GÖZ YANILMASI

 

  

  

  Dünya sanatı. Resim ve grafiklerde optik illüzyonlar / Comp. I. G. Mosin. - St.Petersburg: OOO SZKEO Kristall, 2007. - 176 s .,  

  Kitap, alışılmadık bir güzel sanat türüne adanmıştır - optik illüzyonlar.

  Her birimiz en az bir kez gözlerimizin gördüklerinden şüphe etmek, düşündüğümüz nesnenin nasıl tek bir şey gibi görünebileceğine ve onu çevirdiğimizde tamamen farklı görünmesine şaşırmak zorunda kaldık. Görsel paradokslar ve kelime oyunları, insanları bir asırdan fazla bir süredir cezbediyor ve büyüleyerek onları oyunun büyüleyici dünyasına götürüyor. Optik illüzyon olgusunun incelenmesi, 19. yüzyılın sonunda bile başladı, ancak şimdiye kadar profesyoneller, kaçının "çalıştığını" açıklayamıyor.

  Bu kitap, ortaya çıktıkça ve geliştikçe zamansal sırayla düzenlenmiş, mevcut görsel illüzyonların en eksiksiz yelpazesini sunuyor. Okuyucu sadece bu türün ünlü eserleri ve ustaları ile değil, aynı zamanda az bilinen veya tamamen bilinmeyen sanatçılar, grafik sanatçılar, heykeltıraşlar ve hatta eserlerinde optik illüzyon yaratmaya yönelmiş mimarlar ile de buluşacak. Açıklayıcı yorumlarla sağlanan zengin açıklayıcı materyal,

  kimseyi kayıtsız bırakmayacak.

  Bu kitabın kitabesi, ünlü grafik sanatçısı, optik illüzyonların eşsiz ustası M. K. Escher'in "Çizim aldatmaktır" ifadesi olabilir. Sonuçta, herhangi bir resim sanatsal bir aldatmacadır, çünkü bir düzlemde bulunan bir dizi sarı nokta ve çizgidir. Sanatçı, çalışmalarında uzamsal bir yanılsama yaratmak için izleyiciyi hacmin ve perspektifin varlığına ikna etmek için önemli bir beceri gerektirir. İllüzyonlar, algılanan bir nesnenin özelliklerinin çarpıtılmış, yetersiz bir temsilidir. Latince'den çevrilen "illüzyon", "hata, sanrı" anlamına gelir. Sanatçıların yanıldığını ve yanıldığını, eserlerinde her türlü görsel kelime oyunu ve paradoks yaratacağını? Yoksa etraflarındaki dünyaya farklı bir bakış atmaya, sıradanlıktan uzaklaşmaya ve biraz sıra dışı ve harika olanı mı getirmeye çalıştılar? Sanat eserlerinde bulunan bazı optik illüzyon türlerine bakalım. Yaklaşık olarak iki gruba ayrılabilirler: birincisi analitik, matematikle yakından ilgili, ikincisi duygusal, şakaya dayalı, hayal gücü oyunu. Sanattaki matematiksel tema gerçekten sınırsızdır, ancak sanatçılar tarafından en yaygın olarak kullanılan birkaç teknik vardır. İlki çarpık ve alışılmadık perspektifler, anamorfik görüntüler. Bunlar, belirli bir açıdan veya özel bir ayna - bir anamorfoskop yardımıyla görüntülenmesi gereken oldukça bozuk görüntüleri içerir. Sonra çirkin resim yeniden normal, tanınabilir özellikler kazanır. Perspektifle oynamanın kökeni Rönesans'tan gelmektedir. Leonardo da Vinci'nin defterleri, bozulmuş perspektif ızgaraları kullanan anamorfik sanatın bilinen ilk örneklerini içerir. Anamorfozun en göze çarpan örneği, sanatçı Hans Holbein'ın ön planda uzun bir kafatasının tasvir edildiği "Messengers" tablosudur. Anamorfozla yakından ilgili olan bir ayna ile yapılan deneylerdir. Sonuçta, bir ayna sadece yansıtamaz, aynı zamanda keyfi olarak değil, bilinen kurallara göre deforme edebilir. Deformasyon bir tür sanat haline gelir. 17. yüzyılda zirveye ulaşan deformasyon sanatı, çarpık görüntülerden doğal olmayan yapılar yaratmaya doğru gelişmeye ve değişmeye devam etti. İmkansız nesneler, 20. yüzyılda ilgi kazanan devasa bir görsel illüzyon sınıfıdır. Bunlar, gerçek üç boyutlu uzayda var olmayan nesnelerin geometrik olarak çelişkili görüntüleridir. Bu tür nesnelerin incelenmesi, sanatta imp art adı verilen bütün bir akımla sonuçlandı. Bu akımın kurucusu, 9 özdeş küpten oluşan imkansız bir üçgen olan ilk figürü icat eden İsveçli sanatçı O. Rutersvärd'dır. Daha sonra imkansız dirgen ve imkansız merdiven ortaya çıktı. Münferit inanılmaz nesneleri çizmekten imkansız bir gerçeklik yaratmaya geçen M. K. Escher'in çalışmalarıyla imp art'ta yeni bir çağ başladı. Fikirleri, dünya çapında pek çok sanatçının çalışmalarına ivme kazandırdı. Belki de en sıra dışı olanlardan biri mozaikleme tekniğiydi. "Mozaikleme" terimi, bir görüntüyü daha küçük şekillere bölme sürecini ifade eder, örn. mozaiklendiğinde, figürler tüm yüzeyi tamamen kaplar, üst üste binme ve boşluk olmadan birleşir. Escher, resimlerinde yalnızca tek tek karoları tanınabilir figürlerle değiştirdi. Çok sayıda optik yanılsama grubundan biri, görsel algımızın özellikleri üzerine inşa edilmiş yanılsamalardır. Bir kişi, dünya hakkındaki bilgilerin çoğunu vizyon yoluyla algılar. Ancak, birkaç kişi bunun nasıl olduğunu biliyor. Vizyonumuzda pek çok paradoks var: Birincisi, retinaya giren görüntü baş aşağı, beyne giriyor ve şimdiden "gördüğümüz" yeni bir alan oluşturuyor. İkincisi, gözün kusurlu optik özelliklerinden dolayı, retinada algılanan görüntü lekelenir, ayrıca - gözümüz hareketli nesneleri izlerken sürekli istemsiz sıçramalar yapar, ayrıca dakikada yaklaşık 15 kez yanıp söner ve şu anda görüntü yansıtılmayı durdurur. Bir kişi binoküler (çift) görüşe sahiptir, aynı anda iki görüntü görür, bu nedenle her iki gözden gelen bilgileri birleştirme konusunda belirli bir sorun vardır. Boyut algısı yanılsamalarını, renk ve kontrast yanılsamasını, hareket ve derinlik algısını içeren çok sayıda optik-geometrik yanılsama bu özellikler üzerine inşa edilmiştir. İkinci optik illüzyon grubu, tamamen farklı türden görsel kelime oyunları ve paradokslardır. Çeşitli nesnelerin yanı sıra flora ve fauna temsilcilerinin tuhaf bir şekilde tek bir sanatsal görüntüde iç içe geçtiği alegorik portreleriyle ünlenen İtalyan üslup sanatçısı J. Arcimboldo tarafından başlatıldılar. Başarıları o kadar büyüktü ki, portreler " Archimboldesque" adı verilen birçok taklide yol açtı. Doğru, ondan önce biliniyorlardı; ama ters çevrilmiş resimlere sanatta yeni bir hayat veren oydu . Buradaki fikir, resimler 180 derece döndürüldüğünde, yalnızca türün değil, aynı zamanda görüntünün anlamının da değişmesiydi. İtalyan ustanın fikirleri, sonraki dönemlerin sanatçıları tarafından, özellikle S. Dali'nin ilk sırada yer aldığı gerçeküstücüler tarafından alındı. Bir görüntünün aniden diğerine dönüştüğü, bazen tamamen zıt olduğu ikili görüntü ilkesini eserlerinde ustaca somutlaştırdı. "Eleştirel-paranoyak" yöntemine dayanan ilke, örüntü tanımaya dayanan, aynı derecede ilginç başka bir "kamuflaj" türüyle birlikte, optik illüzyon sanatında önde gelen bir trend haline geldi.

  Kısaca ana optik illüzyon türlerinden bahsederek, okuyucuya kendilerini şaşırtıcı ve benzersiz dünyalarına kaptırma ve bunu kendileri çözmeye çalışma fırsatı veriyoruz.

 

XVIBEK ARCIMBOLDO, GİUSEPPE ( c. 1527-1593 )

  İtalyan ressam ve ressam, Maniyerizm üssü

  sanatçı Biagio Arcimboldo. Giuseppe'nin gençliğinde Milano Katedrali'ni boyayan babasına yardım ettiği biliniyor. Muhtemelen, babasının bir arkadaşı olan ressam Bernardino Luini, genç adamı Arcimboldo'nun sıra dışı çalışmalarına ivme kazandıran Leonardo da Vinci'nin el yazmalarıyla tanıştırdı. 1562'den beri Viyana'da İmparator I. Ferdinand, Prag'da Maximilian II ve Rudolf II'nin hizmetindeydi. Pek çok yeteneğe sahip bir adam olan Arcimboldo, "Leonard" tipi bir evrensel usta olarak bir mühendisi, bir sanatçıyı, bir mimarı, bir müzisyeni tek bir çizgide birleştirdi. Görevleri arasında şenlikli kutlamalar düzenlemek, su yapıları ve müzik kutuları tasarlamak, kraliyet portreleri yazmak ama en önemlisi, bir sanat eseri koleksiyonu ve her türden nadir bulunan Rudolf II'nin ünlü "Kabin" inin küratörlüğünü yapmak vardı. Habsburg'larda 26 yıl hizmet verdikten sonra, 1587'de sanatçı, şöhret ve servet yüküyle memleketi Milano'ya döndü. Burada Arcimboldo en ünlü portrelerinden ikisini yarattı - "Flora" (1591) ve "Vertumn" ( c. 1590), bunun için Rudolf II ona "Palatin Kontu" unvanını verdi.

  Otoportre

  Bir ressam olarak Arcimboldo, fantastik "kolaj" portreleri, çeşitli nesnelerden, hayvanlardan ve bitkilerden oluşan "kompoze kafalar"ıyla ünlendi. Tüm çalışmalarının merkezinde, hem etrafındaki dünyada hem de bir evren modeli olarak insanda meydana gelen süreçleri ve olayları anlama arzusu vardı. Sanatçının bugüne kadar sadece diğer nüshalarda bulunan otoportresinin arkasında “Ben bir dağ halindeyim ve bu benim portrem // Arcimboldo sanatıyla ifade edilen doğa” yazıyordu. ustalar. Gibi

  Arcimboldo'nun programının başlangıç noktası, Aristoteles'in Evren, onu oluşturan parçalar - mikro ve makro kozmosun kimliğini simgeleyen "Dört Element" ve "Mevsimler" hakkındaki öğretisiyle belirtilir. Sanatçı ana görevini makro kozmosu mikro kozmosta sergilemek olarak gördü, oysa bir sanat eseri olarak resim, makro kozmosu ve yapısının yasalarını yansıtan bir mikro kozmos idi. Bu nedenle, resmin temeli çizimdi, çünkü bir mikro kozmos olan her nesne kendi içinde mükemmel bir şekilde incelenmelidir. Arcimboldo'nun fikirleri, iki seride mükemmel bir düzenleme buldu - "Mevsimler" (ilk versiyon 1563'te, ikincisi - 1573'te) ve "Elements" (1566). İmparator Maximilian II için yapılmış, alegorik biçimde, süreklilik ve doğallık fikrini doğruladılar.

  Habsburgların gücü: dünya üzerindeki hakimiyet "Elementler" ile sembolize edildi ve "Mevsimler" iyi kuralları nedeniyle övgüde bulundu ve bolluğu gösterdi. Her iki dizi de bir bütün olarak tasarlandı: her mevsimin kendi unsuru, insan yaşı ve mizaç vardı. Bu nedenle, genç bir kız biçimindeki Bahar, Hava ile, sıcak genç Yaz - yanan Ateşle, olgun Sonbahar - verimli Toprakla ve eski yıpranmış Kış - Su ile birleştirildi. Her iki döngüde de uygulanan, çeşitli şeylerden oluşan antropomorfik figürler biçimindeki görüntü tekniği, Arcimboldo ve Maniyerist sanatçılar tarafından çok sevilen bir teknik olan metamorfoz, “discors concordia” (uyumsuzun birleşimi) fikrini açıkça gösterdi. Hayatı boyunca başarılı ve ünlü bir sanatçı, neredeyse unutuldu.

  öldükten sonra. Arcimboldo'yu selefleri olarak ilan eden sürrealistlerin eserlerine duyulan skandal ilginin ardından onun mirası yeniden popülerlik kazandı.

  Sanatçının, Evreni anlamanın olası bir yolunu gördüğü metamorfoz fikrini somutlaştırmaya yönelik ilk girişimlerinden biri. Bunlar henüz portreler, "karmaşık kafalar" değil, birbiri üzerine yığılmış tek tek meyve ve bitkilerden oluşan tuhaf silüetler. Sanatçının son dönem eserlerinin özelliği olan insanbiçimcilik bu resimlerde sadece tahmin ediliyor.

  Bitki örtüsü. 1591

  Flora, çiçeklerin, gençliğin ve zevkin Roma tanrıçasıdır. Flora'yı güzel bir kız olarak tasvir etme geleneği antik çağlardan gelmektedir. Bu fikri ödünç alan sanatçı, onu mükemmelliğe getirdi: Flora'nın görüntüsü, ana yerlerden birinin "çiçeklerin kraliçesi" - gül tarafından işgal edildiği bir çiçek kompozisyonu şeklinde ortaya çıktı. Ve mahkeme yazarı Gregorio Comanini, "çiçekler" (fiori) ve "Flora" (Fiora) kelimeleri üzerine kurulu bir resim üzerine şiirsel bir yorum yazdı.

  Kış ("Mevsimler"). 1573

  Tüm resimlerden "bileşik bir kafayı" değil, tek bir bitkiyi temsil eden tek kişi - yaşlı bir adam figürünü anımsatan kuru, budaklı bir ağaç: saç yerine dalların düzensiz bir şekilde iç içe geçmesi, dişsiz bir ağız bir ağaç mantarı şeklinde. Muhtemelen, bu portre İmparator II. Maximilian'ın görüntüsünü içeriyor, burada c. Gövdeyi saran hasır, Habsburg'ların arması ile dokunmuştur ve limon, asaya bir gönderme görevi görür.

  Sonbahar ("Mevsimler"), 1573

  Sonbahar, uşak tanrı Bacchus olarak tasvir edilmiştir: üzüm salkımları ve yapraklarla süslenmiş başı, kraliyet tacı şeklinde bir kemik iliği ile taçlandırılmıştır; ve gövde, eski bir şarap fıçısının kalaslarından oluşturulmuştur.

  Muhtemelen, bu sanatçının bir otoportresidir. Doğa felsefesinde Yaz, insan yaşamının çiçek açmasıyla ilişkilendirilirdi. Ve Arcimboldo, 46 yaşındaki yaşını bu zamana benzeterek, resimde meyveleri buğdayın altın başaklarından çıkan boğucu bir öğlen temasını geliştirdi. Bu, figürün cübbesinin yakasına ustanın imzası ^ArchimboIdo Cuiseppe≈ dokunmuş tek eserdir ve yaratılış tarihi "1573"tür.

  Bahar ("Mevsimler"). 1573

  Tıpkı Flora'nın yaptığı gibi. Arcimbollo tarafından renksel ihtişam ve doğal hassasiyetle yeniden yaratılan çiçeklerden bahar doğar: Resimde kısa bir süre önce Konstantinopolis'ten getirilen bir lale görebilirsiniz. bekaret ve asaletin simgesi olan zambak, aquilegia, süsen, vadi zambağı, yasemin, papatya ve daha birçok bitki.

  Dünyanın görüntüsü çeşitli hayvanlardan oluşur. Başın üst kısmında - bir tür kraliyet tacı oluşturan boynuzlu hayvanlar; altta, Habsburg imparatorluğuna işaret eden bir koç ve Herkül aslanının derileri var: ilki - Altın Post Düzeni, ikincisi - Bohemya krallığı. Her hayvan, özelliklerine göre belirli bir yerde bulunur: örneğin, şeki yerine alçakgönüllülük sembolü olarak bir fil ve başın arkasına Tirol dağlarında yaşayan bir dağ keçisi yerleştirilir.

  Tanrı Mars'ın bir özelliği olan ateş, imparatorun bir alegorisini de gizler. Bunun boynu Altın Post Nişanı / Avusturya levyesine ait ataların işareti ile süslenmiştir ve vücudu sahte yuzden ∣'dir . Habsburgların sayısız savaşını anımsatan mumlar, suçlamalar, toplar. ateş yar

  kafası kapalı

  bu, resmin renk şemasıyla yankılanıyor - ateş ve altın.

  İlkbaharın bir benzeri olan Hava, kuşlardan yapılmış bir kafa şeklinde sunulur, burada burun bir hindinin şişmiş göğsü ve sivri sakal bir sülün kuyruğudur. Her zaman kolayca tanınmayan birçok kuş resmi arasında, Avusturya imparatorluk evinin sembolleri olan bir kartal ve bir tavus kuşu olan Habsburg'lardan da bir ipucu var.

  Su ("Dört Element veya Element"), 1566

  Doğa gözlemleri.

  omurgasız hayvanların karakteristik hızı

  mercanlar ve inciler.

  Arcimboldo'nun resminde büyük bir rol oynar. Büyük bir ilgiyle her şeyi çiziyor, . Deniz faunasının temsilcilerinden oluşan, bilimsel gösterim için doğal bir hassasiyetle resmedilen resim, her tür balık, ahtapot, yengeç, ahtapot, liman foku dahil olmak üzere 60'tan fazla omurgalı türünü temsil ediyor.

  Arcimbollo'nun resimleri genellikle imparatorluk çevresinden ünlü kişilerin resimlerini saklıyordu. Olumlu olarak, bu Prag Lvor Wolfgang Laiius'un tarih yazarının kitap yapraklarından derlenmiş bir portresi. Eserlerinde mumyalanmış arşivcinin imajında hafif ironi parlıyor.

  Avukat. 1566

  gövde. doldurulmuş boo gaddar ama gerçek

  Reformasyonun ünlü bir figürü olan John Calvin'in portresiyle müzik. Karakter i'ye sahiptir. ve balıktan oluşan bir yüz. tavuk budu ve kurbağalar. Hep birlikte oluşturur

  Bahçıvan. TAMAM. 1590

  Arcimboldo Olin, resimlerinde optik yanılsamanın özelliklerini ilk kullananlardan biriydi ve komik baş aşağı resimler (görsel kelime oyunları) yarattı. Fikirleri alışılmadık: 180 derece döndürüldüğünde, görüntünün anlamını tamamen değiştiriyorlar, bir portreden bir natürmorta ve geriye dönüyorlar. Oyuna başla

 

sebzeli yemek. TAMAM. 1590

  \ oh, kaynağı hayal gücü olan bir şaka, ustanın kişisel yaratıcılığı, Maniyerist kültürün en önemli kategorileriydi: kendilerini yalnızca reenkarnasyonda değil, aynı zamanda anlamı olan gizli derin alegorileri de gizlediler. dünyanın yapısının yasaları hakkında bilgi aramak.

   

16. YÜZYIL

 BARBARI, JACOPO AE ( c. 1445-1516 )

  İtalyan ressam ve oymacı, Venedik ekolünün temsilcisi

  Jacopo de Barbari'nin hayatı hakkında çok az şey biliniyor. Venedikli, sanatçılar çemberinin bir parçasıydı - Andrea Mantegna'nın takipçileri. 1494-1496 yıllarında Berberi'nin İtalya'ya ilk seyahatini yapan Albrecht Dürer ile tanıştığı güvenilirdir. İtalyan ressamın çalışmaları, günlüğüne yazdığı Dürer'in gözünden kaçmadı. Bununla birlikte, Berberi'nin olgun bir usta olarak ilk sözü, yaklaşık üç yıl boyunca üzerinde çalıştığı Venedik manzaralı devasa bir gravür (genişliği 3 m'ye ulaştı) üzerindeki çalışmayla bağlantılı olarak 1490'ların sonlarına kadar uzanıyor. 1500'den sonra ressam, Jacob Walch adıyla tanındığı Kuzey Avrupa'da çalıştı. Barbary ilk başta Nürnberg'deki İmparator I. Maximilian'ın mahkemesine davet edildi, 1503-1504'te Bilge III. Frederick'in hizmetindeydi ve ardından Arşidüşes Margaret'in saray ressamı olduğu Brüksel'e gitti.

  Jacopo de Barbari, esas olarak dini ve mitolojik konulardaki tuvalleriyle ("Triton ve Siren", "Aziz Jerome") tanınır. Onun kreasyonları

 

Ok ve eldiven ile keklik. 1504

  Jacopo de Barbari'nin resmi, şövale resminde ilk natürmortlardan biri olarak kabul edilir. Antik çağ ve Orta Çağ sanatında hala natürmort motifleri bulunsa da, natürmortun bağımsız bir tür olarak doğuşu Rönesans ile ilişkilendirilir. Formlarının çeşitliliği şaşırtıcı - hem felsefi ve sembolik anlamlara sahip nesnelerin, çiçeklerin, meyvelerin ve alegorik natürmortların geleneksel görüntüleri hem de sözde dekoratif panellerin rolünü oynayan tuvaller. de Barbary'nin işi olan aldatma. “Trompe Γoeil∙ ∣ (^ aldatıcı göz”) türü bir tür sanatsal şakadır, bu tür resimlerde nesneler o kadar gerçekçi tasvir edilir ki gerçek hayat yanılsaması yaratılır. Bu etki, genellikle tuzakların doğrudan evlerin duvarlarına ve kapılarına boyanması ve nesneleri gerçek boyutlarında yeniden üretmesi gerçeğiyle daha da artar. İkincisinin canlı bir örneği, Hollandalı sanatçı Jan van der Vaart'ın (1723) fırçasına ait olan, Lebinshire ilçesindeki İngiliz mülkü Chatsworthhouse'un iç kapılarından birine boyanmış yaylı bir kemandır.

  

HOLBEIN, GENÇ HANS (1497/98-1543) XVI. YÜZYIL

  Alman ressam ve grafik sanatçısı, Kuzey Rönesansının temsilcisi

  Zamanının en büyük portre ressamlarından biri, resimdeki ilk akıl hocası olan ünlü sanatçı Hans Holbein the Elder'ın ailesinde Augsburg'da doğdu. Memleketinden erken ayrılan genç, İsviçre'nin Basel kentine yerleşti. Holbein'ın bu dönemdeki çalışmaları çok çeşitlidir: Kitapları resimledi, evlerin cephelerini boyadı, gravürler için çizimler yaptı ve daha pek çok şey yaptı.

  portreler Sanatçı, Reformasyonun başlaması nedeniyle 1532'de Basel'den ayrılarak İngiltere'ye taşınmak zorunda kaldı. 1536'da Kral VIII. Henry'nin saray ressamı oldu. ustanın işini çok takdir eden. Londra dönemi eserleri arasında, kraliyet ailesinin üyelerinin, İngiliz soylularının ve aristokrasinin görkemli ve muhteşem performansıyla dikkat çeken tören portreleri önemli bir yer tuttu.

  Holbein the Younger'ın yaratıcı mirasının en değerli parçası olan Nation ("Portrait of Henry VIII"), figüratif özelliklerin parlaklığını bir insanı çevreleyen sevgiyle boyanmış bahar ortamıyla birleştiren çok sayıda grafik portredir. Ustanın delici bakışları onu çağının eşsiz bir tanığı yaptı. Sanatçı, 1543'te veba sırasında Londra'da öldü.

  

XVIBEK PARMİGANİNO (1503-1540)

  Yüksek Rönesans'ın İtalyan ressamı, tavırcılığın temsilcisi

  Gerçek isim - Francesco Mazzola. Aslen, takma adını aldığı Parma'dan. Maniyerizmin seçkin bir temsilcisi olan Parmigianino, 1518'de atölyesinde çalıştığı Correggio'dan etkilendi. Sanatçının orijinal yeteneği ilk çalışmalarında zaten görülüyor: San Giovanni Evangelista Kilisesi'nin duvar resimleri (1522) ve dışbükey bir aynadaki görüntüyü taklit eden ünlü Otoportre ( c . 1524). yaratıcı oluşumu

  Parmigianino'nun stili, uzatılmış orantılara ve karmaşık açılara sahip yeni bir güzellik türü yaratması sayesinde Floransalı tavırcılar ve Raphael'in etkisi altında tamamlandı. Sanatçının görüntüleri, pürüzsüz, zarif çizgilerin, tuhaf bir jest, duruş ve hareket oyununun, uzun silüetlerin ve zarif soğuk renklendirmenin bir uyumuydu. Tarzlı, rafine ve şehvetli güzellik ideali, görüntülerde somutlaştı.

  Uzun boyunlu ünlü Madonna'nın haklı olarak bir başyapıt olarak kabul edildiği Madonnas ” ( c. 1535).

  Portre çizgisine devam eden sanatçı, çağdaşlarının bütün bir portre galerisini yarattı. Sanatta klasik kanonların takipçisi olarak hareket etmek. Parmigianino, her şeyden önce modellerinin rafine aristokrasisini ve görkemli sakinliğini vurgulamaya çalıştı ∣ Count Giangaleaiio San Vitale . 1524).

  Parmigianino, yirmi yaşında , dışbükey bir aynadaki görüntüsünü taklit ettiği resimlerin en sıra dışısını yaptı. Ayna teması, Rönesans ustalarının ve her şeyden önce Hollandalıların çalışmalarında yaygınlaştı. Başka hiçbir nesne gibi, çevreleyen dünyayı yansıtan ayna, sanatçıların perspektif yasalarını incelemelerine ve onlara göre tuvallerinde gerçekliği yeniden üretmelerine yardımcı oldu. Giorgio Vasari, genç Parmigianino'nun bir resmini yaratma sürecini şöyle anlatıyor: “ Aynanın kıvrımlardaki yuvarlaklığından dolayı oluşan tutarsızlıklara dikkat çekti: tavanın kirişleri nasıl bükülüyor, kapılar ve bütün kapılar ne kadar garip. binalar küçülür ve tüm bunları kendi keyfine göre yeniden üretmek ister. Ve bu nedenle, yontulmuş bir tahta top sipariş edip onu yarım kürelerden birinde aynaya eşit boyutta ikiye bölerek, aynada gördüğü her şeyi ve özellikle de kendisini büyük bir ustalıkla yeniden üretmeye başladı.

  doğaya o kadar yakınsınız ki, onu takdir edebilir ve inanabilirsiniz.

  bu imkansız olurdu ve aynaya yaklaşan tüm nesneler arttığı ve uzaklaşanlar azaldığı için, çizen eli aynada görüldüğü gibi biraz daha büyük ve o kadar iyi tasvir etti ki, oldukça gerçek görünüyordu " . Resmin esprili fikri kimseyi kayıtsız bırakmadı: özel bir kontrast yaratan orantısız orantısızlık, güzellik ve çirkinlik arasındaki tutarsızlık, sanatçının çalışmanın ne anlama geldiği fikrini ifade etmesine izin verdi. ruh tarafından kontrol edilen eller.

 

SHON, ERHARD ( c. 1491-1542 )

  Alman oymacı ve ressam, Kuzey Rönesansının temsilcisi

  Sanatçı Max Schon III'ün ailesinde Nürnberg'de doğdu, Albrecht Dürer'in atölyesinde okudu ve ölümünden sonra Almanya'nın en ünlü oymacısı oldu. O alacaklı

  116 kitap için yaklaşık 1200 resim ve çoğu dini nitelikte olan 200'den fazla gravür. 1530'dan sonra sanatçı Lutheranism'e geçti ve o andan itibaren

  çalışmaları din karşıtı ve hiciv içerikli. Gravürlerin yanı sıra birkaç resim yaptı ve "Oran Çalışması" (1542) kitabını yayınladı.

  

XVII YÜZYIL XOOorCTPATEH, SAMUEL BAH (1627-1678)

  Hollandalı ressam, oymacı ve yazar

  Sanatta ilk akıl hocası olan sanatçı Dirk van Hoogstraten'in ailesinde Dordrecht'te doğdu, daha önce 1641'de Lahey'de Samuel, Rembrandt'ın çıraklığına girdi. 1648'de genç sanatçı memleketine döndü. Daha sonraki yaratıcı kaderi iyi sonuçlandı: Hoogstraten uzun bir süre Darphanede memur olarak görev yaptı, neredeyse tüm Avrupa'yı dolaştı ve birçok kraliyet insanı tarafından nazik muamele gördü. Yetenekli, çok yönlü eğitimli, bir ressam, oymacı, şair ve yazar olarak ünlendi, "Resim Akademisine Giriş" (1678) sanat üzerine incelemenin yazarı ve Rembrandt'ın ilk biyografisi. Ustanın sanatsal mirası gerçekten çok yönlüdür: portreler, manzaralar, natürmortlar, tarihi, gündelik ve hayvani türlerin resimleri. Ama hepsinden önemlisi Hoogstraten, 17. yüzyıl Hollanda'sında çok popüler olan "kukla" ve "perspektif kutusu" tablolarıyla tanınır.

  İç mekan manzaralı "Perspektif kutusu"

  Perspektif resim, Rönesans'ta sanata girdi. Perspektif teorisinin yaratıcıları, resmi dünyaya açılan bir pencere örneğini izleyerek tasarlayan İtalyanlar Brunelleschi ve Alberti idi: tuval üzerindeki tüm çizgiler, derinliğe inerken, ufukta sabit bir noktada birleşmek zorundaydı. Tanınmış bilim adamı ve mucit Alberti, alışılmadık perspektif izleyicileri bile buldu . "Alberti pencereleri" olarak bilinir: üzerlerindeki görüntünün belirli bir konumdan görülmesi gerekiyordu, bu da göze doğru bir perspektif verirken, izleyici tam bir derinlik yanılsamasına sahipti.

  17. yüzyılda, Hollanda'da "peepshow" ("bir bakış gösterme" !.) Adını alan cihazlar ortaya çıktı - sanatçıların ikna edici bir üç boyutlu alan yanılsaması yaratmasına izin veren optik cihazlar. Bunlar, bir duvarı olmayan dikdörtgen ahşap kutulardı. resimlerin içine yerleştirildikleri, kural olarak, iç mekanlara, manzaralara, daha az sıklıkla anlamsız içerikli çizimlere sahip manzaralar.

  Kutunun duvarlarında belirli yerlerde delikler açılmıştır. resmin görüntülendiği yer. Bunun etkisi, bu deliklerden bakıldığında karmaşık bir üç boyutlu uzay yanılsamasının yaratılmasıydı ( örnek, sayfa 271. Bakış açısı yanlış seçilirse, yani doğrudan cihazın eksik duvarından bakıldığında hiçbir şey görülemezdi. , yani. bu tür resimlerin temeli, perspektif bozulmalarına sahip bir oyun olan anamorfoz tekniğiydi.

  Hollandalı bir evin içi ("perspektif kutusunun" iç görünümü), 1655-1660

 Xviiibek Teplov, Gennady Nikolaevich (1717-1779)

  Sanatçı, devlet adamı, düşünür, yazar

  Feofan Prokopovich'in okulunda okuyan bir saray ateşçisinin oğlu, eğitimine devam etmesi için Almanya'ya gönderildi. Memleketine döndükten sonra İlimler Akademisi'nde tercüman olarak çalıştı. II. Catherine döneminde mükemmel bir kariyer yaptı:

  İmparatoriçe Dışişleri Bakanı, 1767'den beri - özel bir danışman ve ardından bir senatör. Yetenekli ve eğitimli bir kişi, çeşitli faaliyet alanlarında kendini fark etti . Hala Almanya'dayken Teplov, X. Wolf'un felsefesiyle ilgilenmeye başladı ve bu da

  Wolfianism'in Rusya'da yayılmasında önemli rol oynayan felsefi bir inceleme yazmak. Rusya'da "hileler" türünün atası olarak müzik, edebiyat ve resimde kendini denedi.

  Natürmort. 1737

  orijinaliyle kolayca karıştırılabilecek bir görüntü yaratma yeteneği. Bu tür resimler tuvale, duvara, kapılara gerçek boyutlu boyandı, daha fazla kafa karıştırmak için belli bir mesafeden bakılması gerekiyordu. Bununla birlikte, tüm doğa benzerliklerine rağmen, bu resimlerdeki ana şey, bir tür gerçeklikte oyundu, çünkü genellikle harmandaki nesneler kümesi rastgele ve hatta anlamsızdı, bu nedenle fikrin eğlenceli, grotesk başlangıcını vurguluyordu.

  Eski bir Yunan efsanesi biliniyor: iki sanatçı Zeuxis ve Parrhasius tartıştı. hangisi daha iyi. İlki bir salkım üzüm çizdi, o kadar ustaca ki uçan kuşlar boyalı meyveleri gagalamaya çalıştı. Zaferden emin olan Zeuxis, eserinin nerede olduğu sorusuyla Parrhasius'a döndü ve yanıtını duyunca "Orada, perdenin arkasından geldi ve onu geri çekmeye çalıştı. perde çekildi. Böylece hikaye başladı? hileler " - Rönesans döneminde Avrupa'da yaygınlaşan sanatsal şakalar, perspektif, ışık-gölge ve yağlı boyanın icadıyla, sanatçılar aldıklarında

  

HOGART, WILLIAM (1697-1764)

  İngiliz ressam, oymacı ve sanat teorisyeni

  Kırsal bir öğretmenin ailesinde Londra'da doğdu. Gençken bir gümüş oymacının yanında çıraklık yaptı. Bu nedenle, sanattaki yaratıcı yoluna bir oymacı olarak ticaret mağazaları için işaretler ve yazılar, daha sonra posterler ve kitap illüstrasyonları yaparak başladı. Boş zamanlarında St. Martin's Lane Akademisi'nde daha sonra kızıyla evlendiği J. Thornhill'in yanında resim eğitimi aldı. 1720'lerin sonunda, sanatçı zaten grup portreleri olan küçük "sohbet" resimlerinin yazarı olarak biliniyordu. Portre resmini gündelik tür unsurlarıyla zenginleştirerek, karakterleri bir tür eylemde birleştirdi ve onları

  Tuvalin ana hatları, İngiliz yaşamına dair çok sayıda işaret içerir (“Woodstone Ailesi”, 1730; “Stephen Buckingham ve Mary Hawke'nin Nişanı”).

  Aydınlanma fikirlerini ve 18. yüzyıl edebiyatını özümseyen Hogarth sanatı, hiciv ve eğitici roman türünde canlı bir somutlaşma buldu. Sanatçı, bir yazar gibi, kahramanının hikayesini izleyicinin önünde açtığı, bir tür ahlak ifade ettiği ve toplumun ahlaksızlıklarıyla alay ettiği birkaç dizi yarattı (“Fahişenin Kariyeri”, 1730-1732; “Modaya Uygun Evlilik”, 1743 -1745).

  1740'larda ve 1750'lerde Hogarth'ın portre sanatında oldukça farklı karakterler ortaya çıktı. Görüntüler, çoğunlukla yakın

  insanlar karakterlerin açıklığı ve duyguların samimiyeti, ahlaki sağlık ve yaşam sevgisinden etkilendiler. Sanatçının özel becerisi, ışıkla ve yaşam doluluk duygusuyla dolu kadın ve çocuk portrelerinde kendini gösterdi ( "Karidesli Kız", 1760'ların başları ) .

  Hogarth, portre türüne ek olarak İncil konularına da yöneldi; Aziz Marui kilisesi için yapılmış devasa bir sunak üçlüsünün yaratıcısıdır; Milton, Shakespeare, Swift'in çalışmaları için illüstrasyonların yazarı, hayatı tüm tezahür çeşitliliğinde yeniden üretmeye çağırdığı "Güzelliğin Analizi" (1753) teorik çalışması.

  Balıkçı. 1754

  Bu gravür, kasıtlı olarak çarpıtılmış, "yanlış" bir perspektif örneğidir. İlk bakışta resim tamamen sıradan, "makul" görünüyor, ancak kısa süre sonra gerçek sienna'nın hiçbir şekilde Hogarth'ın gösterdiği şekilde oynanamayacağı ortaya çıktı. Gravür, nesnelerin uzamsal düzenlemesiyle ilişkili bir dizi görsel saçmalık ve paradoks içerir (Iulilish, olta, balıkçı vb. ) . Daha yakından bakın - en az 20 yanlışlık bulacaksınız.

  ve birkaç perspektif planı, sanatçı imkansız bir kompozisyona kapıldı ve amacına tamamen ulaştı - perspektifin gücünü kanıtlamak, çünkü hiçbir şey onun gücünü net, amaçlı bir çarpıtma kadar doğrulayamaz.

 

XIX YÜZYIL YOSHIFUJI UTAGAWA (1828-1887)

  Japon sanatçı, ukiyo-e ustası

  19. yüzyılın ikinci yarısında Edo'da (Tokyo) çalışan ukiyo-e'nin (gravür) önde gelen ustalarından biri. Ünlü sanatçı Kuniyoshi Utagawa'nın stüdyosunda eğitim gördü ve yalnızca ahşap baskı türlerinde çalıştı: geleneksel -musya-e (savaşçıların görüntüsü) ve yokohama-e ( diğer milletlerin temsilcilerinin, geleneklerinin ve göreneklerinin görüntüsü ) . XIX yüzyıl . Yoshi-fuji'nin yeteneği, çocuk kitaplarını ve oyuncak resimlerini (asobi-e) resmetmeye başladığında ilginç, sıra dışı yönlerle parladı. Sanatçının ünü o kadar yüksekti ki “ Omosae no Yoshifudzi: Yoshifuji” lakabını bile aldı. tasvir eden oyuncaklar" ) .

  Japonya'da "kao" kişisel bir tuğradır. Bu kelime, Çin hiyerogliflerinden ka - çiçek io - imzalamak için gelir ve "bir çiçek kadar güzel bir imza koymak" anlamına gelir. Karakteristik el yazısı yazı, bukleler ve vuruşların yardımıyla, her kişi monograma kişisel bir karakter vermeye, kendisinde var olan en önemli karakter özelliklerini aktarmaya çalıştı. Bu gravürde olduğu gibi: sanatçı kao'sunu mizahi bir biçimde sunmuş, burada hiyerogliflerin tek tek unsurları yerine çizimlerini maskeler biçiminde betimlemiştir.

  Asobi-e veya oyunun görüntüsü-. - Batılılar için her zaman anlaşılmayan belirli bir Japon sanatı türü. Asobi-e. tamamını içeren

  ilişkisel bilmeceler, mantıksal ve anlamsal bulmacalar vb.).

  mantık ve mantığı ön planda değil, fantazi, hayal gücü ve mizahı ön planda tutarak insanlarda kahkaha, şaşkınlık ya da hayranlık uyandırmaya çalıştı.

  Genellikle iyi bilinen olay örgüsü, sanatçı tarafından o kadar yaratıcı bir kurgu ile yorumlandı ki, bu türdeki her eseri benzersiz kıldı. Açıklayıcı bir örnek, kedi resimli resimlerdir. Anlamları, eserlerden birinin üzerindeki yazıtta gizlidir - “ Kittens sobi

 birlikte yuva yapın ve bir anne kediye dönüşün . Yetişkin kedilerin gövdeleri karmaşık yapılardan oluşur.

  Sanatçı tarafından bu resimlerde alışılmadık bir piramit tasvir edilmiştir. Tahmin etmek.

  yavru kedilerin vücutları, gözleri boyun çanı, bıyıkları yavru kedi dikenleri ve ağızları hentochki'dir. bu zarif hayvanları süsleyen.

  telden daha az Vücutları ustalıkla birleştiren Yoshifuji, vücudun bir kısmı iki kişi için ortak hale geldiğinde "Siyam ikizleri" etkisi yarattı.

  ve dönüşüyorlar

  oraya diyor ki: ana loro üzerinde bulunan Okabe istasyonunda

  Kedi kılığına giren Ia, yanına gelen genç kadınları korkuttu. Bir keresinde kadını o kadar korkutmuş ki, kafasını hatırlayan kediye lanet okumuş. Bu taş bugüne kadar altında yatıyor

  Gerçek adı Igusa Yoshi-saburo'dur. Edo'da (Tokyo) bir kumaş boyacısı ailesinde doğdu ve ilk başta otu zanaatıyla uğraştı. 15 yaşında genç adam o dönemin en saygın sanatçısı olan Toyokuni Utagawa'nın atölyesine girdi. Kuniyoshi, ukiyo-e'nin tüm türlerinde çalıştı, ancak Çin ve Japonya'nın efsanevi kahramanlarını tasvir eden bir dizi gravür, ona geniş bir tanınma sağladı. İlk başarı ona 1825'te geldi: nu "Shui-hsu-zhuan" ("Nehir durgun suları") çizimleri büyük bir başarıydı. Sonraki yıllarda, "47 Sadık Vasal" ve "Taihe-ki'nin Şanlı Kahramanları" da dahil olmak üzere çok sayıda tarihi dizi yarattı . Artan drama, duygusal yoğunluk, cesur renk ve kompozisyon çözümleriyle karakterize edilen orijinal stil için usta, "savaşçıların sanatçısı Kuniyoshi" takma adını aldı. Hayatı boyunca güzel kadınlar ve aktörler yaratıcılığının nesnesiydi, tür eskizleri ve karikatürlerin yetenekli bir yaratıcısıydı. Birkaç kez karikatürler, sanatçının yetkililerle çatışmasına neden oldu ve yok edildi. Olgunluk yıllarında perspektif ve renk alanında Avrupa resim tekniklerini kullandığı, konularına modernlik dokunuşu veren manzara kompozisyonlarına yöneldi. Kuniyoshi'nin eserleri arasında Batı resimlerinin ve gravürlerinin kopyaları yer alır. Avrupa sanatına olan ilgi, ustanın balıkları ve hayvanları tasvir eden gravürlerinde tuhaf bir şekilde kırıldı. Su sütununa nüfuz eden ve deniz tabanını ve küçük balık sürülerini aydınlatan bir güneş ışını, yüzen balıkların hızlı hareketleri ve bitkilerin hafifçe sallanan dalları, kamera tarafından yakalanan, bizim bilmediğimiz başka bir yaşamın yakalanması zor anlarını andırıyor.

  Kunie tarafından 16. yüzyıldan itibaren kullanılan bir teknik.

  ine. 19. yüzyılın ortalarına kadar Woz-uygulanan İtalyan art-zko Japonya döneminden beri bilinmektedir ve bu nedenle sadece savaşlar mümkündür - bu, eserden bir şekilde orijinaldir-

  ka, tahmin etmek için dışarıdan tamamen izole edildi, böyle sıra dışı bir iz tekniği

  İtalyanlar, belki de Japonların ticari bağları olan tek yabancılar olan Hollandalılar aracılığıyla. Gravür, birçok çıplak insan vücudundan oluşan bir adamın kafasını tasvir ediyor. C ca-

  hangi kurgu ve inanılmaz beceri ile

  heykeltraş -heykeltraş-

  erkekler - tuhaf bir şekilde kavisli bir bacak, bir kaş - bir peştamal

  koyu renkli bir paçavraya, ağza ve dudaklara - wok'a sarılmış kırmızı bir beze yapışarak-

  

KUHİSADA Il UTAGAWA (1823-1880)

  Japon sanatçı, ukiyo-e ustası

  Sanatçının gerçek adı bilinmiyor. Seçkin ukiyo-e ustası Kunisada Utagawa'nın öğrencisiydi. 1847'de hocasının kızıyla evlendi ve onun adını aldı. Kunisada Il Utagawa oluyor. Sanatçı hayatı boyunca aralarında Baido Kunimasa, Kunimasa III, Kyosero gibi farklı isimlerle imza attı. Akıl hocası Kunisada Il'in ölümünden sonra Toyokuni IV takma adını aldı, çünkü Kunisada I aynı zamanda Toyokuni III olarak da biliniyordu. Sanatçı farklı türlerde çalıştı. Gravürlerinde güzel kadınların ve ünlü aktörlerin, eski gelenek ve efsanelerin kahramanlarının, performanslardan siennaların ve tarihi kroniklerin olay örgüsünün görüntüleri canlandı. Kunisada Il Utagawa'nın en ünlü eseri, 11. yüzyıl "Genji Monogatari" ("Parlak Prens Genji'nin Hikayesi") edebi anıtına dayanan bir dizi gravürdür. Roman, Murasaki Shikibu adlı İmparatoriçe Shoshi'nin saray hanımı tarafından yazılmıştır. Murasaki mükemmel bir eğitim aldı, Çince biliyordu ve bir şairdi. "Genji Monogatari"nin temelini oluşturan olaylar, şairin yaşadığı Heian döneminde (IX-XI yüzyıllar) gerçekleşti. Hei-an dönemi, Japonya tarihinde, tüm hayatı ve yaşam tarzı aşk sırları, entrikalar ve maceralarla dolu bir tür "cesur çağ" ı temsil ediyordu ve sonuçta işin olay örgüsünü önceden belirledi: 54 bölümün tümü Roman, imparatorun gayri meşru oğlu Prens Genji'nin sayısız aşkını anlatıyor. Don Juan'ın Japon prototipi olan yakışıklı ve ilkesiz Prens Genji, birçok sanatçının favori karakteri oldu.

  Kış manzarası, Japon sanatının en sevilen türlerinden biridir. Birçok sanatçı gibi, Il Kunisada da sık sık karla kaplı bir bahçe çizdi. Ancak bu gravürü daha yakından incelediğinizde, karın nasıl birer kafa tası yığınına dönüştüğünü ve katlanarak dev bir örümcek figürüne dönüştüğünü fark ediyorsunuz. Usta bu fantastik fikri XIII. yüzyılın edebi bir anıtı olan "Heike-monogatari"den ("Taira Evi Masalı") ödünç aldı. Bu kahramanca destan, iki güçlü Japon askeri klanı olan Taira ve Minamoto arasındaki birincisinin ölümü ve ikincisinin zaferiyle sonuçlanan şiddetli bir iç mücadeleyi anlatıyor. "Heike-monogatari" nin popülaritesi, bu türün sonraki hiçbir eseriyle karşılaştırılamaz. Destandan türkülere ve halk efsanelerine malzeme görevi gören çeşitli bölümler, tiyatro oyunlarına ve resimlere konu oldu.

 

CHIKANOBU TOYOHARA (1838-1912)

  Japon sanatçı, ukiyo-e ustası

  Kunisada Il Utagawa gibi, Chikanobu Toyohara da edebi bir kaynağa yöneldi. "Heike Monogatari"deki olay örgüsüne dayalı! "Hurda Taira Masalı" ) XIII.Yüzyılda Japonya'da iki klan - Taira ve Mina moto arasında bir savaş çıktı. 1156'da Taira taraftarları Japonya'nın başkenti Kyoto'yu ve klanın başı Taira'yı işgal etti. Kiyomori, ülkenin çoğunun fiili hükümdarı oldu.Kiyomori unvanını aldıktan sonra, önemli hükümet pozisyonlarını akrabalarına devretti ve acımasız bir diktatörlük kurdu.Sanatçı, Rokuhara'daki Taira kırsal arazisinin gravürünü tasvir etti.Yaşlanan Kiyomori etrafına bakıyor karla kaplı bahçe ve garip bir görüntü görüyor: yeri kaplayan kar, ağaçlar ve taşlar , sanki tirana öldürdüğü insanları hatırlatırcasına aniden kafataslarına ve iskeletlere dönüşüyor.

  Ukiyo-e'nin gelişiminde geç dönemin bir temsilcisi. Gerçek adı Hashimoto Tadayoshi'dir. Niigata Eyaletinde doğdu, Edo'da (Tokyo) Kano okulunda resim eğitimi aldı, ardından gravürlerle ilgilenmeye başladı ve Kunichika Toyohara'nın atölyesine girdi. Japon geleneklerine göre öğrenci, adının son hiyeroglifinden başlayarak öğretmenin soyadını ve takma adını alırdı. Kendisini tiyatro dünyasına adayan akıl hocasının aksine Chikanobu, tür resmine yöneldi. Kompozisyonlarının konuları, Japonya'nın geçmişinden ve modern yaşamından sahneler, efsaneler ve mitler, güzel kadın ve çocukların görüntüleri, 1894-1895 Çin-Japon savaşı olaylarıydı.

  Sanatçının çalışmalarının ana teması, Meiji döneminin (1868-1912) olayları ve insanlarıydı. Bu dönemde ülkede küresel değişiklikler meydana geldi: şogunluğun (askeri hükümet) düşüşü ve emperyal gücün geri dönüşü, "parlak izolasyon" döneminin sonu ve Batı teorilerinin, teknolojik yeniliklerin, modanın aktif olarak tanıtılması. , vb. Japon toplumuna. Chikanobu, yeni Japon seçkinlerinin bir tür resmi sanatçısı olarak adlandırılabilir. İmparatorluk ailesi ve çevresi, onların örf ve adetleri, Batı modası ve geleneksel kıyafetleri içinde kadın portreleri, yurtdışına seyahat eden Japonların resimleri, bir Avrupa orkestrasının konseri gibi her türden yenilik - yansıtılan konu yelpazesi bunlardır. Chikanobu Toyohara'nın çalışmasında ( dizi “Tokugawa dönemindeki soylu kadınların görüntüleri”, “Edo'nun ahlakı ve gelenekleri”, vb.).

 

TOLSTOY FYODOR PETROVİÇ (1783-1873)

  Rus heykeltıraş, ressam, oymacı ve madalya sahibi

  St.Petersburg'da Kriegs Komiserliği başkanının ailesinde doğdu. Asil bir soylu köken, gelecekteki tüm kaderini belirledi: Deniz Kuvvetleri'nde okumak ve bir deniz subayı olarak parlak bir kariyer. Ancak 1804'te istifa etti ve IP Prokofiev'in rehberliğinde madalya sınıfında St. Petersburg Sanat Akademisi'ne girdi. 1810'da sanatçı, darphanede madalya sahibi olarak hizmet vermeye davet edildi. Tolstoy'un yaratıcı kariyeri başarılı bir şekilde gelişti: 1842'de madalya sanatı profesörü unvanını aldı, 1849'da heykel profesörü, 1828'den 1859'a kadar Sanat Akademisi başkan yardımcısı olarak görev yaptı.

  Fyodor Petrovich Tolstoy'un sanattaki adı öncelikle resimle değil, sanatçının en önemli meslekleri olarak gördüğü heykel, grafik ve madalya sanatıyla ilişkilendirilir. Akademide okurken bile, ilk balmumu kısma serisini yarattı - arkadaş ve akraba portreleri, antik temalar üzerine resimler. Tolstoy'un ana eserlerinden biri, 1812 Vatanseverlik Savaşı olaylarına adanmış bir dizi madalyon yaratmaktı. 16 cm çapındaki diskler üzerine yapılmış, savaşın en büyük muharebelerini ve savaşlarını yakaladılar.

  Ustanın yaratıcı mirasında büyük bir yer, I. F. Bogdanovich'in çizim sanatının en iyi yönlerini yansıtan "Sevgilim" i 1820-1833 " şiirinin illüstrasyonları tarafından işgal edilmiştir. Tolstoy ayrıca birkaç resim yaptı (“Aile Portresi”, 1830; “Finlandiya'daki Markovil Dacha'nın Görünümü”, 1855, vb.). İç kompozisyon türüne, "sahte" resimlere ilk yönelenlerden biriydi. Her türden meyvelerin, çiçeklerin, kelebeklerin, sineklerin, kuşların görüntüleri o kadar inandırıcıydı ki, doğal olmadıklarına inanmak zordu.

   Tolstoy'un mirasında özel bir yer, sanatçının yanılsama etkisini (görüntünün doğaya benzerliğinin tam etkisi) kullandığı manzaralar ve natürmortlarla doludur. Manzarası biliniyor, iddiaya göre içinden boyalı görüntünün parladığı ince kağıt mendille kaplı. İkna etmek için, resmin bir tarafındaki kağıdın köşesi bükülmüş, onu alıp sayfayı fırçalamak istiyorum. Aslında, ne resmi kaplayan kağıt mendil, ne de bu natürmortların üzerinde donmuş su damlacıkları gerçekte yoktur, ancak böylesine güvenilir bir doğa yanılsaması yaratan sanatçının yalnızca en yüksek becerisi vardır.

  

HIROSHIGE I UTAGAWA (1797-1858)

  Japon manzara ressamı, ukiyo-e ustası

  Ando Hiroshige olarak bilinen, shogun itfaiyesinde görev yapan samuray Ando Gen'emon'un oğlu Edo'da doğdu. Çocukluğundan beri sanatçı olmayı hayal etti, ancak 13 yaşında babası ölünce, çocuk miras kalan görevini almak zorunda kaldı. Ancak, iki yıl sonra, Hiroshige hâlâ gravür ustası Utagawa Toyohiro'nun çırağı oldu. Ancak Hiroshige, kalıtsal konumunu amcasına devrettikten sonra ancak 27 yaşında kendini tamamen sanata adayabildi.

  Sanatçı tüm hayatını manzara resmine adadı. Kuşkusuz, Katsushika Hokusai'nin gravür "Fuji'nin 36 Görünümü". En başından beri, Hiroshige'nin yaratıcı hayatı boyunca şu ya da bu şekilde çeşitlendirdiği çalışmasında iki tema tanımlandı: Tokaido yolu ve Edo'nun görüşleri. Tanınmış dizileri arasında "Doğu Başkentinin Ünlü Manzaraları", "Tokaido Yolunun 53 İstasyonu", "Kisokaido'nun 69 İstasyonu" bulunmaktadır. Hiroshige'nin manzara türüne getirdiği yeniyi açıkça gösteriyorlar: yumuşak lirizm, doğallık ve sadelik, doğanın duygusal bir görüntüsünü yaratma arzusu, eğilimlerinin sayısız gözlemini genelleştirmeye yönelik değişken girişimlerini aktarma "100 Ünlü" döngüsünde ortaya çıktı. Ustanın kendisinin en iyi eseri olarak gördüğü Edo'nun Görünümleri". Bu seri, Hiroshige'nin çalışmalarının en büyüğüdür: 118 sayfa içeriyordu ve 1856'dan 1858'e kadar yayınlandı ve sanatçının ölümünden sonra bazı gravürler basıldı. İnsan algısına yansıyan anlama, sanatçının çözdüğü görevdir.

  Şakalar, parodi - Japon sanatının vazgeçilmez bir özelliği. Hiroshige, gölgesi ince yarı saydam bir bölmeden (shoji) yansıyan, bir köprü çitinin parçası gibi görünen, banyoda yıkanan bir adamı bir gravürde tasvir etti. Burada bir kelime oyunu mu yoksa sadece sanatçının fantezisi mi olduğunu söylemek zor.

  Hiroshige, 1858'de Edo'da bir kolera salgını sırasında öldü.

 

BEVER, JULİAN

  İngiliz grafiti sanatçısı

  Tasarımcı olarak reklam kitapçıkları ve broşürlerle başlayan ve daha sonra şehir meydanlarında ve kaldırımlarda yaptığı sıra dışı tebeşir resmiyle ünlenen Belçika asıllı bir İngiliz sanatçı. Bu sıra dışı resimler bir tür "hileler": bir uçakta boyanmışlar, belirli bir yerden bakıldığında üç boyutlu bir görüntü yanılsaması yaratıyorlar. Leonardo da Vinci'nin zamanından beri bilinen ve maniyerist sanatçılar tarafından mükemmelliğe getirilen anamorfoz tekniğine dayanıyorlar. Doğayı tüm fenomen çeşitliliğiyle keşfetme, onun üzerinde güç kazanma, perspektif yasalarını inceleme yolunda, Rönesans ustaları, deneylerinde perspektif bozulmalarıyla ifade edilen deformasyon fikrine geldiler. Bu, fantastik, gerçeküstü tasarımlar ve görüntüler yaratmak için fırsatlar yarattı. sanata bir gizem unsuru, sihir getirdi. Perspektif bozulmalarını çözme oyununa "anamorfoz" denir. Terimin anlamı, Yunanca - "forma geri" çevrilirken netleşir. İlk bakışta anlaşılmaz olan, perspektif yasalarına meydan okuyan anamorfik çizimler, özel bir şekilde ele alındığında oldukça kolay bir şekilde çözülebilir. bizim için doğal olmayan, görüş açısı.

  Kitle pop kültürünün görüntülerini uygulamak, eski ustaların eserlerini yeniden yaratmak, geçmişin ve günümüzün ünlü insanlarının portrelerini çizmek. Julian Beaver aynı zamanda kendisini de unutmadan kısa ömürlü sanatını kalabalığın ortasında, mega şehirlerin sokaklarında yaratıyor. İngiltere, Belçika'da çalışıyor. Fransa. Hollanda. Almanya, Avusturya, ABD ve Avustralya. Sanatı her yerde coşku ve coşkuyla algılanmıyor: Bazı yerlerde yetkililer, bunu şehrin yaşamına belirli bir kaos getirme girişimi olarak görerek sanatçının sokaklarda çalışmasını bile yasaklıyor.

  iki sanatçı

  Gerçek Julien Kunduz'un nerede olduğunu ve boyalı dublörünün nerede olduğunu tahmin etmeye çalışın. Bu bir fotomontaj değil, bir sonuçtur.

  Başkalarını sanatının gücüne inandıran sanatçının yüksek becerisinin tadı.

 

Robin ve Batman kurtarmaya gidiyor

  Bu çalışma, Kunduz'un icat ettiği üç boyutlu illüzyonun başarılı örneklerinden biridir: Levyenin pervazına oturmuş, imdat diye bağıran adam zorbanın ta kendisidir ve yakından bakarsanız, onun da öyle olduğunu görebilirsiniz. aslında kaldırımda duran ve popüler filmlerin ve çizgi romanların kahramanları Batman ve Robin'i yanan hurdadan kurtarmak için ipe tırmanan kaldırıma boyanmış rengarenk bir resimden başka bir şey değildir.

  Beaver, karikatür türüne yabancı değil. Bu çekiliş, Parlamentonun kötülüğünden çok da uzak olmayan bir Londra sokağında yapılmış ve konusu Büyük Britanya'da 1.997 golle seçilmişti. Başbakanlık makamını kazanan canlilat figürü, yüzü maskeli sanatçının ta kendisidir ve kaybeden adayların kuyunun dibine düşmesi mükemmel bir grafik gösterimdir.

  Bu nedenle böcekbilimciler, kaldırımda hareketsiz yatan bir böcek, grafik bir illüzyondan başka bir şey değildir.

  Dev bir böceği öldüren Yzhulian Kunduz'un avlanma becerilerine ancak gıpta edilebilir . Böyle olağan dışı bir durum olması üzücü

  Sivrisinek öldürdük

  Bu sayfa Beaver'ın en orijinal fikirlerini içermektedir. Buna inanmak zor. bu nesnelerin ve görüntülerin aslında çizildiğini. Bu arada, sanatçının birden çok kez suçlandığı bir fotomontaj değil bu. ve kaldırıma tebeşirle resimler. perspektifle oynayarak belirli bir açıdan çekilmiş. Yorulmaz hayal gücü - bu ustanın çalışmalarındaki ana özellik, izleyiciyi alışılmadık çalışmalarına tekrar tekrar bakmaya zorluyor.

 

Yüzün, havlayın ve mayınlayın.

  Dikkat et çukur'

  

VASARELİ, GALİP (1908-1997)

  Macar ressam, op sanatının lideri

  Gerçek soyadı Vashar-hey'dir. Macaristan'ın Pécs şehrinin yerlisi olarak 1930'da Paris'e taşındı. Bir Fransız sanatçı ve avangart op-art hareketinin kurucularından biri olarak tanındı. Başlangıçta afiş grafikleri alanında çalıştı. 1940'ların ortalarında, Op-art'ın kaynağı olan geometrik soyutlama tarzında çalışarak resme yöneldi.

  "Op-art", optik sanatın İngilizce'den çevrilmiş kısaltılmış bir versiyonudur - "optik sanat". Ritmik tekrarlara dayalı kompozisyonlar, keskin renk ve ton kontrastları, sarmal ve kafes konfigürasyonlarının kesişimleri, kıvrımlı çizgiler, formların bir düzlemde ve uzayda hareket ettiği yanılsamasını (optik etki) yaratır. Sanatçı, parlak, "kozmik" renklerle boyanmış resimlerinde, yalnızca izleyicinin duyumunda meydana gelen, alanı dönüştürmenin inanılmaz bir etkisini başararak, "Saf renk ve saf biçim tüm dünyayı içerebilir" inanıyordu. 1955'te, hareketin ana ilkelerini özetleyen Sarı Manifesto'yu (adını üzerine basıldığı kağıdın renginden almıştır) yayınladı. Buna ek olarak, Vasarely elini anıtsal mimaride ve küçük formlarda, örneğin katlarda, sanatın kitlesel karakteri ve genel erişilebilirliği için çabalayarak denedi.

  3e⅛⅛- '939

  Op sanatın görevi, insan gözünü aldatmak, yanlış bir tepkiye sevk etmek, görme sisteminde “olmayan” bir görüntüye neden olmak, ona hareketi hissettirmek, hissettirmektir. Hareketi canlı bir şekilde aktarmayı başaran ilk sanatçılardan biri, fırçasının darbeleri gerçek görüntüyü ima ettiğinde özel bir resim tekniği kullanan Van Gogh'du: optik resimlerde mecazi bir ifade aracı olarak, renk (zıt veya zıt) yumuşak) ve uzamsal “karışımlardan” geometrik bir desen görünür » görsel algının özelliklerine ve öncelikle düzlemdeki belirli konfigürasyonların algılanmasına dayanır. Örneğin, değişen beyaz ve siyah eşmerkezli daireler, çalışan bir pervane gibi kesişen ışınlar yanılsaması yaratır. Veya geometrik yapıların birbirine dayatılması, bir dalga etkisi verir, ancak üzerinde tüm kenarların keskin bir şekilde vurgulandığı bir küp.

  sürekli değişir cβoι

  onları ileri ve geri hareket ettirmek. Çeşitli kaplamaların bir sonucu olarak ve

   

   

  Beyni farklı süs eşyalarının kombinasyonları ile düzenlemeye çalışan 'oğlun üzerindeki bağlar, çünkü o bir nesne arıyor.

  ?t etkisi •ikincil görüntüler » : bizim

  Vega-nor. '967

 

BAPO z ÇÖZÜMLERİ (1908-1963)

  İspanyol kültürü, gerçeküstücülüğün temsilcisi

  Bir hidrolik mühendisi ailesinde doğdu, bir manastırda büyüdü ve San Fernando Akademisi'nde okudu. Etkisi ilk çalışmalarında görülebilen sürrealistlerin çalışmalarıyla tanıştığı Barselona ve Paris'te yaşadı (“Idle Dolls”, 1938). Naziler iktidara geldikten sonra, Fransa'yı terk etmek ve denizaşırı ülkelere, o zamanlar birçok sürrealist için "vaat edilmiş topraklar" haline gelen Meksika'ya göç etmek zorunda kaldı: Pa-alena, Carrington, vb. Sanatçının hayatının son yirmi yılı günlerin sonuna kadar ayrılmadığı Meksika ile bağlantılıdır.

  Sanatında, görünüşte uyumsuz teoriler ve inançlar girift bir şekilde iç içe geçmiş ve somutlaştırılmıştır: ortaçağ skolastisizm, modern bilim ve psikanaliz ile tatlandırılmış çeşitli türden okült öğretiler. tuval

  Bapo'da, mucizevi olanın her zaman güzel ve benzersiz olduğu büyülü rüyalar ve gerçekleşmemiş fanteziler diyarında doğan ikonografi, ortaçağ gizemleri ve imgelerin nadir bir füzyonu var. Sanatçının resimlerinin ana teması, hayatı boyunca aradığı mükemmelliğe giden yol olan manevi bir boyut arayışıdır ( "Armoni". "Flütçü" ) . Yaratıcılık Bapo - özgür ruh ve hayal gücünün hüküm sürdüğü güzel bir dünya, herhangi bir sözleşme tarafından dizginlenmemiş.

  Khulozhniia bu resmin anlamını şu şekilde açıklamıştır: “Dünya, dönme eksenini ve atalet merkezini, dengeyi sağlamaya çalışan ve sol ayağının bir boyutta olduğunu keşfeden astronomun en büyük şaşkınlığına ve atalet merkezine bırakır. bir başkasında.” Bunun "Görelilik Teorisi" nin sanatsal bir düzenlemesi olduğunu ve resmin ana karakterinin şaşırtıcı bir şekilde yaratıcısına benzediğini söyleyebiliriz.

 

GARDNER, STEVEN MICHAEL

  Amerikalı hayvan sanatçısı

  Amerika'da tanınmış bir hayvan sanatçısı olan California, San Diego şehrinin yerlisi. Kendi ifadesine göre, resim yapma isteğinde yaban hayatı ve sakinlerine olan sevgi önemli rol oynamıştır. Hayvanların natüralist görüntülerinden yola çıkan Gardner, "kamuflaj" olarak adlandırılabilecek alışılmadık, ancak kendisi tarafından icat edilmemiş bir stile ulaştı: sanatçı, "gizli silüetler" ile yapboz resimleri yaratıyor. İlk başta resme üstünkörü bir bakışla 2-3-4 hayvan resmi görebilirsiniz ve ancak daha yakından incelendiğinde 10,11,12 tane olduğu fark edilir ... Geriye sadece her şeyi bulmak kalır .

  

GILBERT, CHARLES ALLAN (1873-1929)

  Amerikalı sanatçı ve illüstratör

  Hartford, Connecticut'ta doğdu. Sanatçının hayatı hakkında o kadar az şey biliniyor ki, hayatta tek bir görüntüsü bile kalmadı. Gilbert çocukluğundan beri sağlıksızdı, biyografisinde engelli olduğundan bile bahsediliyor. Gençliğinde sanata ilgi duymaya başladı ve Connecticut'taki Art Society for Students'ın kurucusu Charles Noel Flag'den çizim dersleri almaya başladı. 19 yaşında New York'ta okumak için gitti, ardından Paris'e gitti ve oradan New York'a döndü ve burada bir sanat stüdyosu açtı. Stüdyosu, birçok yeteneğin çalıştığı en popüler eğitim kurumlarından biri haline geldi. Gilbert, öğretmenliğin yanı sıra çok şey çizdi: sanatçıya önemli bir gelir getiren reklamcılıkla başlayarak, dergi ve kitap grafikleriyle uğraştı, manzaralar ve natürmortlar çizdi, ancak en ünlü eseri hala "Vanity" gravürü. 1902'de oluşturuldu. 55 yaşında Charles Allan Gilbert zatürreden öldü.

  Sanatçının en ünlü eseri, çifte eğlenceli bir anlamı olan optik illüzyonun canlı bir örneğidir. İlk görüntü aynada kendine bakan genç bir kadına aitken, kendisi ve aynadaki yansıması sırıtan bir kurukafa silueti oluşturuyor ve bariz bir alegorinin gizlendiği ikinci görüntüyü oluşturuyor. Kibir, gurur - putperestlikle karşılaştırılabilir Hıristiyan etiğinin günahlarından biri

  lonnichestvo ve her şeyden önce kendisine, ki bu en açık şekilde Narcissus mitine yansır. Rönesans'tan bu yana sanatçılar, kendini beğenmiş çıplak, güzel bir kadın biçiminde kibir temasını temsil ettiler. Daha da eski zamanlardan beri, kafatasının ikonografisi, ölümün ve kurumanın, hayatın geçiciliğinin, kasvetli yansımaların bir arkadaşı olarak ortaya çıkıyor. Bu nedenle, dünyevi kibri reddeden azizlerin ve tövbe eden günahkarların portrelerinde tasvir edilmiştir. Gilbert'in analojisi anlaşılabilir, ancak resimdeki kasvetli anlam, enkarnasyonun özgünlüğü ve alışılmadıklığıyla aydınlatılıyor.

 

GONSALVES, ROB ( d. 1959)

  Kanal sanatçısı, büyülü gerçekçiliğin temsilcisi

 

12 Temmuz 1959'da Ontario'da doğdu. Çocukluğundan beri çizmeyi severdi ve bu nedenle gençliğinde mimariye kapılarak alışılmadık perspektif resimler yapmaya başladı. Kendine özgü tarzı, Salvador Dali'nin gerçeküstücülüğünden, Rene Magritte'in büyülü gerçekçiliğinden ve Maurius Escher'in perspektif illüzyonlarından etkilenmiştir. Üniversiteye kaydolan ve mimar olarak çalıştıktan sonra Goncalves, tüm boş zamanlarını çeşitli sanat projelerine adadı: tiyatro projeleri, resim ve grafiklerle uğraştı. Goncalves'in çabaları, 1990'da Toronto Sanat Müzesi'ndeki kişisel sergisinin büyük bir başarı kazanmasıyla ödüllendirildi. Goncalves'in çalışmaları genellikle gerçeküstü olarak nitelendirilir, ancak sanatçının kendisi böyle düşünmez, eserlerinin önceden düşünüldüğünü ve nihai, nihai düşünceyi taşıdığını belirtir. Büyülü veya büyülü gerçekçilik - bu tanım Goncalves'in çalışmaları için daha uygundur. Fikirlerini çevreleyen dünyadan, resimlerin olay örgüsünden ve karakterlerinden - çoğu sürrealistin yaratıcı süreçten dışladığı günlük yaşamdan alır. Eserleri mucizelere inanan insanlar içindir, çünkü sanatçı tuval üzerinde yarattığı bir sihir, sihir duygusunu gerçeğe dönüştürmeye çalışmaktadır. O, olduğu gibi, gerçekliğin kapsamını genişletmeyi, onu biraz gerçek dışılığa kaydırmayı, fanteziyi ve hayal gücünü birbirine bağlamayı teklif ediyor. Goncalves'in imgeleri bizim dünyamızda olduğundan başkadır hep başkadır: Güzel bir kır evinin yansımasıyla gölün enginliği, ustanın ustalıkla döşediği cam levhalardan oluşur; aşağıdaki dağ zirvelerinden ovaya inen kar akıntısı, beyaz giysili rahibelere dönüşerek kayaya bir tapınak inşa ediyor; kara yaz göğündeki ay diski, el feneriyle aydınlatılan bir kürenin izdüşümüne dönüşüyor.

 

 

XXBEK DALI, SALVADOR (1904-1989)

  İspanyol ressam, heykeltıraş ve grafik sanatçısı, gerçeküstücülüğün temsilcisi

  Gerçek adı Salvador Jacinto Felipe Dali Damenech Cusi Farres'dir. Katalonya'nın Figueres kasabasında doğdu, Madrid'deki San Fernando Güzel Sanatlar Akademisi'nde okudu. Gençliğinde akademicilik, gerçekçilik, kübizm, fütürizm ve diğer "izmler" tutkusunu aktaran sanatçı, 1927'de Paris'te bulunarak sürrealist harekete katıldı. Dali'nin yaratıcı tavrının ve estetik görüşlerinin oluşmasında De Chirico'nun metafizik tablosu ve Sigmund Freud'un eserleri belirleyici rol oynamıştır. Sanatçı, yöntemini "paranoyak-eleştirel" olarak tanımladı ve resimlere "rüyaların elle çizilmiş fotoğrafları" adını verdi. Hemen hemen tüm resimlerinde bulunan rüya ve fantezilerin görüntüleri, tuval üzerine inanılmaz bir özgünlük ve eksiksizlikle restore edilerek hipertrofik gerçeklik ve gerçek irrasyonellik karakterini verdi. Bu nedenle, optik bir yanılsama görünümünü taklit eden, esneyen, çürüyen nesneler, başka nesne-imgelere dönüşen çalışmaları bu nedenle. Sanatçı tarafından tercih edilen, sık sık tekrar eden semboller ve gizemli ayrıntılar: akan saatler, koltuk değnekleri, kuyruklu piyanolar, içinden kayan çekmeceli bir insan figürü, dişler, karıncalar ve çekirgeler. Dali, gerçeküstücülük için gürültülü ve parlak bir reklam yarattı. Ancak beklenmedik bir şekilde 1936'da hareketten koptu ve çalışmalarında İtalyan klasisizmine yöneldi. Daha sonra çeşitli kaynaklara yöneldi - bu Hollanda gerçekçiliği, İtalyan barok ve soyut dışavurumculuk ve pop sanatıdır. Dali sadece resim ve heykel yapmakla kalmadı, aynı zamanda filmler, resimli kitaplar, kostümler için eskizler ve tiyatro için dekorlar geliştirdi, takılar icat etti ve birçok otobiyografik ve edebi eser yazdı. Gerçekten olağanüstü bir kişilik, her türlü baş döndürücü girişim, olağan dışı eylemler, yetkililer ve kiliseyle uzlaşmalar yoluyla kendisi hakkında bir efsane yarattı ve yaşamı boyunca 20. yüzyılın en kötü şöhretli sanatçısı oldu.

  Dali harika bir tercüman, optik illüzyon ustasıdır. Yaratıcı hayatı boyunca, kaynağı İtalyan Rönesansı olan bu resimlerde olduğu gibi farklı sanatsal üsluplara ve akımlara yöneldi. Klasik resim tekniklerini ustaca ödünç almak. Dali onları gerçeküstü bir biçimde sarmalıyor, gerçeklik ve illüzyonun eşiğinde dengeliyor ve resmin dokusuna parçacıklı bir yapı katıyor. Sanatçı , ünlü " Madonna ve Çocuk" olay örgüsünü kendi tarzında sunuyor: Tahtta oturan Tanrı'nın Annesinin tüm silueti parçalara ayrılıyor. Bakire figürü havada asılı duruyor, tahtın ayrı ayrı unsurlarıyla çevrili. Vücudunun ortasında bebeğin yerleştirildiği açık kare bir pencere vardır; vücudunda, içinde bir halı bulunan bir delik vardır - Mesih'in etinin bir sembolü. İlk bakışta dağılmış olan yapı, daha yakından incelendiğinde, canlı semantik alegorilerle donatılmış, net ve kesin bir kompozisyona dönüşüyor. Bunlardan biri, dünya uzayındaki tüm yaşamın insan ruhunun somutlaşmış bir sembolü olan Meryem Ana'nın başının üzerinde cennetin kubbesinde asılı duran bir yumurtadır.

  1938

  Lali, yaratıcı yöntemini "eleştirel paranoya" olarak adlandırdı. Sanatçı, bilinçaltında derinden gizlenmiş düşünceleri serbest bırakmak için bir delinin zihnine ihtiyaç olduğuna ikna olmuştu. Böyle bir zihne sahip olan insan, hiçbir kısıtlamaya ve önyargıya bağlı olmayan bir vaziyette idi. Ancak Lali, bir deli ile aklını kaybetmeyen kendisi arasındaki farkı kendisi gördü ve bu nedenle paranoyası eleştirel bir yetenekle ilişkilendirilir. Ustanın birçok anlamla donatılmış, bulmaca resimleri, tekrarlamalar olarak adlandırılabilecek eserlerinin tüm olağandışılığı da bu temel ifadeden kaynaklanıyordu. Bunun çarpıcı bir örneği, bu sayfalarda sunulan çalışmadır. 56. sayfadaki resimler hızlı bir şekilde sıralanabilirse (ilk bakışta görünmeyen siluetleri okumak oldukça kolaydır), sonraki sayfadaki işler bir muammadır. Aniden bir vazo bir yüze dönüştüğünde veya uzaktaki bir manzaranın ana hatları bir köpeğin kafasına dönüştüğünde veya kaostan mitolojik bir hayvanın, bir tepegözün veya bir mandolinin yüz hatları ortaya çıktığında, görüntüleri tahmin etmek gerçekten büyüleyici bir deneyimdir.

  1930'ların çalışmaları, sanatçının tatmin edilmemiş arzular temasının yer aldığı çoklu imgelerle yaptığı ilk deneylerden biridir. Lali, "Görünmez Aslan, At ve Uyuyan Kadın" resmine yaptığı yorumlarda, " üçüncü ve bir sonraki görüntünün ortaya çıkmasına neden olan paranoyak bir sürecin sonucu olarak ikili bir görüntünün genişletilebileceğini, paralelliklerin sayısının sonsuz olabileceğini" yazdı. ." Nitekim kavisli bir kadın figürü, sağdan bakıldığında lüks bir saç tokası sayesinde aslan gövdesine dönüşürken, sol tarafta bir atın ana hatlarını andırıyor. Resim, daha sonra üç versiyonunu tamamlayan sanatçının şüphesiz başarısıdır.

  Bu eser, Lali'nin son büyük ölçekli eserlerinden biridir ve muhtemelen onun düalist tasvirinin en sıra dışı örneğidir. Sahte resmin anlamı, sanatçının zayıf olduğu uzun başlıkta ortaya çıkıyor. Bir Amerikan başkanının portresi ile çıplak bir kadın figürünün birleşimi tesadüfi değil: Lali için hayat belirsizlik, alegoriler ve çifte anlamlarla doluydu. Bu nedenle, Lincoln ve Gala imgelerini, taptığı iki ideal olarak tek bir "ideal" bütünde birleştirdi. Lla Lali Lincoln, II. Dünya Savaşı'nın zor yıllarında onu koruyan ülkenin en iyi niteliklerinin kişileştirilmesiydi. Gala her zaman onun güzel ilham perisi olmuştur ve hayatları boyunca ona şefkatle bakmıştır. L, la Lali Gala her zaman genç ve güzel, gizemli bir kadın olarak kaldı.

  "Rothko'nun anısına". Mark Rothko, soyut dışavurumculuğun temsilcisi olan ünlü bir sanatçıydı. Bu eğilim, sanatın zihnin ve mantıksal yasaların herhangi bir kontrolünden "kurtulmasını" geliştirdi, bu da Lali'yi çok etkiledi. Bu resim yapılmadan birkaç yıl önce Rothko intihar etti. Lali, sanatçının anısına eserin bağlamına bazı imalar getirdi - haç şeklindeki pencere, Rothko'nun son çalışmalarını tamamladığı Houston'daki De Menil şapelini hatırlatıyor.

  Gerçekten de, Lali'nin sürrealizm estetiğinde yer alan hayal gücü sınırsızdır. Basit portre görüntülerini, tasvir edilen kişinin içsel özünü tuhaf bir şekilde ortaya çıkaran fantastik anlamsal görüntülere dönüştürdü. Mae West, rezil bir Hollywood oyuncusu ve 1930'ların ve 1940'ların seks sembolüydü. Lali'nin fantezisi, ona parlak ve orijinal bir imaj önerdi. Bu çalışma hem kağıt üzerinde hem de dudak-kanepe vb. mobilyalarla gerçek bir oda şeklinde gerçekleştirilmiştir. Euie, yaratıcı hayal gücünün oyununun bir örneği Büyük Opera'dır: tiyatronun görüntüsü bir opera leia şeklinde görünür, açık ağzı, üzerinde aksiyonun oynandığı bir siennadır ve saç, lüks bir kadifenin parçasıdır. perde.

  Gap'in üç bilmecesi. 1982

  Lali'nin bu çalışmalarda en sevdiği olay örgüsü - paranoyak fenomen - belirli karakterlerle ilişkilendirilir: ilk çalışmada - Gala'nın görüntüsü ile! ıhlamurunun bir kısmının üçlü tekrarı ), ikincisi Pablo Picasso'nun çalışmasına ve tutkusuna bir göndermedir . Afrika sanatı için. Resmin ortasında, zenci kökenli özelliklerin açıkça izlendiği, yaslanmış bir kafa var! Hatta bazı araştırmacılar bunun Picasso'nun bir portresine benzerliğine dikkat çektiler ) . Başın temeli bir kulübedir, çevresinde büyüyen ağaçlar kalın saçlardan bir şapka oluşturur ve oturan insan figürleri göz, burun ve ağza dönüşür. Bununla birlikte, Lali'nin kendisi, resimlerindeki seyircilerin görmek istediklerini gördüklerini söyleyerek, görüntülerin bu kadar akılcı ve somut olduğunu çoğu kez fark etmedi.

  paranoyak görüş. 1935

  Lali'nin 1925'te Barselona'daki ilk sergisinde sunulan "Venüs ve Denizci" tablosunun Ava versiyonu, eserinde neo-kübizm çizgisini sürdürüyor. İşin anlamını açıklayan "Gidiş" alt başlığına sahipler: Venüs, uzun bir yolculuğa çıkan bir denizciye veda ediyor. Genel olarak Aşkı ve özel olarak aşık bir kadının imajını kişileştiren Venüs figürü hakimdir: kübist tarzda yapılmış, büyük ve ağır görünüyor. Denizci figürü ise aksine hafif ve yanıltıcıdır, hatta yanıltıcıdır, gerçeklikten çok bir görünüş, bir hayalettir. Resimlerden birinde bir denizci figürü gülünç derecede küçük, bir kadının kucağına oyuncak bebek gibi oturuyor. Öte yandan, görüntüsü, sanki kartondan kesilmiş gibi tamamen düz görünüyor. Lali, resmin ana fikrini - ayrılma, ayrılma - vurgulamak için benzer teknikler kullandı. Bu, bir yelkenli tekne ile pencerenin dışındaki deniz manzarası tarafından yankılanıyor.

  yüz 1945

  Olney, Lali'nin renk çağrışımları ve bakış açısıyla ustaca oynadığı en ilginç "optik" resimlerinden biridir. Zorunlu göçü sırasında Amerika Birleşik Devletleri'nde yaratılan eserler, sanatçının ruh haline tanıklık ediyor: sürrealizmden bir kopuş ve klasik temalara bir çağrı, vatan hasreti (Katalan manzarasının motifi hemen hemen her resimde mevcuttur), bir eksiklik duygusu özgürlük. İkincisinden, Voltaire'in imajı veya daha doğrusu heykeltıraş Houdon tarafından yapılan büstü ("Voltaire'in görünmez büstü vizyonuyla köle pazarı"), Yıkılanların arka planına karşı ortaya çıkar.

  Üç Çağ 1940

  Lali, binanın arkalarında koyu renklere boyanmış köleler olan Hollanda kıyafetleri içindeki iki kadın figürünü seçti. Sanatçı tarafından tasarlandığı gibi, bir Voltaire büstüne katlanırlar. Resmin sol alt köşesinde Lali, bir grup karaktere bakan yarı çıplak bir Iala'yı tasvir etti. Karısının imajı tesadüfi değil: Sanatçıya özgürlük ve özgüven duygusuyla ilham veren oydu.

  Madam Isabella Styler-Tas'ın Portresi. 1945

  Marshall Adaları takımadalarının bir parçası olan Atoll (mercan adası) Bikini, ABD hükümeti tarafından defalarca atom bombası deneme alanı olarak kullanıldı. Bu küçük Pasifik adasının yaklaşık 1.000 sakini nükleer testlerin neden olduğu hastalıklardan öldü, geri kalanı tahliye edildi ve atol şu anda ıssız.

  Adanın trajedisi, Lali'ye yine bir optik yanılsama kullandığı bu tabloyu yaratması için ilham verdi. Leah insan kafaları ve bir ağaç ikiz görüntülerdir, bir patlamadan sonra ortaya çıkan atomik bir mantarın şeklini tekrarlayan ikili görüntüler. Resmin başlığındaki "sfenks" kelimesi, bu mitolojik yaratığın gezginlere sormaktan hoşlandığı bilmecelere işaret ediyor olabilir: insanlar neden hayatı öldürür?

  Lali bir portre ressamı olarak pek tanınmaz ama bu türdeki deneyleri her zaman olduğu gibi orijinaldir. Gençliğinde akraba ve arkadaşlarının portrelerini yaptı, ancak Amerika Birleşik Devletleri'ne göç ettikten sonra portre yapmanın ne kadar karlı olduğunu anladı ve siparişleri yerine getirmeye başladı. Müşterileri, kural olarak, dünyaca ünlü ressamın kendi portrelerine sahip kişilerdi. Ve Lali, muhtemelen 10 emrinden biri olan “sanatçı fakir olmaktansa zengin olmayı tercih eder, o halde altını ve değerli taşları öğren” emrini yerine getirerek, bu çalışmasında olduğu gibi çoğu zaman müşteri için çok çekici görüntüler yaratıyordu.

  Üç Sfenks Mrpcsa Bikini. 1947

  Lali'nin restoranlardan biri için yaptığı duvar resminin bir parçasında.

  İspanyol teması açıkça izlenir. Bir kadın gitarın görüntüsü, ünlü Federico Garcia Lorca'nın görüntülerini çağrıştırıyor.

  pan şair ve oyun yazarı, müzisyen ve 1939'da İç Savaş sırasında ölen Salvador Lali'nin arkadaşı

  ispanyada.

  il

  '6A~8A 'dιa ен NHHidex и «gaievej» eιoged - oιodoιe naεedgo 'UHna>κedgoεH (θJθHdκvAxaXudox) oιoedau danπdu - NHHidex annuedia ен эічннѳѵ -Seiavadu 'ejod ∏4xodoaoιι atvdoφ ou эитоіенипоиен ' ∣ 4iHθwjedφ ѳимѳн иѵи ічѵ -AxaAudox a ∣ 4HVHβodem en epiѵ ve Niaiwadu ιaeβHgεed ama "oіchaiiovizh '∙ιjondave KaiaexavgA iѵeu yaoѵoa ×-ot∙6l epnokh d

  1940'ların sonlarından itibaren gayretli bir ateist olan Dali dine döndü. Tanınmış İncil sahnelerini kendi tarzında yorumladığı ve onlara bir mistisizm lolu ("Gualelupskaya'lı Malonna") kattığı birçok resim yapıyor. Daha sonra, sanatçının buna nükleer fiziğin en son keşiflerine olan tutkusu eklendi ve bu da onun parçacık periyoduyla sonuçlandı ( " Ma-lonny'nin Corpuscular masmavi Yükselişi"). Dini tuvallerinde vazgeçilmez bir karakter, daha önce olduğu gibi, Malonne taklidi yapan karısı Gala'dır.

 Lali'nin en sevdiği tema , sanatçının Venüs de Milo'nun görüntüsünden ilham aldığı “ Glluinogenic τoppepo∙” tablosunda olduğu gibi, geçmiş dönemlerin imgelerine bir çağrıdır . Resimde gösterilen tüm Venüs serisi, yavaş yavaş, sanatsal metamorfozlarla, işlemeli parlak bir takım elbise giymiş bir torrero figürüne dönüşüyor.

  Cnapaneanwaa Madonna. 1952

  . 1982

  İkilik yanılsaması yaratmak için. sanatçı suda yansıma yöntemini uygulamıştır. Ağaçları kurumuş kuğu figürleri.

  fillerin görünüşünü şekillendirirler: kuğu başları fil başlarına, ağaç gövdeleri fil gövdelerine dönüşür. Ecw resim ters çevrilir, sonra filler tekrar kuğuya dönüşür. Bu garip illüzyonist gösteri, ön plandaki hareketsiz donmuş figürlerin tam aksine, uçurumlar ve girdaplarla dolu canlı bir Katalan manzarasının arka planında ortaya çıkıyor.

  Eski bir Yunan mitinin olay örgüsünde yaratılan resim, daha önce yazılmış aynı adlı Lali şiirinin bir örneği oldu. Efsaneye göre Nariiss, suda gördüğü kendi yansımasına aşık olan güzel bir genç adamdır. Kendini tefekkürden koparamadı ve kendini sevmekten öldü. Öldüğü yerde nergis adı verilen bir çiçek büyümüştür. Resmin ortasında Lali iki silüet tasvir etti: sağda - sudaki yansımasına hayran olan Nariiss, solda - içinden bir çiçeğin kırıldığı bir yaino tutan taşlaşmış bir el. Ustalıkla yürütülen görüntüler, fotoğrafik doğrulukla çarpıcı bir şekilde birbirinin ana hatlarını tamamen tekrarlıyor. Genç adamın kıvrımlı figürünün altın boyalarla yapılmış olması, Narkissos'un başının eğik olması ve yüzünün görünmemesi görüntüyü gizemli kılmaktadır. Başka bir irrasyonel görüntü - üzerinde karıncaların süründüğü bir çatlakla kaplı bir taş, çürüme ve bozulma özelliklerini taşırken, yumurta ve çiçek doğum ve yaşamı kişileştirir. Narcissus'un çizgisi, klasik heykelleri tekrarlayan bir pozda bir kaide üzerinde duran genç bir adam figüründe (sevgi dolu bir bakışla vücuduna bakar) ve üstteki resimde kendini gösteren resmin derinliklerine iner. kar tanrısı olan dağ tutkuyla eridi.

  Lali'nin, özünü " İrrasyonel Olanın Fethi" (1935) adlı makalesinde ana hatlarıyla belirttiği "eleştirel-paranoyak" yönteminin temelini oluşturan düalist imgeler yaratma konusundaki ilk deneyimi. Bu çalışma metamorfozların türüne pek atfedilemezse de, çeşitli detay ve konturların kaosundan net ve anlaşılır bir görüntü ortaya çıktığında burada “gizli görüntü” ilkesi kullanılır. Gökyüzündeki sarı bulutlar bir adamın saçlarına dönüşüyor, arka planda manzaranın kıvrımlarından başı çıkıyor, vücudunun üst kısmına mimari yapıların dağınık elemanları ekleniyor, alt kısmı ise dökülen bir şelale.

  Doğrulanmış

  Bu sulu boya resmin temelini oluşturan görsel olgu "değişen şekil ve zemin", Danimarkalı psikolog Edgar Rubin tarafından keşfedildi ve geliştirildi. Bu tür resimler, algısı iki olasılık arasında dalgalanan iki formun görüntüsüne dayanmaktadır. Ayrı ayrı ele alındığında, her iki form da aynı çizgi ile sınırlandırıldığı için, her bir form ayrı bir nesne olarak algılanır ve aralarında bir tür rekabet oluşur. Her biri sırayla resimde baskın nesne olurken, diğer biçim arka plana "ayrılıyor". Bu resme bakıldığında dönüşümlü olarak bir vazo veya birbirine bakan iki profil görülmektedir.

  Bu tür bir değiştirme tekniği, alışılmadık bir görüntünün yanı sıra sanatta sıklıkla kullanılır, güçlü bir duygusal çağrışım taşır, çünkü her kişi çizilen görüntüyü kendi tarzında yorumlayabilir.

  Nükleer fiziğin keşiflerine olan ilgi, Lali tarafından sanatsal düşüncesinin özgünlüğünün artırıldığı çok sayıda "nükleer" resimde ifade edildi. En ünlü eser, Raphael Madonnas'ındaki zeytine benzeyen başın silüetiyle, üst kısmı ise Roma Pantheon'unun kubbesini andırıyor. Gergedan boynuzu şeklinde parçalara ayrılan bir yapı olmasına rağmen (sanatçının en sevdiği imgelerden biri) görüntünün tamamı açıkça ayırt edilebilir.

  Çakışan .' .! Adana, 1951

  Deniz teması, ustanın en sık işlenen eserlerinden biridir. Eiue, gençliğinde, Sleezem Denizi kıyısındaki balıkçı kasabası Kalakes'in eteklerinde, Port Lligat'ta küçük bir kulübe satın aldı. Lali'nin hayatı boyunca, sula bir kereden fazla geri döndü,

  Sürekli değişen ve dolayısıyla benzersiz olan deniz imgesi, sanatçının resimlerinde kadın ve gemi imgeleriyle birleşiyor. Ve bu tesadüf değil: gemi, denizde dolaşan ebedi bir gezgin ve yanılsama yaratma, gerçekte olduğundan farklı olma, kontrol edilemez bir unsur olan Doğa'nın tek bir görüntüsünde birleşme konusunda olağanüstü bir yeteneğe sahip bir kadın.

  Gulet taklidi yapan bir grup kadın. 1M0

  Lali'nin soyut resme olan kısa süreli tutkusunun bir örneği, ancak bu çalışmayla ilgili olarak "soyutlama" kelimesi tam olarak doğru değil. Bu kolaj oldukça gerçekçi 5 parçaya dayanmaktadır. Bir araya geldiklerinde, tuval iki yarda, yani yaklaşık 2 metre mesafeden bakıldığında, tutarlı bir resme katlanarak kaybolan garip bir geometrik desen hissi yaratırlar. Eserlerinde her izleyicinin kendi imajını gördüğüne inanan Lali'nin ardından, burada bir kaplanın sırıtışını veya Asyalı bir savaşçıyı ve başka bir şeyi görebilirsiniz.

 

Ustanın üslubuna yakın tek eseri! "optik sanat" ) , bir düzlemde hareket yanılsaması yaratıyor. Op Art kompozisyonlarında nesne yoktur: sadece renk ve çeşitli geometrik konfigürasyonlar içerirler. Bu tür çalışmaları görüntülerken yanıltıcı hareket hissi, sinir görsel devrelerinin "aşırı yüklenmesinin" bir sonucu olarak ve göz titremesi / istemsiz hareket ) nedeniyle beynimiz gördüklerimizi bir şekilde düzene sokmaya çalıştığında ortaya çıkar.

  kaos resimleri.

 

DOOLITTLE, BEV

  Amerikan Kültürü

  Kaliforniya'da doğup büyüdü. Çocukluğundan beri resim yapmayı severdi ve hatta küçük yaşta tarihi resimler yarışmasını kazandı ve 14 yaşında ilk sergisini açtı. Los Angeles'ta College of Art'ta tasarım bölümünde okudu. 1968'de mezun olduktan sonra beş yıl boyunca kocasıyla birlikte Los Angeles reklam ajanslarından birinde çalıştı. Doolittle, sık sık Amerika'ya yaptığı gezilerde birçok eskiz yaptı ve sonunda yalnızca çizmek istediğini anladı. En sevdiği konu Vahşi Batı, onun görkemli doğası ve sakinleri. Sanatçı bir kereden fazla gizemli yaratmak istediğini söyledi.

  izleyicinin düşüneceği anlamsal resimler. Performansın gerçekçiliğinin fikrin oyunuyla birleştiği bu özgün tarzın nedeni muhtemelen budur. Sanatçının hayal gücü tükenmez, çünkü konularının çoğunu halk efsanelerinden ve Kaliforniya sakinlerinin - Kızılderililerin inançlarından alıyor.

  Bev Doolittle'ın eseri "kamuflaj sanatı" olarak adlandırılabilir ve tüm bunların nedeni, çalışmalarının alışılmadık olmasıdır: ilk bakışta anlaşılabilir, farklı bir gerçeklik yaratan, sihirle dolu gizli, "çifte" görüntülerle doludurlar. büyü. Ancak sanatçı böylesine çarpıcı bir etkiyi elde etmek için çok çalışıyor, bir tabloyu tamamlaması bir aydan fazla sürüyor. Yürütme tekniği oldukça karmaşıktır, ayrıntılı çalışma gerektirir, bu nedenle Doolittle önce çok sayıda kalem eskiz yapar, ardından renk şemasını dikkatlice seçer. Ancak sonuç kendisi için konuşur.

 

Toprak benim annem. 1972

  Resim, yalnızca doğa temasıyla birbirine bağlanan, kesinlikle heterojen 16 parçadan oluşan bir mozaik panel ilkesine göre yapılmıştır.

  boz ayı ruhu

  Kızılderililerin mitolojik temsillerinde ayı, insanların atası, en büyük akrabaları, koruyucu ruh olarak kabul edildi. Ek olarak, bir güç, dayanıklılık, cesaret sembolü olarak kabul edildi, ancak olumsuz özellikleri - zulüm, öfke ve tembellik olmadan değil. Cesur Ayı adlı genç bir Kızılderili, karlı ormanda atıyla ilerliyor. İle

  Bu güçlü canavar gibi, genç adam da birini öldürdü ve efsaneye göre büyülü gücü bir kişiye aktaran derisini giydi. Su yüzeyine yansıyan bir Kızılderili figürü bir ayı imajına dönüşür: bu hem bir insanı beladan koruyan bir ayının ruhu hem de genç bir Kızılderili'nin kendisi hakkındaki fikridir.

  Hint kültüründe Kutsal Yaşam Çemberi, yaşamın kendisi için bir metafordur; yeryüzündeki tüm yaşamı birbirine bağlayan, varlığı meydana getiren ve atlarını belirleyen bir daire. Bunlar doğum, ölüm ve yeniden doğuştur. Dünyada yaratılan her şeyin belli bir yeri vardır, yani içinde bir kişi vardır - Kutsal Çemberin koruyucusu ve koruyucusu. Doğuştan her Hintli doğayla uyum içinde yaşamayı, onun nabzını hissetmeyi öğrenir. Avlanmaya giden yerliler, başarılı bir avın alameti olan gökyüzünde uçan bir kartal fark ederler. Ancak izleyici kuşun uçuşunu değil, sadece gölün dalga yüzeyindeki yansımasını, bir kartalın ana hatlarının tekrar tekrarlandığı kıyı konturlarında görüyor.

  Bu resimler, " kamuflaj sanatı" teriminin anlamını mükemmel bir şekilde ortaya koyuyor : çevredeki arka planla birleştikleri için üzerlerinde boyalı resimler bulmak kolay değil. Çizimler, karla kaplı dağların zemininde benekli atları tasvir ediyor. Hem hayvanlar hem de manzara tek bir bütün halinde birleşiyor, görüntülerindeki bazı yarı tonlar kayboluyor. Ve yine de dikkatlice vglya-siluetler. Bunun nedeni, beynimizin her türden çok fazla bilgiyi depolaması ve gözün, çizgi ve nokta kaosunu gerçek nesneler halinde düzenlemeye çalışmasıdır. Sonuç, tanıdık bir görüntüdür.

  Gizli olanı bul

  IBBISON, MAIKL ( d. 1960)

  İngiliz avangart sanatçı, küçük resim sanatının temsilcisi

  İngiltere'de Rochester, Kent'te doğdu. 1978'de, aynı anda mimarlık ve resim olmak üzere iki bölümde okuduğu Sanat Koleji'ne girdi, mezun olduktan sonra üç yıl grafik çizim kursuna katıldı. Şu anda çoğunlukla Londra'da yaşayan Ibbison, her türlü optik yanılsamayı kullandığı mimari ve reklam projeleri, tasarım, resim işleri ile uğraşıyor. Op sanatının ustası Victor Vasarely'nin çalışmalarından ve Cornelius Escher'in inanılmaz tasarımlarından esinlenerek, ünlü İspanyol sürrealist sanatçı Joan Miro'nun eserlerinin gösterişli dekoratif sanatına yabancı değil. Ibbison'ın büyük ölçüde orijinal olmayan, renkli ve dinamik, genellikle esprili olan çalışmaları, iyi bilinen ve tekrar tekrar kullanılan görüntü teknikleriyle yeni bir şekilde oynuyor.

  renkli daireler

  Im-art'ın kalbinde (İngilizce'den, imkansız sanat - imkansız sanat) imkansız nesnelerin görüntüsü vardır, yani. gerçek görünen, ancak fiziksel gerçeklikte var olamayacak nesneler. Bu tür optik yanılsamalar yaratmak için sanatçılar, üç boyutlu nesneleri bir düzlemde sergileme özelliklerini kullanır. İsveçli sanatçı Oskar Rutersvärd, imkansız figürlerin yaratıcısı olarak kabul edilir. Bir pürizm takipçisi (kübizmin katı ve münzevi bir dalı), izometrik projeksiyonda geometrik olarak kesin nesneleri tasvir etti. Aralarında en ünlüsü, 1934'te Ruthersward tarafından icat edilen imkansız üçgendir. Bununla birlikte, imp art tarihindeki dönüm noktası, 1958'de İngiliz matematikçiler L. ve R. Penrose'un imkansız figürleri hakkında bir makalenin yayınlanmasıydı: İsveçli sanatçıdan bağımsız olarak, kendi imkansız üçgenlerini keşfettiler. Her biri perspektif kurallarına göre çizilmiş üç kirişten oluşan üçgen, tek bir nesne olarak üç boyutlu uzayda var olmanın imkansızlığı yanılsamasına neden oldu.

  İmkansız figürlerin teması, birçok ustanın çalışmalarında farklılık gösteriyordu - M. K. Escher, J. de May, Sandro del Prete ve M. Ibbison ("İnanılmaz Nesneler"). Sanatçının ikinci resmi, tek tek parçalardan tam bir görüntü oluşturduğumuzda, tamamlanmamış bir görüntünün tekniğini göstermektedir, çünkü bununla ilgili bilgiler hafızamızda depolanmaktadır.

KAPAT, AYNA ( d. 1940)

  Amerikalı sanatçı, hiperrealizm temsilcisi

  Monroe, Washington'da doğdu. Yale Üniversitesi Sanat ve Mimarlık Okulu'ndan mezun oldu. J. Pollock'un soyutlamalarının ruhuyla resim yapmakla meşguldü, ancak daha sonra ciddi bir şekilde fotoğrafla ilgilenmeye başladı ve bu da onu hiperrealist kampına götürdü. Bir sanat akımı olarak hiperrealizm, 1970'lerde Amerika'da ortaya çıktı. Pop sanatın illüzyonist eğilimlerini sürdürmek. fotoğrafların resim yoluyla titiz mekanik kopyalamasına dayanıyordu. Hiperrealistler, kendi bilinçlerinin ve bireysel vizyonlarının herhangi bir katılım olasılığını bir resim oluşturma sürecinden dışlamak için çalışmalarında bir hava fırçası (boya püskürtücü) kullandılar, fotoğrafların dokusunu taklit ettiler, yüzeyi cilaladılar ve cilaladılar.

 

bir kızın portresi

 

otoportre

  resimler. Close, en küçük ayrıntı ve ayrıntılarla ("Kafalar" dizisi) fotoğraflardan yeniden yaratılan geniş formatlı siyah beyaz arkadaş portrelerinin yazarı olarak ünlendi. Son yıllarda, tasvir edilen ıhlamurun özellikleri en küçük çok renkli noktalardan veya vuruşlardan oluştuğunda, izleyicinin gözü yakından incelendiğinde küplerden desenleri ve tam görüntüyü gördüğü mozaik tekniğine yöneldi. sadece büyük bir mesafeden okunur.

  bir adamın portresi

 

XX YÜZYIL MAGRİTTE, PEHE (1898-1967)

  Gerçeküstücülüğün temsilcisi Belçikalı sanatçı

  Belçika'nın Lesin kasabasında bir işadamı ailesinde doğdu. 14 yaşında, bir gece kendini Sambre nehrinde boğan annesini kaybetti. Brüksel Güzel Sanatlar Akademisi'nde okudu. Kübizm ve Dadaizme olan tutku dönemini geride bırakan sanatçı, 1922'de Giorgio De Chirico'nun sanatını keşfetti ve bu, birçok yönden Magritte'nin çalışmaları için belirleyici hale geldi. O andan itibaren sanatçı gerçeküstücülükle ciddi bir şekilde ilgilenmeye başladı: Paris'e taşındı ve burada De Chirico, M. Ernst ve

  A. Breton, karma sergilere katıldı ve "Esopage" ve "Marie" dergilerinde işbirliği yaptı. 1930'da Breton'la bir aradan sonra anavatanına döndü ve Belçika sürrealist hareketinin liderlerinden biri oldu. Magritte'nin izlenimciliğe bir çağrı ile karakterize edilen çalışmalarındaki savaş sonrası yıllara “parlak güneş” dönemi deniyordu. Ancak sanatçı bundan hızla uzaklaşarak eski üslubuna geri dönmüştür. 1950'lerde anıtsal resim alanında çalıştı. Magritte'nin derin ve paradoksal resmi, izleyiciye, her zamanki çevremizde ortaya çıkan ve bu nedenle bir gizem ve korku duygusu uyandıran fanteziler ve rüyalar dünyasını ortaya koyuyor. Sanatçının temel amacı, düşüncenin plastisite yoluyla aktarılmasıydı. Düşüncenin görüntünün biçiminden önceliği, biraz amatörce yazılmış yazı ve resimlerin metaforik dilini anlamaya yardımcı olan başlıkları ile vurgulanmıştır.

  Şehrazat. 1948

  Hayatın çerçevesi. 1925

  Sanatçı, resimlerinde sık sık "iki dünya" temasını geliştirdi - gerçek, var olan dünya ve icat edilmiş, çizilmiş dünya. Magritte, bu konuyu ele aldığı çalışmalarından biriyle ilgili olarak şunları yazdı: “ ... Odanın içinden gördüğümüz pencerenin önüne, manzaranın tam da kapattığı kısmı gösteren bir resim yerleştirdim. Böylece resimdeki ağaç, arkasında duran ağacı dışarıdan gizlemektedir. İzleyicinin ağacı hem resimdeki odanın içinde hem de gerçek manzarada dışarıdadır. Dünyayı böyle görüyoruz. Onu dışımızda görürüz ve aynı zamanda onun temsilini kendi içimizde görürüz. Bu şekilde, bazen şu anda olanlara geçmişte müdahale ederiz. Böylece zaman ve mekan, sıradan bilincin onlara bahşettiği önemsiz anlamdan kurtulur . Bazen yeşilimsi akşam tepelerinin, küresel mavi ağaçların, şeffaf bir sedef gökyüzünün, mavi mesafelerin olduğu kırık bir pencereden açılan bir manzara yeni bir manzaraya yardımcı olabilir. Magritte, gerçekleşmek üzere olan alışılmadık, harika bir şeyin beklentisi, neşeli bir sevinç havası yaratır. Ancak üzerinde resim bulunan pencereyi kırarak gerçek gerçeği görebilir ve duyabilirsiniz.

  Öklid'in yürüyüşü. 1955

  Güzel dünya. 1962

  Kurtuluş (Tarlalara uçuş). 1936 Zirvelerin Çağrısı. 1942

  

imkansız gibi 1928

  Popüler panorama. 1926

  Magritte'in resimlerinin algılanması her türlü yardımcı bilgiden ve göndermelerden arındırılmış olmalıdır, üzerlerinde tasvir edilenler hiçbir yoruma açık değildir. Çalışmaları, rüyalar gibi, farklı bir gerçekliğin yansımasıydı, amacı “ düşünceyi paniğe sokmak ... insanı Anlam üzerine düşündürmek, yani. imkansız hakkında . " Görünen görünmez olduğunda. Sürücü ormanın içinden geçerse, o zaman önce görülür ve sonra görülmez, aslında orada olmasına rağmen ("Carte blanche"), Karısını boyayan bir sanatçının fırçasının altında imkansız mümkün olduğunda. Çıplak bir Georgette'in elini boyamayı bitirdiğinde, karşısına çıkanın gerçekliğin bir kopyası değil, yeni bir gerçekliğin kendisi olduğunu fark eder. Sanatçı Tvoriu'ya, resmi ise tanrısal bir duruma benzetilir. Dolayısıyla sanatçının, gerçeklik yasalarının üstesinden gelebilen, dünyevi ("Popüler panorama") ve insan bedenselliğini ("Tehlikeli İlişkiler") dönüştürebilen bir metafizikçi rolü de görülüyor. Magritte, bedeni gelişigüzel varyasyonlarla karşılaştırılabilecek parçalı bir öğeler kümesi olarak tanımladı.

  Usta, sanatıyla dünyanın gizemli, bilinemez olduğunu, en yüksek amacının ve anlamının gizli olduğunu defalarca ortaya koydu.

 

Edward James'in portresi. 1937

  Sahne girişi

  Magritte'deki Ptii, çağrışımsal karmaşıklıklardan arınmış bir leitmotiftir. Uçuşun pozitif enerjisini getirirler, aralarında ölü, düşmüş veya uçmayan yoktur. Kanatları bulutlarla dolu, parlak mavi ve beyaz cirrus Magritte bulutlarıyla kuşlar canlıdır.

 

Arnheim'ın egemenliği. 1962

  " Vadide rastgele dolaşıyoruz, tüm hareketlerimizin dağın tepesinde yeniden üretildiğini ve gerçek anlamlarını kazandığını fark etmiyoruz ve bazen birinin bize gelip: gözlerini kaldır, ne olduğunu gör" demesi gerekiyor. , ne yaptığınıza bakın. Biz burada yaşamıyoruz, hayatımız yukarıda... " . Oyun yazarı ve filozof M. Maeterlinck'e ve ondan sonra Magritte'e göre Hakikat, jur'un tepesinde yer alır.

  "Sahte Ayna" resmi, sanatçının dünya görüşünü ifade etti. Tuvalin tüm alanı, iris yerine yazın mavi gökyüzünü ve üzerinde yüzen bulutları görebileceğiniz kocaman bir gözün görüntüsüyle dolu. Başlık, çoğu zaman Magritte'de olduğu gibi, eserin doğasında var olan fikri tam olarak açıklar: duyu organları, dünyanın gizli derinliğini, gizemli anlaşılmazlığını aktarmadan, yalnızca şeylerin dış görünüşünü yansıtır. Yalnızca uyumsuz olanın bağlantısı, varlığın anlamını kavramaya yardımcı olur. Yazara göre görüntü ancak iki uzak gerçekliğin yakınsamasından doğabilir.

   

XX YÜZYIL

 AY VE U, VIC ( d. 1961)

  Brezilyalı sanatçı ve fotoğrafçı, lanl sanatının temsilcisi

  Brezilya, Sao Paolo'da doğdu. Sanatçının kendisine göre 6 yaşında Ovid'in hayatının ana kitabı haline gelen Metamorfozlar'ı okudu. Resim yapma yeteneği Muni-ts'te erken yaşta kendini gösterdi, akrabalar çocuğu bir sanat okuluna gönderdi. Mezun olduktan sonra bir süre bir reklam ajansında çalıştı ancak 1983 yılında halen yaşamakta olduğu Amerika Birleşik Devletleri'ne göç etti. Munii uzun süre ressam ve heykeltıraş olarak ün kazanmaya çalıştı ancak bu alanda başarısız oldu. 1980'lerin sonunda, geçmiş dönemlerin ustalarının şaheserleriyle tanıştığı Avrupa'ya gitti. Bu olay, sanatçının hayatını tamamen değiştirdi: o andan itibaren yaratmaya başladı.

  Nergis (Caravaggio'nun bir tablosunun kopyası)

  dünya sanatının klasiklerinin kreasyonlarından sahnelerden ilham alan ve bunları fotoğraf şeklinde sunan çamurlar. Fotoğraf fikri, sanatçının aklına, yarattığı eserlerin çok sıra dışı olması nedeniyle geldi. Sadece çok büyük değiller, aynı zamanda toprak, kum, iplik, şeker, çikolata, domates suyu ve benzerleri gibi geleneksel olmayan malzemeler kullanılarak orijinal teknikler kullanılarak iş yapılıyor. Fotoğrafları benzersizdir çünkü orijinallerinden yapılmıştır ve bunlar hemen yok edilir. Ve herhangi bir sanat eseri orijinal olarak hareket edebilir: Munia'nın cephaneliği, Leonardo da Vinci, Francisco Goya, Diego Velazquez ve Peter Paul Rubens'in eserlerini içerir. Resimlerin önemli bileşenlerinden biri, sanatçının hiç şüphesiz eserin fikrini vurgulamak istediği malzemedir. Örneğin, My-nii, Marilyn Monroe'nun bir portresini oluşturmak için kan kullandı ve Karl Marx'ın görüntüsü havyardan yapıldı. Burada sunulan eserler, her türlü hurdadan yapılmıştır - metal döküntüler, araba parçaları, mobilyalar, teneke kutular ve bidonlar. Terk edilmiş depolarda devasa meydanlarda oluşturulan bu eserler, ancak yüksekten görülebildiği için bir vinç kovasından fotoğraflanıyor.

  "İzleyicinin resimlerime inanmasını istemiyorum, resimlerimden örnek alarak kendi algısını denemesini istiyorum." Vic Muniia'nın bu sözleri, sanatının bir aldatmaca, bir yanılsama olduğunu ama çok makul olduğunu söylemenin en iyi yolu.

   

MPEI, JOS ΔE ( d. 1928)

  Belçikalı sanatçı ve tasarımcı, küçük resim sanatının temsilcisi

  Optik yanılsamanın en ilginç türlerinden biri, 20. yüzyılda Hollandalı sanatçı M. Escher'in çalışmaları sayesinde yaygınlaşan imkansız figür ve yapıların yaratılmasıdır (imp-art). Bu yönde çalışan en ünlü çağdaş sanatçı Jos de May'dir. Belçikalı bir yerli, Ghent'teki Kraliyet Güzel Sanatlar Akademisi'nde okudu ve 30 yılı aşkın bir süredir özel muayenehanesinde öğrencilere iç tasarım öğretiyor. Escher'in eserleriyle tanışması, sonraki yaşamını kökten etkiledi: Öğretmenliği bıraktı ve tamamen çizime odaklanarak inanılmaz yapıların yaratılmasına yöneldi. İlk çalışmaları çeşitli matematiksel yasaların ve dizilerin kullanımına dayanıyorsa, daha sonra malzemeleri ve ışık ve gölgenin etkilerini doğru bir şekilde yeniden üretirken optik illüzyonu özel bir ifadeyle kullanmaya başladı. Sanatçı, resimlerin ayrıntılarını - gökyüzü, çimen, ağaçlar, evler, su - dikkatlice çizerek çevreye büyük önem vermeye başladı. Çalışmalarının arka planı, Jos de May'in doğum yeri olan Flanders'a özgü manzaralardır. Teknik olarak fotogerçekçiliğe benzer şekilde üzerlerinde imkansız figürlerin ve yapıların tasviri, yalnızca görünen gerçekçiliği artırır ve inanılmaz bir etki yaratır. Sanatçının kullandığı ana teknik, aynı resmin farklı bölümlerindeki farklı nesnelerin birbirine göre eşit olmayan bir konuma sahip olduğu perspektif bozulma etkisidir. May'in eserlerinin çoğunda, ünlü Hollandalı sanatçıların resimlerinden ödünç aldığı karakterleri görebilirsiniz - M. K. Escher ( elinde küp olan oturan bir adam

  Escher ile imkansız pencere yapımı

  Merkezde sanatçı büstü bulunan mimari yapı

  Bilginin mihenk taşı

  adam ve baykuş

  "Belvedere" ) , Pieter Brueghel (köylü figürleri) ve Rene Magritte ("Terapist" resminin karakteri). Yazara göre, imkansız yapıların ölçeğini göstermek için tasarlanmış figüran rolünü oynuyorlar. İnsanlar binadan çok daha küçükse bina daha büyük görünür ve tam tersi, resimde ne kadar çok insan varsa bina o kadar küçük görünür. Sanatçının hemen hemen her resminde bir baykuş vardır. Hollanda'daki bu kuşun ikili bir anlamı vardır: bir yandan bilginin sembolüdür ve diğer yandan Hollandalılar aptal görünen bir kişiye baykuş derler.

  Ool

  Yol işareti

  horoz için ev

  iç mekan

  Rene Magritte'e Saygı

  Darağacına tünemiş baykuş

  Çölde mimari manzara

  Kule dünyanın her yönüne konuşlandırılmış

  bacak yapısı

  İmkansız Pencere I

  İmkansız Pencere II

  Bir kafeste papağanlar

  İnanılmaz yapılara ve yapılara bakmak büyüleyici bir deneyim. Böyle bir pencere gerçekte nasıl var olabilir: Her biri perspektif kurallarına göre çizilmiş dört kirişten oluşan bu pencerenin tek bir nesne olarak çerçevesi, üç boyutlu uzayda var olmanın imkansızlığı yanılsamasına neden olur. Veya bir kafesteki papağan görüntüsü: içeride oturuyor gibi görünüyorlar, ancak dışarıda olduğu ortaya çıktı. İmkansız yapılarını yaratmak için Josde May, çeşitli illüzyon türleri ve ustalıkla ustalaştığı ve çalışmalarında kullandığı derinlik ve boyut algısı yanılsaması, renk ve kontrast yanılsaması kullanır.

 

OKAMPO, OCTAVIO ( poδ. 1943)

  meksikalı sanatçı

  Başkent Mexico City'den çok da uzak olmayan Celaya kasabasında doğdu. Babası bir ağaç oymacısıydı ve oğluna zanaatının tüm becerilerini öğretti. Ancak, çocukluktan beri çocuk çizmeyi severdi. Bu nedenle, bir aile dostu olan Profesör Salvador Suniga'nın tavsiyesi üzerine, küçük Octavio yerel bir sanat okuluna gönderildi. Henüz öğrenciyken belediye binasında duvar resimleri yaptı. Genç adamın yeteneği fark edildi ve başkente gönderildi.

  Ulusal Resim ve Heykel Okulu'nda eğitimine devam etmek. Ocampo, parlak bir şekilde mezun olduktan sonra, bir sanatçı olarak kariyerinin başarılı bir şekilde gelişmeye başladığı Amerika'ya gitti. Ocampo, tiyatro ve sinematografik faaliyetlerde elini denedi, ancak 1976'dan beri kendini tamamen resme adadı. O şimdi Meksika'da yaşıyor ve çalışıyor. Sanatçı bindirme ve kombinasyon tekniğini kullandığı için tarzına "mecazi" denir.

  birden çok görüntü, böylece tek bir görüntüde birleştirilirler. Ocampo'nun resimsel metaforlarını yaratmanın temeli, resmi oluşturan imgelerin anlamlarının kesişmesinde ortaya çıkan benzerliktir. Bu teknikte sanatçı, hem ünlü kişilerin portrelerini hem de edebi karakterleri, mitolojik ve İncil kahramanlarını, natürmortları ve manzaraları gerçekleştirir.

  madonna rocaille

  Ekmek

  ayrılık

  Sanatçının her eseri dikkatlice düşünülmelidir, çünkü her görüntünün görünen dış kabuğu, bazen ilk bakışta ayırt edilemeyen bir başka içsel içerir. İzleyici, önünde Leonardo da Vinci'nin ünlü tablosu "Mona Lisa" nın bir kopyasını görür ve yalnızca yakından baktığında, False Conda görüntüsünün, üzerine bir kedinin rahatça tünediği bir koltuk olduğunu fark eder. Muhtemelen Ocampo, rahat bir koltuk gibi varlığımızın ayrılmaz bir parçası haline gelen başyapıtın öneminden bahsetmek istedi. Bir gemiye yelken açmak için eşlik eden orta yaşlı bir kadının imajını tasvir eden farklı bir romantik resim "Ayrılık". Genç bir kızken bir kayanın üzerine çıkıp sevgilisine uzun bir yolculukta eşlik etmiş, şimdi sıra oğullarına gelmiştir. Yolculuktan dönüp dönmediklerini sadece Allah bilir.

  Don Kişot'un Vizyonları

  Ocampo sık sık İspanyol temasına yöneldi. Sanatçının en sevdiği karakterlerden biri Hüzünlü İmge'nin Riyar'ı Don Kişot'tur. Gezintilerinin tarihi bu resimde ortaya konmuştur. Lon Kişot'un saçı, savaştığı yel değirmenleridir ve başın kendisi iki figürden oluşur - Rocinante atındaki şövalye ve eşeğin üzerindeki sadık yaveri Sancho Panza.

  Birlikte sonsuza

  gümüş iplikler

  Hollywood ışığı

  John Lennon

  Kristof Kolomb Jane Fonda

  kadın portre

  Buda

  Bu sayfa ünlü kişilerin - dini şahsiyetler, siyaset, bilim ve kültür temsilcileri - portre resimlerini içermektedir. Merkezi yer , dünya dinlerinden biri olan Budizm'in kurucusu Buda'nın imajı tarafından işgal edilmiştir . Resimde resmedilen Buda'nın başı, aylak, uçarı bir hayattan aydınlanmaya, manevi bir mükemmellik durumuna uzun bir yol kat etmiş olan Prinya Siddhartha Gautama'nın (kurucunun dünyevi adı) hayat hikayesini içermektedir. Amerika'nın kaşifi Kristof Kolomb'un portresi, gururlu ve asi yerlilerin yaşadığı, bilinmeyen bir kıtanın kıyılarına yelken açan bir yelkenlidir. 1950'lerin ünlü Hollywood oyuncusu Lzhim Lin'in sanatçı tarafından yaratılan görüntüsü ilgi çekicidir. Pervasız bir tabiat, çaresiz bir yarış pilotu, 24 yaşında bir araba kazasında öldü: bu nedenle resimde yarış arabalarının siluetleri görünüyor. Efsanevi kişilik, dört "Beatles"tan biri, şair ve müzisyen Lennon Lennon, 1960'lardaki yaşam niteliklerinden, grubun müzik albümlerinin kapaklarından ve fotoğraflarından oluşan bir kolaj olarak resimde karşımıza çıkıyor.

  Bir kadının özü

  XXCENTURY OLBINSKI, RAFAL ( d. 1945)

  Polonyalı sürrealist sanatçı, illüstratör ve grafik tasarımcı

  Polonya'nın küçük Köln kasabasında doğdu, Varşova'daki Politeknik Enstitüsünde mimarlık eğitimi aldı. 1981'de ABD'ye göç etti. Yüzünde pitoresk, grafik ve tasarımcıyı birleştirerek başarılı bir kariyer yaptığı yer. Bugün Olbinski tanınmış bir afiş grafiği ustasıdır, en sevdiği konular müzik ve opera sanatıdır. Çalışmaları dünyanın en prestijli yayınlarında yayınlandı - Newsweek, Time, Spiegel. 150'den fazla sanat ödülü kazanan Olbinski, 1994 yılında yılın en iyi posteri dalında uluslararası Prix Savignac ödülüne layık görüldü. Sanatçının eserleri Amerika, Avrupa ve Asya'da pek çok müze ve özel koleksiyonda yer almaktadır. 1985'ten beri New York Güzel Sanatlar Okulu'nda ders veriyor.

  Rafal Olbinski'nin çalışması, şüphesiz gerçeküstücülüğün estetiğine, ideolojik temellerine - rüya, harika, bilinçsiz, özgürlüğe yakındır. Resim öğretmeni Salvador Dali'yi görsel paradokslar ve illüzyonların eşsiz bir ustası olarak görmesine şaşmamalı. Sanki onun arkasından konuşuyormuş gibi. "Hayal gücümüz, sonsuza dek yeniden yaratmaya mahkum olduğumuz büyülü bir dünyadır."

  rüya gemisi

  Sisifos emeği

  Çoğu zaman sanatçının tanıttığı görüntüler yeni değil, çoğu öğretmenleri olarak gördüğü Salvador Lali ve Rene Magritte'nin resimlerinden geldi. Yorumları orijinaldir. Gerçeküstücülüğün her iki büyük ustası da göz fikrini bazı eylemlerin oynandığı bir alan olarak kullandılar, ancak gözbebeği yuvarlanan bir taşa dönüştüğünde bu görüntüyü beklenmedik bir şekilde Sisifos miti ile yankılayan Olbinsky'dir. tanrılar tarafından cezalandırılan bir kahraman tarafından yokuş yukarı. Lali tarafından çok ustaca geliştirilen ikili görüntü ilkesi, Polonyalı sanatçının eserlerinde de somutlaşıyor: bir müzik aleti güzel bir kadın profiline ve bağcıklı bir elbisenin parçaları - birbirine bakan iki yüze dönüşüyor . Başka bir kadının Lio'su bir tiyatro perdesi gibi geri çekilebilir ve dünyaya şeylerin gerçek özünü gösterir. Olbinski'nin en sevdiği teknik, farklı yüzeylerin tek bir görüntüde birleştirilmesi, birinden diğerine geçiş, kızın elbisesi aynı zamanda beşiğin bulunduğu zemin olduğunda.

  R. Olbinski'nin kişisel sergisine adanmış afiş

  "Zhenufa" oyununun afişi

  Alkollü ürünlerin reklamı da konuyu usta ele alırsa bir sanat eserine dönüşebilir. Ve burada optik illüzyonların tüm cephaneliği yardımına gelir: ∙apτa ∣ "Mutlak " Yanılsaması üzerindeki unsurlardan ikili görüntülere (Paris'te "Mutlak") kadar.

  Zirve "Mutlak"

  SH

  Benim ayım

  

XXBEK

 OPOC, ISHTVAN ( d. 1951)

  Macar sanatçı

  1975 yılında Budapeşte Sanat ve Tasarım Üniversitesi Grafik Tasarım Fakültesi'nden mezun oldu. Tiyatroyla ilgilenmeye başladıktan sonra sahne tasarımcısı olarak çalışmaya başladı ve bazen oyuncu olarak hareket etti, animasyon filmlerin yapımına katıldı. Yavaş yavaş afiş yaratma sanatıyla ilgilenmeye başladı: tiyatro gösterileri, filmler ve sanat sergileri sanatsal ilgilerinin merkezi haline geldi. Opoc, gravür ve gravür gibi geleneksel resim tekniklerinden ayrılmadan çalışmalarında görsel kelime oyunları ve paradokslar kullanmayı seviyor. Sanatçının alanında en eğlenceli serisi - il

  E. Brant'ın "Aptallar Gemisi" (1999) adlı ortaçağ romanı için aklama. Çoğu zaman eserlerinde, XVI-XVII. Sanat çevrelerinde tanınan Opoc, Avrupa'da düzenlenen başlıca uluslararası afiş ve grafik bienallerinin (Brno, Varşova, Fort Collins vb.) düzenli bir katılımcısıdır . Eserleri, anavatanında ve dünyanın diğer ülkelerinde defalarca çok sayıda karma ve bireysel sergide yer aldı. Ayrıca, DOOP sanat grubunun kurucularından biri olan Opoc, genellikle Otis takma adını kullanır (adını Iiklops ile savaşırken gözünü oyan Homeros'un kahramanı Odysseus'tan alır). Sanatçıya göre poster, Odysseus'un darbesi gibi, izleyicinin gözlerine yönelik bir tür saldırıdır.

  W. Shakespeare'in portresine dönüşen Globe Theatre

  J. Verne'den "Gizemli Ada"

  Geçmişin ustalarının izinden giden Opoc, anamorfoz temasına dönüyor. Daha önce bahsedildiği gibi, anamorfik görüntüler, belirli bir açıdan (doğrusal anamorfoz) veya özel bir ayna kullanılarak görüntülenebilen perspektif bozulmalarına sahip görüntülerdir. Böyle bir aynaya anamorfoskop denir. Eğer

  W. Shakespeare'in Portresi

  içine bakın, görüntü tanınabilir bir resme "yeniden şekillenir". Doğrusal anamorfozun en çarpıcı örneği, ön planda doğal olmayan bir şekilde uzun bir kafatasının tasvir edildiği Alman sanatçı Hans Holbein the Younger "Messengers" (1533) eseridir. Opoca gravüründe tasvir edilen o, çeşitli enstrümanlar ve büyükelçilerden biri olan Jean de Lentville'in bir portresi. Klasik anamorfik aynaların kullanıldığı resimlere örnek olarak J. Verne'nin “ Gizemli Ada ” ve “Dor Sütunu” çalışmaları verilebilir .

  1494'te Alman hümanist Sebastian Brant, hemen yaygın olarak tanınan hicivli ve didaktik şiiri The Ship of Fools'u yayınladı. Ve şaşılacak bir şey yok, çünkü Latince yazan diğer hümanistlerin aksine, Brant bu eseri kitap bilgiçliğinden uzak, ama çok parlak ve doğrudan, sokaklarda ve meydanlarda kulak misafiri olacak şekilde Almanca yazdı. Yapısında geleneksel ortaçağ hiciv-didaktik "aynalarına" benzeyen Brant'ın kitabı, onlar gibi, kınanan ve azarlanan insani eksikliklerin bir panoramasını gözler önüne serdi. Yine de eski teolojik kriterini kaybettiği için onlardan uzaktı: şair dünyayı insan zihninin yargısına götürür. İnsanlar mantığı unutarak aptallığın kölesi olduklarından beri dünyadaki her şey ters gitti. “ Aptallığın, körlüğün ve aptallığın kökünün kazınması uğruna

  bazı önyargıları ve insan rolünü düzeltme adına ” diye yazar Brant kitabını. Büyüleyici bir alay gücünün neye sahip olduğunu bilerek, aptal şapkaları sağa ve sola dağıtır, uzun süredir aptallığa hizmet ettiklerini hiç düşünmeyen bir aptallar lejyonunun gelenek ve görenekleriyle alay eder. Şair ayrıca şakacı şapkası takar, laboratuvarlar cezasız kalarak insanlara gerçeği söyleme hakkını elde eder. Yazar, kalabalık aptal kalabalığını gözlemlemeyi kolaylaştırmak için onları büyük bir gemide toplayarak Gluplanlia'ya (Narragonia) gidiyor. Bunu, sırayla, her birinin hak ettiğini aldığı çeşitli "aptallık" türlerinin bir karakterizasyonu izler. Burada hayali bilim adamı, üniversite kıyafeti giymiş cehaletin, sefahat, asalaklık, sarhoşluk, dalkavukluk, açgözlülük ve ikiyüzlülük gibi ahlaksızlıkların vücut bulmuş halidir. Brant, olağan günlük ortamın ötesine geçmiyor, aptalları o zamanlar Almanya'da kolayca karşılaşılabilecek insanlar. Görüntüleri somut, ustaca yakalanmış ve keskin bir şekilde tanımlanmış.

  "Aptalın Gemisi" büyük bir başarıydı ve birden çok kez yeniden basıldı. 1999'da Opoc bu kitabın çizimlerini tamamladı. Bugünlerde bu tür literatüre yönelmek tesadüf değil: insan doğası, dünyadaki küresel değişimlere rağmen değişmeden kalıyor, insanlar hala kibir, bencillik, açgözlülük ve övünme ahlaksızlığına maruz kalıyor. Oros tarafından icat edilen ortaçağ gravürleri biçimindeki resimlerin icrası, modern seslerini gizlemiyor. Bu aynı zamanda, birçok resimde bulunan, zeki, becerikli ve neşeli bir soytarı gibi davranan sanatçının figürü tarafından da vurgulanmaktadır.

  Evren

  İmkansız figürler ve kurgular, Istvan Opoca'nın işlerinde en sevilen temalardan biridir. Bu sayfada inanılmaz nesneler kullanan çalışmalar yer alıyor. Örneğin M. K. Escher'in resimlerinden de bilinen “Möbius şeridi”, yalnızca bir kenarı ve bir sınırı olan üç boyutlu bir yüzeydir. Veya vasiyetteki yansımaları gerçek köprülerin kaynağı olamayacağı için üç boyutlu uzayda var olamayacak köprüleri tasvir eden metal gravür "Kavşaklar".

  Kitap fuarı

  Mobius şeridi

  Opoc genellikle geçmişin ustalarının yaratımlarını ifade eder. En sevdiği sanatçılar, çalışmalarında sıklıkla görüntüleri bulunan Marius K. Escher ve Salvador Lali'dir. Opoc, Lali'nin sanatsal cephaneliğinden ikili görüntü tekniğini kullanarak, en sevdiği ustaların eserlerinden nesnelerin ve görüntülerin kurucu bir unsur olduğu resimler yaratır. Escher, İtalya'da oldukça uzun bir süre yaşadı ve burada Oroshi'nin İtalya'daki Escher tablosunda kullandığı çok sayıda manzara ve tür sahnesi çizdi. Ön planda, izleyici yavaş yavaş bir İtalyan caddesi ile bir manzaraya akan bir natürmort görüyor. Resmin arka planında kemer,

  Zarv ve Ailesi

  İtalya'da M. C. Escher. 1987

  perspektifi tamamlayan, birdenbire eşsiz bir optik illüzyon ustası olan Hollandalı bir sanatçının portresine dönüşür.

  Salvalor Lali, Kutsal Aile ile çevrili Opocua tablosunda tasvir edilmiştir. İlk başta, gayretli bir ateist, daha sonra eşit derecede ateşli bir Katolik olan Lali, karısı Gala'nın ( Elena Lyakonovaі) sık sık Malonna'nın imajında \u200b\u200bgöründüğü çalışmasında bir kereden fazla Hıristiyan temasına döndü. İsa Mesih'in doğumunu ve çobanların ona ibadet anını tasvir eden bir resimden oluşan Salvador Lali'nin portresi .

  altın güvercin

 PARKER, NORMAN ( ro∆. 1935)

  Gerçeküstücülüğün temsilcisi İngiliz sanatçı

  

PRETE, CAHΔPO ΔEΛb ( poδ. 1937)

  İsviçreli sanatçı

  Bern'de doğdu, ticari konularda diploma ile mezun olduğu Fribourg'da okula gitti. Çizim, çocukluğundan beri en sevdiği hobisiydi ve Sanat Akademisi'nde okumak için özel olarak Floransa'ya gitti. Mezun olduktan sonra uzun süre bir sigorta şirketinde çalıştı ancak sanata olan tutkusu güçlendi.

  Kendi tarzını arayan sanatçı, resim yaparken görsel yanılsamalar sunma sürecini ifade eden yeni bir "yanılsama" terimi icat etti ve geliştirdi. Bu aldatmacalar illüzyonlardır ve kelimenin en geniş anlamıyla. İllüzyonizmin etkisi, sanatçı bir sihirbaz veya illüzyonist olarak hareket ettiğinde izleyicinin kasıtlı olarak yanıltılmasıdır. Işık ve gölge oyunlarında "hatalı" bir perspektifin kasıtlı temsili, birkaç şekilde yorumlanması mümkündür.

  bazı varyantlar, bu tür illüzyonlar yaratmak için kullanılabilir. Sandro del Prete'nin resimlerinin özelliği, gerçeklik ile kurgu arasındaki sınırın bulanık olduğu ve net bir taslağı olmadığı son derece ayrıntılı ve gerçekçilikte yatmaktadır. Ve bu sanatçının amacıdır.

  klasik satranç

  vidalı satranç

  Balerin hareketi

  İmkansız konstrüksiyonlar temasını geliştiren sanatçı, aynı nesnenin birkaç görüntüsünü birleştirerek, birleştirilmiş görünümlerden imkansız bir nesne ("Rolled Chess") oluşturacak şekilde birleştirdiği eserler yaratıyor ("Rolled Chess"). rüzgar ve zamanın sürüklediği" anlamanın anahtarı “Sonbahar Yaprakları Arasındaki Sır” alt başlığında saklı. Sanatçı, önceden çizilen ana hatları kullanarak gizli görüntüler yaratır.

  Yunuslardan sevgi mesajı

   

  dağ ruhu

  

PUG, JOHN

  Amerikalı grafiti sanatçısı

  John Pugh, Amerika'nın en ünlü parodi sanatçılarından biridir. Bu "sanatsal şaka" türü, 17.-18. yüzyıllarda Avrupa'da çok yaygındı. Bu kadar sinsi bir isme rağmen, bu belki de resimdeki en doğru türdür ve yaratılması için olağanüstü bir hayal gücü ve yüksek bir uygulama virtüözü gerektirir.

  Kural olarak, tuzaklar doğrudan duvarlara ve kapılara boyanırdı veya belirli yerlere asılan devasa resimlerdi. Sanatçılar yüzeyin kendisini ve üzerinde bulunan nesneleri o kadar dikkatli boyadılar ki, gerçek bir duvar ve gerçek nesnelermiş gibi göründü. Bununla birlikte, engeldeki ana şey, olduğu gibi, gerçeklikteki oyundu, dolayısıyla içinde mevcut olan şans ve keyfilik unsurlarıydı.

  Modern Amerikalı sanatçı John Pugh, bu hile geleneğini, zamanımızın ruhuna uygun olarak - sokaklara çıkarak, çok katlı binaların, alışveriş merkezlerinin, müzelerin, kafelerin ve restoranların duvarlarını boyayarak sürdürdü.

  

RAYLI, BRIDGET ( poδ. 1931)

  İngiliz sanatçı, op sanatının temsilcisi

  Londra'da doğdu. İlk başta kuyumculuk eğitimi aldı, daha sonra resimle ilgilenerek Kraliyet Sanat Koleji'ne girdi. Ancak hasta babasına bakabilmek için okulu bırakmak zorunda kaldı. Ölümü onun için güçlü bir darbe oldu, sanatçı ciddi bir sinir krizi geçirdi. Riley iyileştikten sonra okulda resim öğretmenliği yaptı, bir reklam ajansında çalıştı ancak 1950'lerin sonlarında bu derslerden ayrıldı ve kendini resme adadı.

  Riley, uçakta hareket illüzyonu yaratma sanatı olan op art'ın en ünlü temsilcilerinden biridir. Sanatçı daha sonra bu yönden uzaklaşsa da "optik" resimleri sayesinde dünyaca ünlü oldu. Alışılmadık tarzı, belirli bir mesafeden bakıldığında bütünsel bir görüntü oluşturan noktalar veya küçük kareler şeklinde ayrı net vuruşlarla yazan noktacı sanatçıların çalışmalarının etkisi altında oluştu; op art'ın kurucusu ve lideri Vasarely'nin eserleri. İkincisi gibi, Riley de yalnızca düz ve dalgalı çizgiler kullandığı siyah-beyaz, çok basit kompozisyon çalışmalarıyla başladı. 1962'de Londra'da Macgrave Galerisi, yalnızca sanatçının kendisinde değil, tüm op art hareketinde ilgi uyandıran ilk kişisel sergisine ev sahipliği yaptı. 1960'ların ortalarında Mısır'a yaptığı bir geziden sonra Riley'nin çalışmalarında renk ortaya çıktı: parlak, renkli, mozaik resimlerinde mevcut veya soluk, donuk, diğerlerinde parıldayan bir etki yaratıyor.

  Alev 1.1962

 B. Riley'nin en ilginç eserleri , tüm yüzeyi ortaya doğru keskin kıvrımlara dönüşen ince dalgalı çizgilerle kaplı "Akış " tablosu gibi siyah beyaz yapılmıştır. düzlemden ayrılan kararsız bir akıntı görünümü.

  Parça 5.1965

  Akış. 1964

 

RAST, ΔOHAΛbΔ

  Amerikalı Sanatçı

  atalar dağı

  Pensilvanya yerlisi, memleketinde tanınmış bir sanatçı, "kamuflaj" sanatı türünde çalışıyor. Son on yılda Amerika Birleşik Devletleri'nde oldukça popüler olan bu akım, gerçeküstücülüğün derinliklerinden ortaya çıkmış, ancak önde gelen temsilcisi Belçikalı sanatçı Rene Magritte olan büyülü gerçekçilik doğrultusunda şekillenmiştir. "Kamuflaj" kelimesi, ilk bakışta belli olmayan, ancak daha yakından incelendiğinde tahmin edilen başka bir görüntünün bir görüntünün altına gizlendiğinde kavramın anlamını ortaya çıkarır. Bu muhtemelen sanatçının şakacı takma adının - "Pas" ın kökenini açıklıyor. Bildiğiniz gibi pas, nesnelerin yüzeyini o kadar güçlü bir şekilde yer ki ondan kurtulmak için çok çalışmak gerekir. Aynı şekilde Rust'ın resimlerini okumak için de onlarda saklı olanı bulmak için çok çaba sarf etmek gerekiyor.

  Sanatçının en sevdiği temalar, vahşi yaşam görüntüleri, Amerika'daki küçük kasaba ve köylerin yaşamı, geniş alanlarının sakinleri, inançları, masal kahramanları ve efsanelerdir. İllüzyonist resimlerini yaratmak için farklı teknikler kullanıyor: Giuseppe Arcimboldo'nun "kompozit" kafalarından Salvador Dali'nin ikili imgelerine. Ancak Rust'ın eserleri, ünlü ustaların kör kopyaları değil, orijinal kreasyonlardır. Örneğin, bir martı sürüsünden bir taşın (belki Andersen’in masalının kahramanı) üzerinde oturan bir deniz kızının “Aşk” (“Aşk”) kelimesini eklediği “Aşk” çalışması gibi.

  kaplan bulmaca

  Çocukluğumun evi Şanslı av

  Kar leoparının kıyısında

  Gece görüşü

  Evin yolu

  gece manzarası

 

XX YÜZYIL SVANKMEIER, OCAK ( d. 1934)

  Çek sanatçı ve görüntü yönetmeni, gerçeküstücülüğün temsilcisi

  Uygulamalı Sanatlar Enstitüsü'nde ve Tiyatro Sanatları Akademisi'nde (kukla tiyatrosu bölümünde) eğitim gördüğü Prag'da doğup büyüdü. Mezun olduktan sonra kukla tiyatrolarında yapım tasarımcısı olarak çalıştı, animasyon alanına ilk adımlarını attı ve 1964 yılında ilk kısa animasyon filmini çekti. 1960'ların sonlarında, Svankmajer, kendisi de bir sanatçı olan eşiyle birlikte, halen ait olduğu Prag sürrealist grubunun bir üyesi oldu. 1970'ler ve 1980'ler, yaratıcı özlemleri resmi sanata ters düşen ve bu nedenle yeraltına inmek zorunda kalan avangart sanatçılar için zorlu sınavların yaşandığı bir dönemdi. Bu dönemde Svankmayer sinema konusunda tutkuluydu: aralarında yazara dünya ününü ve birçok insanı getiren "Alice" (Lewis Carroll'un "Alice Harikalar Diyarında" masalına dayanan) resmi de dahil olmak üzere bir dizi animasyon filmi çekti. prestijli festivallerde ödüller.

  Ustanın en ilginç eserlerinden biri de kolaj serisi "Svankmayer's Encyclopedia" olarak kabul ediliyor. Arcimboldo ve Bosch'un resimlerinden esinlenen sanatçı, sürrealizm estetiğini takip ederek, yaşayan doğadan oluşan kendi alternatif dünyasını yaratıyor. Swankmayer, bu korkunç görüntüleri yaratırken farklı hayvanların görüntülerinin parçalarını, iç organlarını kullanıyor. Veya bir dizi heykelsi büstte mercanlar ve her türden deniz kabuğu.

 

TEPMEC, DICK ( rulo 1939)

  Amerikalı sanatçı

  Dick Termez, alışılmadık perspektif sistemleri yaratma türünde çalışan bir sanatçıdır. Sanatçının tuval yerine kullandığı nesne de sıra dışı: "Termespheres" (sanatçının adı ve soyadından kelimelerle oynanan bir oyun) olarak bilinen plastik küreleri süslüyor. Her küre, izleyicinin üç boyutlu bir uzayın içinde olduğu ve küre üzerindeki görüntünün, kendi ekseni etrafında döndüğü yanılsamasını yaratan optik bir yanılsamadır. Sienna'nın küreler ve çokyüzlüler üzerindeki görüntüsü herhangi bir yerden doğru olacaktır. Bunu yapmak için Dick Termes altı noktalı bir perspektif kullanır. 1968 yılında kendi kürelerini yapmaya başlayan sanatçı, bugün bu sanatın sadece Amerika ve Avrupa'da değil, Asya'da da bilinen dünyadaki tek temsilcisidir.

  Bir kişi için hücre. 1978

  Bu küre, içinden manzaranın görülebildiği bir ızgara şeklinde geometrik bir yapıyı tasvir ediyor. Bir taraftan büyüyen bir ağacın dalları ağa giriyor ve diğer taraftan sürüngenler üzerinde sürünüyor. İzleyici resme baktığında kendini kafesin içinde, oradan dış dünyayı seyrediyormuş gibi hisseder.

  Aziz Şapel. 1993

  Paris'in en güzel katedrallerinden birinin içindeyiz. " Papazın azizi " olan Sainte-Chapelle, XIII.Yüzyılda Louis IX tarafından Konstantinopolis'ten alınan kutsal emanetlerin deposu olarak inşa edilmiştir. Ajur dokumayı anımsatan zarif bir şekilde inşa edilen şapel, iç mekanı gerçek bir mücevher kutusunda temsil eden vitray pencereleriyle ünlüdür.

  Yukarıda perspektif bozulmasına bir örnek verilmiştir: bir çizim düzlemde böyle görünür, ancak küresel bir yüzeye aktarıldığında normal bir görüntü alır.

  yollardan hangisi

  Bu besteler, eserlerinde imkansız bir gerçeklik inşa etmeyi seven Hollandalı sanatçı M. K. Escher'e ithaf olarak adlandırılabilir. "Yollardan Hangisi" çalışmasında Termes, düzenli çokyüzlülerden - küplerden oluşan inanılmaz bir yapı yaratıyor. İzleyiciyi tamamen şaşırtmak için, sanki yapının içinde ve dışındaymış gibi aynı anda iki düzlemde bulunan çocuk ve yasherin figürlerini (sürüngenler Escher'in en sevdiği karakterdir) koyacaktır.

  İkinci çalışma, karmaşık bir otoyol kavşağını anımsatan inanılmaz bir küre örneğidir.

  çarpık perspektif

 

WHISTLER, PEKÇ (1904-1944)

  İngiliz sanatçı ve mimar

  Külkedisi / Üvey anne

  Masalda, Külkedisi mucizevi bir şekilde sürtük bir kadından güzelliğe ve Whistler'ın tablosunda kötü, yaşlı bir üvey anneye dönüşür.

  Kraliyet Yargıç / Kraliçe

  Londra'nın bir banliyösü olan Eltham'da bir mimar ailesinde doğdu. Royal College of Art'tan tasarımcı olarak mezun olduktan sonra, 22 yaşında en ünlü projesini tamamladı - Tate Gallery'de bir kafe boyamak. Ayrıca Whistler, orijinal çalışmaları ve kitap levhalarıyla ünlü, tanınmış bir kitap illüstratörü ve grafik sanatçısıydı. 1944'te sanatçı, Paris'in kurtuluşu sırasında trajik bir şekilde öldüğü Fransa'daydı.

  Rex Whistler'ın grafik çalışmalarının çoğu, optik illüzyon ilkesine dayanmaktadır. Yaratırken, İtalyan sanatçı Giuseppe Arcimboldo'nun 180 derece döndürüldüğünde görüntünün anlamını değiştirdiği zamandan beri bilinen ters çevirme tekniğini kullanıyor . Ap-chimboldo bir natürmortu bir portreye dönüştürdüyse ve bunun tersi de geçerliyse, Whistler bir türün çerçevesiyle sınırlıdır - gençlerin yaşlılara, insanların hayvanlara vb. eğlenceli dönüşümlerini oynayan bir portre.

  Gençlik / Yaşlı Adam

 

WARREN, JIM ( d. 1949)

  Amerikalı Sanatçı

  Long Beach, California'da doğdu. Çocukluğundan beri resim yapmayı severdi ve lisede bile sanatçı olmaya karar verdi. Ancak hiçbir zaman özel bir eğitim almadı: Üniversitede uzun süre resmin temellerini öğrenmedi, ancak esas olarak müzelerde geçmişin büyük ustalarının resimlerini inceleyerek kendi kendine eğitim aldı. İlk başarı ona 1975'te Westwood'da Warren'a ana ödülü getiren bir sergide geldi. Sanatçının en ünlü eseri olan "Dünya...Sev ya da Kaybet" tablosu posterlerde, dergi kapaklarında defalarca kopyalandı ve küresel çevre hareketinin amblemi oldu. Sanatta "Kuralların canı cehenneme .... istediğini çiz" ilkesini kabul eden Warren, görsel kelime oyunları ve paradokslarla dolu alışılmadık çalışmalarıyla ünlendi.

  Kelebek

  Warren'ın eserlerinde genellikle geçmişin ustalarının eserlerine doğrudan göndermeler bulunur. Örneğin, "Akıl", Lj'nin çalışmasının bir başka ifadesidir. Arşivcinin portresinin ciltlerce kitaptan oluştuğu Arcimboldo "Kütüphaneci". İtalyan sanatçının aksine, Warren'ın çalışmasında sadece kafa açık bir kitap olarak tasvir edilmiştir. Denizi bir madde parçası gibi kenardan kaldıran çocuk, açıkça Salvador Lali'nin eserlerinden ödünç alınmıştır. Ve bir deniz battaniyesinin içinde saklanan kız, Yalancı Warren'ın bir icadıdır.

  mucizevi vizyon

  Warren'ın en sevdiği konu atlardır. At imajını ilk kez 1981 yılında ünlü müzisyen Bob Cerepa'nın Rüzgara Karşı albümünün tasarımıyla seslendirdi . Bu çalışma ona Grammy Ödülü ve ün kazandırdı. O andan itibaren zarif hayvanlar, sanatçının bir tür alamet-i farikası haline geldi.

  dalgalı saçlı kız

 Deniz köpüğünden çıkan atların görüntüsü, onun tarafından İngiliz ressam Walter Crane'in " Poseidon'un Atları " (1892) resminden ödünç alındı. Fikri yaratıcı bir şekilde elden geçiren Warren, onu başlangıçta yalnızca kıyıya koşan dalgaların görüntüsünde somutlaştırmadı, ama aynı zamanda öfkeyle aşağı inen bir kar çığı

  Dalga

   fanteziler

  tuhaf dünya

  Çılgın Dünya

  Portre, onlara "kişiselleştirilmiş resimler" adını veren Jim Warren'ın ana hobilerinden biridir. Çünkü klasik bir portre olarak kabul edilenden kökten farklıdırlar. Portre görüntüsünün müşterinin beklentilerini karşılayabilmesi için sanatçı, portresini çizdiği kişinin karakterini ve alışkanlıklarını dikkatle inceler. Ve pozlarda doğallık elde etmek için Warren, filme çektiği bir performansın tamamını insanlara oynatıyor ve ardından görüntüyü fotoğraflardan yeniden üretiyor. Lanny kahramanı, şüphesiz Sigmund Freud'un müşterisi, komplekslerine karışmış, çocukların korkularına ve tatmin edilmemiş arzularına karışmış.

  SU ÇEVİRME, GEORGE

  konya'nın bilinmeyen yazarı XIX - XX yüzyılın başları

  19. yüzyılın atları - sembolizm sanatında en parlak dönem. Geleneksel sanatsal imajın yerini gizem, hareket ve bazen zihnin kontrolünün ötesinde olan anlamsal nüansların oyununa dayalı bir sembol alıyor. Bu nedenle, deneyimlerle dolu, belirsiz ruh halleri, ince duygularla dolu, aşk ve ölüm, deha ve hastalık ana temaları olan sembolist eserlerde ruhun yaşamı ana şey haline geldi ve en sevilen imge, evrenin bir sembolü olarak kafatasıdır. hayatın geçiciliği

  Hayali resimler 15. yüzyıldan beri biliniyor, ancak 20. yüzyılda S. Dali, M. K. Escher, V. Vasarely'nin alışılmadık ve orijinal kreasyonlarının ortaya çıkmasıyla onlar için mutlu zamanlar geldi. Bu isimler sanat tarihinde kaldı , ancak onların yanında, isimleri günümüze ulaşmamış, bilinmeyen ustalardan oluşan bir ordu vardı. Bunun bir örneği George Wotherspoon olacaktır. Bu isim altında kimin saklandığı, sanatçının takma adı mı yoksa bütün bir zanaatkar artelinin adı mı olduğu hala belli değil. Anonim yazarlar genellikle tanınmış ustaların eserlerinden hiçbir şekilde aşağı olmayan eserler yarattılar. Ve bu, 19.-20. yüzyılların başında yaratılan sunulan resimlerle tam olarak kanıtlanmıştır.

 HOLLISTER, LAVİL

  Amerikalı sanatçı ve yayıncı

  Margarita ve Nico, 1999

  Elementler. 2005

  "Elements" çalışması, L. I. Menleleev'in periyodik sisteminin resimli bir versiyonudur: merkezde yatan en küçük top voloroldür, ardından helyum, lityum ve diğer elementler bulunur, resim op-art tarzında yapılır, çünkü . ona bakıldığında, yumuşak hareket eden devasa bir ahtapot olduğu izlenimi ediniliyor.

  Bu resim, sanatçının boğazının kıvrılmış olduğu manzaranın zemininde uçan yedi kuşu tasvir ediyor. İkisi görünmez olan (negatifteki sözde görüntü) kuşun sürekli azalan figürleri, Apyr fraktal mozaik şeklinde birbiriyle birleştirilir. Fraktal, farklı ölçeklerde kendini tekrar eden bir nesnedir. Böylece, büyük bir kuşun kuyruk tüylerinin yapıyı ikiye bölerek kanat uçları arasındaki mesafeyi bir miktar kestiği ortaya çıkıyor. Boyut olarak daha küçük olan her ardışık kuş, alanını benzer şekilde besler. Bu süreç, AO'dan sonsuza kadar devam ettirilebilir ve matematikte Cantor seti olarak bilinen bir dizi noktayla sonuçlanır.

  yedi kuş

  Pek çok matematiksel resim, ilk olarak M. K. Escher tarafından ortaya atılan mozaikleme fikrine dayanmaktadır. Mozaikler veya bir düzlemin döşenmesi, tüm düzlemi kaplayan, üst üste binme veya boşluklar olmadan birbiriyle eşleşen şekil koleksiyonlarıdır. Düzenli mozaikler (ya da mozaik de diyebilirsiniz) düzgün çokgenler biçimindeki figürlerden oluşur, birleştiğinde tüm köşeleri aynı şekle sahip olur. Bu tür mozaiklerde yalnızca bir tür çokgen kullanılır ve bunlardan doğada üç tane vardır: bir düzgün üçgen, bir kare ve bir düzgün.

  Changoro. 1999

  ejderhalar

  altıgen. Dışında

  Ayrıca, iki veya üç tip normal çokgen kullanılarak oluşturulan ve tüm köşeleri aynı olan yarı düzenli mozaikler de vardır (8 tip vardır). Düzenli çokyüzlülere Platonik denir ve yarı düzenli olanlara onları tanımlayan bilim adamlarının ardından Arşimet denir. M. K. Escher, mozaikleme fikrini İspanya'da Alhambra'da gördüğü 14. yüzyıl Mağribi mozaik panellerinden ödünç aldı. Sanatçı, tek tek çinileri çeşitli tanınabilir figürlerle değiştirerek mozaiklemeyi sanata dönüştürdü. Bu tema, M. K. Escher'in ve ondan sonra Lavid Hollister'ın (c∆paκo-ny " , eOvnyi) çalışmalarındaki ana temalardan biri oldu .

  eser. 2001

  Resmin fikri, quadropod adını verdiği "dört kenarlı uzay gemileri" kavramını bulan ünlü matematikçi Kirby Warner'dan ödünç alınmıştır. Burada oluşturulan nesneler, imkansız figürler alanına aittir (nesnelerin geometrik olarak çelişkili görüntüleri), çünkü çizilmiş olmalarına rağmen, bu tür cihazlarda uzaya uçmak imkansızdır.

  

HORVATH, WERNER ( d. 1949)

  Avusturyalı sanatçı

  Avusturya'nın küçük Lini kasabasının yerlisi olan Werner Horvath, profesyonel bir sanatçı değil. İlk ve asıl uzmanlık alanında radyologdur. Radyoloji, iyonlaştırıcı radyasyonun çeşitli hastalıkların teşhis ve tedavisinde kullanımını inceleyen bir tıp dalıdır. Muhtemelen çalışmalarının etkisi altında olan Horvath, çocukluktaki çizim tutkusunun daha fazla bir şeye dönüştüğü radikal yapılandırmacılık fikirleriyle ilgilenmeye başladı. Yapılandırmacılığın fikirleri, bilginin temelde nesnel gerçekliğe karşılık gelemeyeceği veya onu "yansıtamayacağı" gerçeğine dayanmaktadır, çünkü bir bireyin erişebileceği tek "gerçek dünya", bireyin kendisi tarafından biliş sürecinde oluşturulan bir yapıdır. duyusal deneyimi. Buradan, bilginin pasif olarak elde edilmediği, bilakis özne tarafından aktif olarak inşa edildiği ana sonucu çıkar. Werner Horvat, sanatsal dünyasını bu varsayım üzerine inşa ediyor ve dış gerçeklik biçimlerinin, çeşitli psikolojik mekanizmaların yardımıyla yarattığımız öznel dünyamızın dışında bir gerçekliği olmadığına inanıyor.

  Cerrah Theodor Billroth. 1994

  Sanatçıya göre, her insanın sadece bir kişi, bilim adamı, yazar veya politikacı değil, aynı zamanda içinde saklı bir sembol olduğu "sembolik" bir dünyada yaşıyoruz.

  Sigmund Freud. Bilinçaltının bahçesi. 2001

  Castellos Sunağı

  Horvat'ın ünlü eserlerinden Olna, Girit adasındaki (Grenia) Sanat Villasında tutulan Kastellos sunağıdır. Sunağın sol tarafı bir siena "Mlalen-nu'nun Hayranlığı", burada Meryem Ana yerine - Michael Jackson, kucağında bir çocuk tutan, çarşafı bir fularla kaplı ve Magi'nin yerini gazeteciler aldı ve foto muhabirleri. Nötr kısım "Çarmıha Gerilme" olarak adlandırılır ve Mesih'in suretinde ünlü rock müzisyeni Jim Morrison tasvir edilmiştir. Sağda - "Haçtan İniş", bu kısım neredeyse tamamen ölü Che Guevara'nın fotoğrafını tekrarlıyor (aşağıdaki fotoğraf).

 

XXBEK HUNDERTWASSER, FRIEDENSREICH (1928-2000)

  Avusturyalı sanatçı ve mimar

  Gerçek isim - Friedrich Sto-wasser. Viyana'da fakir bir Yahudi ailede doğdu. Nazilerin iktidara gelmesiyle, çocuğun akrabalarının çoğu öldü ve soyadını Alman usulüne göre değiştirmek zorunda kaldı - Hundertwasser, adıyla birlikte: çeviride "Friedensreich", "dünyanın krallığı" anlamına gelir. 1948'de genç adam, daha sonra "Viyana Fantastik Gerçekçilik Okulu" nda birleşen bir grup sanatçıya katıldığı Viyana Sanat Akademisine girdi. Hundertwasser, bağımsız bir yaratıcı yola girerek Akademi'den hızla ayrıldı. Mimariye ilgi duymaya başladı: Friedensreich, konseptinin ana hükümlerini çok sayıda manifesto ve kavramda (“Mimarlıkta Rasyonalizme Karşı Küflü Manifesto”) özetledi. Sanatçının ana varsayımlarından biri, insanların aynı kutu evlerde yaşamaması gerektiğiydi. İdeali, Hundertwasser'in ardından her binayı benzersiz kılmak için çabaladığı, binaları boyadığı, seramikle süslediği ünlü İspanyol mimar Antonio Gaudi idi.

  Viyana'daki Hundertwasserhaus. 1983-1986

  Hundertwasserhaus ve Viyana. parça

  mozaik veya alışılmadık bir bina şekli icat etmek. Sanatının ana sembolleri, başka, gerçek olmayan bir boyuta geçiş olarak pencereler ve sürekli dönen bir yaşam biçimi olarak bir sarmaldı. Muhtemelen bu yüzden sahibinin en sevdiği hayvan sırtında ev olan salyangozdur.

  Hundertwasser'in en ünlü eserleri Viyana'daki Hundertwasser Evi ve Spittelau kazan dairesi, Bernbach'taki St. Barbara Kilisesi, Magdeburg'daki (Almanya) Yeşil Kale'dir.

  Magdeburg'daki "Yeşil Kale"

  Magdeburg'daki sıradışı ev, büyük vizyonerin ölümünden sonra tamamlanan son projesidir. Korkmayın: Bu bina biraz Eğik Pisa Kulesi'ni andırsa da, aslında yere sağlam bir şekilde dikilmiştir. Eğim efekti aslında bir optik illüzyondan başka bir şey değildir. Kusursuz pembe duvarlar çarpık kahverengi çizgilerle boyanmış, bu da çok ürkütücü bir izlenim yaratıyordu.

  Plokhingin'deki kule. 1900-1994

  İzleyen muhtemelen inanmayacak ama girift kıvrımlı silüet hatlarına sahip bu yapı bir su kulesi. Plochingen şehrinin güneyden girişinde yer alan Marktstrasse üzerinde yer almaktadır. Hundertwasser, sıkıcı bir üretim odasını bir tasarım sanatı eserine dönüştürerek gerçekten zekice yaptığı binanın ve avlunun dış tasarımına emanet edildi. Su kulesi şehrin sakinlerine o kadar düşkündü ki, onu Plochingen'in bir sembolü haline getirdiler.

 

TSUKIOKA KOGE (1869-1927)

  Japon sanatçı, ukiyo-e ustası

  Gerçek adı Hanyu Sada-nosuke'dir. Küçük bir otel sahibinin oğlu olarak Tokyo'da doğdu. Oğlan on beş yaşındayken annesi, onun ilk sanat danışmanı olan ünlü sanatçı Yoshitoshi Sukioka ile evlendi. Üvey babasından Tsukioka soyadını ve No tiyatro sevgisini aldı (bilindiği gibi, Yoshitoshi bir süre No oyunlarında şarkıcı olarak sahne aldı). Daha sonra tanınmış bir Batılı sanatçı olan Ogata Gekko'nun stüdyosunda çalışmaya başladı.

  Japonya'da, mezun olduktan sonra öğretmenin adının herhangi bir hiyeroglifinden gelen bir takma ad alma geleneği vardır. Koge isminin kökeni budur. Kariyerine kuşları ve çiçekleri tasvir eden resimlerle (kachoga türü) başlayan Tsukioka Koge, daha sonra gravürlere yöneldi. Noh tiyatrosu en sevdiği gravür konusu oldu.

  Sanatçının üslubu sade ve aynı zamanda zariftir: parlak renkli kostümler içindeki bir veya iki oyuncu, herhangi bir süsleme olmaksızın basit bir arka planda tasvir edilmiştir. Bu, belirli bir çilecilikle ayırt edilen Noh yapımlarının tipik bir örneğiydi. Tsukioka Koge'nin en ünlü baskı serileri arasında 100 Noh Gösterisi (1897-1902) ve 100 Noh Draması (1922-1926) yer alır. Sanatçının hayatının sonunda yaptığı sonuncusu lüks bir şekilde yayınlandı. İçinde yapılan dikey gravürler, kabartma, altın ve gümüş tozu kullanılarak alışılmadık derecede pitoreskti.

  Her iki resim de, sanatçının kariyerinin başında yarattığı "100 Temsil Yok" adlı bir dizi gravürden. Üst gravür özellikle ilgi çekicidir. İzleyicinin ön planda shoujo rolünü oynayan bir aktör gördüğü bir oyundan bir siena tasvir ediyor. Shojo - denizde yaşayan mitolojik bir yaratık, bir deniz ruhu. Kırmızı (bazen kırmızı) bir liio, itici bir görünüme sahip, elinde her zaman biraz sake bulunan uzun saplı bir kepçe, çünkü shojo büyük bir içicidir. Sürekli dans ediyor ve dansında şeytani ve hipnotik bir şey var. Bu yaratığın görünümünün en dikkat çekici özelliği, shojo'nun büyük gücünü ve maymun kökenine dair bir ipucu içeren, ayak parmaklarına kadar inen kalın parlak kırmızı veya kırmızı saçlardır. "Shojo" adı bazen "orangutan" olarak çevrilir. Muhtemelen, Iukioka Kon, pençesiyle oyuncuları tasvir eden bir pirinç kağıdını iten bir orangutan resminin köşesini ima etti. Çizimde tasvir edilen Siena şu şekildedir: bir şarap tüccarı, büyük bir şarap fıçısıyla bir deniz kıyısı. Böyle bir hediyeden memnun olan Sölzö, zavallı adamı uyuşturarak bayılttı, ancak minnettarlığının bir göstergesi olarak ona şarabın asla bitmediği bir fıçı verdi.

  Shojo ("No'nun 100 performansı" dizisi), 1902

  Ahşap klasör ("But'un 100 performansı" dizisi). 1902

 

ESHER, MAURIA CORNELIS (1898-1972)

  hollanda grafiği

  Leeuwarden'de (Friesland) bir hidrolik mühendisi ailesinde doğdu. Arnhem'de bir ortaokulda grafik sanatçısı F. Van der Hagen ile çizim eğitimi aldı ve ona linocut tekniğini tanıttı ve geleceğin sanatçısına grafik sanatına ilgi duymayı başardı. 1919'dan 1922'ye kadar Escher, yaratıcı kişiliği genç sanatçının oluşumunda önemli bir etkiye sahip olan Samuel Jesserun de Mesquita tarafından öğretildiği Haarlem'deki Mimarlık ve Dekoratif Sanatlar Okulu'nda okudu. 1922'de Escher, 10 yıldan fazla yaşadığı İtalya'ya taşındı. Roma'ya yerleşerek bu yıllarda çok seyahat etti: Abruzzi, Calabria, Sicilya, Korsika, İspanya'yı ziyaret ederek eskizler ve eskizler yaptı. Escher, daha sonraki çalışmalarına yansıyan manzaranın aldatıcı, belirsiz unsurlarına, paradoksal açılara, mekan illüzyonlarına özel önem verdi. 1934'te Escher İtalya'dan ayrılarak İsviçre'ye, oradan da Brüksel'e taşındı. 1941'de memleketine döndü ve sonunda ömrünün sonuna kadar yaşadığı Barn şehrine yerleşti.

  Escher'in çalışmaları tartışmalıdır, izleyiciyi yanılsama ve gerçeklik karşıtlığına dahil ederler. "Metamorfozlar" iş döngüsünde veya litografi "Sürüngenler" de olduğu gibi, içlerindeki düz hacimli hale gelir ve bunun tersi de geçerlidir; güvercinler kurbağaya, kuğular balığa vb. Çalışmalarındaki ana motiflerden biri, bir düzlemi uzaya ve uzayı bir düzleme dönüştüren bir tür mekansal paradoks olan Moebius Strip'tir. Escher, sanatçının yarattığı üç boyutlu uzayın tüm göreliliğini açıkça anladı.

  Escher'in grafik paradoksları, bu çalışmaların değerini diğerlerinden önce takdir eden bilim adamlarının, matematik, psikoloji ve doğa bilimlerinin temsilcilerinin dikkatini çekti. Einstein'ın görelilik kuramı, Freud'un psikanalizi, kübizm ve benzeri uzay-zaman ilişkileri alanındaki keşifleri ve bunların özdeşliği bağlamında değerlendirildiler. Sanatçının kendisi bunun hakkında şunları yazdı: “ Hayatın gizemleriyle yüz yüze durarak, gözlemlerimi anlayıp analiz ederek matematik alanıyla temasa geçtim. Kesin bilimler konusunda kesinlikle cahil olmama rağmen, bazen matematiğe sanatçı arkadaşlarımdan daha yakın olduğumu hissediyorum . Escher, 20. yüzyılın avangart sanatının herhangi bir yönüne ait olmasa da, çalışmasının yukarıdaki özellikleri, araştırmasını mucizevi illüzyonlara ve mantıksal bulmacalara tapan gerçeküstücülerin estetiğine yaklaştırıyor.

  Sanatçı, 27 Mart 1971'de Hollanda'nın Laren şehrinde 73 yaşında öldü.

  Sürüngenler. 1943

  En sıradan fenomenlerin ve nesnelerin fantastik doğasının hissi, sanatçıyı Hollandalı ustalar - Jan Vermeer Lelftsky ve Pieter de Hooch ile ilişkilendirir. Escher'in sanatındaki bu ilkenin açıklamasının bir kısmı bu litografidir. Burada gerçeklik, zihnin kontrolünden çıkıyor ve algımız, sahnesi sanatçının masaüstü olan inanılmaz bir olgunun mantığını ve paradoksunu tanıyor.

  Yer çekimi. 1952

  Escher'in düzenli geometrik cisimlere özel bir hayranlığı vardı, örn. çokyüzlüler Sanatçının matematik eğitimi olmadığı için bu daha da ilginç. Düzenli çokyüzlüler, tüm yüzleri aynı düzgün çokgenlerden oluşan cisimlerdir. Yüzleri dört normal üçgen olan bir tetrahedron, altı kareden oluşan bir küp içerir.

  Ejderha

  Çift gezegenimsi

  yüzler, sekiz üçgen yüzü olan bir oktahedron, on iki düzgün beşgeni olan bir dodecahedron ve yirmi üçgen yüzü olan bir ikosahedron. Bütün bu figürler öyle ya da böyle Escher'in eserlerinde bulunabilir. Bunun dikkate değer bir örneği, tetrahedra, küp ve oktahedronların birleştirilmesiyle elde edilen cisimleri gösteren "Yerçekimi" gravürüdür. Escher bu çalışmasında çokyüzlülerin sadece çeşitli versiyonlarını tasvir etmiş olsaydı, sanatçının eserlerinden biri olarak kalacaktı ama tüm figürün algılanmasını zorlaştırmak için ortadaki figürün içine bukalemunlar (Escher'in en sevdiği karakter) yerleştirdi. Bu nedenle, resmin olağan algısından uzaklaşmak ve onu bir bütün olarak sunmak için ona farklı bakmaya çalışmak gerekir . Bu resmin bu yönü, matematikçiler için başka bir hayranlık nesnesidir.

  Şelale. 1961

  Sanatçı, grafiklerinde kendi deneyimlerinden bildiğimiz gerçekliği göstermiyor, kendi imkansız gerçekliğini inşa ediyor. Çünkü gerçekte aynı anda inerken aynı anda tırmanabileceğiniz bir merdiven yoktur (“Yükseliş ve İniş”). Taş baskı, kapalı bir mekansal girdapta dönmeye mahkum savaşçılarla dolu bir kaleyi tasvir ediyor. Tıpkı bir problemin çözümünü araştıran bir ortaçağ matematikçisini tasvir eden (Escher'in takipçilerinin favori bir karakteri) uzunluk ve genişliğin karışık oranlarıyla ("Belvedere") fantastik bir köşkü süsleyen sütunların tuhaf bir şekilde iç içe geçtiği sütun dizisinin olmaması gibi. "Şelale" resminin merkezinde, eserde üç kez tekrarlanan imkansız bir üçgen var. Düşen su bir değirmen çarkını çalıştırır ve iki kule arasındaki eğimli bir zikzak oluktan aşağı akar ve şelalenin yeniden başladığı noktaya geri döner. Buharlaşmayı telafi etmek için değirmencinin ara sıra içine bir kova su sıçratması yeterlidir. Her iki kule de aynı yükseklikte görünüyor; ancak sağdakinin soldakinden bir kat daha alçak olduğu ortaya çıkıyor.

  çardak. 1958

  Yükseliş ve iniş. 1960

  Başka Bir Dünya 2. 1947

  Bu çalışmada aynı resim iki farklı noktadan bakılarak iki kez sunulmuştur. Üst kısım, gözlemcinin üç kat yukarı çıkması durumunda açacağı manzaradır; alt kısım ise yerde yani kiremit kaplı bir platform üzerinde durduğunu göreceği bir siennadır.

  Merdiven

  Belki de bu, dikkat ve anlayış gerektiren en gizemli araba illüzyonudur. İzleyici, önünde gelişmiş bir panoramayı oynatıyor. Sağ alttaki giriş, sergiye - duvarlarda ve camlı pencerelerde gravürlerin sergilendiği galeriye - götürür. İzleyicinin bakışları, elleri arkasında olan ziyaretçiden, ardından ilkinden en az dört kat daha büyük olan çocuktan geçer. Önündeki duvarda bir grafik serisinin son sayfası var ve arka planda vapura, teknelere, kanalın sularına ve evlere bakıyor. Sonra bakışları soldan sağa, çok katlı bir siteye kayar. Ve işte ilginç an geliyor: kadının baktığı açık pencere doğrudan sergi galerisinin eğimli çatısına gidiyor ve bu, izleyiciyi yolculuğun başladığı yere geri götürüyor. Genç adam bunu söz konusu litografinin iki boyutlu detayları olarak algılar. Sanatçı, anlaşılmaz bir şekilde, çocuğun hem galeride hem de galeri dışında olduğu alanı bir daire içine sarmayı başardı.

  Sanat Galerisi. 1956

  içbükey dışbükey

  görelilik. 1953

  Üç yerçekimi kuvveti birbirine dik olarak yönlendirilir. Üç dünyevi yüzey birbirini dik açılarla keser ve her birinde insanlar yaşar. İki farklı dünyanın sakinleri aynı katta yürüyemez, oturamaz, ayakta duramazlar çünkü yatay ve dikey konusunda farklı fikirleri vardır. Ancak aynı merdivenleri kullanabilirler. İki kişinin sanki aynı yöne gidiyormuş gibi kütükler boyunca nasıl yukarı çıktıkları görülebilir - yine de biri yukarı, diğeri aşağı hareket ediyor. Farklı dünyalarda yaşadıkları ve birbirlerinin varlığından habersiz oldukları için aralarındaki iletişim imkansızdır.

  Sürüngenlerde olduğu gibi burada da kertenkelelerin düz görüntüsü, sanki resimden dışarı çıkıyormuş gibi mucizevi bir şekilde hacimle dolar. Bu tür çalışmalar, sanatçının grafik görüntünün " sihirli mekaniği" * başkalaşımına olan hayranlığını yansıtıyor.

  Buldozerler

  Biniciler

  Matematikte "mozaik" veya sanatta "mozaik" olarak adlandırılan bir düzlemin düzenli bir bölümü, aralarında şekiller ve boyunlar kesişme olmadan bir düzlemi döşemek için kullanılabilen bir dizi kapalı figürdür. Mozaiklere büyük ilgi gösteren Escher, "metamorfozlar" adını verdiği, figürlerin değişip birbirleriyle etkileşime girdiği ve bazen düzlemin kendisini değiştirdiği kendi türünü bile tanıttı.

  Muhtemelen uçakta geometrik yapılara karşı bu kadar güçlü bir tutku, sanatçının karakterinden geliyordu. Escher'inin, ekmeğin tüm yüzeyini dikkatlice kaplayan sandviçleri mozaik gibi yerleştirmeyi sevdiği biliniyor.

  Güneş ve Ay

  kelebekler

  Sekiz kafa. 1922

  Balık ve tekneler

  Çember Sınırı Hasta

  Bu hiperbolik (eğri) bir uzaydır. Lele'nin kendisinde, tüm balıklar olinakov boyutundadır, ancak son çemberdeki sonsuz boşluğa sığdırmak için kenara doğru küçülürler.

  Gündüz ve gece. 1938

  salınan yüzey

  Bu sayfa, " başkalaşımlar" ve dönüşümler ("Tembellik ve Gece", "Kurtuluş") temasını sürdüren iki resim sunuyor , ilki kuşların birbirine doğru uçtuğunu gösteren bir mozaiğe dayanıyor, ikincisi ünlü " Sürüngenler" mekansal dönüşümleriyle. Resimlerin geri kalanı ilginç bir şekilde yansıma tekniğini yendi - ikili ve hatta üçlü, alışılmadık bir etki yarattı.

  üç dünya

  kurtuluş

  Sanatsal temsilin en sıra dışı yollarından biri aynadır. Ayna, görsel sanatlarda bir kompozisyonu yaymak için sadece teknik değil, aynı zamanda ideolojik bir araçtır. Gündelik hayatta iyi bilinen bir ayna, görsel sanatlarda oldukça paradoksal ve beklenmedik bir rol oynar ve kültür tarihindeki çeşitli dünya görüşünü yansıtır. Ayna paradoksu, en azından aynadaki görüntünün, yansıttığı dünyadan her zaman bir boyut daha küçük olması gerçeğinde kendini gösterir. Yani örneğin aynada kendimizi asla gerçekte olduğumuz gibi, yani hacimli ama her zaman düz olarak görmeyiz. Aksine, bir kültür nesnesindeki ayna, yalnızca görüntünün iki katına çıkarılması değil, ek bir algı düzlemi getirerek resmin uzamının genişletilmesidir. Sanat tarihinde, bir ayna yardımıyla görsel alanı "genişletmek", "kıvrmak" için bir dizi farklı yöntem bilinmektedir.

  Escher, çalışmalarına aynalarla da müdahale etti, ancak daha çok küreleri, küresel yüzeyleri var. Bu tür resimlerde, mekanın doğasıyla hareket etti: izleyici, sanki onlara bir prizmadan bakıyormuş gibi dışbükey bir balkon görüntüsü görüyor; veya sanatçının bir ayna küre içindeki portresi, tamamen farklı yüzeylere sahip üç küreyi ("Üç Küre II") veya bunların birbiri içindeki yansımasını ("Üç Küre I") dikkatlice inceler,

  balkonlar 1945

  Otoportre. 1943

  Bir aynalı küreyle elimde üç küre. Küresel bir aynada otoportre. 1935

  Üç küre

  küresel spiraller

  Escher'in eserlerinde oldukça sık bulunan başka bir figür sınıfı, spiraller veya daha doğrusu bir spiral içinde bükülmüş figürlerdir. Spiralleri temsil etmenin yollarından - bu eserlerde. Üstte, topun yüzeyinde bulunan dört şerit, topun bir kutbundan diğerine uzanır; altta, spiraller iç içe geçerek bir dişi ve bir erkek kafası oluşturur. Sanatçının kullandığı "eksik" görüntü tekniği, beynimizin önceki birikmiş deneyimlere dayanarak resmin tamamını geri yüklemesine dayanmaktadır.

  Sendika yükümlülükleri

  Escher'in çalışmalarındaki ana motiflerden biri, bir tür uzamsal paradoks olan Moebius Şeridi idi. Sadece bir tarafı ve bir sınırı olan 3 boyutlu bir yüzeydir. 1856'da Leipzig Üniversitesi'nde profesör olan August Ferdinand Möbius tarafından tanımlandı ve keşfinin itici gücü, boynuna bağladığı ünlü bir eşarptı.

  Möbiüs şeridi II. 1963

  Mêbius Kaseti 1.1961

  Hükümet yetkilileri. Bir Möbius şerit modeli, bir kağıt şeridinden, şeridin uçlarından birini yarım tur döndürerek ve başka bir atla birleştirerek kapalı bir şekil oluşturarak kolayca oluşturulabilir. Bandın yüzeyine kurşun kalemle bir çizgi çizmeye başlarsanız, çizgi şeklin derinliklerine inecek ve sanki bandın “diğer tarafına” gitmiş gibi çizginin başlangıç noktasının altından geçecektir. Çizgiye devam ederseniz, başlangıç noktasına dönecektir. Bu durumda, çizilen çizginin uzunluğu, kağıt şeridinin uzunluğunun iki katı olacaktır. Bu örnek, Möbius şeridinin yalnızca bir kenarı ve bir sınırı olduğunu göstermektedir.

   

İÇERİK

  DÜNYA SANATI

  Resim ve grafiklerde optik illüzyonlar

  Derleme, I. Mosin'in genel versiyonu

  Bilgisayar düzeni ve baskı için hazırlık L, Degtyareva

 

 

16. yüzyıl 20. yüzyıl

  Giuseppe Arcimboldo Jacopo de Barbari Hans Holbein PgV

  Grigory Teploe

  William Hogarth

  19. yüzyıl

  Yoshifuji Utagawa

  Kuniyoshi Utagawa

  Kunisada II Utagava

  Chikanobu Toyohara

  Fyodor Tolstoy

  Hiroşige Utagawa

  Julian Beaver Victor Vasarely Remedios Bapo

  Wes Dali Ison

 

   

 

Not: Bazen Büyük Dosyaları tarayıcı açmayabilir...İndirerek okumaya Çalışınız.

Benzer Yazılar