklere boyasan, ışığa bakan tarafı tarif ediyorsun. Ton ölçeğinin hafif kısmını yeniden üretirsiniz. Koyu tonlarda çalışırken, nesnenin ışıktan gizlenen kısmını tanımlarsınız. Ton ölçeğinin karanlık kısmına karşılık gelirler. Ölçek, bir sürecin sırası için bir analoji haline gelir. Bir çizimde gölgeli bir alanda çalışırken, skalanın açık kısmından bir ton kullanmanız gerektiğini hissettiğinizde, bunun görüntünün bütünlüğünü bozacağından emin olabilirsiniz. Nesnenin aydınlatılan kısmında çok koyu bir ton gölge olarak algılanacak ve düzeni bozacaktır.

            YURA BEDİÇ. Tim'in portresi. 2003. Renkli kağıt, karakalem ve tebeşir. 35x45cm

         Bedich, sanatsal gelenekleri çağdaş portreye uyguladı. Soyutlamacılık ve gerçekçiliğin eşiğindeki çalışmaları, kendine güvenen tonal bir çizimi ve modele benzersiz bir benzerliği birleştiriyor.

         AYKIRI. PİER PAUL

         PRUDON. Arkadan çıplak duruyor. TAMAM. 1800. Mavi kağıt, kömür ve tebeşir. 61x34.9 cm Boston Güzel Sanatlar Müzesi koleksiyonundan. Art Revival Center'ın izniyle

         Mükemmel bir şekilde tasvir edilen figür, üç boyutlu çizimin mükemmel bir örneğidir: Prudhon, akademik çıplaklık çalışmasını bir sanat biçimine dönüştürdü. Parlayan bir refleksle net bir kırılmanın, gölgenin genel şeklini nasıl belirlediğine dikkat edin.

         Tonların deseni ve nasıl çekici bir hacim ve biçim oluşturdukları, güzel sanatın mihenk taşıdır. Alıştırma, gölgeden ışığa iş sırasını hatırlamanıza yardımcı olacaktır. Yakında becerilerinizin ayrılmaz bir parçası olacak. Zor öğreneceksin ve o kadar kolay verilecek ki üzerinde düşünmene bile gerek kalmayacak. Bisiklet sürmek kadar kolay olacak.

         Ton ölçeği, tonların karmaşık dünyasını basitleştirir. Sanatçılar bunu inandırıcı bir görsel evren yaratmak için kullanıyor.

 nesne aydınlatması

         Hayat için hava neyse, sanat için de ışık odur. Kendi başına özel bir ilgi alanı olmayabilir, ancak ona bağlı olan her şey için hayati önem taşır. Işığın ihmal edilmesi birçok sanat eserini mahvetti.

         Işığın kendine has güzelliği vardır. Neye düşerse düşsün, genellikle sanatta birincil nesne olarak kabul edilir. Buruşuk beyaz kağıtların resimlerini yaptım çünkü üzerlerindeki ışık çok güzeldi. İyi ışık, vasat verilere sahip bir modeli bir tanrıçaya dönüştürebilir ve kötü ışık, onu acımasızca Olimpos Dağı'nın tepelerinden aşağı atabilir. Dikkatli aydınlatma size bir pazarlık kozu verir ve çizimi daha keyifli hale getirir.

         PİER PAUL PRUDON.

         Kollarını kaldırmış oturan bir kadının akademik çizimi. TAMAM. 1800. Mavi kağıt, İtalyan kalemi, tebeşir ve gölgeleme. 59,2 x 41,4 cm Resim Art Revival Center'ın izniyle

         Prudhon, üç boyutlu çizimin ustalarından biri olarak kabul edilir. Işık kaynağı yukarıdan şeklin sol ön kısmına yönlendirilir.

           DARREN KINGSLEY.

         Otoportre, kış 2007. 2007. Kağıt üzerine kalem. 30,5x43,2 cm

         Yetersiz aydınlatma, şekilleri düzleştirebilir ve bir nesnenin kişiliğini gizleyebilir. Aşırı aydınlatmanın da pek çok soruna neden olması muhtemeldir. Bir keresinde, eğitim kurumunun model için yönlü ışık sağlayamadığı bir ustalık sınıfı verdim. Tüm gölgeleri ve şekilleri silerek yukarıdan kör edici flüoresan aydınlatması olan bir odaya girdim. Deneyimli sanatçılar için bile bu tür koşullar çok zor olacaktır. Yeni başlayanlar için, basitçe imkansızdır. Şaşırtıcı olmayan bir şekilde, süreç herkes için zordu.

         Kötü aydınlatma dağınıklık yaratır. Işık, gölgeler oluşturmadan veya bilgilendirici olmaktan çok kafa karıştırıcı gölgeler oluşturmadan her yönden düşer. Talihsiz ışık, şekli bozar ve aksi halde çizimin planlanmasına yardımcı olacak önemli yer işaretlerini gizler. Genellikle, öznenizi aydınlatmayı dikkatli bir şekilde düşünmediyseniz, bitmiş çalışmada görünecektir. Neyse ki , bir nesneyi aydınlatırken bir seçeneğiniz var.

         Bastırılmış aydınlatmanın nasıl çalıştığının net bir şekilde anlaşılması, sanatçıya izleyicinin tüm dikkatini, arkasındaki oda kararırken, baskın olan göze odaklama yeteneği verdi.

          CAROLYN PYFROM. Peter'ın portresi. 2000. Kağıt, kömür. 58,4x45,7 cm Pamela Trimingham koleksiyonundan

         Sanatçı, kocası Pieter van Dyck'i yarı aydınlık ve yarı gölgede boyadı. Işık ve gölge oranının eşitliği ne kadar belirgin olursa, görüntü o kadar grafik ve soyut olur.

         Işık kaynağının konumu için farklı seçenekler, nesnenin ve dolayısıyla resmin özelliklerini ve ruh halini ayarlayabilir.

         Sol üst aydınlatma

         Geçmişte, sanatçılar konularını çoğunlukla sol üstten aydınlatıyorlardı. Bu, izleyicinin resmi soldan sağa doğru görmesine yardımcı olur. Bu aydınlatma şeması - o da tercih ettiği için genellikle "Rembrandt ışığı" olarak anılır - bana yeni başlayanlar için en kolayı gibi görünüyor ( bkz. s. 139). Işık kaynağı, ışığın 45° açıyla yönlendirilmesi için modelin biraz daha yakınına, yukarısına ve soluna konumlandırılmıştır. Bu aydınlatma ile cismin üçte ikisi ışıkta, üçte biri gölgede kalır. Bir cismin üzerine düşen gölgenin dar şekli, onun şeklini ve özelliklerini ortaya çıkarmak için idealdir.

         Başarılı bir şekilde yeniden üretildiğinde, bu keskin gölgeler iki boyutlu bir görüntüyü üç boyutlu bir görüntüye dönüştürür.

         Işık ve formun bileşenlerine olabildiğince aşina olun, böylece onları net göremeseniz bile eksik bilgileri tamamlayın.

         yan aydınlatma

         Nesneye yandan düşen ışık, nesneyi iki eşit parçaya böler: yarısı aydınlatılır, yarısı gölgede kalır. Bu şema şekli düzleştirir. Tam ortasından bir çizgiyle bölünmüş bir küre hayal edin: Etkileyici olmasına rağmen yüzeyin eğrisi görünmüyor. Bu aydınlatma yöntemi, kasıtlı olarak daha düz bir şekli tasvir etmek istiyorsanız kullanışlıdır.

         Aşağıdan aydınlatma

         Aşağıdan bir nesneye düşen ışık, onu gizemli ve hayalet gibi yapar. Bu ışık yönü nadirdir: yalnızca mumlardan, ateşten veya el fenerinden düştüğünde. Alçak ışık, gölgeleri yukarı doğru fırlatarak, güneşli dünyada alıştığımız düzeni değiştirir.

         arkadan gelen ışık

         Ağırlıklı olarak arkadan yönlendirilen ışık, belirgin şekilde aydınlatılmış konturlar dışında, nesnenin çoğunu gölgeye yerleştirir. Daha önce bir tutulma gördüyseniz bunu hayal edebilirsiniz. Aydınlatılan şekil yavaş yavaş parıldayan kenarlıklı karanlık bir kütleye dönüşür.

          KATE LEMAN. Maskeler. 1999. Gri kağıt, kalem ve tebeşir. 50,8x58,4 cm

         arkadan üzerine düşen ışık. Bu, bir hale etkisi yaratır - doğaüstü ilahi ışık.

         ön aydınlatma

         Işık kaynağını nesnenin tam karşısına yerleştirmek, onu şekline özgü tüm gölgelerden kurtaracaktır (önden aydınlatılan bir küre bir daire ve bir koni bir üçgen gibi görünecektir). Bazı sanatçılar bu şemayı bir pozun çizgilerini vurgulamak için kullanır. Sanatçı William Bouguereau, önden ışık alan birçok güzel figürü resmetti. Böyle bir usta ile sonuç hassas ve sofistike görünebilir. Bu tür bir aydınlatma için bir kullanım bulmak zor, ama bazen harika - hepsi görüntüye bağlı.

         Bu şekil, iki aydınlatma şemasını - aşağıdan ve yukarıdan - karşılaştırmayı mümkün kılar.

         Zayıf aydınlatma, nesnenin şeklini ve özelliklerini gizleyecektir - yapısını vurgulamak için ışığı seçin.

 GÖLGE ÇALIŞMASI

          Doğru orantılara sahip detaylı bir konstrüksiyon çizimi, ton gelişimi için sağlam bir temel oluşturur.

          Gölgelerdeki tekdüze ton, onları ışıktan ayırır ve karşılaştırmalı analiz için ek bir fırsat sağlar.

         Form konusundaki HERHANGİ BİR PRATİK tartışma, gölgelerin ayrıntılı bir incelemesini içermelidir: aydınlatma izlenimi yalnızca gölgelerin yokluğuyla yaratılır . Gölgeler ve orta tonlar, şekle düşen ışık yanılsamasını yaratmaktan sorumludur. Aksi takdirde düz bir rakam olurdu. Resimde ne kadar çok yarı ton ve gölge varsa, ışık şekli o kadar iyi "şekillendirir". Bunun pratikte nasıl olduğunu anlamak için bir sanatçının çalışmasına daha yakından bakalım.

         Formu tasvir etme süreci birbirini izleyen aşamalardan oluşur: önce kompozisyon düzenlemesinin ana hatları çizilir, ardından formu kırma çizgisi çizilir ve ardından gölgelerin konumu. Son adımı bitirdikten sonra çoğu sanatçı hafif bir genel ton uygular. Gölgenin şekli, ışığı gölgeden hemen ayıran düz, düzgün bir tonla doldurulur. Haritada tuhaf ama keşfedilmemiş bir ülke gibi görünüyor. Belki de bu yüzden sanatçılar bu sürece işaretleme diyorlar. Etkinliği, küçük düzeltmeler yapmayı mümkün kılmasıdır: orantılardaki hatalar anında ortaya çıkar. Gölgelerin şekilleri mümkün olduğunca doğaya karşılık geliyorsa, formu üç boyutlu hale getirme veya yarı tonları yeniden üretme zamanı.

         Klasik çizim dünyasında, gölgelerin ne kadar bilgi içermesi gerektiği konusunda devam eden bir tartışma var. Ton düz mü bırakılmalı yoksa şekil mi çıkarılmalı? Cevap vermeden önce, her bir yaklaşımın faydalarını tartışalım.

         Bir nesnenin tonunda değişmemesinin tek yolu, tamamen düz olması ve eşit şekilde ışıkla dolu olmasıdır. Işık bir cismin üzerine düştüğünde, cismin ışığa doğru ne kadar döndüğüne ve ışık kaynağına ne kadar yakın olduğuna bağlı olarak her bir parçası az ya da çok aydınlanır. Bu, düz bir kağıtta bile, kesinlikle önden aydınlatılmadığı sürece tonda bir değişiklik fark edebileceğiniz anlamına gelir. Gerçekte, bu çok nadirdir, ancak hızlı bir görsel efekt ve tonların genelleştirilmesi için bir gölge şekli üzerinde düz bir ton kullanılır ve aralarında bir hiyerarşinin korunmasına yardımcı olur.

          Genellikle gölge, refleksler ve formu bozma belirtileri ile canlandırılır. Bu kasvetli dünyanın tepelerinin ve vadilerinin topografyası, nesne hakkında önemli bilgiler sağlayabilir. Bu formların incelenmesi, ayrımcılık konusunda iyi bir alıştırma olacaktır. Ne de olsa, nesnenin gölgeli tarafı, ona baktığınızda her zaman kaybolmaz: her şey yerinde kalır, incelemeye hazırdır. Buradaki zorluk, eserin genel ton kompozisyonunu gözden kaçırmadan bu ton geçişlerinden bazılarını tasvir etmektir.

         BOBBY DITRANI. İnek kafatası. 2010. Kağıt, kömür. 61x45,7 cm Aristide atölyesinin izniyle

 Sanatçı         , kafatasının aydınlatılmış ve gölgeli kısımları arasındaki sınırda zar zor fark edilen tek bir yarı tonu görmezden gelmedi .

          DEAN SNYDER. Alt gölge stüdyosu. 1972. Kağıt, mürekkep. 24,5x15,2cm

         Bu analitik çalışmada, tekerlekten uzaklaştıkça gölgenin tonunun nasıl değiştiğini gözlemleyebilirsiniz. Gölge, düştüğü yüzey düz ve pürüzsüz olduğu için şeklini korur.

 İki çeşit gölge

         İlginç bulduğum insanlar genellikle zor zamanlar geçirdiler. Derinlik, algının nesnelliği ve canlılık acı çekerek kazanılır. Aynı şey sanatta da geçerlidir. En ilginç işin her zaman karanlık bir tarafı vardır. Işığın parlaklığı gölgelere bağlıdır.

         Çoğu insan için, "gölge" kelimesi hemen akla, yerde sessizce onları sokakta takip eden karanlık bir figür gelir. Ama aslında iki tür gölge vardır: düşen ve kendi gölgesi. Birlikte sanat eserinin yapısını verirler ve yarattığı izlenimi etkilerler.

         düşen gölgeler

         İki yıl önce Roma'da bir sanat tarihi gezisinde rehber olan bir arkadaşımla konuşuyordum. Sıcak bir meydanda durduk, güneşten saklanacak hiçbir yer yoktu. Etrafına bakındı ve kaldırımda iki katlı bir dikilitaşın ince uzun gölgesini gördü. “ Bak! bildirdi. - gölge ışını " . Koştuk ve ona sığındık.

         Alt gölge, ağırlık ve stabilite kazandığı için nesneyi destek düzleminde sabitler.

         Düşen olarak adlandırılan gölgeler, kaynak - bu durumda dikilitaş - bir şeyin üzerine dökülür. Meydanın yüzeyi düz olduğu için gölge, anıtın şeklini tam olarak takip ediyordu. Örneğin, bankların ve çöp tenekelerinin üzerine düşerse, şeklini tanınmayacak şekilde bozarlardı.

         Düşen gölgeler genellikle keskin hatlara sahiptir.

         Sanatta, nesneyi destek düzlemine bağlayan, aynı zamanda ona ağırlık ve stabilite veren önemli bir görsel unsur olarak ortaya çıkıyorlar.

         kendi gölgeleri

         Kendi adı verilen başka türden gölgeler, doğrudan nesnenin üzerinde bulunur ve onun ayrılmaz bir parçasıdır. Bu, örneğin, bir kare içindeki bir dikilitaşın ışıksız yüzü, kürenin altındaki karanlık bir orak veya yüzün diğer tarafına ışık düştüğünde burnun gölgede kalan kısmıdır.

          Bu gölgeler neredeyse her zaman üzerinde bulundukları formu ayrıntılı olarak tanımlar ve bu şekilde isimlerini alırlar.

         Ayrıntılı gölgeler, tonlu hacim oluşturmak için esastır.

         GREGORY MORTENSON. Anna Nina. 2008. Kağıt, grafit ve beyaz kömür. 30,5x35,5 cm

         Elmacık kemikleri ve burun altı gibi kendi gölgeleri, yüz düzlemlerini tanımlamaya yardımcı olur. Modelin görüntüsü, küçük gölgelere ve yarı tonlara daha fazla dikkat edilerek aktarılır.

          ELIZABETH SENZINGER.

         Cam bardak. 2006. Kağıt, karakalem ve tebeşir. 12,7x12,7cm

 Gölge Anatomisi

         Gölgelerin uzunluğu - hem düşen hem de kendi - ışık kaynağının konumuna göre belirlenir. Ne kadar düşükse, gölge o kadar uzun ve ne kadar yüksekse o kadar kısadır. Işık tam olarak yukarıdan aşağıya düşerse, düşen bir gölge olmayabilir.

         Işık kaynağının yoğunluğu, gölgenin doygunluğunu etkiler. Ne kadar güçlü olursa, ana hatları o kadar net olur. Ve gölgenin kenarları, onu oluşturan nesneye ne kadar yakınsa, o kadar keskindir ve ondan uzaklaştıkça, o kadar yumuşar ve gölgenin kendisi daha dağınık hale gelir.

         Bardaktan dökülen ışığa rağmen, düşen gölgenin karakteristik özelliklerinin çoğu gözlemlenebilir.

         Şekil ve doygunluk derecesine ek olarak, hem düşen hem de kendi gölgelerinde ton geçişleri vardır. Aşağıda açıklanan terimler, içlerindeki nüansları daha iyi anlamanıza yardımcı olacaktır.

         Düşen gölgeler, zaman ayırmaya değer: nesnenin bir desteği olduğu izlenimini verir ve onu doğal bir ortama yerleştirir.

         koyu aksan

         Küreden destek düzlemine düşen gölgeye dikkatlice bakarsanız, en karanlık bölgesinin kürenin hemen altında olduğunu fark edeceksiniz. Bu, gölgenin küreyi sınırladığı noktadır. Karanlık vurgu, gölgenin ışığın hiç düşmediği kısmıdır.

         gölge gövdesi

 Bu, kürenin         destek düzlemi üzerinde oluşturduğu elips gibi gölgenin genel şeklidir . Genellikle gölgenin vücudunda refleksler vardır; genellikle ilk göründüğü kadar karanlık olmadığını unutmayın. Gölge beden, hem düşen hem de kendi gölgelerinin şeklidir.

         Refleks

         Çevredeki nesnelerden yansıyan ışık, gölgeye çarpar ve onu bir parıltıyla doldurur. Bu genellikle en iyi öznenin kenarlarına yakın yerlerde görülür (bozuk şekillerden ve koyu vurgulardan uzakta). Kendi gölgenize yansımalar ekleyerek hacim yanılsamasını artırabilirsiniz.

          MICHAEL GRIMALDI. Paris'in yargısı. 2007. Kağıt, grafit. 61x45,7 cm

         Alt gölge nesneden uzağa yansıtılır. Bu durumda büst, arkasındaki figürlere gölge düşürerek bacaklarını gölgeler. Alışılmadık aydınlatmada, Houdon'un ekorkesinin gölgeleri duvara ve tavana düşüyor.

         gölgenin kenarı

         Bu, gölge gövdenin sınırıdır. Genellikle kenarları boyunca bir kontur çizgisi çizilir, ancak gerçekte bu genellikle tek bir şekildir - koşullara bağlı olarak az ya da çok net kenarları vardır.

         Her gölge türünün kendine özgü bir kenarı vardır. Kişinin kendi gölgesinin kenarına form kırılması denir.

         kısmi gölge

         Işık ve gölgenin kenarı arasında dağınık penumbra. Yarı gölge, düşen gölgede görülebilir. Küre şeklindeki s. 160, gölgenin kenarından destek düzleminin tonuna yumuşak bir geçiş oluşturan alandır.

         Gölgelerin şekilleri, ışık kaynağının kaynağı hakkında tam bilgi verir.

         JORDAN PARİETİ. Jean-Antoine Houdon tarafından bir atın alçı ekorkesinin çizimi. 2008. Kağıt, kömür. 73,7x76,2 cm Aristide atölyesinin izniyle

         Güçlü bir ışık kaynağı keskin gölgeler ve yoğun, yontulmuş bir şekil oluşturdu. İzleyiciye nesnenin kabartması hakkında birçok bilgi verir.

  kalıbı kırmak

         Bu, kendi gölgenizi ışıktan ayıran çizgidir. Dilerseniz kendi isminizle de gelebilirsiniz. Üç boyutlu bir çizimde hiçbir çizgi bu kadar önemli bir rol oynamaz: nesnenin kabartmasını tanımlar, size hangi alanlarda hacim olduğunu söyler ve ana kılavuz görevi görür. Şekil kırılması, hacim değişikliği için başlangıç noktasını belirler ve güçlü ve kesin olmalıdır.

         Şekli bozmak her zaman fark etmek kolay değildir. Yerini bulmak için nesne üzerindeki ışığın şekline bakın ve gözlerinizi yavaş yavaş gölgeye doğru hareket ettirin. Aralarındaki en karanlık alan şeklin kırılması olacaktır.

         Kırılma çizgisi kavisli olmaktan çok düz veya açısaldır. Tony Ryder şunları yazdı: “ Tüm yer işaretleri arasında bu en önemlisidir. Kırılmalarının her nüansı, ondan kaynaklanan - bir yanda ışığa, diğer yanda gölgeye doğru - ve nesnenin bireysel özelliklerini yavaş yavaş rafine eden bir ton geçişi için başlangıç noktası görevi görür .

         Kırık şekil, gölgenin genel şeklinden daha koyu ve daha belirgindir. Bu, bakanın dikkatini çeken ve formun dışbükeyliğine dikkat çeken bir vurgudur. Bu önemlidir: Çoğu durumda, nesnenin konturları, izleyiciden dışbükey kısımlardan daha uzakta bulunur. İzleyicinin önce merkeze bakması ve ancak daha sonra dikkatini kenarlara çevirmesi gerektiği açıktır.

         Çalışma sürecinde formun yıkılması bir duvardan nesne üzerinde gölge ve ışığı birleştiren bir köprüye dönüşür.

         Biçimin kırılması ilk bakışta gölge ve ışık arasında bir engel gibi görünse de aslında bir köprüdür. Ton, nesnenin aydınlatılmış ve gölgeli kısımlarını birleştirerek çizgiyi çevreler ve atlar. Genellikle, daha yakından incelediğinizde, form üzerinde ışığa bakan küçük dikey yarıklar fark edeceksiniz. Bu nüansları net bir şekilde anlamak, gördüğünüz yüzeyi tanımlamanıza yardımcı olacaktır. Formun kırılmasındaki bu kesikler, nesnenin hacmini, kabartmasını tanımlar.

         Kalıbı kırma "çizgisi" nadiren tek, sürekli ve karanlıktır. Bazen bir nesnede birden fazla şekil kırılması olur, çizgisi bozuktur veya zar zor fark edilir. Hafif veya eğri bir kırığın bile bulunması ve gösterilmesi çok önemlidir.

         Asla tüm nesne boyunca uzanan doğal olmayan, tek bir kesme çizgisi çizmeyin. Nadiren süreklidir. Çizim sürecinde kolayca düzeltilebilen ve iyileştirilebilen bitmemiş, yaklaşık bir çizgiyi özetlemek daha iyidir. Yoğun aydınlatma altında beyaz bir nesnede sürekli olduğu görünebilir. Ancak o zaman bile, şeklin yüzeyindeki değişiklikleri iletmek için uzunluğundaki boşlukları bulmak ve haritalamak önemlidir.

          TENAIA SIMS. Holger'ın kompozisyon çalışması. 2010. Kağıt, kalem Conte. 25,4x20,3 cm

         Bu, çizim üzerinde çalışmanın bir ara aşamasıdır. Kırılma çizgisi, ışık ve gölgelerin şekillerini net bir şekilde gösterir.

         EDWARD MINOFF. Dalgalar. 2009. Kağıt, kalem ve guaş boya hazırladı. 22,9x55,8 cm

 yarım tonlar

         Bir keresinde bir arkadaşım beni kuzeybatı bölgesinde chanterelles toplamak için ormana davet etti. Oraya vardığımızda tek görebildiğim ağaçlar ve yapraklardan oluşan bir halıydı. Ama bir süre sonra gözlerim alıştı. Nasıl bakacağımı anladığımda, etrafta bir sürü mantar olduğu ortaya çıktı. Bu ormanlara birçok kez gittim ama orada olanın yarısını görmedim.

         Tasvir edilen nesnenin yüzeyinde olduğunuzu hayal edin. Gölgeli vadilerden ışıklı zirvelere doğru hareket eden yüzeyin pürüzlülüğünü hissedin.

         Yarı tonlar, inandırıcı bir hacim yanılsaması yaratmada çok önemli unsurlardır, ancak chanterelles gibi, göz önünde gizlenirler. Her yerdeler ama onları görmek için bir rehbere ihtiyacın var. Daha önce, sanat öğrencileri ünlü heykellerin beyaz alçı kopyalarını boyamak için çok zaman harcadılar ( alçı figürlerden çizim örnekleri 181, 184, 185, 188, 189 ve 194. sayfalarda görülebilir ) . Alçı figürler pek çok nedenden dolayı kullanışlıydı ve hala da öyle: hareket ettirilemezler, figürün ayrıntılı bir şekilde incelenmesine izin verirler ve yapısı hakkında değerli dersler verirler. Ama belki de alçı figürleri boyamanın ana faydası, ince orta tonları incelemek için iyi bir fırsat sağlamasıdır. Bu hassas alanlar daha kolay

         Dar bir ton aralığının yumuşak geçişleriyle Minoff bir kum, su ve gökyüzü görüntüsü yarattı.

           JULİET ARİSTİDE.

         Anma. 2010. Renkli kağıt, kömür ve tebeşir. 46,4x63,5 cm

         renklerin süreci karmaşıklaştırmadığı beyaz bir yüzeyde olup olmadığını algılar.

         Yarı tonlar, nesne üzerindeki gölgenin şekli ile ışığın şekli arasında bağlantı kuran bir köprüdür. Bazı sanatçılar, ton aralığının genişliğinin görüntüyü üçüncü boyuta ittiğine inanıyor, ancak durum bu değil. Aksine, yüzeye doğru şekilde yerleştirilmiş bir dizi yumuşak ton geçişleri, ışığın ve hacmin yönünü etkili bir şekilde gösterir. Orta tonlar, uzaydaki düzlemlerin çıkıntılarını ve sapmalarını tanımlar. Nesneyi üçüncü boyuta yerleştirirler.

         Zamanımızda, iyice incelenmiş ve somutlaştırılmış bir formun yaratılmasına olan ilgi yeniden canlanıyor. Bu, derin bir ton çalışması gerektirir. Profesör Ted Jacobs, formun kabartma düzenlemesinin özünü herkesten daha iyi anlıyor. Ayrıca ışığın bir nesnede nasıl yayıldığını daha iyi anlamamıza yardımcı oldu. Hızla değişen biçimlere bu şekilde odaklanmak, doğanın çok bilgiççe ve derin bir şekilde incelenmesini gerektirir.

         Bu resimde çoğunlukla orta tonlar var. Aksanların çoğu, sert ve yumuşak kenarlar arasındaki geçişle oluşturulur.

         BARBARA ÇATUS. Yunan anahtarı. 1999. Kağıt, karakalem ve kurşun kalem Conte. 55,8x76,2 cm

         Bu optik yanılsama, inandırıcı bir yanılsama yaratmak için ışığın doğruluğuna dayanır. Gölge alanındaki zar zor fark edilen refleksler, hacim yanılsamasını artırır. Katus'un ideal geometrik şekillerle nasıl oynadığına ve onları doğal olanlarla karşılaştırdığına dikkat edin.

         AYKIRI. COLLIN BARRY.

         Laocoon'un alçı kafasının çizimi (detay). 2010. Kağıt, grafit. 50,8x40,6 cm

         Güzel bir şekilde yapılmış bir alçı kafa çizimi, gizli öğeler içerir. Sayfanın üst kısmındaki ok ışığın yönünü, altındaki küp başın yönünü, yandaki ölçüler ise başın oranlarını göstermektedir. Kırık formun arkasındaki gölgelerin açık tonunda refleksler vardır.

  Refleks

         Refleks - çevredeki nesnelerden gölge alanına yansıyan ışık. Yansıtıcı yüzeye bağlı olarak güçlü veya zayıf olabilir. Örneğin, bir alçı figür üzerinde koyu tonlu bir folyo parçasını getirip ışığı yakalayacak şekilde döndürürseniz, ton kıyaslanamaz bir şekilde daha açık hale gelir. Örneğin bir kadife parçası ışığı hiç yansıtmayabilir.

         Kapısı pencerenin karşısında olan bir odaya girdiğinizi ve bir arkadaşınızın öne çıkıp merhaba dediğini düşünün. İlk saniyede sadece arkadan aydınlatılan bir figür, bir silüet göreceksiniz. Yavaş yavaş, siz arkadaşınızın yüzüne odaklandıkça, gözler ışığa uyum sağlar ve silüette bir rahatlama belirir. Odadaki yansıyan ışık, her şeyi ayrıntılı olarak görmenize yardımcı olacaktır.

         Hayatta bu süreç sorunsuz ilerlerken sanatta bazen sorunlar yaratır. Bir nesneye ne kadar uzun bakarsanız, o kadar çok şey görürsünüz. Gölgeler öne çıkıyor ve ışık sönüyor - aslında tam tersi oluyor. Kısaca reflekslerin ikilemi budur .

         Doğru kullanıldığında refleks, görüntünün hacmini vurgulayacak ve daha çekici hale getirecektir. Ancak çok fazla veya çok yoğun olursa tasarım zarar görür. Bir çizim üzerinde çalışırken sorun yaşamamak için genelden özele doğru görsel bilgileri yeniden oluşturun. Küçük ton alanlarını ve bunların büyük olanlarla yazışmalarını analiz edin. Genellikle bu süreçte reflekslerin göründüğünden daha karanlık olduğu görülür. Ton çalışmasını bitirdikten sonra, reflekslerin ne kadar doğru tasvir edildiğini tekrar kontrol edin. Bunları sürekli olarak genel tonla karşılaştırın.

           JULİET ARİSTİDE.

         Gümüş çaydanlık. 2010. Kağıt, ceviz derisi mürekkebi ve karakalem. 25,4x25,4 cm

         Metal yüzeylerin özelliklerinden biri, dar bir yarı ton aralığıdır. Bir nesneye asılmış gibi görünüyorlar. Burada vurgu, çevredeki tonlarla güçlü bir kontrast oluşturur.

         AYKIRI. MARİO ROBİNSON. Mahremiyet. Tarih bilinmiyor. Kağıt, pastel. 21,6 x 19,7 cm Ann Long Gallery'nin izniyle (Charleston)

         Robinson, alındaki dağınık ışıktan alt dudaktaki parlak dikey çizgilere kadar tüm olası vurguları tek bir portrede kullandı.

 parlama

         Vurgular, doğru şekilde yerleştirildiğinde bütünlük ve parlaklık efekti ekleyen hafif vurgulardır. Bu nedenle, birçok sanatçı onları canlandırmak için çok acele ediyor. Bazen işe yarar. Çizim doğru yapılmışsa ve tamamlanmak üzereyse, doğru yerleştirilmiş vurgular çizime bir tamamlanmışlık hissi verecektir. Ancak onları erken bir aşamada çizerseniz, izleyiciye çizimin henüz istendiği gibi çıkmadığını göstereceklerdir.

         Birçok öğretmen gibi ben de vurgulamaların uygulanmasını işin son aşamasına ertelemenizi tavsiye ederim. Güzel bir çizimde, bazen en parlak nokta, etrafındaki tonu uygulama sürecinde oluşturulur. Form , ışık ve parlaklık hissi getirerek kademeli olarak işlenir . Parlama, neredeyse bitmiş bir parçada odaklanılması gereken son şeydir.

         Aslında - saygısızlık gibi görünse de - bazen parlamaya hiç gerek yoktur. Büyük formlar bazen canlı ve güçlü görünür ve vurguların çeşitliliği bu izlenimi yok edebilir. Bazen genel yerel tonu büyük hafif formlarda tutmak daha iyidir. Vurguların gerekliliğini ve doğasını çizimin amacına göre belirlemek en doğru olanıdır. En iyi sonucu elde etmenize yardımcı olacakları seçin.

         Vurguları mümkün olduğunca geç uygulayın.

         Hangi yaklaşımı seçerseniz seçin, unutmayın: vurgu, parlayan bir noktadır. Nesnenin şeklini tanımlamaz, ancak üzerinde bulunur. Bu özellikle parlak, yansıtıcı ve metalik nesneler için geçerlidir. Burada parlama, buzdolabı mıknatıslarından daha fazla yüzeyin bir parçası gibi görünüyor: sanki parlamayı kolayca kaldırabilir ve yanınıza alabilirmişsiniz gibi. Ve nesnenin yüzey dokusu ne kadar yumuşaksa, vurgunun aydınlatılan alanın ayrılmaz bir parçası olduğu izlenimi o kadar güçlü olur. Örneğin, bir çocuğun bacağındaki "parlama", parlak bir tonun yumuşak bir şekilde derecelendirilmesiyle yeniden üretilir. Yanlış yerleştirilirse, izleyici bir kayıp bırakacaktır: yüzey yumuşak olmasına rağmen metalik gibi görünür ve bunun tersi de geçerlidir.

         Vurgular üzerinde çalışırken, ışık dağılımı yasasını ve kişisel tercihleri unutmayın. İpuçları burada yardımcı olacaktır. Vurguyu çevreleyen küçük ton alanlarını değerlendirin ve yanlarındaki diğer tonlarla karıştırın. Vurgu etrafındaki konturların doğasını tanımlayın. Vurguları, nesnenin genel hacmini vurgulayacak şekilde uygulayın.

          ®OUCtU

          IRVIN RODRIGUEZ. Bilinmeyen bir heykeltıraş tarafından atlı bir heykelin alçı kopyasının çizimi (tamamlanmamış). 2010. Kağıt, grafit. 55,8x55,8 cm

         Sanatçı, "panjur" adı verilen bir yöntem kullanarak görüntünün tepesinden başladı ve yavaş yavaş aşağı ve sağa doğru ilerledi. En alta geldiğinde çizim tamamlanmış olacaktır.

 Pratik Şekil Çizimi İpuçları

         Bir form çizerken, sonucun anlamlılığı teknik tekniklerden etkilenir. Elbette el ve göz eğitilmelidir, ancak diğer (çoğunlukla pratik) yönler ek bir koz sağlar. Büyük bir avantaj, şövale her oturduğunuzda her şeyi düşünme ihtiyacını ortadan kaldıracak olan kendi çalışma şekliniz olacaktır. Amaç, zihni, eli ve gözleri bir araya getirmenin mükemmel yolunu bulmaktır.

         Sanatçı olma sürecinde, önerilen yöntemleri uygulamakta rahat olduğumu fark ettim.

         aynı zamanda ne aranacağını önerir ve bulunanın tanınmasına yardımcı olur. İlk başta önerilen yöntemi benimsedim ve daha sonra özünü tam olarak anladım. Sanatta sistematizasyon, el ve gözle yaratıcı simbiyoz içindeyken algı kapılarını açmayı mümkün kılar. Aşağıda, üç boyutlu bir çizime başlamak için denenmiş ve test edilmiş birkaç yol bulunmaktadır.

          IRVIN RODRIGUEZ. Bilinmeyen bir heykeltıraş tarafından atlı bir heykelin alçı kopyasının çizimi. 2010. Kağıt, grafit. 55,8x55,8 cm

         Uçtan uca tutarlı çalışma

         New York'ta bir öğrenci olarak, Tony Ryder (Ted Jacobs'un eski bir öğrencisi) ile bir ustalık dersi aldım. Sayfada zıpladığımı söyledi ve form üzerinde bir uçtan diğer uca metodik olarak çalışmamı önerdi. Tony, gideceğim yere "hava" yerine "kara" ile seyahat etmemi tavsiye etti. Biçimi algılamanın yeni bir yolunda ustalaşırken onunla tartıştım.

         Tutarlı çalışmalarda grafit inandırıcı bir ton oluşturur. Sanatçı tamamen her bir parçaya odaklanır ve bir sonrakine geçmeden önce onu mükemmel bir şekilde parlatır.

         Bazen doğru zamanda doğru sözler hayatları değiştirebilir. Resme gerçekten bayıldım. İşe daha düşünceli bir tonla yaklaşmam gerekiyordu. Nesnenin derisi, kelimenin tam anlamıyla görüntünün üzerine gerilmelidir. Bu, aşırı konsantrasyon gerektirir: tüm ayrıntılara dikkatlice bakmanız ve maksimumda kullanmanız gerekir.

         Bu yönteme başlamak için kalıbın kırılma noktasına yakın bir alan seçin ve ona yaklaşık olarak uyumlu bir ton uygulayın. Gölgeden ışığa minyatür bir ton ölçeği oluşturan en küçük değişikliklerde algılanamayan geçişler arayın. Elinizde bir ton ölçeği bulundurmak ve formdaki kırılmanın tonuna en yakın tonu işaretlemek uygundur. Ardından vurguların tonunu belirleyin. Nesneyi doğru şekilde çoğaltmak için ara tonlara girmeniz gerekir. Ton ölçeğine göre sistematik bir şekilde ilkinin yanındaki tonları kademeli olarak çalışın. Unutmayın: ölçek yalnızca 9 ton içerir, ancak daha fazlasına ihtiyacınız olacak.

         Her seferinde bir alan üzerinde çalışın. Küçük alanlarda titizlikle çalışmayı düşündüğünüzde, benim yaptığım gibi ürkebilirsiniz. Zamanı daha verimli kullanmak ve genel tonu daha geniş bir alana uygulamak isteyebilirsiniz. Ancak bunu gölgeler dışında hiçbir yerde yapmanızı tavsiye etmiyorum: o zaman tonal geçiş ve yapının nüanslarını netleştirmek daha zor olacaktır. Gecikmiş girişimler - ne kadar gayretli olursa olsun - başlangıçta basitleştirilmiş olanı önemli ölçüde değiştiremeyecektir.

          GİUSEPPE BAĞETTİ. 1800 İtalyan seferi sırasında harekat sahası haline gelen İtalya bölgesinin genel görünümü . Tarih bilinmiyor. Kağıt, sulu boya. 120x19 cm Versay Sarayı ve Grand Trianon (Versailles) koleksiyonundan

         Fotoğraf: Frank Roh Fotoğraf Kaynağı: Rcumon des Musee Nationaux / Art Resource, New York, NY

         Güneş ışığı sıradağları doldurur, zirvelere yapışır ve tıpkı insan vücudunun çıkıntılarına ve çukurlarına düştüğü gibi vadilere sızar.

         AYKIRI. LISA JOSEPH. Marco d'Oggiono'nun "Mezardan Yükselen İsa'nın Cüppesi" adlı çalışmasının kopyası. 2010. Mavi kağıt, gümüş iğne ve beyaz ton hazırladı. 27,9x23,5 cm Aristide atölyesinin izniyle

         Perdelik, rahatlama ve ritmi incelemek için mükemmel bir fırsat sağlar. Ayrıca sapma açılarını ve ölçümlerini belirlemek için iyi bir alıştırmadır.

         Ayrıntılı bir alanla başlamak Üç boyutlu bir çizim üzerinde çalışmak sabır gerektirir. Dünyaya yeni bir bakış açısı gerektiren yavaş ve metodik bir süreçtir. İlk başta hiçbir şey görmezseniz şaşırmayın. Burada, iyi aydınlatılmış bir odadan loş bir odaya girerken olduğu gibi , gözlerin alışması için zamana ihtiyacı vardır.

         Herhangi bir nesne, formun kırılması ile ışık arasında yer alan orta tonlara sahiptir. Bir ton geçişine ihtiyaç duyulmayan tek durum, keskin kenarlı 90 ° 'lik bir açıda bulunan düzlemler arasındaki sınırdır. Bazı alanlar diğerlerinden daha fazla hacim gösterir. Düzlemdeki ton geçişi zar zor fark edildiğinden (uyluğun önden aydınlatılan geniş düzleminde olduğu gibi), burada hacmi aktarmak kolay değildir. Pileli kumaş gibi bazı nesnelerin çizilmesi daha kolaydır: ayrıntılar görülebilir ve bu nedenle daha doğru bir şekilde yeniden üretilebilir.

         Bu nedenle, cilt üzerinde çalışmaya ayrıntılı bir alanla başlamanızı tavsiye ederim. Bu, daha düz bir yüzeye veya daha az tonlu bir alana geçerken gözlerin uyum sağlamasını kolaylaştıracaktır. Düzensizlikler veya eşlik eden birkaç kabartma unsuru olan formda bir kırılma ile başlamak özellikle uygundur. Şeklin kırılmasından uzanan yarı tonların oluşturduğu şekillerin ana hatlarını kolayca çizin.

           Bu alçı kafa çizimleri serisi, Floransa Güzel Sanatlar Akademisi öğretmeni Stephen Boman tarafından s. 54-55. İlk olarak Boman, görüntünün oranlarını ve ana gölge ve ışık alanlarını aynı anda ayarlayan bir kompozisyon çerçevesi yaratarak basitleştirilmiş çizgileri yeniden üretti.

         Ardından yüzdeki gölgelerle karışan bir fon uyguladı. Formun kırılmasına dikkat çeken ışığın genel şeklini korudu. Tonlar düzdür: bu aşamada bir hacimden çok bir süs olarak görülürler.

          Gölgeden ışığa (veya tersi)

         Eğitmen Jacob Collins, çalışma sırasını gölgeden ışığa takip etme ihtiyacını her zaman vurgulamıştır. Yaklaşımını ilk kez gösterdiği zamanı hatırlıyorum. Kalıbın kırılmasından dikkatlice uzaklaşarak tonu uygulamaya başladı. Çok karanlık olduğunu düşündüm. Modele baktım ve hiçbir yerde bu kadar yoğun bir ton görmedim. Ama bitirdiğinde iş güzel, kesin ve inandırıcıydı. Bu sırayı öğrenmem uzun zaman aldı: Jacob'ı çalışırken izledim ve ona gölgelerden çalışma yöntemi hakkında sorular sordum. Yarım tonları yakalamanın zor olduğunu açıkladı. Gölgelerden uzaklaşırsak, bu göze çarpmayan, kararsız yoldaşlar için kesinlikle yeterli yer olacaktır, tersi değil.

         Çizim malzemeleri sınırlı bir ton aralığı iletebilir. Tonu tam olarak gördüğünüz gibi konumlandırırsanız, kenarlara doğru solmaya başladığını fark edeceksiniz. Hacim yanılsamasını tam olarak elde etmek için, kırık bölgeden çalışma durumunda tonu göründüğünden daha koyu yapmanız gerekebilir.

          STEVEN BOMAN. Bilinmeyen bir heykeltıraş tarafından sakallı yaşlı bir adamın alçı kafasının çizimi. 2008. Kağıt, grafit. 55x40 cm Floransa Güzel Sanatlar Akademisi koleksiyonundan

         Son olarak Boman, hacimsel formun üzerine düşen inandırıcı bir ışık yanılsaması yaratarak tonları dikkatlice ayarladı. Güçlü başlangıç kompozisyonu ve ton aktarımının bütünlüğü son aşamaya kadar korunmuştur. Böyle bir sekans, her şeyden önce, ışıklandırmanın ve nesnenin doğası hakkında izleyiciye bilgi aktaranın yarı tonlar olduğunu gösterir.

         Jacob'ın gösteri sırasında yaptığı gibi. Orta ton alanının genişlemesi, ışığın teleskopik bir etkisini yaratır. Işık alanının sıkıştırılmış şekli gözleri aldatır : onu bir parıltı olarak algılarlar. Sanatsal malzemenin olanaklarını bu şekilde aşıyoruz.

         Üç boyutlu bir çizim yapmak için görmeden önce inanmanız gerekir. Göründüğünden daha derin bir ton uygulamanız gerekecek. İlk başta bunu sadece gerekli olduğu için yapacaksınız, ancak yavaş yavaş bu yaklaşımın doğru olduğunu kendiniz görebileceksiniz.

         Bazen yarı tonları en aza indirmeniz gerekir ve o zaman diğer yöne gitmek mantıklıdır - ışıktan gölgeye çalışmak. Daha 17. yüzyılda, Sir Joshua Reynolds Derslerinde bu çalışma biçiminden bahsetmişti: "Mevcut aralık tükenene ve resmin çoğu gölgede kaybolana kadar ışıktan gölgeler uygulayın, her şeyi uygun oranda karartın." Aynı çizimi iki şekilde yapıp sonuçları karşılaştırmakta fayda olabilir.

           STEVEN EARLE. değerlendirici 2009. Kağıt, grafit. 27,9x35,6 cm

         Ton Farkı Analizi

         Üç boyutlu çizimi öğretmek, bir nesnenin kabartmasını tanımlayan algılanamaz ton geçişlerine olan sevgiye dayanır. Halihazırda çizim yapanlar için bile bu alanları görmek ve çoğaltmak kolay değil. Öznenin derisi boyunca akan küçük ışık ve gölge derecikleri aramanız gerekir.

         Üç boyutlu bir çizimin görevi, hayali veya ideal değil, gerçek bir nesnenin görüntüsüdür. Uçup gideni sürdürür.

         İlkinin uzaydan çekildiği, sonrakinin Dünya'yı yakınlaştırdığı, ardından bir kıtaya, eyalete, şehre, bölgeye ve son olarak da bir binaya odaklandığı hızlı tempolu bir çekim gördüyseniz, bu yakınlaştırma değişimini hayal edebilirsiniz. Bildiğiniz her şeyi unutun ve bir topografik harita çizen bir haritacı olun.

         Özenle hazırlanmış portre, koyu saç kütlesi ve arka planla tezat oluşturuyor. Ardından sanatçı, nesnenin sağlam görünümüne dikkatimizi çekiyor.

         AYKIRI. JOHN DEMARTIN.

         "İnanç Unutkanlığı" için başın incelenmesi. 2006. Renkli kağıt, İtalyan kalemi, tebeşir. 50.8x38.1cm

         Bu harika otoportre, resim için bir hazırlık çizimidir. Yüzün en küçük özelliği, sanatçının karakterini ve kararlılığını yansıtır.

          JULİET ARİSTİDE.

         Apollon. 2010. Renkli kağıt, karakalem ve beyaz ton. 61x45.7 cm

         Işık, nesneyi sağdan sola doğru akıtır ve kaynaktan uzaklaştıkça yoğunluğunu kaybeder. Bir figür çizmenin karmaşıklığı, ışık akışının birliğini korumada ve küçük yapısal öğeleri dikkatlice yeniden üretmede yatmaktadır.

         AYKIRI. ELIZABETH SENZINGER. Dinleniyor Sarah. 2008. Kağıt, kömür. 52,1 x 45,7 cm Aristide atölyesinin izniyle

         Atölyemden ikinci sınıf öğrencisi olan sanatçı, figürün önüne düşen ışık kaynağını her zaman hatırlıyor. Tüm tonlar, arka ışıkla aydınlatılan en parlak alana ve omuzda beyaz bir vurguya kademeli olarak açılır.

         * Fransa, Hollanda ve İtalya'yı kapsayan uzun bir yolculuk. 18. yüzyılda bir İngiliz beyefendisinin eğitiminde ortak bir unsur. Not. başına.

         yüzey haritası. Küçük bir ışık tepesine giden her küçük gölgeyi takip edin. Zirvelere tırmanın ve vadilere inin. Büyük Turun* sonunda tüm bunlar sizin tarafınızdan kaydedilecektir.

         Işık kaynağınızı düşünün

         Hacim üzerinde çalışırken, nesne ile ışık kaynağı arasındaki ilişkiyi akılda tutmak önemlidir. Bir nesnenin pozisyonundaki bir değişiklik, yüzey kabartmasının gölgesinde karşılık gelen değişiklikleri gerektirir. Nesnenin her noktası, kaynağının gücüne ve doğasına bağlı olarak belirli miktarda ışık alır. Işık yandan geliyorsa, kaynağa daha yakın olan her form öğesi, uzaktakilerden daha hafif olacaktır. Işık kaynağına yaklaştıkça konu aydınlanır (ancak çok karanlıksa, o kadar belirgin olmayabilir). Ve nesne ışık kaynağından ne kadar uzaksa, o kadar karanlıktır.

         Rembrandt'ın portrelerinde yüze düşen ışık en güçlü aydınlığı alında veriyordu. Yüzün alt kısmındaki ve çenedeki ışık düzlemlerinin çalışmasını bitiren sanatçı, tonlar arasındaki farkı hesaba kattı. Rembrandt, mesafe yaklaşık 10 cm olsa bile, uçaklar ışık kaynağından uzaklaştıkça tonun parlaklığının azalmasına dikkat etmesi gerektiğini anladı.İlk bakışta yüzün tüm parlak tarafı ona eşit derecede parlak göründü, ancak Rembrandt hacim oluşturmak için bu alandaki tonları gölgelemesi gerektiğini biliyordu. Ne arayacağını zaten biliyordu.

         Işık kaynağını göz önünde bulundurun: ışığın geliş açısı ve nesneye olan mesafe. Ardından , ton geçişlerini kopyalayabilir ve kopyalayamazsınız.

         Tony Ryder bunu çok iyi ifade etti: “ Tonları kopyalarken ışığın karakterini gözden kaçırmak çok kolay. Resimde, ışık parlamalıdır. Her bir öğeyi belirli bir miktarda ışıktan kalıplamak, sonuncusunu bir yere eklemek ve başka bir yerde karartmak suretiyle şekillendirilmelidir . ”

         Gördüğünüzü kopyalamayın, görsel bilgileri tamamlamak için bilginizi kullanın. İşin nihai yargısı, nesneye benzerliğine değil, görüntünün kendi içinde ne kadar güzel olduğuna bağlı olacaktır.

           Küçük bir eskiz, tonal kompozisyonun ana konseptini göstermektedir. Çizimdeki tonların genel dağılımı için bir plan görevi görür.

         KATHERINE LİDERLER. Heykeltıraş Claude François Attire'nin "Aklı Arayan" büstünün çizimi. 2010. Kağıt, kömür. 45,7 x 30,5 cm Aristide atölyesinin izniyle

         Atölyede birinci sınıf öğrencisi olan Katherine, tonal eskizden oranların ölçülmesine kadar çizim üzerinde çalışarak sürece metodik olarak yaklaştı. Oranları ayarladıktan sonra, genel resmi kaybetme korkusu olmadan formun her bölümünü dikkatlice yeniden üretti.

          Büyük Resmi Aklınızda Tutun

         Ayrıntılara uzun süre odaklanırsanız, büyük resmi gözden kaçırabilirsiniz. Hem orantı hem de ton dağılımında temel hatalar içeren güzelce yapılmış çizimler gördüm. Bir çizim zaten bu tür kusurlarla bittiğinde, onu kurtarmak neredeyse imkansızdır.

         Neyse ki, bu küçük bir ön çalışma ile önlenebilir. Küçük bir eskiz, ton kompozisyonu için bir plan görevi görecektir. Jest çizimi, sabit bir hareket akışının çizimin farklı kısımlarını birleştirmesini sağlamaya yardımcı olacaktır.

         Dikkatli ölçümler, tüm oranların belirlenmesine yardımcı olacaktır. Boyama sürecinin doğal akışı, ton uygulamak için sağlam bir temel oluşturur. O zaman şimdiden yoldan çıkma korkusu olmadan küçük ayrıntılara odaklanabilirsiniz.

         Parçaların düzenlenmesi genel yapıya bağlıdır.

         Çizimin tutarlı olmasını sağlamaya yardımcı olacak bir plan geliştirdik. Şimdi bir denge üzerinde çalışıyoruz, daha doğrusu iki ucu uzlaştırıyoruz. Çizim, sanki model plastikten yapılmış gibi tek tip kalmalı, ancak basitleştirilmemelidir. Bu nedenle, görüntünün bütünlüğünü sürekli kontrol etmeniz gerekir. Üç boyutlu bir çizim yapılırken, parçalardan biri bütünlük ve kontrast açısından her zaman öne çıkacaktır. Bir sonraki parça, dikkatlice yürütülen ve algılanamayan bir geçiş kullanılarak komşu olanlarla birleştirilmelidir.

         Ses üzerinde çalışırken görüntüyü ayarlamaya devam edin. Son iyileştirme aşamasında, "çizimi ince bir tarakla tararsınız." Çizimin alanlarını tonlarken, hassaslaştırırken ve birleştirirken küçük form hataları ortaya çıkabilir. Ve çizim ne kadar gerçekçi olursa, o kadar belirgin olurlar. İşin son aşamasında yapılan birçok küçük düzeltme, genel izlenimi önemli ölçüde iyileştirebilir.

         David DWYER. "Pırasa ve Balkabağı" çalışması için tonlu eskiz. 2007. Kağıt, grafit. 7,6x17,8 cm Aristide atölyesinin izniyle

         David, planladığı her resim için tonlu bir eskiz yapar ( iş akışının bir gösterimi için bkz. sayfa 155157 ) . Bu aşamada ton alanlarının dikkatli bir şekilde düzenlenmesi, bitmiş işi çekici kılacak şeylerin çoğunun yakalanmasına yardımcı olur.

            Doğru Malzeme ve Teknikleri Kullanın Malzemeyle nasıl çalıştığınıza bağlı olarak hacim yaratmanın tamamen teknik bir yönü vardır. İşin başarısının bir kısmı kağıdın türüne, malzemelerine ve mizacına bağlıdır. Bireysel özelliklerinizi dikkate almaya çalışın. Kağıda ton uygulamanın doğru ya da yanlış bir yolu yoktur: Sonuç iyiyse, yol doğrudur.

         Kağıdın malzeme algısı sonucu önemli ölçüde etkileyebilir. Kağıdın dokusu bazen çok pürüzlüyse bir engel haline gelir ve örneğin kömürle çalışırsınız. Farklı türleri deneyin ve size uygun olanları seçin.

         Çok az deneyiminiz varsa ve hala hafif çizgiler çizmeniz zorsa, grafit kalem size uyacaktır. Ve tonu kademeli olarak artırmak için keskinleştirilmesi gerekir.

         Tonları çözmenin birçok yolu vardır: malzemeyi değiştirin ve daha sert veya daha yumuşak bir tane seçin, basıncı değiştirin. Kömür kullanıyorsanız, çok keskin bir orta veya sert doğal ile başlamanızı öneririm (basıncı kontrol etmek daha kolaydır). Genel bir açık tonla başlayın ve derinliği artırarak kademeli olarak koyulaştırın. Gölgeler yumuşak ışıktan daha bağışlayıcıdır, bu nedenle yavaş ve dikkatli çalışın. Işık için sert bir kalem kullanabilir ve ardından tonu derinleştirmeniz gerektiğinde yumuşak veya karakalem geçiş yapabilirsiniz. Hacim üzerinde çalışırken en iyi sonucu elde etmeye çalışın ve saate bakmayın. Sanatta, söylendiği gibi, hız için ödül yoktur.

         ZOİE FRANK. Gaz binası. 2010. Renkli kağıt, kalem ve tebeşir. 20.3x25.4 cm Aristide atölyesinin izniyle

         Stüdyoda bir natürmort veya bir figür üzerinde çalışmak için kullanılan teknikler, üçüncü sınıf atölye öğrencisinin açık havada yaptığı gibi, terk edilmiş bir gaz yapısını boyayarak her durumda uygulanabilir.

         AYKIRI. MENEKŞE OAKLEY.

         Tüm Melekler Kilisesi: Kılıcı olan ayakta duran bir erkek melek. Bej renkli kağıt, karakalem ve pastel. 45x25.4 cm Pensilvanya Güzel Sanatlar Akademisi (Philadelphia) koleksiyonundan. Topluluk Anma Hediyesi Violet Oakley

         Temelleri öğrenmek ve ustalaşmak, gözleri ve elleri eğitmekle geçen zor yıllar, kişinin kendini ifade etmesini ve hayatı boyunca kendini geliştirmesini mümkün kılar.

         JOSHUA LANGSTAFF.

         Kıvrımlı sarı bir huş ağacı gövdesinin incelenmesi. 2007. Kağıt, grafit. 35,6x27,9 cm

         Bir Aristide mezunu olan Langstaff, bu ağacın bükülmüş gövdesinde, ışığın form etrafında nasıl aktığını anlamak için bir fırsat gördü.

  

 Sonuçlar

         Işığı, gölgeyi, tonu ve şekli kontrol etmek ilk başta göz korkutucu gelebilir. Zaten oranlar ve poz üzerinde çalışma sürecinde olan ton bileşenlerini belirlemek zordur. Bir genç olarak manuel araba kullanmayı öğrendiğimde, aynı anda yola bakıp, pedallara basabileceğinizi, vites değiştirebileceğinizi ve yönlendirebileceğinizi hayal etmek benim için zordu. Şimdi, elbette, tüm bunları düşünmeden yapıyorum - ve aynı zamanda konuşabiliyor, kahve içebiliyor ve kahvaltı yapabiliyorum. Uygulama ile bir alışkanlık kazanılır. Bir süre sonra her şey zahmetsizce gerçekleşecek.

         Tüm bu kurallarla tamamladığınız ilk birkaç çizim zor olacaktır. Belki de süreç neşe getirmeyecek. Belki siz de benim gibi, işler iyiye gitmeden önce daha da kötüye gittiğinizi hissedeceksiniz. Doğal çizim şeklinin kontrol edilmesi gerekecek ve rahatsız edici görünmeye başlayacak. Olması gereken yol bu. Her çalışkan çizimdeki beceriler aşağıda gerçekleştirilebilir. Süreci nasıl kısaltacağınızı ve basitleştireceğinizi öğreneceksiniz.

          JOSHUA LANGSTAFF. Güvercin. 2006. Kağıt, kalem. 35,5x27,9 cm

         Bitmemiş bir çizim, yazarın sanatsal teknikleri hakkında gerçek bir bilgi hazinesidir. Burada atölyeden mezun olan Langstaff'ın çizgi çizme ile işe başladığını ve ancak ondan sonra hacim yaratmaya geçtiğini görebilirsiniz.

         Öğrencilerimin örneğini kullanarak, azim ve konsantrasyonun malzemeye çok hızlı bir şekilde hakim olmanıza izin verdiğine bir kez daha ikna oldum.

         Öğrencilerim ilk birkaç ayı bir mücadele içinde geçirdiler ve gözle görülür bir ilerleme olmadı. Ve sonra birdenbire, büyük bir atılımdan bahseden bir çizimleri var. Bunu genellikle yaklaşık bir haftalık hayal kırıklığı yaratan bir geri çekilme izler. Ancak çok geçmeden öğrenciler sağlam bir şekilde edinilmiş becerilerden sağlam bir temel kazanırlar ve böylesine güvenilir bir başlangıç, istisnadan çok kuraldır. Bu döngüyü tekrarlamayı bekleyin. Geldiğini fark ederseniz, onu beklemek sizin için daha kolay olacaktır.

         Uzun yıllar boyunca formu net bir şekilde görmeyi öğrendim ve şimdi bana sonsuz bir zevk ve zevk kaynağı gibi geliyor. Zevklerim değişti: Kompozisyonda hala güçlü, kendinden emin vuruşları seviyorum ama asıl aşkım rafine çizimlerde yatıyor. Nesne hakkında derin bir anlayış gösterirler. Ayrıntıları incelemeden formun incelenmesi düşünülemez. Bütün bunlar gözlem gerektirir. Somutun, somutun ve bireyin ilahisidir. Bu şekilde, bir nesnenin iyi bilinen evrensel özelliklerinden ziyade mutlak benzersizliği ve özellikleri yakalanabilir.

 6. DERS FORM ÇİZİMİ

         Bir şekle düşen ışığın etkisi, nesne ne olursa olsun ilginç bir olgudur çünkü ışık güzeldir. Işık ve hacmin mantığı ve yasaları, karmaşık bir manzaradan basit bir natürmorta kadar her şeyi yeniden üretmek için uygulanabilir. Ancak bir portre üzerinde çalışırken formu incelemek ek bir zorluk yaratır: oranları doğru bir şekilde iletmek gerekir ve doğruysa sonuç çok daha tatmin edici olacaktır.

         Bu dersin amacı, ışığı ve gölgeleri "yontarak" yalnızca bir hacim ve kütle duygusu yaratmak değil, aynı zamanda insan doğasına ilişkin akıl yürütmeyi belgelemektir. Aşağıda gösterilen özenli, analitik yaklaşım, kelimenin tam anlamıyla klasik olmaya devam ediyor. Fransız ressam Eugène Delacroix günlüğünde şöyle yazmıştı: "'Klasik' terimini, zihni yalnızca duyguların veya nesnelerin doğru, görkemli veya canlı bir şekilde somutlaştırılmasıyla değil, aynı zamanda bütünlük ve mantıksal düzenlemeyle de tatmin eden - genel olarak, bariz sadelik izlenimini artıran tüm bu niteliklere sahip olan tüm düzenli eserler için kullanırdım."

         MALZEMELER

         Siyah beyaz çizime hazırlanmak için aşağıdaki malzemelere ihtiyacınız olacak.

         doğal kömür

         Beyaz tebeşir kalemi Zımpara kağıdı

         Kömür çizim kağıdı

         kağıt bant

         şakül

         İnce şiş veya şiş

         HAZIRLIK

         Bu eğitim için, bir natürmort, canlı bir model veya bir stüdyodaki alçıdan bir kafa dahil herhangi bir konuyu seçebilirsiniz. Başka bir seçenek de iyi bir heykel koleksiyonu olan bir müzeye gitmek (hemen orada çalışabilirsiniz). Çoğu yerde kalemle çizim yapmanıza izin verilir ve özellikle misafirperver yerlerde size bir sandalye sunulur. Küçük bir çalışmayı bir günde veya bitmiş bir çizimi birkaç ayda tamamlayabilirsiniz - seçiminiz.

         Yeteneklerinizi tam olarak gerçekleştirmek için, mümkünse sol üstte doğru aydınlatmayı düzenleyin. Bir pencereden veya başını eğerek masa lambasından gelen ışığı kullanarak bir natürmort, maket veya alçı üzerinde ilginç gölgeler oluşturmasını sağlayabilirsiniz. Nesneleri, başınızı kaldırıp indirmenize gerek kalmadan açıkça görülebilecek şekilde konumlandırın. Burada kullanılan görsel ölçüm yöntemini veya karşılaştırma yöntemini kullanabilirsiniz. 48-51. Ana şeyi unutma: nesneye olan mesafe, yüksekliğinin üçü kadar olmalıdır. Kağıdı, çizimi ve nesneyi aynı anda görebilmeniz için rahat bir açıyla yerleştirin.

         ÇİZİM ÜZERİNDE ÇALIŞMA

         Ayrı bir tür olarak portre, binlerce yıldır var olmuştur. Bir insan hayatını yakalamanıza ve gizli psikolojik nüansları iletmenize olanak tanır. Sanatçı ve eğitimci Richard Lack, öğrencilerine çok zor olduğu için portrelere başlamamalarını tavsiye etti. "İyi bir kafa çalışması" yapmaya odaklanmayı önerdi. Bu yaklaşım, benzerlik elde etme arzusunun neden olduğu kaygıyı kısmen hafifletebilir.

          BİRİNCİ AŞAMA: Başın konturlarını ve oranlarını belirleyin. Bu kompozisyon şemasında ölçek ve oranlar açıktır, varsayımsal bir boşluk vardır.

          İKİNCİ AŞAMA: Özelliklerin doğru konumunu kontrol etmek için gölgelerin şeklini kullanın. Hayali bir simetri çizgisiyle ayrılmış yüzün kenarlarının ideal oranına özellikle dikkat edin.

         İLK AŞAMA:

         boyutlandırma ve konumlandırma

         Ölçeği tanımlayarak başlayın. Sayfadaki resim ne kadar büyük olmalı? Görsel ölçüm yöntemini kullanacaksanız, hepsi nesnenin boyutuna ve ona olan mesafeye bağlıdır. Karşılaştırma yöntemini tercih ederseniz ölçeği kendiniz seçebilirsiniz. Her durumda, çizimin gerçek boyutunu aşmaması önerilir. Kafanın üstünü, altını ve genişliğini işaretleyin. Bu, varsayımsal bir alan oluşturur ve kompozisyonu ayarlar. Jordan en başından itibaren boynun haritasını çıkardı ve bukleler gibi ana alanları hızla belirledi. Ayrıca, çizgiler yerine kütlelerini kullanarak yüz özelliklerinin konumunu iyileştirmek için ton alanlarını işaretledi. Ne kadar hafif çizgiler çizdiğine dikkat edin.

         İKİNCİ AŞAMA: yer işaretlerini arayın

         Bu aşamada alnın ortasından, gözlerin arasından ve burnun dibine kadar bir orta çizgi çizmek uygundur (Jordan'ın çiziminde orta hat mevcut değil ima edilmiştir ve modelin yüzü hafifçe sağa çevrilmiştir). Bu, başın yönünü yönlendirmeye ve yüz özelliklerinin (her zaman orta hatta dik olacak) konumunu belirlemeye yardımcı olacaktır.

         Birkaç temel yönergeyi özetledikten sonra, temel oranları belirleyeceksiniz. Jordan genelden özele doğru çalışır. Yüz özelliklerinin yerini tonlu alanlarla özetledi ve ayrıntılar daha sonra açıklığa kavuşturulacak.

          ÜÇÜNCÜ ADIM: Ton alanlarını ve yüz hatlarını iyileştirerek koyu vurgular ve düz konturlar ekleyin.

          DÖRDÜNCÜ AŞAMA: ışık kaynağına daha yakın yerleştirilmiş kabartma formlar üzerinde çalışın.

         ÜÇÜNCÜ AŞAMA: gölgelerin şeklini belirlemek Burada yüz hatlarından rahatsız olmamak çok önemlidir. Jordan'ın gölgeler üzerinde nasıl çalıştığına dikkat edin. "Gözleri", "burunu" ve "ağzı" ne kadar uzun süre çizmezseniz o kadar iyidir. Soyut formlara odaklanın, nesneyi inceleyin ve hacmini aktarmaya çalışın.

         Hafif vuruşlarla gölgelere tonu uygulayın. Jordan, merkezi eksene dik olan düz bir çizgiye göre, kaşlardaki kırık çizgilerin, ağız bölgesinin ve diğer karmaşık konturların yerini belirledi. Modelle benzerliği zaten görebilirsiniz, bu nedenle ölçümler ikincildir: Doğruluğunu kontrol etmek için gözlerinizi çizim ve model arasında hızla değiştirebilirsiniz.

         DÖRDÜNCÜ AŞAMA: ton çalışması Şekildeki ton üzerinde çalışma, en koyu ve en açık tonlar olan anahtar alanların tanımlanmasıyla başlar.

         Costanza'nın üzerine düşen yumuşak ışık, genel olarak hafif bir yerel tonla düşük kontrastlı bir aydınlatma yaratır. Ürdün'ün, ana hatları net veya pürüzsüz olan formu kırma çizgisini ne kadar dikkatli hazırladığına dikkat edin. Kırık form alanındaki karanlık yerler, temel vurguları belirler. Kesik çizgiler, yarı tonların nerede dağıldığını ve yumuşak ana hatlara sahip olduğunu gösterir.

         Renkli kağıt kullanırken (demoda olduğu gibi), tonu aktarmadaki rolünü (gölgelerin tonuyla, ortalama tonla veya öznenin yerel tonuyla eşleşip eşleşmeyeceği) akılda tutmak önemlidir. Jordan'ın seçtiği kağıt yerel cilt tonunu belirliyor ve vurgulamalar için beyaz tebeşir kalemi kullanmış. Beyaz, tuz gibi ölçülü olarak uygulanmalıdır. Jordan, burnun hacmini beyaz bir tonla yaratmayı başardı ve ek kömür kullanmadan ona doğru şekli verdi.

           ÜRDÜN ŞAHİN. Costanza. 2009. Renkli kağıt, kömür ve tebeşir. 78,7x43,2 cm Rosemary Galli koleksiyonundan

         Saçta ve şakaklarda birkaç koyu vurgu işi tamamlıyor. Bitmiş çizim, yaratılışının sırrını gizler.

         BEŞİNCİ AŞAMA: yarı tonlar arasındaki geçişler, nesnenin yüzeyinin kabartmasını tanımlayan duman gibi dağınık olmalıdır.

         BEŞİNCİ AŞAMA: Şekil Yeniden Üretimi Bir yüz çizerken hata payı çok azdır. Küçük tutarsızlıklar, dış benzerliği büyük ölçüde etkileyebilir. Büyük resmi gözden kaçırmadan her küçük ton alanını doğru bir şekilde tasvir etmeye çalışın. Birlikte, yüz özelliklerinin yeniden üretiminin netliğini etkilerler. Bir form çizmek, soyut ton alanlarını incelemeyi ve uzaydaki yönelimini anlamayı içerir. Çizimin son aşaması, küçük detaylar için her şeyi tüketen bir sevgi gerektirecektir. Nüanslar son derece önemlidir. Bir formun çizilmesi sürecinde, uzaydaki düzlemlerin ışığa ve ışıktan sapması dikkate alınır. Formun kırılması boyunca ton geçişindeki neredeyse algılanamayan değişiklikler, hacim yanılsamasından sorumludur. Formun kırılmasından itibaren tonlar üzerinde çalışırken, yüzey kabartmasını göz önünde bulundurun ( örneğin, ne kadar pürüzsüz veya keskin? Ve ton geçişleriyle özellikleri nasıl iletilir? ) . Formun her elemanı ayrı bir hacim olarak düşünülmeli ve şekli, şekil kırılması ve ton geçişleri çalışılmalıdır.

         SON SÖZ

         CESARET ETMEK!

         Ciddi bir acemi sanatçıya şunu söyleyeceğim: yüce bir hedef belirleyin, yola çıkın - ve Tanrı ile! Ve yol boyunca düşerseniz, öne bakmasına izin verin. Ve amacına ulaşmanı dilerim. Ve siz de er ya da geç kendinizi dünyanın saygı duyacağı ve unutmayacağı insanların yakın ama seçkin topluluğunda bulunsun.

         KENON COX. Klasik bakış açısı

         borsacıların bir sözü vardır: "Sadece bir ticaret bizi kendi vasatlığımızı hissetmekten ayırır." Sanatçılar için de aynı şeyi söyleyebilirim. Çoğu, en son çalışmanın yaratmayı başardıklarının en iyisi olduğuna inanıyor. Ve bir sonraki bir başyapıt olacak. Kendi gücüne olan inançsızlıkla mücadele etmek zorunda kalmayan bir sanatçıyla hiç tanışmadım. Hepimiz zaman zaman kaza yaparız.

         Kıdemli sanatçı David Leffel ile New York'taki Sanat Öğrencileri Ligi'ndeki öğretmenlik işi hakkında konuştum. Her yeni öğrenciye kendisini iyi bir ressam olarak görüp görmediğini sordu (bu, resim yapmak için bir ön koşuldur). Bir kişi olumlu cevap verirse, David bunun imkansız olduğunu bilerek onu temelleri öğrenmesi için gönderdi. Çizim, yeni başlayanlar için mükemmelliğe hızla ulaşmak için çok zor bir disiplindir. Öğrencilerden biri bu kadar gurur duyduğunda, önündeki görevin büyüklüğünü anlamadığının kesin bir işaretiydi. Çizim iştir.

         Sanatta duygusal iniş ve çıkışlardan kaçınmak zordur. Dürüst olmak gerekirse, işlerimin çoğunu yaratma sürecinde bunları yaşıyorum. Bazen neredeyse her şeyi bırakmaya karar verdim . İçsel kendini kırbaçlama ( Bunu çok daha iyi yapmayı öğrenmeliydim. Ve neden zaman harcıyorum? Çok fazla zaman ve para yatırdım ve bunda çok kötüyüm. Hiçbir şey yapamadığımı herkes görüyor. Neden zamanımı daha akıllıca yönetmeyeyim? Pek çok insan bunu çok daha iyi yapabilir, ama dünyaya ne verebilirim?) sanatçıyı mahvedebilir .

         Sanata katkıda bulunmayı başaran sanatçılar her zaman en iyilerden, genç ve gelecek vaat edenlerden gelmiyor.

          JULİET ARİSTİDE. Vah. 2009. Kağıt üzerine sepya kalem. 35,5x48,3 cm Özel koleksiyon

         Bunlar pes etmeyenlerdir. Çoğu, bırakmaya karar verdiği için hiçbir şey başaramadı. Mücadele, şüpheler, başarısızlıklar... Ama kalkıp devam etmelisin.

         Kendinden şüphe duymak her zaman kötü bir şey değildir. Güven eksikliği, sizi hayatınız boyunca öğrenmeye ve gelişmeye zorlar ve mükemmellik arayışında gelişmenizi sağlar. Bir sanatçının oluşumunda kişinin kendini sıradan hissetmesi önemlidir. Ancak yoldan sapmamak ve kaçınılmaz darbelere dayanmak için yeterli özgüvene sahip olmanız gerekir. Bazen en ilginç eserler arayış ve zorlu mücadele içinde yaratılır. İşin her aşamasında elinizden gelenin en iyisini yaparsanız, sonuç elinizden gelenin en iyisi olacaktır. Kendi benzersiz sesiniz var ve dünyayla konuşabilirsiniz. Herkesten daha net görebildiğiniz bir şey var. Sadece doğru ifade araçlarını seçmeniz gerekiyor. Unutmayın, amacınız fotoğrafik benzerlik değil, duygusal özgünlük. Çizim nesneyi aynen tekrarlamamalı, samimi ve bütün olmalıdır.

         En yüksek kontrast, izleyicinin dikkatini ellere ve yüze çeken kilit alanlar arasında bulunur.

         son söz CESARET ETMEK! 205

 

 KAYNAKÇA

         ARNHEIM R. Sanat ve görsel algı. M. : İlerleme, 1974.

         BRIDGEMAN J. Hayattan Çizim Yapmak İçin Eksiksiz Kılavuz. M. : AST, Astrel, Times 2, 2005.

         GOMBRICH E. Sanat Tarihi. M. : AST, 1998.

         RIDER E. İnsan Figürünü Çizmek İçin Eksiksiz Kılavuz. Minsk: Potpuri, 2004.

         RESKİN J. Sanat üzerine dersler. M. : B.S.G.-Basın, 2011.

         HALE R. B. Büyük ustalardan çizim dersleri. M. : Eksmo, 2005.

         ARISTIDES J. Klasik Çizim Atölyesi: Geleneksel Stüdyo Uygulamasına Çağdaş Bir Kılavuz. New York: Watson-Guptill Yayınları, 2006.

         BARGUE C. , GEROME J.-L. Çizim Kursu. Paris: Sanat Yaratımı Gerçekleştirme, 2007.

         BARRATT K. Mantık ve Tasarım: Sanatta, Bilimde ve Matematikte.

         New York: Design Press, 1980.

         CHAPMAN J. G. Amerikan Çizim Kitabı. New York: AS Barnes & Company, 1873.

         CHING F. Tasarım Çizimi. New York: John Wiley, 2010.

         CURTIS B. Gözlemden Çizim. New York: McGraw-Hill, 2002.

         DONDIS DA Görsel Okuryazarlık İlk Kitabı. Cambridge, MA: MIT Press, 1973.

         GOLDFINGER E. Sanatçılar İçin İnsan Anatomisi: Formun Öğeleri. New York: Oxford University Press, 1991.

         HARDING JD Harding'in Çizim Üzerine Dersleri: Klasik Bir Yaklaşım. Londra: Frederick Warne and Company, 1849.

         JACOBS TS Açık Fikirle Çizim. New York: Watson-Guptill Yayınları, 1991.

         KELLER DG Ressamın El Kitabı. Eski Lyme, CT: Lyme Academy Güzel Sanatlar Fakültesi, 2003.

         RUSKIN J. Çizimin Öğeleri. New York: Dover Yayınları, 1971.

         HIZ H. Çizim Uygulaması ve Bilimi. New York: Dover Yayınları, 1972.

         АЛФАВИТНЫЙ УКАЗАТЕЛЬ

         NOT: İtalik olarak yazılan sayfa numaraları resimlere ve alt yazılara atıfta bulunmaktadır. Resimde, başlığın karşı sayfada yer aldığı resim yazısı ile sayfa numaraları belirtilir.

         Anschutz, Thomas 143, 147, 150

         Aristide, Juliet (çizimler) 9, 34, 45, 50, 62, 77, 80, 83, 89, 94,112,115,125 , 144,159,162,179,182,192, 205

         Armetta, Robert 74

         Arnheim, Rudolf 112

         Baghetti, Giuseppe Pietro 186 Denge, ton 149-151

         Barnstone, Myron 10, 71, 91, 92, 148, 159.160

         Barrat, Krom 127

         Barlett, Bo 81

         Bediç, Jura 165

         Fırıncı, Jennifer 37

         Bendheim, Ida 106

         Burdick, Scott 129

         Blake, William 18, 96

         Parlama 182-183

         Boman Stephen 188-189

         Buonarroti, Michelangelo bkz. Michelangelo

         Barry, Colleen 23, 45.180

         Van Dijk, Peter 66

         Van Rijn, Rembrandt, bkz. Rembrandt

         Watwood, Patricia 134

         Vedne, Bennet 9, 93

         Vermeer, 150 Ocak

         Görsel yer işaretleri 46

         Hasır, Sid 54

         Hava perspektifi 83-85, 101

         Kompozisyon merkezi seçimi 146-148

         48-51, 60-61 ölçüleri için şiş

         Gaderi, Farih 120

         Gandi, Derek 95

         Guptil, Arthur 91

         Garber, Daniel 136, 137, 146

         uyum. Ayrıca bkz . Oranlar tanımı 37 bir öğretmen olarak doğa 39 benzerlikler ve farklılıklar 24

         geometrik cisimler. Ayrıca bkz. İki boyutlu geometrik şekiller, tanım 92 koni 95-96 küp 95 katıların tanımı 92-97 piramit 96

         basit, hacim oluşturmak için 98-99 küre 94

         silindir 95 elips 108-110

         Esneklik 29

         gözler Bkz . Yüz hatları

         Glasner, Jory 10, 104

         Derinlik 91-125. Ayrıca bkz. Şekiller, üç boyutlu elipsler 108-110 üçüncü boyutun tanıtımı 100-104

         basit geometrik şekiller kullanarak düz bir görüntüye ekleme 91 98-99

         doğrusal perspektif 104-107 3B nesneler 111

         üç boyutlu çizim dersi 122-125

         Baş, çizim 119-120

         Mezarlar, Daniel 140

         Grimaldi, Michael 175

         Guripid, Amaya 56

         Gucciardi, Mark 111, 128

         Da Vinci, Leonardo 26, 39, 43, 66,107, 141

         Downey, Brett 51

         Dwyer, David 62, 157, 195

         DeMartin, Yuhanna 25, 191

         Yusuf, Lisa 186

         Johnson, Stephanie 57, 134

         Ditrani, Bobby 52-53, 136, 171

         Doja, György 13

         Dürer, Albrecht 17, 22, 27, 41

         Zenzinger, Elizabeth 9, 71,101,160,174,192

         Kıvrımlı çizgiler. Ayrıca bkz. Doğanın kontur reprodüksiyonu 27 düz çizgilerle karşılaştırma 27

         İşin düzeltilmesi 56-57, 195

         Caravaggio, Michelangelo Merisi evet 91, 92, 136

         Çizim kalemleri 31

         Catus, Barbara 48, 180

         Curtis, Alex 108

         Kingsley, Darren 167

         Clark, John, 109, 110

         Cox, Kenyon 204

         Collins, Jacob 25, 56, 84, 115, 136 , 188

         152-153 nesnesinin bileşimi. Ayrıca bkz. Ton kompozisyonu, Ton

         Kontur 65-89

         ve havadan perspektif 83-85, 101

         ve negatif formlar 72-73

         ve hat yoğunluğu 80-81, 83-84

         ve şekillerin oluşumu 68-69

         ve kısmi değişikliklerin belirlenmesi 77 konturun keskinleştirilmesi 74-77 segmentlere ayrılması 74-77 modelin ritmi 78-79, 86-89

         mütevazı bir çizginin gücü 66 şema 70-71

         Koni 95-96

         Büyük bir ustanın taslağını kopyalamak 32-35

         Corrie, Camille 79

         Kenarlar

         sanatsal bir teknik olarak 74 yumuşak ve keskin 78-79, 80-81, 89, 202 yerleşim işaretlemeleri 83-85, 101 karşılaştırmalı 81

         gölgeler 174-175

         yerçekimi 74

         Cresson, William 68

         Küp 95

         Carroll, Valensiya 138

         Lyon, Susan 132

         Leighton, Frederick 65

         Leman, Keith 169

         Leffel, David 204

         Leeds, Katherine 24, 95, 194

         çizgiler

         önem 65

         konumun önemi 23-25

         türler 26-27

         hava perspektifi 83-85, 101 eylemler 23-24, 33 ek 24

         monotonluktan kaçınma 24 kavisli 27

         22 kontur çiziminin temeli olarak eğim açısının kontur tanımına bakın 24-25, 32 yoğunluk 80-81, 83-84 tekrar 33 düz 27

         ritim 78-79, 86-89

         güç 66

         68-69 formunun oluşturulması. Ayrıca bakınız

         Formlar

         Uzun, Ben 31

         Lundin, Norman 73 , 141

         Langstaff, Yeşu 198, 19 9

         McGinley, Sidney 100

         McCormack, Paul 81, 83

         Çizim malzemeleri 31, 197

         malzemeler 31

         Mentler, Michael 98, 112, 121

         Görsel ölçüm yöntemi 54-56 Michelangelo 13, 16, 32, 46, 117, 146 Minoff, Edward 162, 178

         Mortenson, Gregory 173

         Moore, Yulan 92

         Mucha, Alphonse 9, 29

         Negatif uzay ve biçim 72-73 Noel, Scott 119

         Işık ve gölge ile cilt 160-165, 192-193

         Hacimsel çizim, ders 122-125

         gözlerinizi tazeleyin 58

         Nesne aydınlatması 166-169

         yan 168

         yetersiz veya kötü 167

         sol üst 168

         alt ve arka 168

         ön 169

         Nesne aydınlatması vurguları 182-183 ve orta tonlar 178-179 ışık kaynağı 192-193 ve ton ölçeği 161, 162 klasik ışık dağılımı kanunu 161

         genel çizim formu 170 cilt 160-165, 192-193 açıklama 159

         refleksler 174, 180-181

         Çekül hatları 50-51, 60-61

         Bağıl parlaklık 140-142

         Oakley, Menekşe 197

         Pyfrom, Carolyn 168

         Paretti, Ürdün 69.176

         Penumbra 175

         perspektif

         hava 83-85, 101

         ve kaçış noktası 104, 106-107, 109 doğrusal ve derinlik 104-107 Piramit 96

         Pirit küpü 13-14

         Yarım tonlar 178-179

         Pratik. Ayrıca bkz . Dersler

         ve teori 16

         ilk adımlar 16

         Doğa

         eğri çizgiler 27

         bir öğretmen gibi 39

         Oranlar

         görsel ipuçları 46 özelliklerin yerini hatırlama 41-42 ve uyum 37, 39

         ölçümler 48-54 düzeltme 56-57 görsel ölçüm yöntemi 54-56 açıklama 37

         görünümü yenile 58

         bir öğretmen olarak doğa 39

         da Vinci sistemi 39 şeması 41-45

         yapıcı çizim dersi 60-63 Çizim süreci. Ayrıca bakınız

         Şekil çizimi, Çizgiler ve hacim, Derinlik

         her satırın önemi 65

         temel bilgilerin önemi 14

         kendinize sorular 16

         uyum 24 esneklik 29 hafiflik 29 ilk adımlar 16 işaretleme sayfa 18 yedi kez ölç 16 şema 41-45, 70-71 dersleri bkz . Dersler

         vizyon/yapı oluşturma 17-20

         Prudhon, Pierre Paul 136, 165,166

         Ryder, Tony 65, 78, 176-177, 185, 192 Wright, Toby 149

         Reynolds, Nicholas 91.138

         Reynolds, Joshua 189

         Rembrandt 94, 138 , 192

         "Rembrandt Işığı" 168, 192

         Refleks, 174, 180-181

         Ruskin, Yuhanna 58

         Rilling, Claudia 37

         Şekil çizimi

         büyük resme bir bakış 194-195 düzeltmeler 195

         ışık kaynağı,192-193

         sonuçlar 198-199

         malzeme ve teknikler 197

         ayrıntılı alan 186-187 ile başlayın

         açıklama 184-185

         tonlardaki farklılıkları arama 191 sıralı çalışma 185 ders 200-203

         Kalıp Ritim 78-79, 86-89

         Robinson, Mario 182

         Robson, George 101

         Rodriguez, Irvine184,185

         Rubens, Peter Paul 20

         Redpath, Dale 54

         Sargent, Yuhanna 4 , 51, 152

         Açık ton düzeni 134-135

         Işık gölgesi. Ayrıca bkz. Şekil çizme

         Seurat, Georges 127, 131.147

         Sims, Tenaya 46, 177

         Kalıp yıkımı 176-177

         Snyder, Dekan 39, 172

         Falcon, Ürdün 203

         Hız, Harold 159

         Ölçüm yöntemleri 48-54

         örgü iğnesi 48-51, 60-61

         çekül 50-51, 60-61

         nirengi 52-53

         sapma açıları 51-53, 61

         ders 60-63

         Orta ton şeması 136-137

         Küre 94

         Şema 41-45, 70-71

         Pelvis, çizim 117-119

         Koyu ton düzeni 138-140

         Şekil gölgeleri 172-173

         gölgeler Ayrıca bkz . Şekil çizme,

         ışık gölgesi

         anatomi 174-175

         türler 172-173

         ve refleks 174, 180-181

         bilgi miktarı 170

         kenarlar 175

         düşen 172

         kısmi gölge 175

         170-171 arası çalışmak

         kalıbın yıkılması 176-177

         gelen ışığın yanılsamasını yaratmak 170

         vücut 174

         karanlık vurgu 174

         172-173 formu

         biçim, tanım 142-145

         Teori, önem 14

         Thompson, Dan 119

         ton

         görsel hiyerarşi 147-148, 150

         ve kompozisyon merkezi seçimi 146-148

         kompozisyonda kullanmak

         134-140

         ve gölge şekli 142-145

         genelleme 130-131

         açıklama 127-128

         tanım 127

         bağıl parlaklık 140-142

         farkı bulma 191-192

         "kitlelerle çalışmak" 131

         ışık şeması 134-135

         ortalama şema, 136-137

         şema koyu 138-140

         ton eskiz dersi 154-157

         dönüşümlü 129-130

         ölçek 132, 161, 162

         Ton kompozisyonu 127-157. Santimetre.

         ayrıca Ton

         denge 149-151

         merkez seçimi 146-148

         ve gölgeleri şekillendirin 142-145

         materyaller ve teknikler 197 eskiz, ders 154-157 büyük formların düzenlenmesi 130 göreli parlaklık 140-142 "kütlelerle çalışma" 131 nesnelerin düzenlenmesi 152-153 Gövde, çizim 115-116 Ufuk noktası 104, 106, 109 Üçüncü boyut. Derinliğe bakın ;

         Şekiller, 3B Nirengi 52-53

         Sapma açıları 51-53, 61

         Dersler

         yapıcı çizim 60-63 büyük ustanın eskizinin kopyası 32-35

         üç boyutlu çizim 122-125 açıklama: malzemeler 31, 197.

 Özel derslere         de bakın şekil çizimi 200-203 çizgi çiziminde ritim 86-89 tonlu eskiz 154-157

         Şekil, üç boyutlu kafa 119-120 ayrıntılar 121 genel egzersiz 112 çizim 112-121 pelvis 117-119 gövde 115-116 üç boyutlu çizim dersi 122-125

         Rakamlar. Ayrıca bkz. Geometrik şekiller

         bir nesnenin parçası olarak algılama 17-20, 34, 91

         kompozisyon oluşturma, ders 62

         negatif formlar, tanım 72-73

         tanım 68 desen 70-71 gölge 142-145 şekil 68-69

         Frank, Zoe 148.197

         Homer, Winslow 14

         Silindir 95

         Chapman, John 10, 37 Cellini, Benvenuto 41 Ton değişimi

         nesnelerde 17-20, 34

         görsel ilgi yaratmak 129 Yüz özellikleri

         tanım ve görüntü 121 şema 41-45

         göz şekli 94, 121

         Piliç Ron 72

         Schüssel, Christian 26, 96

         Eddie, Hunter 142 Elert, Rudy 49 Elipsler 108-110

         Ingres, Jean Auguste Dominique 77, 8^85, 134

         Melek, Mikail 144

         Early, Stephen 191 Herrera, Victoria 9

         Parlaklık, göreli 140-142

          Harika çizimler oluşturmayı nasıl öğrenebilirim? Zamanın testinden geçen teknikler ve teknikler var mı? "En iyi uygulamalar" ve "başarı için formüller" var mı?

         Sanat yapmak, ömür boyu süren, son derece zor ama inanılmaz derecede ödüllendirici bir arayıştır. Çizim, matematik, müzik veya okuryazarlık ile aynı şekilde öğrenilebilir. En önemli şey, temel bilgileri öğrenmek, her zaman tamamlamak ve mümkün olduğunca pratik yapmaktır. Sanatçı ve eğitimci Juliette Aristide'nin kılavuzu sekiz net ve erişilebilir dersten oluşuyor, tüm yöntem ve teknikler zamana göre test edilmiş ve ustalaşması kolay bir şekilde sunuluyor. Kitap, ustaların teknikleri üzerindeki sır perdesini kaldırmanıza ve onlara kendi başınıza hakim olmanıza yardımcı olacaktır.

         ★★ זיר

         Klasik resim okuyan ve öğreten herkes için canlı ve güncel bir metin. Kitap bana çok ilginç geldi: birçok yönden yazar sadece düşüncelerimi dile getirdi ve bazen tartışmak istedim! Yayının çok güzel illüstrasyonlara yer vermesi de sevindirici ve bunların çoğu eski ustaların çizimleri.

         Elizaveta Zalegina, sanatçı, blog yazarı, Mdskovsko'da akademik resim öğretmeni. ve co ile cehenneme mi che. ve sanat lisesi

 

 

Not: Bazen Büyük Dosyaları tarayıcı açmayabilir...İndirerek okumaya Çalışınız.

Benzer Yazılar