Natürmort Nasıl yapılır… Jose M.Parramon

    

 Natürmort

 

Natürmort Nasıl yapılır… Jose M.Parramon

 

  José M. Parramon Villasalo tarafından yazıldı.

  V.Yu.Traskin tarafından İngilizce'den çeviri

   

 İçerik

  Giriş 7

  Natürmort tarihi 9

  Caravaggio: yaşam tutkusu 10

  Velázquez natürmort 12'yi açar

  Ne zaman, nasıl, neden ve neyi canlandırmalı? 14

  İlk natürmortların çizimleri 15

  Ustalık ve "hileler" 16

  16. yüzyıldan 17. yüzyıla kadar 17

  17. yüzyıl 18

  18. yüzyıl 21

  Jean-Baptiste Simeon Chardin 22

  XIX ve XX yüzyıllar 23

  Cezanne 24

  20. yüzyıl 25

  Atölye ve malzemeler 27

  Atölye 28

  Işığın Önemi 30

  şövale 32

  Mobilya ve aletler 34

  yağlı boya tuval 3 6

  Sedye nasıl yapılır 37

  Yağlı boya fırçaları 38

  Palet bıçakları ve mortacles 40

  Solventler ve onlar için cam eşyalar 41

  Yağlı boyalar 42

  Eskiz defteri 43

  Şekil ve hacim 45

  Öğrenme Formları 46

  Konstrüksiyon ve perspektif 48

  yapı 50

  Yaygın Hatalar 51

  Boyutlar ve oranlar 52

  Işık, gölge ve valery 54

  Kontrast 56

  atmosfer 57

  Pratik alıştırmalar 58

  Bir sahne ve kompozisyon seçme 61

  Natürmort bileşenlerinin seçimi 62

  Renk organizasyonu 64

  Kompozisyon nedir 65

  Altın Oran Kural 66

  Geometrik şema 67

  Simetri ve asimetri 68

  Aydınlatma seçimi 70

  Mekansal planlar 72

  Teoriden pratiğe 73

  Yağlı boya tekniği 75

  Bazı faydalı ipuçları 76

  Önce çiz mi yoksa önce yaz mı? 7 8

  Nereden başlamalı? 79

  Vuruş yönü 80

  genelleme 81

  Boyama alia prima 82

  Renkleri oluşturma ve karıştırma 85

  Birincil renk karışımı 86

  Açık ve koyu renkler 88

  Gölge rengi 89

  Sıcak gama 90

  Soğuk gama 91

  Sessiz gama 92

  Natürmort uygulaması 95

  Cezanne, Büyük Usta 96

  Natürmort: adım adım. ben 98

  Natürmort: adım adım. II 104

  Natürmort: adım adım. III 108

  Sanata Bağlılık 112

  2

  1 ( s. 4). José M Par-ramon. Natürmort. Özel koleksiyon, Barselona.

  2 , 3 Zurbaran'dan (2), Van Gogh'a (3) ve günümüze (1) kadar sanatçılar natürmortlar çizerler. "Sanırım," dedi Van Gogh. - bunun görüntü için en iyi konu olduğunu. Bazen sanatçılar nesnelere özel bir anlam yükler, bazen de nesneler onları kendilerine ilgilendirir. 

 

 giriş

  Vincent van Gogh, kardeşi Theo'ya bakıcı tutma sorunu hakkında bir mektup yazdı. Modellere ihtiyacı vardı ama onlara para ödenmesi gerekiyordu ve hiç parası yoktu. “Sanattan geçimimi sağlamanın başka yollarını düşündüm ve öğretmeye karar verdim. Natürmort sanatını öğreteceğim. Bana öyle geliyor ki bu, resim öğretmenin genellikle uygulanandan daha iyi bir yolu.

  Gerçekten de, natürmortların resim yapmayı öğretebileceği ve öğrenebileceği uzun zamandır bilinmektedir. Francisco Pacheco, öğrencilerine Velázquez ve Zurbaran'a sıradan günlük nesneleri - yiyecek, meyveler, kap kacak, şarap sürahileri vb. - boyamalarını tavsiye etti. Natürmortu çalışma için ideal bir nesne olarak gören Paul Cezanne: "Düzen ve kompozisyondaki yeni fikirleri test etmek, vizyonu geliştirmek için bu laboratuvar örneği olan bir natürmort kullanarak çalışmak en iyisidir. Farklı bileşenleri tek bir bütünsel sanat eseri halinde düzenleyerek onlar üzerinde çalışmayı öğrenin.

  Son olarak, natürmort, her konunun dikkatli bir şekilde seçilmesini gerektirdiğinden, tüm sanat okullarında ve sınıflarında her zaman favori bir tür olmuştur. Öğrenci, nesnelerin rengi ve şekli hakkındaki tüm önyargılı fikirleri bir kenara atabilir, nesneleri kendi beğenisine göre seçebilir ve bunları arka plan görevi görecek herhangi bir düzleme yerleştirebilir. Bu şekilde, üzerine bir resmin kompozisyonunu oluşturmayı öğrenebileceğiniz orijinal ve hoş bir nesne grubu oluşturulur. Natürmort resim, ışık ve gölge, kontrast ve renk uyumunun dikkatli bir şekilde incelenmesini ve tasvir edilen konu hakkında tam bilgi sahibi olmayı gerektirir.

  Natürmortların iç mekanlarda, kimsenin arkadan bakmadığı ve ihtiyaç duyulan her şeyin elinizin altında olduğu bir atölyede boyanması çok önemlidir. Sanatçı, renk, biçim ve teknikle deneyler yaparak, yani tarzını geliştirip rafine ederek işine odaklanabilir. Daha sonra sadece natürmortları değil, istediği her şeyi yazacaktır.

  Bu nedenle bu kitabı yazdım ve onun için illüstrasyonlar seçtim.Yağlı boya sanatında ustalaşmak ve herhangi bir konuyu yağlı boya ile boyamak isteyenler için hazırlanmıştır.

  Natürmortun kökenleri ve tarihi hakkında kısa bir açıklama ile başlayacağız. Ardından, parçalardan tek bir bütünü organize etmek için nerede, nasıl ve neyin tasvir edilebileceğini, nesnelerin nasıl düzenleneceğini göreceğiz. Form ve inşaatın temel kurallarını öğreneceğiz. Daha sonra boyaları nasıl karıştıracağımızı ve tuvale nasıl uygulayacağımızı öğreneceğiz. Son olarak kitaptaki resimlerden öğrenirken bazı çalışmalar yazacaksınız. Umarım bundan sonra kendi başınıza resim yapmaya devam etmek istersiniz. Tekniğinizi geliştirmenize yardım edebildiğim ve size daha iyi yazmayı öğretebildiğim ortaya çıkarsa, bu kitabı bir amaçla yazdığımı düşüneceğim.

  Jose M.Parramon

  Sanatın ortaya çıkışından bu yana, günlük nesnelerin tasviri sıradan hale geldi. Ancak 15. yüzyılın sonlarına kadar bu nesneler dinsel, kahramanlık ya da mitolojik konuların tamamlayıcısı olarak işlev görmüştür. İlk natürmortlar sembolikti. Caravaggio olarak bilinen Michelangelo Merisi, natürmortu görüntünün bağımsız bir konusu haline getiren ilk kişiydi. Bu, sanat tarihinde devrim yarattı, çünkü resim ilk kez dini ve saraylı karakterini yitirdi. Daha sonra, Velasquez, Chardin , Cezanne ve diğerleri gibi ustalar tarafından natürmortlar boyandı .

 

Natürmort Tarihi

 

 Caravaggio: yaşama tutkusu

  Michelangelo Merisi, 1573'te kuzey İtalya'daki Milano yakınlarındaki Caravaggio köyünde doğdu. On iki yaşında yerel bir ressamın yanında çıraklık yaptığında, "Caravaggio'lu Michelangelo" lakaplıydı ve Roma'ya taşındığında, kısaca Caravaggio olarak tanındı. 1610'da sadece 37 yaşında öldü. Daha sonra Van Gogh ile aynı kısa hayatı yaşamış olmasına rağmen, yine de 15. yüzyılın Avrupa'nın en büyük sanatçılarını etkilemeyi başardı: Velazquez ve Rembrandt, Rubens ve Latour, Ribera, Zurbaran, Lenin, Jordaens ve Vermer. Caravaggio'nun dehası, çağdaşları üzerinde derin bir etki bıraktı. Poussin gibi bazıları onun "resmin ölümüne doğduğuna" inanırken, diğerleri ona büyük bir usta muamelesi yaptı ve hatta Rubens gibi resimlerini kopyaladı.

  Caravaggio, erken dönem Barok üslubuna ve resim teorisine önemli katkılarda bulundu. Ondan önce ışık, sanatta büyük bir rol oynamadı. Caravaggio, bir şeyi vurgulamak, vurgulamak, vurgulamak için ışığı kullanan ilk kişiydi; bazen ışığın kendisi resmin ana teması oldu. Özünde Caravaggio, Barok sanatına gerçekçi eğilimler getirdi.

  Caravaggio küçük bir sepet alıp içine üzüm, kurtlu bir elma, birkaç armut ve incir, bir şeftali koydu ve ilk natürmortu yaptı. Bu, sanatçı 23 yaşındayken 1596'da oldu. Ondan önce meyveler, sürahiler, şarap kadehleri, çiçekler ve ayrıca kitaplar, müzik aletleri ve notalar çizdi. Onlar için gerçek ya da hayali arka plan, Caravaggio'nun müdavimi olduğu mutfak ya da tavernaların atmosferiydi. Farkına varmadan, kısa sürede İspanya ve Fransa'da popülerlik kazanan yeni bir türün kurucusu oldu.

  5. Caravaggio. Meyve sepeti. Ambrosiana Galerisi, Milano.

  Bu, resim tarihindeki ilk natürmort. Aşağıda göreceğiniz gibi, ayrı ayrı öğeler de yazmaya çalışır.

  önce karıştı. Ancak bağımsız bir tür olarak natürmort, yani cansız nesnelerin kendi içinde bir amaç olarak görüntüsü, Caravaggio'dan önce yoktu.

  

 Velazquez bir natürmort açar

  Köylüleri, hanların karanlık köşelerini, meyveleri ve erzakları resmeden Caravaggio'nun dramatik chiaroscuro'ya olan tutkusu ve beklenmedik zıtlıklar ile kendine özgü stili, 1592 civarında İspanya'da tanındı. Mancini'ye göre Caravaggio, o sırada Roma'da, Consolacione'nin bakımevindeydi ve burada, "... onları anavatanına, İspanya'ya götüren başrahip için çok sayıda resim." Yedi yıl sonra Diego Velasquez de Silva Sevilla'da doğdu. İlk çalışmaları, Caravaggio'nun etkisinin izlerini taşıyor. Sahne olarak hanları ve gürültülü tavernaları veya masaları yiyecek ve içecekle dolu mutfakları seçerek sokak insanlarını ve basit köylüleri resmetmeye başladı. Bunlar onun resimleri Kahvaltı, Misafirler, İki genç adam. Mütevazı mutfağın bir köşesi de Eski Aşçı Kızarmış Yumurta Pişiriyor, Emmaus'ta Akşam Yemeği resimlerinde gösteriliyor. Bu dönemde sanatçı yaklaşık yirmi yaşındaydı. Kariyerinin başında çalıştığı tür, o zamanlar aşağılayıcı bir şekilde "bodegones" (mutfak resimleri) olarak adlandırılıyordu. Çağdaşların Caravaggio'nun, ilk Velasquez'in ve onların genç takipçilerinin çalışmalarına nasıl bir alay ve reddetmeyle tepki verdiklerini anlamak için, 17. yüzyılda resmin toplumun üst katmanlarında en önemli iletişim aracı olarak hizmet ettiğini hatırlamalıyız; dahası, bir bütün olarak toplum için bir bilgi aracıydı. Sıradan köy insanı kılığında tanrıları, kahramanları ve azizleri tasvir eden sanatçılar için o dönemin devleti ve kurumu ne diyebilirdi? İtalya'da Caravaggio, İspanya'da Velasquez, Fransa'da Louis Le Nain, muhafazakarları ve akademisyenleri rahatsız eden sanatın "aşağılanması" nedeniyle "alt sınıf" olarak kınandı.

  Ama bu sanatçılara gerçeğin keşfini borçluyuz ve yaşadıkları dönem bir sadelik ve mütevazilik dönemiydi, bir durgun yaşam dönemiydi.

  6

  7

  6. 7. Velasquez. Sevilla'dan su taşıyıcısı. Epsley, Londra.

  Sahanda yumurta hazırlayan yaşlı bir aşçı. İskoçya Ulusal Galerisi, Edinburg. İkisi birden

  resimler Velazquez tarafından sanatçının on sekiz yaşında başladığı sözde Sevilla döneminde (1617-1622) yapılmıştır.

  8

  9

  8, 9. Velázquez'in Sevilla'daki resimlerinin detayları, Çırpılmış yumurta hazırlayan yaşlı aşçı ve Sevilla'dan Su Taşıyıcı. Her iki resim de insan figürlerinin yanı sıra muhteşem natürmortlar içermektedir. Aynı zamanda Velazquez'in hocası olan Zurbaran, Alonso Cano, Pacheco gibi sanatçılar çalıştı. Hepsi Caravaggio'dan etkilendi.

 

 Ne zaman, nasıl, neden ve neyi canlandırmalı?

  Antik çağlardan beri ressamlar mutfak eşyaları, çiçekler, meyveler, yiyecekler ve diğer cansız nesneleri tasvir etmişlerdir. Ancak tüm bu şeylerin görüntünün ana teması olarak ortaya çıkmaya başlaması ancak Rönesans'ta oldu. 16. yüzyılda, Vincenzo Campi'nin 1560 civarında boyadığı Meyve Satıcısı'nda olduğu gibi, genellikle insan figürleriyle bir arada var oldular.

  Bununla birlikte, daha önceki üç resim, natürmort türüne atfedilebilir. Caravaggio'dan yüz yıl önce, bilinmeyen bir Flaman usta, Rogier van der Weyden'in öğrencisi Madonna'yı boyadı ve tahtanın arkasına zarif bir şekilde bir girintiye yerleştirilmiş ve Müjde'nin çeşitli özelliklerini temsil eden bir natürmort yerleştirdi. Hollandalı ressam Hans Memling'in bir niş içinde çiçekli Vazo da iyi bilinir ve nedense arkasına boyanmıştır.

  onlar, ama bu sefer portreler. Son olarak, 1504 civarında, Venedikli Jacopo de Barbari, Ölü Kuş'u (Keklikli Natürmort) resmetti. Tüm bu resimler ayrı deneylerdi ve Caravaggio'nun çalışmasında açıkça gösterildiği gibi, kelimenin tam anlamıyla natürmortlar değildi.

  10. Vincenzo Campi. Meyve satıcısı Pinacoteca Brera, Milan. 1560 civarında yapılan bu resim, "figürlü natürmort" türüne aittir.

  10

  11. Hans Memling. Thyssen-Bornemisza Koleksiyonu, Lugano niş içinde çiçekli vazo.

  12. Jacopo de Barbari. Ölü Kuş (Keklikli Natürmort). Alte Pinakothek, Münih

 

 İlk natürmortların çizimleri

  Kelimenin modern anlamıyla natürmort, 16. yüzyılın sonunda Hollanda ve İtalya'da aynı anda ortaya çıktı. Güney Avrupa'da bu tür, Caravaggio'nun yeteneği sayesinde gelişti. Kuzeyde, mantıksal olarak Reformasyonun bir sonucu olarak ortaya çıktı, çünkü dini resim konumunu kaybetti ve sanatçılar konu seçimlerini genişletti.

  17. yüzyılın başında bu türün üç yönü oluştu. Vanitas (kibirlerin kibri) olarak bilinen birinin, dünyevi her şeyin kırılganlığını ve kibrini ve köşedeki herkesi bekleyen ölümün yakınlığını hatırlatması gerekiyordu. Bir insan kafatası, dünyevi yaşamın sonunun bir sembolü olarak hizmet etti (hasta 13). Ayrıca bu resimde yanan bir mum ve bir kum saati görüyoruz. Bu nesnelerin her ikisi de hayatın kısalığını ve tüm kuru şeylerin kırılganlığını anımsatıyor.

  Bu türün ardından, genellikle beş duyuyu dini veya ateş, rüzgar ve su gibi diğer sembollerle birlikte tasvir eden sembolik bir natürmort ortaya çıktı. Sembolik natürmort, 18. yüzyılda resim, heykel ve edebiyatta yeniden canlandı.

  13-16 Dört eski natürmort.

  13. D. Lom. Vanity of Vanities Troy Koleksiyonu.

  14. J.Linard. Beş Duyu ve Dört Element Güzel Sanatlar Müzesi, Cezayir. 15. Jean-Baptiste Simeon Chardin. sanat nitelikleri. Louvre, Paris. 16.Louis Tessier. Sanat ve bilim. 13 15  

 

 Virtüözlük ve "hileler"

  Üçüncü yön, sanatçının becerisini göstermek için natürmort kullanmaktı. Bunun için favori konular çiçekler, meyveler, testiler ve sepetlerdi. 17. yüzyılın başında resimlerde çeşitli böcekler ve diğer küçük yaratıklar ortaya çıktı: böcekler, kelebekler, salyangozlar, kertenkeleler. Ressamlar onları tasvir ederek virtüözlüklerini göstermeye ve "gözü aldatmaya" çalıştılar, örneğin gerçek sanılması için bir meyvenin veya masa örtüsünün üzerine böcek diktiler. Yüzyılın ortalarında, gelişen bu yön, "aldatma" - trompe Gseii (Fransızca - "görme aldatması") adını aldı.

  Modern resimde bu eğilim, natürmortta hiperrealizm olarak yeniden ortaya çıktı (ABD'de Ken Davies, İngiltere'de David Hockney, İtalya'da Sheltyan ve diğerleri).

  17

  17 Tipik bir "aldatma" örneği. JF Dela-motte Özel koleksiyon, Fransa. Ayrıntılara hacim kazandıran sanatçı, görüntünün yanıltıcı doğasını sınıra getiriyor. Bu tarz artık Amerika Birleşik Devletleri'nde ve diğer ülkelerdeki hiperrealistler arasında yaygın.

  18. Claude Vignon. Şeftali ve üzüm (detay). Özel koleksiyon, Paris. Bu, temanın erken dönem natürmortunun virtüöz özelliğiyle, ancak yine de sembolik imalar olmadan yorumlanmasına bir örnektir . Sanatçı, minyatür böcekleri perspektifte tasvir ederek hünerini gösteriyor.

  16. yüzyıldan 17. yüzyıla kadar

  16. yüzyılın sonunda, natürmortun önde gelen ustaları Hollandalı Jacob de Gent ve Balthasar van der Ast, Fleming Jan Brueghel Velvet, İtalyan Caravaggio, İspanyol Sanchez Cotan'dı.

  Bu sayfadaki iki resme bakın ve kompozisyonlarının benzerliğine dikkat edin: nesneler tek tek değil, grup olarak gösteriliyor. Yazarları, birbirinden farklı birkaç unsurdan oluşan bir kompozisyonun avantajlarına henüz aşina değiller, ancak Caravaggio, Meyve Sepeti'nde bunların zaten farkındaydı.

  19

  20

  9 Louise Moillon. Manav. Özel koleksiyon, New York.

  20. Sanchez Cotan Meyve ve enginarlı natürmort. Victor Spark Koleksiyonu, New York.

  

 17. yüzyıl

  17. yüzyılda Hollandalı ve Flaman sanatçılar natürmortlara hakim oldular. Hollanda'da Pieter Klas, Alexander Kosemans, Jan de Heem, Van de Velde ve diğerleri, özellikle Willem Heda tarafından harika natürmortlar yapıldı. Flanders'da natürmort Van Son, Jan Feit, Clara Peters tarafından doruğa çıkarıldı. İspanyol ressamlar Zurbaran ve Velazquez, natürmort olasılıklarını keşfettiler ve Su Taşıyıcısı ve ünlü Kumaş Üzerindeki Gemiler gibi güzel resimler yarattılar ve Juan de Valdes Leal, natürmortlarını Vanity of Vanities teması üzerine yaptı. Fransa'da Lu-ben Vaugen, Stoskopf ve Dupuisy, iki veya üç nesneden oluşan basit üretimlerden görkemli stilize edilmiş kompozisyonlara ve rastgele geçiş sahnelerinden özenle seçilmiş birkaç nesneden özenle oluşturulmuş natürmortlara kadar natürmort türünü başarıyla geliştirdiler.

  21. Luben Vozhen. Natürmort ile satranç. Louvre, Paris.

  Bu, beş duyuyu tasvir eden "sembolik" bir natürmort için iyi bir örnektir. Mandolin ve notalar işitmeyi, cüzdan, kartlar ve satranç dokunmayı, ayna görmeyi, karanfil kokuyu, ekmek ve şarap tadı temsil eder.

  22. Willem Heda. Natürmort. Prado Müzesi, Madrid.

  Heda, şüphesiz 17. yüzyılın en büyük Hollandalı natürmort ressamlarından biriydi. Kompozisyon sanatının üç ana unsuru resimlerinde bulundu:

  1) bütünlük ve tutarlılık gereksinimlerini karşılayan belirli bir geometrik şekle sahip nesnelerin seçimi;

  2) uzun dikey bir nesneye (bir bardak veya benzeri bir şey) dayalı bir çapraz oluşum;

  3) renk uyumu.

  21

  22

  23. Francisco Zurbaran. Natürmort. Prado Müzesi, Madrid.

 Velázquez'in çağdaşı ve arkadaşı olan Zurbarán, Sevilla'da Yaşlı Herrera'nın öğrencisiydi ve burada şarap sürahileriyle o ünlü natürmortu resmetmişti. İspanyol resminin en ünlülerinden biri olan tablo, Sánchez Cotán'ı anımsatan sadeliği ile dikkat çekiyor. İlk bakışta ustalıkla elde edilen hacim ve gemi düzeni yanılsaması, "çeşitlilik içinde birlik" ilkesini ihlal ediyor.

  24

  18. yüzyıl

  Oris van Son. Na-'hmrt Prado Müzesi, aoside.

  Oğul bir Flaman-■ 1 ressamdı, oyunculuğu - oyuncunun disiplini--■ : i banyo ve dengeli = _n stil. Bu kompozisyonda, kko tarzından belirgin bir ayrılma ve arzu vardır.

  basitliğe Kelebekler genellikle bu zamanın (17. yüzyılın ortaları) natürmortlarında bulunur.

  25. Anna Valeie-Coster. Beyaz kase.

  Bu sanatçı, 17. ve 18. yüzyıllarda Fransa'daki en iyi natürmort ressamlarından biriydi.

  26 yaşında Kraliyet Resim ve Heykel Akademisi'ne kabul edildi. Kraliçenin portrelerini yapması için mahkemeye davet edilen Chardin ile karşılaştırıldı; o zamanın hem eleştirmenleri hem de sanatçıları onun yeteneğini çok takdir etti.

  On sekizinci yüzyılda Batı sanatının ana merkezi haline gelen Fransa, natürmort altın çağını yaşadı. Doğayı estetize eden sanatçılar, ünlü Fransız ressam Jean-Baptiste Chardin gibi üst düzey eserler yarattılar (birkaç eseri s. 22'de sunulmaktadır). Çağdaşlarının çoğu, natürmort sanatının gelişimine katkıda bulundu. Bunlar arasında Jean-Baptiste Oudry ve Dorothea Anna Valeille-Coster da var.

  Olağanüstü bir Hollandalı ressam, çiçekleri tasvir eden ve kompozisyonda yeni yollar arayan Justus van Huysum'du. İspanya'da bu dönemde, Luis Meléndez'in natürmortları dışında sanat düşüşteydi.

  

 Jean-Baptiste Siméon Chardin

  26

  Önümüzde seçkin bir ustanın eserlerinin olduğunu anlamak için burada sunulan Chardin'in resimlerinin reprodüksiyonlarına bakmak yeterlidir . Chardin, genç yaşlarında natürmort ve portre arasında gidip geldi. En ünlü resimleri Mektubu Mühürleyen Hanım, Yıkayıcı Kadın, Aşçı ve ünlü Yeşil Siperlikli Otoportre'dir. Yüksek beceriye sahip olan Chardin, büyük bir zeka ve cesaretle, dışa dönük güzel olay örgüsünden uzaklaştı ve yapay sahneleri gerçek dünyanın güzelliğiyle değiştirdi.

  26. Bakır tank. Louvre, Paris.

  27. Bakır tencere. Louvre, Paris

  28. Bir buket çiçek. İskoçya Ulusal Galerisi, Edinburg.

 

 19. ve 20. yüzyıllar

  19. yüzyıldan beri, natürmort, neredeyse tüm büyük sanatçıların yöneldiği genel olarak tanınan bir tür haline geldi: Delacroix, Courbet, Manet, Monet, Renoir, Van Gogh, Picasso, Matisse, Braque, Juan Gris, Dali ve son olarak Cezanne - zamanının en seçkin natürmort ustası. Çizimlerini ve resimlerini henüz tanımadık ve umarım ondan öğrenebilirsin.

  29

  otuz

  29. Gustave Courbet Elma ve nar. Ulusal Galeri, Londra

  Bu sakin, mütevazi tablo, 1871'de, Courbet, Paris Komünü günlerinde, Paris Sanatçılar Meclisi başkanı olan Vendôme Sütunu'nun yıkılmasına katıldığı için Paris'te hapis cezasını çekerken yapıldı.

  30. Henri Fantin-Latour. Dahlias ve ortanca ile natürmort. Sanat Müzesi, Toledo (Ohio), ABD.

  Fransız sanatçı bu nefis tabloyu 1866'da, ilk Empresyonist sergiden dört yıl önce yapmıştır. Birçoğuyla arkadaş olmasına rağmen, geleneksel akademik tarzda yazmaya devam etti.

  31. Henri Rousseau ("Gümrük Memuru"). çiçekli vazo Albright-Knox Sanat Galerisi, Buffalo, New York. Bu bir natürmort örneğidir. gerçekçilik ile ilkelcilik arasında orta bir üslupla yazılmıştır. Bu tarz aynı zamanda naif, spontane, çocuksu olarak da adlandırılır. Rousseau gerçek bir ilkelciydi. Neyse ki "doğru" yazma girişimleri başarısız oldu. Daha sonra "doğru" dan çok daha yüksek olarak derecelendirilen tarzını değiştirmeyi başaramadı. 31 • 'W*M Cezanne

32 33 

  32. Paul Cezanne. Perdelik natürmort. Hermitage, St.Petersburg.

  33. Paul Cezanne. Bir sepet elma ile natürmort. Sanat Enstitüsü, Şikago.

  Cezanne, resimde büyük bir düzenleme ustasıydı. Nesnelerin dizilişi gelişigüzel görünse de Cezanne bunun üzerinde saatlerce çalıştı.

 20. yüzyıl

  Natürmort tarihinin kısa taslağının sonuna geldim. Sonuç olarak gerçekçi gelenek çerçevesinde modern sanat örnekleri sayılabilecek iki resimden alıntı yapacağım. Bunlardan ilki Van Gogh'un fırçasına ait, ikincisi ise Nonelle tarafından yapılmış. İlki çarpıcı bir şekilde renkli, renk düzlemlerinde yazılmış, hacimsiz, ışık ve gölge oyunu olmadan bir form veriyor. O zamanlar bu, yenilikçi ve son derece bireysel bir yazma biçimiydi. Katalan ressam Isidro Nonell tarafından yapılan ikinci resim, valerelerin ustalığı üzerine inşa edilmiştir. Akıcı form ve fırça darbeleriyle kontur kullanarak gölgeler, yerel renk ve vurgularla hacmi modeller. Bu tarz da zamanına göre benzersizdi. Daha sonra renk ve cesaret konularına değineceğim ve bunların resim pratiğindeki uygulamalarıyla tanışacaksınız.

  34. Vincent van Gogh. Ayçiçekleri ile vazo. Rijksmuseum, Amsterdam

  35. Isidro Nonelle. Natürmort. Modern Sanat Müzesi, Barselona 

  Şimdi natürmort boyamak için gerekli olan malzeme ve araçlardan bahsedeceğiz. İlk önce çalıştayın düzenlenmesini tartışacağız. Onsuz bir natürmort çizemezsiniz: rahat bir çalışma alanınız olmalıdır. İkinci faktör aydınlatmadır. Doğal ışığın kaynağı en az bir büyük pencere olmalı ve yapay ışığı, natürmortu aydınlatarak kontrast ve penumbra oluşturacak şekilde ayarlayabilmelisiniz. Üçüncüsü, bir şövale, tuval, eskiz defteri, fırçalar ve yağlı boya tüplerine ihtiyacınız olacak.

  Bütün bunları tartışalım.

  ATÖLYE VE MALZEMELER

 

 Atölye

  Nisan 1904'te Pablo Ruiz Picasso ikinci kez Paris'e geldi. Bir ay önce, heykeltıraş Paco Durio, ona Paris'teki Montmartre yamacındaki stüdyosundan, Rue Ravignan 13'te (şimdi Place Émile Goudeau) ayrıldığını yazmıştı. Picasso'nun bir arkadaşı bu atölye hakkında "Mütevazı, ucuz ve şehrin hoş bir yerinde bulunuyor" diye yazmıştı. Gerçekten ucuzdu ama en önemlisi mütevazıydı. Sanatçılar, yazarlar, aktörler, çamaşırcılar ve fahişelerin yaşadığı eski, ahşap, harap bir kiralık evde bulunuyordu. Picasso, yağmurlu sonbahar akşamlarında bu binanın fırtınaya yakalanmış bir gemi gibi gıcırdadığını ve titrediğini söyleyerek şaka yaptı. Şair Max Jacob, bu binaya "Bato Lavoir" (Yüzen Çamaşırhane) adını verdi - insanların Seine'de çamaşır yıkadıkları eski ahşap köprülere verdiği adla. İsim takılıp kaldı ve o zamandan beri Picasso'nun atölyesini bu şekilde aramaya başladılar. Bu ünlü atölye neydi? 1905'ten 1909'a kadar, aralarında Braque, Dufy, Utrillo, Rousseau, Cocteau, Apollinaire ve Max Jacob gibi önemli isimlerin de bulunduğu Parisli sanatçı, şair ve yazarların olağan buluşma yerlerinden biriydi. Picasso'nun ilk kız arkadaşı Fernanda Olivier, Picasso ve arkadaşları adlı kitabında Bateau Lavoir'ı şöyle anlatıyor: “Kışın buzdolabı, yazın ocak. Çalışma ortamı ve korkunç bir karmaşa. Köşede bir sedir, küçük paslı bir ocak, üzerinde yıkanmak için kil bir leğen, basit bir ahşap masa, havlu, sabun var. Diğer köşede ise üzerine oturulacak siyah, harap bir sandık, hasır sandalyeler, şövaleler, boydan boya tuvaller, her yerde boya tüpleri, fırçalar, terebentin tenekeleri var, perde yok...”

  37

  37. Emile Goudeau'yu Montmartre tepesinin yamaçlarına yerleştirin. Bu fotoğraf çok uzun zaman önce çekildi. Arka planda, bir fenerin arkasında, bir çitle yarı gizlenmiş, Picasso'nun 1900'lerdeki atölyesi olan Bateau Lavoir'in üst kısmı var.

  yıl Birkaç yıl önce bina yandı ama şimdi yenisi yapılıyor. Picasso'nun Fernanda Olivier ile buluştuğu meydan ve çeşme değişmedi. Picasso buraya 1904'te geldi ve taşındı.

  1909. Bu beş yıl boyunca, o zamanın yaratıcı gençliğinin çiçeği Picasso'nun atölyesinde toplandı. "Mavi" ve "pembe" dönemlere ait resimlerin çoğu burada yapılmıştır.

  39

  39, 40. Sanatçının stüdyosu bugün böyle görünüyor. Üst katlarda genellikle yeterli ışık vardır. İÇİNDE

  ideal olarak, alan resim yapmak, okumak, ziyaretçi kabul etmek, müzik dinlemek için alanlara bölünmelidir.

  38. Pablo Picasso. Mavi oda. 1901. Phillips Koleksiyonu, Washington. Sanatçı, Paris'teki Clichy Bulvarı'ndaki odasını resmetmiştir. Sıkılık, Picasso'nun bunu ve "mavi" döneminin diğer resimlerini yapmasını engellemedi.

  ki vb. Fotoğraftan da görebileceğiniz gibi atölyenin büyük olması gerekmiyor.

  Picasso'nun biyografisini yazanlardan biri, "Ve bütün bunlar çürümüş tahtaların zemininde," diye ekliyor. Bato Lavoir atölyesi yeterince büyüktü, aynı anda on beş kişi sanat hakkında konuşmak için orada toplandı. Picasso'nun 1901'de Paris'e ilk ziyaretinde Clichy Bulvarı'nda kiraladığı oda daha küçüktü. Resim 38'e bakılırsa, 4x5 metreden fazla değildi. Bu küçük odadaki ve Bateau Lavou-art'taki bakımsız atölyedeki zorlu koşullara rağmen Picasso, burada "mavi" dönemin ünlü tablolarını yarattı ve bunlar artık onun en iyi eserleri olarak kabul ediliyor. Picasso'nun atölyeleriyle ilgili bu hikaye, ortamın sanatçının yaratıcı sürecinin etkililiğini mutlaka etkilemediğini kanıtlıyor. Aynı zamanda, belirli bir minimum kolaylık - alan, ışık, malzemeler - gereklidir. Tüm bu faktörleri, her şeyden önce, atölyenin minimum boyutunu analiz edelim (gerçi birçok hobici dairelerinde çalışmak zorunda kalıyor).

  Sanatçının atölyesi oldukça küçük olabilir: 4x3,5 metre. Tabii daha fazla olursa daha iyi.

  Sanatçıların atölyelerini bildiğim için bu boyutların oldukça yeterli olduğunu söyleyebilirim. Birkaç yıl 4x5 metrelik bir atölyede çalıştım ve şimdi yarısı okumak, yazmak, arkadaşlarla konuşmak ve müzik dinlemek için kullanılan 8x3,3 metrelik bir odam var.

  Atölyeniz de doğal ışık almalıdır. Ama bir sonraki sayfada bunun hakkında konuşacağız.

 

 Işığın önemli rolü

  Çoğu sanatçı gün ışığında çalışır, ancak yapay ışıkta da resim yapabilirsiniz. Çoğu profesyonel, dönüşümlü olarak iki resim üzerinde çalışır: biri öğleden sonra, diğeri akşam. Bunda yeni bir şey yok. 1600'de Caravaggio mum ışığında modeller inceledi ve boyadı (bu nedenle resimlerinde ışık ve gölgenin keskin kontrastları vardı). Bundan kısa bir süre önce, 1586'da El Greco atölyesine perdeler, mankenler ve canlı bakıcılar yerleştirdi ve mum ışığında çalıştı. Orgaz Kontunun Cenazesi gibi dikkat çekici resimleri akşamları yapıldı. Picasso genellikle geç saatlere kadar Bateau Lavoir'da bir gaz ocağının mavimsi ışığında çalışırdı. Bu, resmindeki mavinin baskınlığını (ünlü "mavi" dönem) kısmen açıklar.

  Ön cephe veya yan aydınlatmada maketin boyanabilmesi için atölyede en az bir büyük pencere bulunmalıdır. İki yapay ışık kaynağı olmalıdır: biri doğayı aydınlatmalı, diğeri - iş. Başka bir lamba tüm odayı aydınlatmalıdır. Dış mekanlar, aşırı kontrast oluşturan doğrudan, keskin bir şekilde odaklanmış ışıktan kaçınmak için büyük gölgeli 100 watt'lık bir lamba ile aydınlatılmalıdır. Natürmort oldukça iyi aydınlatılmışken 80-100 cm mesafeden aydınlatılmalıdır. Kanvas yukarıdan aydınlatılmalı, esnek veya katlanır bir tutucuya 100 watt'lık bir lamba monte edilmelidir.

  3/5 gr"

  Aydınlatma ve atölye ekipmanları

  1. Pencere

  2. Genel aydınlatma (yapay)

  3. Bir natürmortu aydınlatan masa lambası

  4. Tuvalin üzerinde bir şövale üzerinde lamba

  5. Küçük bir masada ek ışık kaynağı

  Atölye boyutu 3,5x4 metre

  Atölye şunları içerir:

  A. şövale

  B. Küçük masa

  C. Sanatçı koltuğu

  D. Natürmort yerleştirme ve eskiz çizimi için tablo

  E. Kitaplık

  F. Kayıt rafı

  G. Osmanlı

  H. Tuvaller için depolama alanı

  I. Ek çalışma alanı

  J koltuk

  K. Dik sandalye

  41. Diyagram, atölyenin boyutlarını ve içindeki ışık kaynaklarının ve temel ekipmanların yerleşimini göstermektedir.

  Her iki lambanın da aynı güçte olması ve doğanın tuvalden daha güçlü aydınlatılmaması ve bunun tersi önemlidir. Bu, sanatçının olması gerekenden daha soluk veya daha koyu renkler seçmesine neden olabilir. Son olarak, oda tavana yakın bir ampulle aydınlatılmalıdır. Odanın büyüklüğüne bağlı olarak gücü 60 veya 100 watt olmalıdır. Bu aydınlatmanın ek gölgeler ve vurgular vermediğinden emin olun.

  42-45. Doğal dağınık ışık, nesnelerin şeklini yumuşatır; “Ağır suni yayın zıtlıkları vurguluyor.

  43

  46 Bu durumda şövale yukarıdan aydınlatılmalıdır. Resimde şövalenin ve doğanın nasıl konumlandırılacağı gösterilmektedir. 48 

  47. Yapay ışık, özellikle fırça yatay konumdayken gereksiz refleksler verebilir.

  48. Aydınlatmayı düşürerek, tuvali eğerek veya fırçayı çapraz veya dikey olarak yerleştirerek yansımaları kaldırabilirsiniz .

 

 Şövale

  Atölyeniz birkaç öğe ile donatılmalıdır. İşte önem sırasına göre bunların bir listesi.

  • şövale

  • Boyama için masaüstü

  • Sanatçı koltuğu

  • Natürmort ve çizim için masa

  • Sandalyeler ve puf

  • Kitaplık

  • Eskiz defteri

  Bir şövale ile başlayalım. Biri açık havada, diğeri atölye için olmak üzere iki tür yağlı boya şövale vardır. İlki, üç destek noktasına sahip sıradan bir katlanır şövale. Ressamlığa yeni başlayan biriyseniz, bacaklarının çok fazla basınca dayanamayabileceğini göz önünde bulundurarak bu şövaleyi başlangıç için stüdyoda kullanabilirsiniz. Atölyede çalışmak için sabit bir şövale güvenilir olmalı ve şiddetli fırça darbelerine veya sinir darbelerine dayanabilmelidir. Çizimler, her iki türdeki en yaygın şövaleleri göstermektedir.

  49. Sıradan portatif şövale. Büyük tuvaller için çok küçüktür ve yeterince sağlam değildir, bu nedenle bir atölye için uygun değildir.

  50. Yaklaşık 1,7 m yüksekliğinde üç ayaklı atölye şövale Bu şövale 100x81 cm'ye kadar olan tuvaller için uygundur ve genellikle resim derslerinde kullanılır.

  5* Bu, kullanılan en yaygın 'sabit' araçtır

  : profesyoneller. Sağlam bir çerçeve üzerinde 2TOIT'dir - dört tekerlekli, bu nedenle kolayca sürüklenebilir Tek raf

  biri tuval için destek görevi görür, diğeri - boya tüpleri, fırçalar, spatulalar vb. Rafların yüksekliği ayarlanabilir. Yukarıdan, kanvas ayrıca özel bir braket ile sabitlenir.

  52. Bu şövale, resim 51'dekiyle aynı tiptedir ancak biraz daha büyüktür ve parlamayı önlemek için tuvali eğmenize olanak tanır. Bu şövaleler büyük tuvaller için tasarlanmıştır.

   

 Mobilya ve aletler

  53

  Atölyede çalışırken bazen şövale yanına yerleştirilmiş küçük bir çalışma masasına ihtiyaç duyarsınız. Özel mağazalarda mobil komodinler bulabilirsiniz (hasta 54). Böyle bir masa herhangi bir yere yerleştirilebilir ve ardından ihtiyacınız olan her şey - boyalar, paçavralar, fırçalar, palet - her zaman elinizin altında olacaktır. Geri çekilebilir raflar şişeleri, kavanozları, kutuları vs. tutabilir.

  53. Şekilde açılabilen bir şövale, sırtlığı olan döner bir tabure ve küçük bir çalışma masası gösterilmektedir.

  54

  54 Bu yan sehpayı sanatçılar için özel mağazalardan satın alabilirsiniz . Pek çok bölme, çekmece ve raf, ihtiyaç duyabileceğiniz her şeyi barındırmaya hizmet eder: boya tüpleri, fırçalar, palet bıçakları, baloncuklar, paçavralar vb. Yüksek fiyatın yanı sıra belki de tek dezavantajı düz bir çalışma yüzeyinin olmamasıdır.

  55 Yıllardır kullandığım bu masayı daktilo masasından dönüştürdüm.

  56. Kağıdınızı ve bitmiş işinizi saklamak için en az iki adet katlanabilir sehpaya ihtiyacınız olacak. Bu tip standlar çok uygundur.

  57 Ayarlanabilir denyeli ahşap tabu.

  = -.' Seyyar sandalye ~ . - ayarlanabilir sırt-•" ve koltuk ve ayaklık

  5. tipte bir tahta blok ön--: -yazılı olarak bir tablo yazabilir

  Normal bir küçük masa kullanabilirsiniz. Bir zamanlar eski bir daktilo masasını bunun için uyarladım, üstüne bir tahta ve altına bir çekmece iliştirdim (resim 55).

  Sanatçının sandalyesi, rahat oturması ve öne doğru eğilmesi için yeterince yüksek olmalıdır. Tekerlekli olması, sırt ve oturma yeri ayarlanabiliyor olması ve ayak koyma yeri olması iyi olur (Şek. 58).

  Üzerinde karalamalar ve eskizler yapmanın uygun olduğu bir masa.

  Yüksekliği değiştirilebilen sıradan bir üç ayaklı ahşap tabure de uygundur. Küçük düz bir minder üzerine oturmak daha rahat olacaktır (Şek. 57).

  Ayrıca, üzerine bir natürmort yerleştirecek kadar büyük, yaklaşık 140x80 cm boyutunda normal bir masaya ihtiyacınız var. Üzerine bir çizim tahtası konulursa veya üzerine yaslanılırsa çizim için de kullanılabilir (resim 59). Ayrıca bir kitap rafına da ihtiyacınız olacak - ufku genişletmek ve hafızada bir şeyler tazelemek için her sanatçının çizim ve resim, sanat ve sanat tekniği üzerine kitaplara ihtiyacı vardır. Buna ek olarak, atölye kağıt ve bitmiş işi depolamak için birkaç katlanır sehpa (en az iki) bulundurmalıdır.

  G

  Yağlı boyalar genellikle keten, pamuk veya kenevir tuvallere uygulanır. Kanvas tahta bir sedye üzerine gerilir ve ardından astar adı verilen bir hazırlığa tabi tutulur. Üzerine beyaz akrilik boya uygulayarak tuvali astarlayabilirsiniz, ancak bunu kendiniz yapmamak, bir uzmana emanet etmek daha iyidir. Mükemmel hazırlanmış tuvaller, herhangi bir resim stili için herhangi bir yüzey kaplamasında mevcuttur. Küçük resimler için kaba taneli tuvaller kullanmayın. Çeşitli boyutlarda hazır tuvaller zaten sedyelerde satılıyor ve gerginlikleri köşelere sürülen dört küçük kama ile düzenleniyor.

  Küçük resimler için kanvas kaplı karton veya özel hazırlanmış kontrplak kullanabilirsiniz. Gerekirse, iyi kalitede sıradan bir kalın karton alıp astarlayabilir, yüzeyi dikkatlice düzleştirebilir veya terebentin ile seyreltilmiş bir yağlı boya tabakası uygulayabilirsiniz. Astarsız karton veya tahta üzerine de yazabilirsiniz ancak o zaman yağlı boya emilir, renk kalitesi bozulur ve işlem gecikir. Kalın yüksek kaliteli çizim kağıdı, yağlı boyayı iyi tutar.

  Kanvaslar, karton parçaları ve kontrplak çeşitli boyutlarda gelir. Farklı resim türleri için uluslararası standart boyutlarda tablolar vardır: portre, manzara ve marina (deniz manzarası) için, böylece sanatçı üç seçenekte oranları seçebilir. "Portre" tuvali, "manzara" tuvalinden kareye daha yakındır ve “deniz” daha uzundur.

  YAĞLI BOYA BOYA BOYUTU İÇİN ULUSLARARASI STANDARTLAR

  №№

  Vesika

  Manzara

  Deniz manzarası

  1

  22x16cm _

  22x14cm _

  22x12cm _

  2

  24x19cm _

  24x16cm _

  24x16cm _

  3

  27x22cm _

  27x19cm _

  27x16cm _

  4

  33x24cm _

  33x22cm _

  33x19cm _

  5

  35x27cm _

  35x24cm _

  35x22cm _

  6

  41x33 cm

  41x27cm _

  41x24cm _

  8

  46x38cm

  46x33cm _

  46x27cm _

  10

  55x46cm _

  55x38cm _

  55x33cm _

  12

  61x50cm _

  61x46cm _

  61x38 cm

  15

  65x54 cm

  65x50cm _

  65x46cm _

  20

  73x60 cm

  73x54 cm

  73x50 cm

  25

  81x65 cm

  81x60 cm

  81x54 cm

  otuz

  92x73 cm

  92x65 cm

  92x60 cm

  40

  100x81 cm

  100x73 cm

  100x65cm _

  50

  116x89 cm

  116x81 cm

  116x73 cm

  60

  130x97 cm

  130x89 cm

  130x81 cm

  80

  146x114cm _

  146x97 cm

  146x90 cm

  100

  162x130cm _

  162x114cm _

  162x97 cm

  120

  195x130cm _

  195x114cm _

  195x97 cm

  60

  F

  L

  S

  61

  60. Portre, manzara ve deniz manzarasının karşılaştırmalı oranları.

  61. Alt çerçeve, birbirine bağlı dört ahşap plakadan oluşur. Tuvali germek için köşelerdeki özel oluklara takozlar çakılır.

 

 sedye nasıl yapılır

  Elbette hazır bir sedye satın almak, kendiniz yapmaktan daha uygundur. Ama dükkân çok uzakta ya da tuvali mahvettin ve boş bir sedyen var. Her ihtimale karşı sedye ve streç tuval yapabilmekte fayda var. Takozlara, tuvali germek için geniş maşalara, zımba teline, çekiç ve testereye ihtiyacınız olacak.

  Fotoğraflara dikkatlice bakın.

  62. Bir sedye yapmak için ihtiyacınız olan her şey burada: tahta bloklar (A), tahta takozlar (B), tuvali germek için özel maşalar (C), zımba (D), perçinler (E), çekiç (F) ve testere (G) .

  dört tahta çubuk çarpıyor, tahta

  63, 64. Alt çerçevenin yanlarının bağlanması. Oluk içeride daha geniş yapılır, bu, kanvasın hasara karşı korunmasına yardımcı olur.

  65. Kanvas sedyenin her iki yanında 4 cm kalacak şekilde kesilir.

  66. Brandayı bir taraftan sabitleyin, maşayla gerin ve her taraftan sabitleyin.

  67. Tuvali gerin ve köşelerinden katlayın.

  68-69. Bu yüzden tuvali köşelerden (68) katlamanız gerekir. Ardından, tuvalin kenarlarını her iki taraftan bir zımba ile zımbalayın ve köşelerde takozlar sürün.

 

 yağlı boya fırçaları

  Yağlı boya fırçaları genellikle kıllardan yapılır. Kolinsky fırçalarını küçük ayrıntılar, çizgiler, konturlar vb. için de kullanabilirsiniz. Kıl fırçaların üç farklı şekli vardır: yuvarlak, düz yuvarlak ve düz dikdörtgen. Bazı ülkelerde, yarı saydam boyaları uygulamak ve perdahlamak için yelpaze biçimli fırçalar bulabilirsiniz. Kolinsky fırçaları yuvarlak veya düzdür. Fırçanın uzunluğu 28-30 cm'dir, kalınlık numaraya karşılık gelir. Birden sonra sıradaki sayılar çifttir (1, 2, 4, 6, vb.). Yaklaşık bir düzine fırça setine ihtiyacınız olacak.

  70

  AB

  70 Yağlı boya fırçaları: firavun faresi (A), sentetik (B), kolinsky (C), yumuşak sırlama için yelpaze fırçası (D).

  71. Yaygın olarak kullanılan kıl fırçalar: yuvarlak (A), düz yuvarlak (B), düz dikdörtgen (C).

  72. #1'den #24'e kadar eksiksiz kıl fırça seti.

  72

  ATÖLYE VE MALZEMELER

  73, 74. Eli tutmanın iki yolu: düz tutup yatay olarak hareket ettirebilir ya da avucunuzun içinde tutup dikey olarak hareket ettirebilirsiniz.

  75. Yağlı boyalarla çalışırken fırça genellikle bu şekilde tutulur: neredeyse kurşun kalemle aynı, ancak uçtan daha uzakta. Bu, daha özgürce yazmanıza ve işinizi daha iyi görmenize olanak tanır.

  76-79. Fırçalarınıza çok dikkat etmelisiniz. İyi tasarlanmış bir fırça, iyi kullanılırsa yenisinden daha iyi yazar.Ertesi gün işe gidecekseniz, fırçalarınızı baştan sona yıkamanıza gerek yoktur. Terebentin ile durulayın ve bir bezle kurulayın. Onları bir gün daha su dolu bir tabakta veya kavanozda bırakabilirsiniz, ancak yine de her kullanımdan sonra düzgün bir şekilde yıkamak daha iyidir. Fırçalar su ve sabunla yıkanmalı, önce bir kalıp sabunla, sonra avuç içleri ile ovuşturulmalı, sürekli döndürülmeli, su ile durulanmalı ve sabun köpüğü rengi dönene kadar tekrar köpürtülmelidir. Fırçaları başparmağınız ve işaret parmağınızla ovalayıp sıkarsanız işler daha hızlı ilerleyecektir.

  80, 81. Fırçaları yıkamak için özel bir cihaz - çift dipli bir kap. Üst alt kısımda delikler mevcuttur. Kabı terebentin ile doldurduğunuzda yığının boyası

  dibe hayır, bu nedenle bir sonraki fırça grubu saf terebentin içinde biter

  Palet bıçakları ve hardallar

  Palet bıçağı, yuvarlak saplı ve yuvarlak esnek çelik bıçağa sahip, ancak kesici kenarı olmayan bir bıçak türüdür. Genellikle bıçak şeklindedir. Boyayı kazımak veya bir paleti veya tuvali temizlemek için bir palet bıçağı kullanılır. İki veya üç palet bıçağı yardımıyla yazabilirsiniz, ancak bu özel beceriler gerektirir. Müştebel, yaklaşık bir metre uzunluğunda, yuvarlak uçlu hafif tahta bir çubuktur. Çok ince detayları boyarken veya henüz kurumamış boyayı lekelemekten korktuğunuzda destek olarak kullanılabilir. Günümüzde mastabel nadiren kullanılmaktadır.

  82

  82. Bir palet üzerindeki boyaları palet bıçağıyla karıştırmak

  83

  8( e. Gürz balya nasıl kullanılır: topuz kayışının yuvarlak ucu, tuvalin çok önemli olmayan bir alanına (örneğin, arka plan) dayanır ve bir tür stand görevi görür. el, kontur veya çok ince çizgiler üzerinde çalışmak.

  83. Yağlı boyalı palet bıçağı, kullanıma hazır.

  85. Bir palet bıçağı bir gazete ile temizlenebilir.

  87 Beş farklı palet bıçağı ve bir tokmak

  86

  84. Palet bıçağıyla boya uygulamak

  Çözücüler ve onlar için gereçler

  - 1 Pamuklu* kağıt veya keten kumaştan yapılmış bezlere her zaman ihtiyaç duyulacaktır. Fırçaları silebilir, paleti temizleyebilir ve tuvale kırmızıyı bulaştırabilirler. Eğer - - bir plan yapmaya başlayın

  kompozisyonun kömürle yeni konturları, çizimi sabitlemek için bir aerosol fiksatife ihtiyacınız olacak.

  89. Palete takılı ikili ve tekli bardaklar.

  90. Yağlı boya, görüntüyü bitirmek ve korumak için keten tohumu yağı, damıtılmış terebentin ve vernik kullanır.

  Yağlı boyada kullanılan çözücüler terebentin veya keten tohumu yağıdır. Bazı sanatçılar bunları karıştırıyor, diğerleri (ben dahil) tek başına terebentin kullanıyor. Ne kadar çok keten tohumu yağı kullanırsanız, boyanın kuruması o kadar uzun sürer ve renkler o kadar parlak olur. Terebentin ise aksine çabuk kurur ve rengi mattır. "Kalından inceye" kuralını hatırlamak önemlidir: ilk kat neredeyse boyasız uygulanmalı, damıtılmış terebentin ile seyreltilmelidir ve ardından bir sonraki boya tabakası çatlamaz.

  Çözücülerle çalışmak için özel kaplar satın alabilirsiniz. Genellikle metalden yapılırlar ve palete sabitlemek için bir klipsle birlikte gelirler. Tekli veya çiftlidirler ancak atölyede çalışırken büyük bir tekne kullanmak daha uygundur.

  İlk aşamada çizim kömürü ve aerosol sabitleyiciye ihtiyaç vardır.

  Yağlı boyalar

  Hangi boyalara ihtiyacınız olacağına, hangi miktarda ve hangi markanın tercih edileceğine karar vermek gerekir. Tipik olarak, yağlı boya üreticileri 75'ten fazla farklı renk tonu üretir. Profesyonel ressamların çoğu genellikle on dört ile yetinir. Miktar açısından, tüpler üç boyutta gelir (büyük, orta ve küçük). Orta boy, titanyum beyazı hariç tüm boyalar için genellikle yeterlidir. Beyaz, büyük miktarlarda tüketilir ve daha fazlasını stoklamaları gerekir.

  91

  MUSSINI

  -3TEK ÜNSTLER-HARZ-6tF

  TitanweiB

  baştankara beyaz

  det ıtane içeceği bwncodjtita**

  FSSİK

  - ıra ham- MUSSIN

  ŞİMDİ

  PI

  SSlNI ro№TLö

  F* t J<tta'LER-HARZ-Ö MUSSINI

  >Tlllant 216 F***^WNSTLER-HARZ-C 2^*»Echtgelb o 230 f***

  * '^entyellowMniiumOrai „„„to

  ÇİL _

  rVOMINC $8 ®*Hchtvi

  l îHMTNC^, Ö *** Sur-Oxid-&man«

  035

  J ÎHMINC^ ° **“sur-Oxid-R”

  essmi-HMJNGJ ev

  91. Farklı boyutlarda yağlı boya tüpleri. Titanyum beyazı çok miktarda tüketilir ve size büyük bir tüp almanızı tavsiye ederim.

  92. Çeşitli boru türleri. İlk üçü “öğrenciler için”, diğer üçü “profesyoneller için”.

  O İBnu -

  Sanatçılar _

  Dil Colo Kobalt Volel (Kobalt Phos nefreti

  229SL

  21 mİ

 eskiz defteri

  Bir natürmort üzerinde çalışırken eskiz defterine ihtiyacınız yoktur. Bir manzarayı, kentsel sahneyi veya deniz manzarasını boyarken plein air çalışması için çok önemlidir. Ancak atölyede eskiz defteri boyaları, fırçaları ve paçavraları düzenli tutmak için de uygundur.

  94 Boyalar, fırçalar ve tinerler için bölmeleri olan plastik kutu.

  93. Küçük bir ahşap eskiz defteri sağlam ve rahattır.

  95. Dış mekan çalışmaları için çok uygun, metal bölmeli sıradan bir ahşap eskiz defteri. Oluklu kalaslar, üzerine boya uygulanmış kartonu kuru olmasa bile aktarmanıza olanak tanır.Palet veya kapakla temas etmez.

  Paul Cezanne temel bir kural formüle etti: tüm formlar basit geometrik şekillere indirgenebilir - bir koni, bir silindir, bir top. Bir sonraki bölümde, farklı natürmort nesneleri ve öğeleriyle ve cam gibi farklı malzemelerle nasıl çalışılacağını okuyacaksınız. Bu genel ilkeler, birçok farklı şekil çizmenize yardımcı olacaktır. Nesnelerin yapısına hakim olduktan sonra, onları uzaya nasıl yerleştireceğinizi öğreneceksiniz. Bir kompozisyona özgünlük ve dokunaklılık vermek için iki temel ilkeyi kullanmanız gerekecek: perspektif ve orantı.

  ŞEKİL VE

  HACİM

 

 Öğrenme formları

  Henüz genç bir adam olan Paul Cezanne, natürmorttan ve biçim ve hacim çalışmalarına düşkündü. 1860 civarında, Hollandalı bir sanatçı tarafından boyanmış ve Aix-en-Provence Müzesi'nde sergilenen bir natürmort detayını kopyaladı. Cezanne, küresel formları incelemek için en uygun parçayı seçti: şeftalili bir tabak (hasta 97). Nisan 1904'te, ölümünden iki yıl önce, arkadaşı Emile Bernard'a şöyle yazmıştı: "Doğadaki tüm formlar bir silindire, bir topa veya bir kübe indirgenmiştir - ve hepsi de perspektif indirgeme içindedir." Cezanne'ın daha önceki mektuplarında, sanatçı çevresinde ve arkadaşlarıyla yaptığı sohbetlerde formüle ettiği bu yaklaşım, sonraki eserlerinde de uygulamış, 20. yüzyılın diğer birçok sanatçısı tarafından da benimsenmiş ve çizim ve sanatın temel ilkesi haline gelmiştir. tablo. Bu temelde, Picasso kübizmi geliştirdi.

  Cezanne'ın teorisi, özellikle natürmorta uygulandığında faydalıdır. Açıktır ki masa, kitap yığını, masa örtüsü gibi nesneler bir kübe yakındır; elma, üzüm, soğan, tencere top gibi; bardak, kupa ve şişe - silindirler

  97

  97. Paul Cezanne, küçük yaşlardan itibaren formları incelemeye ilgi duydu. 1860 civarında, bu natürmortun bir kısmını kopyaladı ve bu, cildi daha iyi incelemesine izin verdi.

  Kare

  Top

  Daire ve silindir

  Masa

  Meyve ve sebzeler

  Bardak

  Kitap

  Elma

  Saldırıp soymak

  kutu veya sandık

  şeftali

  Şişe

  Masa örtüsü

  Erik

  Kızartma tavası

  Öğeler

  Kavun

  tabak

  belirsiz

  Turuncu

  Kül tablası

  oluşturanlar

  Domates

  Porselen

  hayal edilebilir

  Ampul

  Vazo

  kare veya

  Patates

  Tencere

  top: çiçek,

  Sarımsak

  Diğer gemiler

  muz, fırça

  sürahi

  üzüm

  104-106. Elma ve ampul neredeyse küre şeklindedir, ışık-gölge üzerinde çalışarak hacmi iletebileceksiniz.

  98-100. Masanın üzerindeki bir kitap yığını, bir evden çiçeğe kadar etrafımızdaki çoğu nesne gibi, küp şeklindedir.

  101-103 Daire ve silindir yapmayı biliyorsanız, kolayca bir tabak, kupa veya şişe çizebilir ve boyayabilirsiniz.

 

 İnşaat ve perspektif

  Küp, kare, dikdörtgen her zaman perspektif konusunu gündeme getirir. Yasalarını bilen sanatçı, her zaman üçüncü boyutu - derinliği tasvir edebilir. Bildiğiniz gibi, iki tür perspektif vardır: paralel (nesneye önden bakıldığında) ve eğik (üçte üçlük bakıldığında).

  Aşağıdaki üç faktörle nasıl çalışacağınızı biliyorsanız, her iki perspektif türünde de uzmanlaşabilirsiniz:

  ufuk çizgisi, bakış açısı, ufuk noktası.

  Başınızı düz tutarsanız ufuk çizgisi her zaman göz hizasındadır. Bakış açısı, gözlemcinin bakış açısının ortasında, ufuk çizgisinde yer alır. Ufuk noktası (veya noktalar), mesafeye doğru uzanan paralel çizgilerin birleştiği ufuk çizgisinde bulunur. Paralel perspektifte, bakış açısıyla çakışan tek bir kaçış noktası vardır. Eğik veya çift perspektifte, bakış açısından bağımsız olarak iki kaçış noktası vardır.

  Şekil 112, bir küp veya kutudan bir silindirin nasıl inşa edilebileceğini perspektif olarak göstermektedir.

  107. Perspektifte birleşmesi gerekenler (çizgiler - ve B) dahil olmak üzere yalnızca paralel çizgiler çizerek bir küp çizerseniz, çizim perspektiften ve dolayısıyla derinlikten yoksun olacaktır.

  108. A hariç küpün tüm çizgileri ise

  Paralel olarak tasvir edilen B, paralel perspektifte küp gösterilir.

  109. Küpün kenarları ufukta farklı noktalara yaklaşan iki dizi çizgi oluşturuyorsa, bu eğik bir perspektif olacaktır.

  110. Ufuk çizgisi ve bakış açısıyla çakışan bir kaçış noktası olan paralel perspektif örneği. Birleşen çizgiler derinlik izlenimi verir. Bunları doğru kullanarak kitap gibi gerçek nesneler çizebilirsiniz.

  Ufuk çizgisi her zaman göz hizasındadır

  Ufuk Çizgisi

  kaybolma noktası

  BAKIŞ AÇISI

  UÇUŞ NOKTASINA

  DİYECEĞİM ŞEY ŞU Kİ

  iniş

  Bakış açısı konunun merkezine yakındır

  EĞİK PERSPEKTİF

  111. İyi çizim yapmayı öğrenmek istiyorsanız, perspektif yasalarını bilmek önemlidir. Onları iyi çalışmış bir sanatçı, genellemeler yapmayı, esas olanı seçmeyi ve hatta çarpıtmalar yapmayı göze alabilir.

  Eğik perspektifte, bakış açısı ufuk noktalarına bağlı değildir.

  

 Yapı

  Birçok çağdaş sanatçının ufuk çizgisini ve kaçış noktalarını ihmal ederek perspektifi bozduğu ve çarpıttığı bilinmektedir. Örneğin, bir sanatçı tabanı kare olan bir şişe veya hacmi olmayan bir küp çizebilir. Genel olarak konuşursak, bu yasak değildir ve hatta bireysel bir tarzınız olacak ve yeni kendini ifade etme araçlarına ihtiyaç duyacak bir düzeye ulaşmış olmanız iyi olabilir. Bununla birlikte, bana öyle geliyor ki, "hayattan daha gerçek olan yanlışlıklara" (Van Gogh'un ifadesi) izin vermeden önce, bir küpü, silindiri ve daireyi ezberden doğru şekilde çizmeyi öğrenmeli ve bunu sizin kadar kolaylıkla yapmalısınız. imzanı koy Şimdi bunun hiç de o kadar basit olmadığını göreceksiniz.

  113 Bu resimde gösterilen küp, kare ve daireyi cetvel ve pergel kullanmadan ezberden çizmeye çalışın.

  114

  114. Resim 113'teki gibi basit figürler elde ederseniz, daha karmaşık bir tasarım çizebilirsiniz - bir tabak üzerinde bir kupa. Tabii ki, bir fincan tabağı ile bir kupayı her boyadığınızda tüm bu karmaşık şemaları çizmek gerekli değildir, ancak bunların var olduğunu bilmeniz ve doğayı yeniden üretirken onları hayal etmeniz gerekir. Bu, yaratıcı bir yaklaşımı değil, teknik becerilerin eksikliğini gösteren tipik amatör hatalardan kaçınmanıza izin verecektir .

  

 Yaygın hatalar

  122

  115, 116. Silindirin tabanları yanlış çizilmiştir: dairenin keskin köşeleri yoktur.

  117, 118. Başka bir tipik hata: Silindirin duvarları perspektiften bağımsız olarak iki elips arasındaki boşluk olarak gösterilmiştir.

  119, 120. Şekil 121'de gösterildiği gibi, üst taban perspektifte alt tabana göre daha fazla büzülmelidir.

  121. Daireler, farklı yüksekliklerde perspektifte farklı şekilde küçülür. Silindir çizerken bu diyagramı unutmayın. 

  122. Geometrik şekilleri doğru bir şekilde oluşturmayı öğrenir öğrenmez, herhangi bir diyagram, çizim ve ön çizim olmadan sadece hacim ve renk aktarımını düşünerek bardakları, tabakları veya daha karmaşık nesneleri boyamaya başlayabilirsiniz. Gelecekte formlarla oynayabilir, perspektif kurallarını göz ardı edebilir ve tam özgürlüğün tadını çıkarabilirsiniz. 

 

 Boyutlar ve oranlar

  Model resminin boyutu ne olmalıdır? Hareketsiz yaşamda, nesnelerin boyutları asla gerçek boyutlarından çok daha büyük olmamalıdır. Modeli etrafta boş alan kalmayacak şekilde "şişirmeyin" ancak bu boşluk çok fazla olmamalıdır.

  Nesnelerin uygun şekilde yerleştirilmesi ve iyi bir çizim ile ilgili tüm sorunlar üç "sihirli formül" temelinde çözülebilir:

  1. Farklı mesafeleri karşılaştırın.

  2. Ana hatların çıktığı referans noktalarını bulun.

  3. Nesneleri hayali çizgiler boyunca birbirine göre yerleştirin. 123 124 125 

  123 Bir natürmort üzerinde çalışırken, nesneleri gerçek boyutunda tasvir edin ve küçük boyutlu bir tuval alın - No. 12 (61x50 cm) veya daha küçük (bkz. resim 60).

  124. Modelin "şişirilmesi" önerilmez.

  125. Acemi sanatçıların bir diğer tipik hatası, çok küçük, boşlukta kaybolmuş bir model imajıdır.

  126. Kartondan iki kare yapın. Resminizin bir çerçevede nasıl görüneceğini anlamanıza ve nesnelerin doğru boyutunu ve konumunu bulmanıza yardımcı olurlar. 126 

  127. Boyutu ve oranları belirlemenin klasik yolu, fırça veya kurşun kalem gibi bir nesneyle ölçmektir. 127 128-130. Her nesnede hayali yatay ve dikey çizgiler bulabilir ve bunları birbiriyle karşılaştırabilirsiniz. Bunu yapmak için referans noktaları bulmanız gerekir 130  

  131. 16. yüzyılın büyük Alman sanatçısı Albrecht Durer, mekanik "çizim" için çeşitli cihazlar icat etti. Planları herhangi bir ölçekte kopyalamak için bir cihaz bile icat etti - modern bir pantograf gibi bir şey, ancak çizim tahtasının ötesine geçmedi.

 

 Işık, gölge ve valery

  132 Yağlı boyayla boyanmış bir elma örneğinde, bir cismin hacmini belirleyen faktörler yargılanabilir.

  Işık, nesnelerin dış hatlarını çizer ve onlara renk verir. Gölge formu tanımlar ve hacim oluşturur. Sesi iletmek için tonlara farklı yoğunluklar veya cesaret vermelisiniz. Tonun genel yoğunluğunu gözden kaçırmadan, farklı tonları değerlendirmek ve karşılaştırmak gerekir: bu, diğerinden daha koyu ve bu biraz daha hafif vb. Valera, hem çizimin hem de resmin temelini oluşturur. Bazen valerleri ihmal edebilirsiniz. ışık-gölge efektleri, atmosfer g eşit hacim. Ama önce temel ilkeleri öğrenmelisin ki onlardan uzaklaşmak istersen öleceksin.

  Yağlı boya ile boyanmış bir elma örneğinde, bir nesnenin hacmini belirleyen faktörler yargılanabilir.

  132

  Derin gölgenin kendisi Lavta ve reflü arasındaki gölgenin en karanlık kısmı

  Işık: aydınlatılan alanların rengi - Doğanın gerçek yerel rengi.

  Vurgular kontrastla elde edilir. Işık noktalarının, çevreleyen koyu arka planın aksine daha soluk göründüğünü unutmayın.

  ♦D

  Yansımalar, gölge kısmının yanında bulunur ve ışık nesnesi modelin yanındaysa geliştirilir.

  Penumbra: Penumbra'nın ışıklı ve gölgeli bölümleri arasındaki ara kısma "gölgedeki ışık-gölge ışığı" da denir.

  Gen. aydınlatılan kısma uzanan tüm gölgeli alan

  Nesnenin ve üzerinde bulunduğu yüzeyin oluşturduğu gölge; ona ne kadar yakınsa, o *, o kadar karanlıktır.

  134

  133,134 Yansımaların yoğunluğu, beyaz tuval gibi bir yansıtıcı ekranla artırılabilir. Bu tekniği dikkatli kullanın. Çok fazla refleks varsa hacmi bozar ve yapay görünür. Ingres, reflekslerin kötüye kullanılmasının sanatın itibarını küçük düşürdüğünü söyledi.

  133

  Hacmi iletmek için ışığı, gölgeyi ve değerli eşyaları idare edebilmeniz gerekir. Bunu yapmak için, bir form oluşturan farklı ton geçişlerine bakmanız, düşünmeniz, gözlemlemeniz ve karşılaştırmanız gerekir. Yüzlerce gölgeye gerek yok: tüm ton aralığı beyaz, siyah ve beş gri tonuyla oluşturulabilir.

  135. İşte ilginç bir alıştırma: benim yaptığım gibi sadece beyaz ve siyah boya kullanarak bir elmayı yağda boyamaya çalışın. Çok fazla gölgeye ihtiyacınız olmadığını göreceksiniz: hacmi iletmek için çok azına ihtiyacınız olacak. 35 36  

  136. Ton geçişlerini yakalamanın olağan yolu, özneye gözlerinizi kısarak bakmaktır. Görüntü bulanıklaşacak, küçük ayrıntılar kaybolacak ve hacmi modelleyen ana valera net bir şekilde görünecektir.

 

 Zıtlık

  Valery, ayrılmaz bir şekilde kontrastla bağlantılıdır. Kontrast, hacim algısı üzerinde belirleyici bir etkiye sahiptir.

  Yakın alandaki kontrastları vurgulayarak, rengi azaltarak ve daha uzak noktalarda tonları daha gri yaparak ön plan ile arka plan arasında bir boşluk, derinlik ve mesafe duygusu aktarabilirsiniz. Bu sayfalarda, kontrast ve atmosferik etki için temel kurallar resimlerle gösterilmiştir. Bulanık bir çerçevenin, özellikle uzun mesafelerde boşluk yanılsaması yaratabileceğini unutmayın.

  137

  138

  137. Başarısız. Valery'nin kötüye kullanılması nedeniyle tam bir kontrast eksikliği görüyorsunuz. Genel ton çok koyu ve beyazlar ile açık griler eksik. Bu hata genellikle deneyimsiz sanatçılar tarafından yapılır. siyah ve koyu tonları kötüye kullanmak.

  138. Başarısız. Kontrast çok büyük ve valeriy çok hafif. Orta tonlar ve açık gri tonları neredeyse renksizdir. Sanatçı

  beyaz kötüye kullanılmış ve bu nedenle resim pastel rengi andırıyor.Ayrıca derin gölge çok karanlık ve kontrasta rağmen hacim duygusu yok.

  139. Başarısız. İyi ressamlar asla bu kadar katı bir resim stili kullanmazlar. Atmosfer tamamen yok. Işığın titreşimini iletmek ve konuyu daha derine taşımak için kontur bulanıklaştırılmalıdır.

  

 Atmosfer

  140

  Elmanın hareketsiz bir yaşamda yatabileceği bir düzlemde durmasına izin verin. Yüzeyin rengi ve tonu bir elmanınkiyle aynı ise, göze çarpmayacak ve çevresinde boşluk yokmuş gibi arka plana karışacaktır (resim 141).

  Aslında hiçbiri yoksa, kontrast nasıl tasvir edilir? Ustalığın sırlarından biri de budur. Şekil 142'de, elmanın aydınlatılan kısmının (A) yakınındaki yüzeyin biraz daha koyu ve gölgeli kısmın (B) yakınındaki yüzeyin biraz daha açık olduğunu görebilirsiniz. Bu, elmanın şeklini vurgular ve arka plandan kaldırır. Aynı durum C ve D bölümleri için de geçerlidir.

  140. Güzel. Bu elmayı Şekil 139'daki elma ile karşılaştırın. Çerçevenin bulanık olması, daha gerçekçi görünmesini sağlar. Teknik olarak doğru ve yeterince taze.

  141, 142. Önceki çizimlerde, hacmin kontrast kullanılarak nasıl aktarılabileceğini gördünüz. Burada, elma ile arka plan (resim 142) arasındaki karşıtlığın, arka plana "yapıştırıldığı" izleniminin üstesinden gelmeye nasıl yardımcı olduğu gösterilmektedir (hasta 141).

 

 pratik egzersizler

  143, 144. Üzümlü bu küçük natürmortta ışık ve gölgenin tüm etkilerini gözlemleyebilirsiniz - kontrast, refleksler, derin gölge, vurgular ve gölge. Kumaşın kıvrımlarında gördüğünüz koyu gölge onlara boyut kazandırıyor.

  Uzaktaki alanlar bize en yakın olanlardan daha az keskin olmalıdır. Masa örtüsünün uzak kenarının belirsiz, belirsiz bir çizgi olduğunu görebilirsiniz. Formları ayırmak ve ayırt etmek için, burada testi ve armutun aydınlatılmış alanlarında gösterildiği gibi, bazen konturu vurgulamak gerekir.

  Elmanın parçası aslında orada değildi ama elmanın nerede bittiğini göstermek ve arka plandan ayırmak için ekledim. Üzüm salkımı üzerinde de refleksler açıkça görülmektedir.

  Bu natürmortu ışık, yiğitlik, kontrast ve atmosferin rolünü göstermek için yaptım. Bu resme dikkatlice bakın.

  145

  Sanat okullarında popüler olan ve herhangi bir sanatçının yapabileceği alıştırmalar, yukarıdaki resimdeki masa örtüsü gibi perde çizmek ve yazmaktır. Örneğin Cezanne, natürmortlarının neredeyse tamamında masa örtülerini, perdeleri, madde parçalarını resmetmiştir.

  Dikkatlice istiflenmiş beyaz veya açık renkli kumaş parçaları, ışık gölge modellemeyi keşfetmenin harika bir yoludur.

  146. Bu çizim genç Leonardo da Vinci tarafından yapılmıştır: Oturan bir figür üzerinde perdelik çalışma.

  145. Gençliğinde çizim tekniğini inceleyen büyük Alman ressam Albrecht Dürer, hacmi modellemek için ışık-gölge efektleri kullanarak bu yastıkları kalemle çizdi.

  147. Şimdi kendin dene. Masanın üzerindeki bir nesneyi bir bez veya masa örtüsü ile örtün veya aşağı sarkacak ve kıvrımlar oluşturacak şekilde kenarına yerleştirin. Ardından, önce çizmeden yazmaya başlayın. Bunun ne kadar faydalı bir egzersiz olduğunu göreceksiniz.

  Sanatçıya natürmort kadar özgürlük verecek başka bir tür yoktur.

  Çoğu zaman, sanatçı, sadece mutfakta veya odada etrafa bakarak, bir natürmort unsurlarını seçer. Bir kompozisyon bulur ve nesneleri şekil ve renk oranlarına göre seçer. Bir sonraki bölümde, ışık ortamını aktarmanıza ve soğuk, sıcak ve karışık renkleri uyumlu hale getirmenize olanak tanıyan kompozisyon oluşturma ve formları düzenlemenin temel kurallarını öğreneceksiniz.

  KONU SEÇİMİ VE YAPISI

 

 Natürmort bileşenlerinin seçimi

  Paul Cezanne, oğluna natürmort temasının seçimi hakkında şunları yazdı: “... farklı bakış açılarından aynı olay örgüsü, en ilginç eskizleri yazmayı mümkün kılıyor, o kadar çeşitli ki, bir ay boyunca değişmeden çalışabilirim. yerim, sadece sağa, sonra sola yaslanmak” . Cezanne, bir natürmort konusunun her yerde bulunabileceğini veya Renoir'ın dediği gibi, herhangi bir konunun resmedilmeye değer olduğunu söylemek istedi.

  Aynı zamanda, Cezanne ve natürmortlar çizen tüm izlenimcilerin, birbirleriyle ortak bir şeyleri olan nesneleri seçerek ve bunların nasıl adlandırılabileceğini düşünerek buna hazırlandıklarına şüphe yok. Bu nedenle, natürmortları için ilgili nesneleri seçtiler.

  149

  149 Bu çizimin gösterdiği gibi, bir natürmort bileşenleri arasındaki ilişki, sanatçının niyetini ifade eder.

  150. Belirli bir fikri veya ruh halini ifade etmek için, bir natürmort öğelerinin ilişkisi, örneğin bir kupa ile bu meyve grubunda olduğu gibi, göreceli olabilir. Bu dil daha modern

  151, 152. Üstteki kompozisyon Meyveli Natürmort ve alttaki kompozisyon - Müzik veya Flütlü Natürmort olarak adlandırılabilir. İlk durumda sıcak, ikinci durumda soğuk bir aralıkla içerik birliği vurgulanır.

  

 Renk organizasyonu

  153. Sanat yasaları asla mutlak değildir ve her zaman koşulludur. Sanatsal deha, genellikle geleneklere aykırı işlerde kendini gösterir. Bu natürmortta, sıcak tonlar arasında - kırmızı, koyu sarı ve sarı - soğuk bir renk sıçramasının ne kadar uygun olduğunu görebilirsiniz. Mavi sıvılı sürahi, sıcak renk uyumuna mükemmel uyum sağlar.

  154. Bu fotoğrafta beyazın da eklenmesiyle çeşitli oranlarda tamamlayıcı renklerden oluşan sessiz bir gam görüyorsunuz. 154 

 

 kompozisyon nedir

  Kompozisyon, model, arka plan, aydınlatma ve rengi koordine etme sanatı olarak tanımlanır. Jean Gitton, "Bu, denge ve orantı, yani güzellik arayışı anlamına gelir" diye yazdı. Başka bir deyişle, güzellik birlik içindedir. Aynı zamanda René Huig'e göre, “birlikte bir tehlike vardır - aşırı birlik bazı memnuniyetsizlikler bırakır; birlik çeşitlilikle zenginleştirilmelidir.” Aynı fikir yüzyıllar önce Yunan Kompozisyonu tarafından ifade edildi - çeşitlilik içinde birliği bulma ve sergileme yeteneğidir.Bu nedenle, bir yandan model, arka plan, ışıklandırma ve rengi koordine etmek gerekir ki kombinasyonları ters gitmesin. sıkıcı ve monoton olması, diğer yandan da kafa karışıklığının önüne geçilmesi gerekmektedir. Makul bir orta yol bulmak zor olabilir John Ruskin'in dediği gibi, “Kompozisyon sanatında kural yoktur. Eğer var olsalardı, Titian ve Veronese sıradan insanlar olurlardı."

  filozof Platon.

  156

  Başarısız . _ Çok fazla birlik ve çok az çeşitlilik var. Resim mono-on ve ilgi çekici değil. Şema 155 A'ya bakın. Rahibin resmini nasıl tek bir bloğa böldü - bir tabak meyve.

  Başarısız. Burada çok fazla çeşitlilik var. : Nesneler dağınık, tek bir bütünün görüntüsüne değil, ayrı ayrı dikkatimizi çekiyorlar.

  155 bir

  157

  157. Şanslı. Bu çeşitlilik içinde birliğin güzel bir örneğidir. Şema 157 A'yı diğerleriyle karşılaştırırsanız, kompozisyonun sahip olduğunu göreceksiniz.

  unsurlarının genel düzenlemesinin birliği ve her birinin konumu ve aydınlatmasındaki çeşitlilik.

 altın bölüm kuralı

  Önünüzde beyaz bir tuval var ve çizmeye başlıyorsunuz. Öğeler nereye yerleştirilmeli: ortada, yukarıya mı yoksa aşağıya mı, sağa mı yoksa sola mı? Bu sorunun cevabı, Romalı mimar Vitruvius tarafından formüle edilen eski bir kuralda verilmektedir:

  Herhangi bir mekânın bölünmesinin göze hoş gelmesi için, daha büyük olanın bütünle ilişkisi olduğu gibi, küçük parçanın da büyükle ilişkisi olmalıdır.

  Bu oranı bulmak için tuvalin genişliğini 0,618 ile çarpın (matematiksel olarak altın oran 1: 0,618, resim 161-163 olarak ifade edilir). Ardından tuvalin yüksekliği ile aynı şeyi yapın. Altın bölümün noktası, yatay ve dikey çizgilerin kesişme noktasındadır (resim 162). Herhangi bir resimde, bu nokta en önemlisidir. Herhangi bir iki boyutlu şekilde böyle dört nokta vardır (resim 163).

  158

  158. Ortadan ufuk geçen resmin ortasına natürmort yerleştirmemelisiniz.

  159. Yapay olarak asimetri yaratan öğeleri yana kaydırmak da buna değmez.

  161-163. Altın oran noktasını elde etmek için tuvalin genişliğini ve yüksekliğini 0,618 ile çarpın. Her iki boyutlu şekilde böyle dört nokta vardır. Ana öğeyi bu noktalardan herhangi birine yerleştirebilirsiniz.

  100

  161

  162

  163

  160. Altın bölüm kuralı neredeyse otomatik olarak uzaydaki en iyi konumu verir.

  160

  geometrik şema

  164

  168

  164. Fischer'in deneyleri, bu üç şekil kümesinden geometrik şekillerin en büyük başarıyı elde ettiğini gösterdi.

  165. Rembrandt'ın kompozisyon tekniklerinden biri: köşegen, resmi daha açık ve daha koyu parçalara ayırır.

  166, 167. Bir değişiklik için L şeklinde asimetrik kompozisyonlar kullanabilirsiniz.

  Herhangi bir resimde, kompozisyondaki baskın rol, açık ve kesin formlara aittir. Kompozisyon, ana ciltlerin sahip olduğu forma bağlıdır . Nesnenin şekli ne kadar basitse o kadar göze çarpar diyebiliriz. Çeşitli soyut, doğal ve geometrik figürlerden oluşan üç setten (resim 64) çoğunluğun geometrik figürleri tercih ettiği kanıtlanmıştır. Fisher bunu "minimum çabayla maksimum zevk" ilkesiyle açıklıyor. René Huig, sanatta geometrik formlara verilen tercihi tartışırken aynı sonuca varıyor: “Şekil geometrike ne kadar yakınsa, gerçek dünyanın karmaşıklığını kavrayabilen bilinci, küçültülmüş halini o kadar coşkulu algılar. temel biçimlere." Bu nedenle, natürmortunuzun kompozisyonu hakkında düşünmeye başlarken geometrik düzeni görselleştirmeye çalışın.

  167

  168-172. Kompozisyon başka ilkelere göre de oluşturulabilir: ışık ve gölgenin dikey dağılımı (A), koyu bir arka plan üzerinde açık elips (B), piramit (C), L şeklindeki şema (D), kesik koni (E)

  169

  172

  

 Simetri ve asimetri

  Elbette, simetrik kompozisyonun, resmin bileşenlerinin ortanın her iki yanında aynı şekilde düzenlenmesi anlamına geldiğini biliyorsunuz. Simetri birliğe tekabül ederken, asimetri, özgür ve sezgisel yerleşim, dengeli de olsa çeşitlilik anlamına gelir. Çoğu sanatçı asimetrik kompozisyonları tercih eder. Daha dinamik, spontane ve yaratıcı kendini ifade etme için harika fırsatlar sunuyorlar. Bununla birlikte, her kompozisyon türünün kendi avantajları vardır. Naif sanat olarak stilize edilmiş donmuş kompozisyonlarda simetri uygundur. Ayrıca, genel bir bütünlük arka planına karşı çeşitlilik unsurlarını vurgulamak için nesneleri hafifçe kaydırarak daha esnek bir şekilde kullanılabilir.

  173

  173 Bir vazoda bir buket çiçek tasvir ederken simetriden kaçınmak zordur, ancak tabana bir çiçek veya başka bir nesne yerleştirilerek yumuşatılabilir.

  174 Asimetri, çeşitliliğe benzer ve daha fazla ifade, yenilik ve deney özgürlüğü sağlar. Bu çizimde, nesnelerin düzeni rastgele görünüyor, ancak dikkatlice düşünülmüş. 174 175 175, 176. Bileşenleri haritanın hayali merkez noktasının her iki tarafına eşit olarak dağıtma 176 

  bize, elemanlar birbirinden farklı olsa bile simetri izlenimi verebilirsiniz.

  177

  178

  177, 178. Nesnelerin düzenine çeşitlilik katarak aşırı düzenlilikten kolayca kurtulabilirsiniz.

  179. Simetri ve asimetri çeşitli faktörlere bağlıdır. Simetri genellikle model perspektif azaltma olmadan göz hizasında gösterilirse vurgulanır, ancak kupaları ve kulplu bir sürahiyi önden temsil eden şekilde gösterilen şekilde de vurgulanabilir.

   

 aydınlatma seçimi

  Bir natürmort çizmeye hazırlanırken, sadece nesneleri seçip düzenlememeli, aynı zamanda aydınlatmanın kalitesini, türünü ve yönünü de seçmelisiniz.

  Aydınlatma türü doğal veya yapay olabilir. Genel olarak, gün ışığında yazmak daha kolaydır: daha güçlüdür, yayıcıdır, daha yumuşaktır, fazladan parlama yapmaz ve nesnelerin gerçek renklerini ortaya çıkarır. Yapay aydınlatmanın genellikle hafif turuncu bir tonu vardır, ancak kolayca ortadan kaldırılabileceği veya ayarlanabileceği kadar korkutucu değildir. Ancak yapay ışık, ek renk olasılıkları açar ("mavi" dönemin eserlerini gaz ışığı altında boyayan Picasso'yu hatırlayın) ve özel efektler yaratmanıza izin verir.

  Işık farklı bir kaliteye sahip olabilir - dağınık veya doğrudan. İç mekanda, model doğrudan güneş ışığına maruz kalmadığı sürece gün ışığı her zaman dağılır. Bu durumda, kontrast çok güçlü olduğu için yazmak hiç imkansızdır. Yapay ışık her zaman doğrudandır; genellikle daha keskindir, ışık-gölge etkilerini azaltır ve hacmi vurgular. Belirli bir üslupla yazarsanız bu yararlı olabilir.

  Son olarak ışığın yönü de sanatçı için bir diğer önemli faktördür.

  Ön aydınlatma çizimden çok boyamaya uygundur. Önden ve yandan aydınlatma, biçim ve hacmi net bir şekilde tanımlayan titiz, hassas çalışma için çok uygundur.

  180

  181

  181. Arkadan gelen yapay aydınlatma dramatik bir etki yaratır ve bu etki burada zıt karakterle daha da güçlendirilir.

  dünyanın romu. Doğal aydınlatma, natürmort için uygun olan yumuşak, samimi bir ruh hali yaratır.

  180. Yapay doğrudan ışık, renk uzmanları tarafından tercih edilir.Bu tür aydınlatma, bir rengin form ve konturu iletmek için yeterli olduğuna, gölge ve hacmin gerekli olmadığına inanan Fovistler tarafından sevilirdi. Birçok post-empresyonist (Van Gogh, Gauguin, Vlaminck, Matisse ve diğerleri) bu tekniği kullandı. Bugün bile sıklıkla kullanılmaktadır.

  Arkadan aydınlatmalı aydınlatma, arka planın karanlık veya aydınlık olmasına bağlı olarak hassas bir şekilde samimi veya duygusal olarak lirik bir atmosfer yaratır.

  Bu nedenle, burada söylenen ve gösterilen her şeyi göz önünde bulundurarak aydınlatmanızı dikkatli bir şekilde seçin. Farklı aydınlatma türlerinin nihai sonuç üzerinde çok farklı etkileri olabileceğini unutmayın.

  182. Doğal yan aydınlatma, formu ışık ve gölge efektleriyle aktarmanıza olanak tanır. Burada ışık pencereden düşüyor, gölgenin konturları (örneğin masa örtüsü üzerinde) bulanık. Bu klasik aydınlatmadır.

  183 Yukarıdaki fotoğraftaki yapay yan aydınlatma çok zıt. Vurgular çok parlak, gölgeler kalın ve kısa, vurgular keskin (bir meyve kasesindeki refleksler). Sanatçı bu efektleri dilediği gibi düzeltebilir veya yorumlayabilir.

  184. Yansıtıcı bir ekran kullanılarak arkadan yapay aydınlatma. Natürmort, resim 181'deki gibi bir masa lambasıyla aydınlatılır, ancak modelin önüne ve yandan yerleştirilen 20 numaralı beyaz kanvas ile değiştirilebilen bir yansıtıcı ekranın eklenmesiyle,

  karşı lamba Bu, genel aydınlatmayı iyileştirir ve aşırı kontrastı yumuşatır (Şek. 181).

 

 Mekansal planlar

  Uçağa dağılmış bir natürmort bileşenleri, bir karmaşa izlenimi veriyor. Öğeleri birden çok düzleme dağıtarak ortadan kaldırılabilir. Ayrıca derinlik hissini vurgulamaya yardımcı olacaktır. Meyvelerden birini yaklaştırıp diğerini uzağa koyup aralarına kupa koyarsanız ön, orta ve uzak planlar bu şekilde belirtilecektir. Bu sayfadaki çizimler, derinliğe ulaşmak için en önemli kurallardan bazılarını göstermektedir - natürmorttaki "üçüncü boyut".

  185. Bu figürlerin bir natürmortun bileşenleri olduğunu hayal edin. Eşit olarak dağılırlarsa, derinlik izlenimi olmaz.

  186. Rakamları gruplayarak "olay örgüsünü keskinleştirebilir" ve kompozisyonun odağını oluşturabilirsiniz.

  187, 188. Her nesneyi dikkatli bir şekilde düzenleyerek, kısmen birbirini örterek, kişi birliği çeşitlilikle birleştirebilir. Bu, kompozisyonun önü ve arkası arasında net bir fark ve derinlik hissi yaratır.

  185

  188

  189

  191

  190

  189. Her sanatçının kendi organi- 190 A ve B elmaları önde duruyor 191. Derinlik iyi aktarılmış. Planları destekler - genel kural su-uçak değil, diğer elmalar ve bir kupa - kupadan yan ışık vermesi nedeniyle var. Bu çizimde, elmalar onlar. Tüm nesneler ikiye ayrılır, bir gölge düşer, tüm bileşimi birleştiren A ve B yalanı, böylece derinlik hissi grupları ve birlik eksik olur. bir bütün halinde konum

  yeterli değil.

 

 Teoriden pratiğe

  Yüzyılın dönümünde genç bir Fransız ressam olan Louis Le Baille, bir natürmort çizerken Cezanne'ın yanında olma şansına sahipti. “Cezanne masa ile şövale arasında gidip gelirken, şövaleden doğaya bakıyordu. Sonra, üzerinde üç dört şeftali ve boyalı bir sürahi bulunan masa örtüsünün kıvrımları üzerinde biraz çalıştı. Düşüncelere dalmış, tekrar şövale gitti, natürmorta dikkatlice baktı, bir an gözlerini indirdi, tekrar natürmorta baktı, masaya gitti ve şeftalilerin kırmızı rengini vurgulamak için birkaç yeşil armut ekledi. . Böylece tamamlayıcı renkleri geliştirdi. Sonra natürmortun daha yüksekte durması için birkaç kutu yerleştirdi. Bu yeni üretim için ne kadar zaman harcadı! Cezanne, nesnelerin her yeni düzenlemesini ayrıntılı olarak inceleyerek çok dikkatli çalıştı.

  Cezanne'nin arkadaşı Emile Bernard'a göre, "uzun süre natürmorta baktı, nesneleri yeni bir şekilde yeniden düzenledi ve gördüklerinden sonsuz bir şey yarattı." Ancak modeli nasıl anlayacağımıza daha sonra değineceğim. Cezanne'ın natürmortun dikkatli bir şekilde hazırlanmasına ne kadar dikkat ettiğini hatırlayın.

  192.193. Başlamadan önce modelinizi hazırlamak için zaman ayırın. İlk başta 192. resimde olduğu gibi nesneleri yerleştiriyorsunuz ve sonunda 193. resimde olduğu gibi son versiyona geliyorsunuz.

  192

  193

  194-196. Gelecekteki resminizin kompozisyonunu ararken, iki karton kareden oluşan bir çerçeveye sahip olmayı faydalı bulabilirsiniz (resim 194). Bir veya iki tane yapmak da yararlıdır.

  12x17 cm'den büyük olmayan kömür, iyimser veya yumuşak kurşun kalem (4B veya 6B) ile atın Aynı zamanda genel kompozisyonu, arka plan rengini ve aydınlatmayı belirlemeye çalışın

  Bu bölümde yağlı boya tekniğinden bahsedeceğiz. Pek çok tekniğe hakim olmanız gerekecek: bakış açısı ve mesafe seçimi, arka planın organizasyonu, vuruşların yönü, gerçek boyama tekniği. İlerleyen sayfaları dikkatlice okuyarak ustalığın sırlarını kavrayacaksınız ve bu zaten başarıya giden yolun yarısıdır. Uygulama size gerisini öğretecektir.

  TEKNİK

  YAĞLI BOYA

 Bazı Yararlı İpuçları

  198

  198 Doğaya olan mesafe 1,5 ila 2 metre, görüş açısı ise 45 derece olmalıdır.

  Doğa hangi mesafede bulunmalıdır? En fazla 1,5 metre (bazılarına göre 3-4 metre ama ben buna katılmıyorum). 4 metrelik bir mesafeden, bir salkım üzüm tek bir nokta olarak görünür ve şeklin, ışık gölgesinin ve rengin bireysel ayrıntılarını görmek için yaklaşmanız gerekir. Maksimum mesafe: 2 metre Natu'ya hangi taraftan yukarıdan, aşağıdan, yandan bakmalı? Kural olarak doğaya 45 derecelik bir açıyla bakılması tavsiye edilir.

  199, 200. Çok yakınsanız ve yukarıdan bakıyorsanız, bu gereksiz yere perspektifi bozacaktır.

  199

  205

  201.202. Koltuk yüksekliğiniz yaklaşık 0,7 metre, doğaya olan mesafe -1,5-2 metre ve görüş açısı 45 derece ise perspektif doğru olacaktır.

  201

  203, 204. Doğa gözlerinizin hizasındaysa, natürmort önden olacaktır.

  203

  206

  palet ve fırçalar için. Palet ve ben düzenli olarak temizlenmeli ve terebentine batırılmalı ve en az 3-4 kez keçelenmelidir.

  207

  Yaklaşık bir saatlik çalışmadan sonra palet üzerinde boyaları karıştırmak için yer kalmayacaktır. Diyelim ki hafif mavimsi bir tonla pembe bir renk istiyorsunuz. Tecrübesizlik nedeniyle, bunun için beyaz kalıntılarını (çok saf değil), önceden hazırlanmış karmin ve kobalt karışımını ve başka bir karışımı (artık nasıl hazırladığınızı hatırlamıyorsunuz) alabilirsiniz. Sonuç olarak, kirli pembe bir şey elde edeceksiniz. Ara vermenin, paleti temizlemenin, tüpten yeni boyaları sıkmanın, fırçaları temizlemenin ve her şeye yeniden başlamanın zamanının geldiğini anlayacaksınız.

  208

  209

  208. Bir palet bıçağı bir gazete ile silinir.

  210

  205. Amerikalı sanatçı Ken Davies düşük bir bakış açısını tercih ediyor. Onun için bu natürmort tipiktir, "aldatma" tarzında dikkatlice yazılmıştır.

  211

  212

  212. Son olarak fırçayı bir bezle ayrı ayrı sıkın.

  210. Fırçalardaki fazla boyayı gazete ile çıkarın

  211. Ardından fırçaları terebentine batırın.

  206 Paletteki renklerin olağan düzeni.

  207. Palet, spatula gibi bir palet bıçağı ile temizlenmelidir.

  209. Palet önce gazete ile sonra terebentine batırılmış bezle silinir.

 

 Önce çiz mi yoksa önce yaz mı?

  Artık her şey hazır: nesneler düzenlendi, renkler palet üzerinde, boş tuval “beyazlığını koruyor”, şair Stéphane Mallarmé'nin ilk adımın zorluğundan bahsederken dediği gibi. Çizimin ana hatlarını kalemle mi çizeceğinizi yoksa hemen yazmaya mı başlayacağınızı bilmiyorsunuz. Bu konu yüzyıllardır tartışılmaktadır. 16. yüzyılda Florentine Vasari, Venedik'teki Titian'ı ziyareti hakkında şunları yazdı: "Hazırlık çizimi olmadan hemen boyalarla resim yaptı ve çok doğru olduğunu söyledi." Aynı zamanda, her zaman bir çizimle başlayan Michelangelo, Vasari'ye atıfta bulunarak alaycı bir şekilde şunları söyledi: "Orada, Venedik'te doğru çizim yapmayı öğrenmek istememeleri ne yazık."

  İki farklı yaklaşım var. Bazı sanatçılara "renk uzmanları" denir: resimlerinde çok az gölge vardır, konuyu ışık noktalarının bir kombinasyonu olarak vurgulayan doğrudan veya dağınık aydınlatma kullanırlar. Bu tarz Van Gogh, Matisse, Bernard ve diğerleri için tipikti. Hemen boyalarla çalışmaya başladılar. Diğerleri chiaroscuro'ya daha fazla dikkat ediyor. Bunların arasında Chardin, Corot, Manet, Nonelle, Dali ve diğerleri var. Resme hep çizimle başladılar. Ancak tüm sanatçıları kategorilere ayırmak gerekli değildir. Örneğin Picasso ya çizimle ya da doğrudan resimle başladı. Cezanne, “Yazmak mı çizmek mi? Bir rengi tüm zenginliğiyle tasvir ettiğinizde size birçok net form verir.” Cezanne kesinlikle haklıydı.

  213

  213. Konuyu herhangi bir tarzda yorumlayabilirsiniz, hepsi ışığa bağlıdır, eğer aydınlatma önden ise renkçi olarak çalışırsınız, yan aydınlatma ise -

  daha fazla dikkat etmelisin

  chiaroscuro ve bir çizimle başlayın

  214

  214. Renk uzmanları, stillerinin daha soyut, daha yaratıcı ve daha az akademik olduğunu düşünürler. Onlara göre renk her şeyi ifade edebilir ve hacim

  ve modelleme gereksizdir. Bonnard'ın yazdığı gibi, "renk ışığı ifade edebilir, kütleyi şekillendirebilir ve atmosferi iletebilir."

 

 Nereden başlamalı?

  216____________________________

  Kontrast Yasası bize bir rengin arka plana bağlı olarak daha soluk veya daha koyu göründüğünü söyler. Bu nedenle, küçük nesneleri veya ayrıntıları beyaz bir tuval üzerine yazmak bir hata olur çünkü arka plan göründüğünde daha açık veya daha koyu hale gelirler. Bu yüzden önce büyük boşlukları doldurun. Hareketsiz bir hayatta, bu genellikle arka plandır.

  217

  218

  219

  220

  215, 216. Nereden başlamalı? Bir an önce tuvale biraz renk uygulamanız gerekiyor, beyazlığıyla sizi korkutmaktan vazgeçecek. Ek olarak, yanlış kontrastlardan kaçınabileceksiniz. Natürmortta, arka planla başlamak en iyisidir.

  217. Tek renkli bir arka planda bile her zaman çeşitlilik vardır.

  218. Başarısız. Bu, tamamen tekdüze bir arka plan örneğidir.

  219. Şanslı. Arka plan, tek renk olsa bile birçok ton içermelidir. O zaman gerçek rengi zengin ve avantajlı görünecektir.

  220. Tuval üzerine ilk kat boyayı sürerken denenmiş ve doğrulanmış kalın ince kuralı unutmayın. Boyanın sonradan çatlamaması için ilk kat için terebentin ayırmayınız. Boya doğrudan tüpten kalın bir tabaka halinde serilir, keten tohumu yağı yağlı hale getirir ve terebentin inceltir. Kalın bir tabaka, ince olandan daha uzun süre kurur. Yanlışlıkla kalın bir katın üzerine ince bir kat uygularsanız, daha hızlı kurur. ve alt tabaka da kuruduğunda üst tabaka çatlayacaktır.

 

 vuruş yönü

  Bir şövale kullanıyorsanız, tuval dikeydir. Boyayı fırçanın dikey hareketleriyle uygulamak daha uygun gibi görünüyor. Ama bu gerçekten neyi tasvir ettiğinize bağlı. Denizi, bir bulut kümesini veya bir masa örtüsünü boyuyorsanız, bu tekniğin uygun olmadığı açıktır. Dikey vuruşlar belirli bir stil yaratır, ancak deniz veya gün batımı en iyi şekilde yatay olarak yazılır, bulutlar daireseldir ve masadaki masa örtüsü GO-yatay veya çapraz vuruşlardır. İki kuralı unutmayın:

  1. Vuruşların yönü, tasvir edilen nesnenin "şekline" karşılık gelmelidir.

  2. Belirsiz durumlarda çapraz vuruşlarla yazmak daha iyidir.

  İlk kural oldukça açık: silindir şeklini vurgulayan vuruşlarla, çim dikey vuruşlarla, karpuz dairesel vuruşlarla tasvir edilmelidir. Form belirsiz veya eksikse,

  221. Bazı araziler, bir tarlada veya çayırda çim yazarsanız, örneğin dikey gibi özel bir vuruş yönü gerektirir.

  VC ||'->1|| . J

  zhMShііH

  222. Deniz, kural olarak yatay vuruşlarla tasvir edilmelidir.

  Hayır, boya çapraz olarak uygulanmalıdır.

  224. Formun nasıl yorumlanacağına karar vermenin en iyi yolu, kurşun kalemle bir ön taslak yapmaktır.

  223. Vuruşları forma göre yapmak, sanki nesneyi içlerine "sarıyormuş" gibi, daha iyi aktarabilirsiniz

 

 genelleme

  Çizim ve boyamada genelleme yeteneği, ayrıntıları ve rastgele özellikleri bir kenara bırakarak en temel olanı görme ve tasvir etme yeteneğidir.

  Bu beceri kolay değildir ve kapsamlı bir boyama teknikleri bilgisi gerektirir. Genelleştirilmiş bir şekilde yazabilmek, tasvir edilen ve görsel araçların özünü anlayarak, özgürce, doğal olarak, zarif bir şekilde yazmak demektir. Klasik bir örnek, Velazquez'in eseridir. Ünlü Menina tablosundaki (Prado Müzesi, Madrid) karakterlerin gözlerinin nasıl yazıldığını görün: vuruş sayısı parmaklarda sayılabilir.

  225, 226. Modeli genel olarak görmenin kolay bir yolu, ona şaşı gözlerle bakmaktır. Çizimler aynı kavanozu önce normal bir gözün gördüğü gibi ve sonra sanki gözlerini kısıyormuş gibi biraz odak dışında gösteriyor: geriye yalnızca ana çizgiler ve şekiller, vurgular ve vurgular kalıyor.

  227-229. Küçük ayrıntıları atarak, yavaş yavaş genelleştirilmiş bir görüntüye nasıl ulaşabileceğinizi görüyorsunuz. Şekil 229, kavanozun şeklini iletmek için ihtiyacınız olan her şeyi içerir.

 

 boyama alia prima

  Bu İtalyanca ifade (İspanyolca a Іa prima, Fransızca au premier coup) tek seferde resim yapmak anlamına gelir. Zamanımızda bu genellikle yapılır (hızlı resim yarışmaları bile düzenlenir). Elbette alia prima boyamak özel bir teknik ve aşağıdaki kurallara uyulmasını gerektirir:

  1. En baştan bir ölçek seçin - sıcak, soğuk veya sessiz.

  2. Resmin öznesini çizin, ancak mümkün olan en kısa sürede etrafındaki alanı boyayın. 230 Karanlığa ışık

  Yağlı boyalar opaktır, bu nedenle siyah zemin üzerine beyaz veya yanmış kereste üzerine koyu sarı kullanabilirsiniz. İlk kat koyu boyayı tuval üzerine sererken terebentin ile bolca sulandırın ki çabuk kurusun ve üzerine hafif boya sürebilesiniz.

  233. alia prima yazarken, ilk kat boyayı tasvir edilen konuda hakim olan aynı renkte uygulayın. Boya, katmanın ince olması ve çabuk kuruması için sıvı olmalıdır.

  3. Doğru boyayı kullanarak, konunun gölgede kalan kısımlarını bol miktarda koyu renkle koyulaştırın.

  4. İki temel prensibi unutmayın:

  A. Tüm yaratıcılığınızı kullanın.

  C. Her zaman orijinal amaca bağlı kalın ve yol boyunca onu asla değiştirmeyin.

  Daha sonra alıştırma önerileri alacaksınız, ancak şimdilik alla prima tekniğiyle ilgili bazı notları okuyun.

  231

  230-232. Bu çizimler karanlığa ışığın nasıl yazılacağını gösterir.

  230. Üzüm fırçası çizildikten hemen sonra arka planı ve gölgeli alanları çok sıvı boyayla boyayın. Farklı yerlerde koyu renkteki farklılıklara dikkat edin.

  231. Burada ve orada zaten hafif vuruşlar yapıldı.

  232. Her üzümün şekli, refleksler ve vurgular kullanılarak modellenmiştir.

  232

  233

  ıslak zemine nasıl yazılır

  Ana şey, incelik ve güveni birleştirme yeteneğidir. Alttaki boya tabakasını etkilememek veya daha da kötüsü yeni boyayı eskisiyle karıştırmamak için hafiflik gereklidir. Güven önemlidir çünkü fikrinizi değiştiremez ve bir şeyi değiştiremezsiniz. Geri dönmek istiyorsanız, yeniden yazmayı veya bir şeyi yeniden inşa etmeyi deneyin, her şey gitti. Islak tuval üzerinde çalışmak, hafif hareket eden boya ve iyi doldurulmuş bir fırça gerektirir. Alan genişse, boyayı bir palet bıçağıyla kazımanız ve baştan başlamanız gerekecektir. Dallar veya ağaç gövdesi gibi ayrıntıları boyarken yumuşak bir fırça ve seyreltilmiş boya kullanın. Hiçbir durumda fırçaya baskı uygulamayın. Fırçayı her yeni boya aldığınızda yıkamak gerekir, aksi takdirde ıslak eski boya ile karışacaktır.

  234 235

  234. Boyayı hala nemli olan yere baskı uygulamadan hafif dokunuşlarla uygulayınız.

  236

  237. Pürüzsüz, çok hassas, çok dikkatli bitirme çalışmayı cansız hale getirecektir - meyveler mumsu ve çiçekler plastik olacaktır.

  235 Fırçayı terebentinli bir bezle temizleyin.

  236. Boyayı alın ve diğer boyalarla karışmamasına dikkat ederek temiz bir şekilde, bulaşmadan tekrar uygulayın.

  Mükemmellik mevcut değil

  Mükemmel insan olmadığı gibi mükemmel bir resim de olamaz. Mükemmel bitmiş bir tablo cansız olacaktır. Formun kusursuz aktarımı,

  238. Bu "bitmemiş" şey çok daha güzel görünüyor. Üstünkörü, çok doğru olmayan bir görüntüde tazelik ve yakınlık vardır.

  "yalama", pürüzsüz renk geçişleri, aşırı ayarlama sanat eserini öldürür. Dur, hiçbir şeyi yok etmemek için mükemmelliğe getirme! Şekil 238'e bakmak, Şekil 237'ye göre çok daha hoştur.

  Herhangi bir renk ortamı yaratmak için sanatçının renk yasalarını öğrenmesi ve anlaması gerekir. Ana renkleri - sarı, kırmızı ve mavi - karıştırarak ve bazen beyaz ekleyerek, doğada bulunan tüm renkleri elde edebilirsiniz. Birincil, ikincil ve tamamlayıcı renklere aşina olarak, renkleri özgürce deneyebilirsiniz.

  RENKLERİN BİLEŞİMİ VE KARIŞIMI

 

 Ana Renkleri Karıştırma

  Geri kalanından elde edilemeyen üç renk vardır: sarı, kırmızı ve mavi. Bunlara birincil veya ana renkler denir ve bunların karıştırılmasıyla (bazen beyazın eklenmesiyle) doğada bulunan herhangi bir renk elde edilebilir.

  Yağlı boyada bu renklerin kesin tanımları vardır:

  1) kadmiyum sarı ortam;

  2) kraplak;

  3) Prusya mavisi.

  Şekil 241, bunları çiftler halinde karıştırarak üç ikincil rengin - yeşil, turuncu ve mavi-mor - nasıl elde edildiğini göstermektedir.

  241

  242

  240. Üç ana rengin karıştırılması ve gerekirse beyazın eklenmesiyle doğada bulunan tüm renkler elde edilebilir.

  241. Ana renkleri çiftler halinde karıştırarak ara renkleri elde ederiz. Üç ana rengin karışımı siyahı oluşturur.

  242. Kadmiyum sarısı ortam ve kraplak karışımı yeni bir renk verir - parlak turuncu ve ayrıca pastel rengi anımsatan birçok sıcak veya soğuk pembemsi ton.

  243. Bu yeşiller orta kadmiyum sarısı ve Prusya mavisinden oluşur.

  244. Son olarak Prusya mavisi ile kraplak karıştırılarak çok çeşitli maviler, menekşeler ve morlar elde edilebilir. 243 244 245

  245. Tüm bu renkler sadece üç ana renkten türetilmiştir. Kendiniz deneyin ve doğadaki tüm renklerin ana renkler artı beyazdan geldiğini görün.

  246-248. Bir elmayı sıcak, soğuk veya yumuşak renklerde boyamak için renkleri nasıl karıştırabilirsiniz?

  246

  2. Kırmızı, koyu sarı, kırmızı

  3. Sarı, koyu sarı, kırmızı, Prusya mavisi.

  4. Sarı, beyaz, koyu sarı, kırmızı.

  247

  1. Yeşil, beyaz, sarı, kobalt mavisi

  2 Karmin, kobalt mavisi, Prusya mavisi, beyaz.

  3. Sarı, beyaz, yeşil

  248

  4 Aynı karışım, ancak Prusya mavisi ve doğal sienna ilavesiyle

  6 Prusya mavisi koyu kahverengi, beyaz

  

 Açık ve koyu renkler

  Nötr, soğuk ve sıcak siyah. Kraplak, Prusya mavisi ve yanmış umber'i farklı oranlarda karıştırarak siyahın farklı tonlarını elde edebilirsiniz - nötr, soğuk mavimsi veya sıcak kırmızımsı.

  Renk sadece siyah eklenerek koyulaştırılamaz. Bir rengi daha koyu veya daha yoğun yapmak istiyorsanız, doğayı hatırlayın: Sonuçta, gökkuşağında siyah yoktur, yalnızca zengin, yoğun renkler vardır (hasta 250).

  Sarıya bir siyah eklenirse kirli yeşil olur; yavaş yavaş kraplak, mavi ve siyahı tanıtırsanız, daha doğal tonlamalar elde edersiniz (hasta 251). Aynısı mavi ve kırmızı için de geçerlidir: yalnızca siyah eklenirse, mavi grimsi hale gelir (hasta 252) ve kızıl parlaklığını kaybeder (hasta 253).

  249. Kraplak, Prusya mavisi ve yanık umberi farklı oranlarda kombinleyerek siyahın farklı tonlarını elde edebilirsiniz.

  250. Gökkuşağının renkleri. Açık tonların nasıl yavaş yavaş sulu ve yoğun hale geldiğine dikkat edin.

  251-253. Siyahlı veya siyahsız bir rengi daha koyu hale getirme.

  254 A ve B. Beyaz ve siyahın doğru ve yanlış kullanımına bir örnek. Sol (başarısız): domatesler yalnızca kırmızı, beyaz ve siyah olarak yazılır. Sağ (başarıyla): sarı, koyu sarı, doğal sienna, mavi, yeşil ve kırmızı eklendi. Siyah içermeyen bu karışım, renk zenginliğini ve parlaklığını verir.

  gölge rengi

  Her gölgede bir mavi vardır. Nesnenin rengi ne olursa olsun, nesne beyaz olsa ve Şekil 255 ve 256'daki küp gibi ışıkla dolu olsa bile gölgeli alanlarda mavi görünecektir.

  Gölge rengi ve tamamlayıcı renkler. Gölge sadece maviyi değil, aynı zamanda öznenin rengini tamamlayan bir rengi de içerir. Tamamlayıcı renkler, birincil ve ikincil renklerin karıştırılmasıyla elde edilir.

  256

  Sarı, kırmızı, mavi ana renklerdir. Çiftler halinde karıştırıldıklarında ikincil renkler verirler: yeşil, mor ve mavi-mor. Bu renk çarkında birbirini tamamlayan renklerin birbirinin karşısında olduğunu görebilirsiniz. Yani sarıya ek olarak mavi-mor.

  255, 256. Gölge her zaman mavi bir renk (resim 255) ve nesnenin rengini tamamlayan bir renk (resim 256) içerir.

  257. Gölge rengi formülü: nesnenin en koyu rengi + tamamlayıcı renk + mavi = gölge rengi.

  258. Bu kuralın neredeyse hiçbir istisnası yoktur. Bu domatesin gölgesi koyu sienna, parlak yeşil ve parlak maviden oluşur. 257 259. Mavi nesnelerin üzerindeki gölge genellikle mordur - mavi ve kırmızının birleşimi. sıcak gama

260 260. Sıcak renkler ağırlıklı olarak kırmızımsıdır. Sıcak renkler bu sayfada listelenmiştir: sarı, koyu sarı, doğal sienna, turuncu, kırmızı, karmin, yanık sienna, yeşil. Onları beyaz katkı maddeleriyle karıştırarak ne elde ettiğinizi görün.

  1. Beyaz + kadmiyum sarı ortam

  2. Beyaz + sarı hardal

  3. Beyaz + sarı hardal + kadmiyum kırmızı ortam

  4. Kadmiyum sarısı + kraplak

  5 Beyaz + kadmiyum kırmızısı

  6. Beyaz + kraplak

  7. Doğal Sienna + Kadmiyum Kırmızısı

  8. Sarı hardal + yanık umber + biraz kadmiyum yeşili

  9. Beyaz + sarı hardal + yeşil + krapga-

  10. Kadmiyum sarısı + yanmış odun

  11. Sarı hardal + yeşil + kadmiyum sarısı -beyaz

  12 Kraplak + biraz yeşil

 

 soğuk gama

  261

  Bu sayfa soğuk renkleri listeler - açık yeşil, yeşil, gök mavisi ve mordan elde edilen yeşil, mavi ve mor tonları .

  1. Beyaz + Prusya mavisi

  2. Beyaz + hafif lacivert

  3. Beyaz + kobalt mavisi

  4. Beyaz + Prusya mavisi + yeşil

  5. Beyaz + yeşil + biraz sarı hardal + biraz kadmiyum sarısı

  6. Kadmiyum sarısı + yeşil

  7. Kadmiyum sarısı ortamı + Prusya mavisi

  8. Beyaz + yeşil

  9. Beyaz + kraplak + hafif lacivert

  10. Prusya mavisi + beyaz + kraplak

  11. Sarı hardal + yeşil + biraz beyaz

  12. Prusya mavisi + yeşil 261. Temel olarak maviye dayalı soğuk rJh^ıS

 

 sessiz gama

  262

  262. Bastırılmış tonlar çoğunlukla grimsidir, ancak donuk olmaması için içlerinde yeterince renk olmalıdır.

  Ek renkler beyaz ilavesiyle karıştırılarak sessiz tonlar elde edilir.

  1. Beyaz + yanmış koyu kahverengi + biraz Prusya mavisi

  2. Aynı ve biraz yeşil

  3. Beyaz + kobalt mavisi + kadmiyum kırmızısı

  4. Beyaz + sarı hardal + açık lacivert

  5. Kadmiyum sarısı + beyaz + kobalt mavisi + biraz kadmiyum kırmızısı

  6. Beyaz + Prusya mavisi + doğal sienna + kadmiyum kırmızısı

  7. Beyaz + kraplak + kadmiyum kırmızısı + Prusya mavisi

  8. Beyaz + kraplak + yeşil

  9. Beyaz + yanmış koyu kahverengi + yeşil

  10. Prusya mavisi + beyaz + kadmiyum kırmızısı

  11. Beyaz + kraplak + lacivert + biraz yanık odun

  12. Yanmış umber + biraz Prusya mavisi 

  Bu bölümde, yüzlerce natürmort resmeden Post-Empresyonist ressam Paul Cezanne'nin mirasından çıkarılacak derslere dönüyorum. Natürmort resmine başlamanıza yardımcı olacak bazı genel ilkeleri göstermek için onun çalışmasından ve tekniğinden yararlanacağım . Cezanne, tuvalin tüm bölümleri üzerinde aynı anda çalıştı. Bir yorumlama ustası olarak, modelin önceden tasarlanmış bir görüntüsünü verme cazibesine direndi ve ilk izlenime sadık kaldı. Renk konusuna gelince, Cezanne kontrastları birleştirdi ve zengin renk geçişleri elde etti. Sonraki sayfaları okurken bunu aklınızda bulundurun.

  Natürmort Uygulaması

 

 Cezanne, büyük usta

  Cezanne kompozisyonu nasıl oluşturdu?

  Cezanne birçok natürmortu meyvelerle boyadı. Basit şeyler aldı - beyaz bir masa örtüsü, bir tabak veya bir kase meyve - ve bunları kompozisyonun ortasına yerleştirdi. Çoğu zaman bir şişe, porselen veya toprak kap, bir sürahi de koyardı ve bu nesnelerden biri ilgi odağı haline gelirdi. Bazen arka plana meyve veya kumaş konulurdu. Görüş noktası genellikle oldukça yüksekti. Cezanne formu özgürce ve bazen tam olarak doğru yorumlayamadı. Bir natürmort sahnelemeye her zaman çok zaman ayırdı. "Bir sanatçı duygularını kuşların şarkı söylemesi kadar kolay ifade edemez" dedi.

  Cezanne'ın resim stili

  Cezanne ve Pissarro'nun çalışmalarını gözlemleyen bir çiftçi, "Bay 267 din Pissarro, sanki bir tuvali gagalıyormuş gibi kısa fırça darbeleriyle resim yapıyor ve M. Cezanne onu düz bir fırçayla okşuyor."

  Cezanne asla tuvalin bir bölümüne odaklanmadı, orada burada resim yaptı, tuvale bir bütün olarak baktı ve tüm resmi bir anda tamamladı.

  Londra'daki Tate Gallery'den bitmemiş bir natürmort, onun işe yaklaşımını açıkça gösteriyor (hasta 267).

  Cezanne doğru ön eskizler yapmadı. Birkaç kaba çizgi çizdikten sonra hemen renge geçti. Cezanne terebentinle seyreltilmiş birkaç hızlı boya darbesi uyguladı (tabaklarda ve masa örtülerinde olduğu gibi). En başından beri aynı renkte yazdı ve sondakiyle aynı yoğunlukta uyguladı. Örneğin gri sürahi, neredeyse iki kat halinde boyanmıştır. Hızlı bir yazma tekniği kullanarak, hemen

  266, 267. Cezanne, hazırlık çizimi olmadan pratik olarak çalışmaya başladı. Bu bitmemiş Sürahi ile Natürmort, Londra'daki Tate Galerisi'nde.

  268 Şeftali ve armutlu natürmort. Kompozisyona yakından bakın ve bir sonraki sayfadaki bitmemiş tabloyla karşılaştırın. Cezanne, natürmort resim yapma kuralını uygular: "koyu bir arka plan üzerinde beyaz bir masa örtüsü", ortada bir tabak veya meyve kasesi, diğer meyveler, bir kupa, bir sürahi veya başka bir porselen veya toprak kap ile çevrilidir.

  ana unsurları yazdı ve renkleri birbiriyle dengeleyip ayarlayarak hatalardan kaçındı.

  Pierre Bonnard bir keresinde Cézanne'ın bütün bir akşamı işte geçirebilen ve üzerindeki gücünü koruyabilen birkaç ressamdan biri olduğunu söylemişti.

  Cezanne'ın Ustalığı: Yorumlama

  Cezanne, doğayı dikkatli bir şekilde inceleyebilen, form, renk, kontrast, aydınlatma ve vurgular hakkında ilk izlenimi edinebilen ve ona sonuna kadar sadık kalan birkaç izlenimciden biriydi. Pierre Bonnard'ın yazdığı gibi: "Doğanın varlığı baştan çıkarmaya yol açar, yakınlığı yoldan saptırır ve orijinal plandan uzaklaştırır." Düşüncesini daha da geliştiriyor: “Geçenlerde gülleri önüme koyarak yazmaya çalıştım, ancak sürekli ayrıntılarla dikkatim dağıldı ve kısa süre sonra parasız kaldım. Yolumu kaybettiğimi fark ettim, zamanı işaretliyordum ve bu kadar canlı olan ilk izlenimi geri getiremedim! Bonnard devam ediyor: "Birinin doğanın etkisinden kurtulmanın bir yolunu bulması gerekiyor."

  Cezanne, natürmortlarında başarılı oldu çünkü işe başlamadan önce uzun süre doğayı inceledi ve zihninde bir resim oluşturdu. Sonra onu zihinsel olarak görerek, İngiliz ressam ve yazar John Berger'in sözleriyle "kahramanca bir öz disiplin" ile resim yapmaya başladı. Cezanne , doğayı incelerken resminin eleştirel ve nesnel bir şekilde canlanmasını izledi . John Berger şöyle yazdı: "Bunu kolaylıkla yapıyor gibiydi. Aynı kolaylıkla suda yürüyebilirsiniz.

  2*68

  

 Natürmort adım adım. BEN

  270

  269

  Şimdi yağlı boya ile natürmort yapalım. Bunu yapmak için, özellikle bu kitap için yazılmış natürmortları kullanacağız. Bir ön çizimden bitmiş bir tabloya kadar bir natürmort yaratmak için bir tür resimli rehber görevi görecekler. İlk natürmort, Cezanne'ın çalışmalarını anımsatan klasik bir kompozisyon. İkincisi yapay aydınlatma altında boyanmıştır; tartışırken camı nasıl tasvir edeceğimiz hakkında konuşacağız. Üçüncü natürmort, hızlı yazma tekniği kullanılarak tek seferde, üç saatte boyandı.

  Ön çizim (hasta 270)

  Bu çizimde, her bileşenin şekli ve konumu karakalemle işaretlenmiştir. Fotoğrafla karşılaştırdığınızda iki fark bulabilirsiniz. Ön plandaki masadaki elma şeklini ve konumunu değiştirmiştir, o zaten farklı bir elmadır. Ve arka planda, sandalyenin yanında bulunan şeftali kayboldu. Aslında, çizim asıl amacımı takip ediyor ve fotoğraf, ön plana bir elma daha koyarak ve bir şeftali ekleyerek kompozisyonu geliştirme çabalarımı yansıtıyor.

  Chiaroscuro çalışması (hasta 271)

  Bu çizimde daha fazla detay var ve natürmortun genel yapısı daha görünür. Bazı yerlerde hacim çalışılmış ve genel ışık ve gölge dengesi düşünülmüştür. Bitirdikten sonra çizim bir aerosol ile sabitlendi.

  İlk aşama

  Şekil 277 (s. 100), ilk aşamanın bitiminden sonra resmin nasıl göründüğünü gösterir. Arka plandaki kitleler, masa örtüsünün gri kısımları ve siennaya boyanmış koyu renkli masa ile başladı. İlk aşamada, meyvenin rengi üzerinde çalışmaya yardımcı olan büyük boşlukları ortadan kaldırdım.

  269-272. Modelin fotoğrafı ve bir natürmort resminin ilk üç aşaması.

  273-275. Bir gülü boyamak, bir elma ya da bir salkım üzüm yazmaktan daha zor değil. Çiçeği önce dikkatlice çizmenizde fayda var.

  271 272

  273 274 275

  273 Önce arka plan boyandı. Daha sonra şeklini değiştirmeden yaprakları koyu yeşil boyayla, çiçeğin kendisini koyu kırmızı ile boyadım.

  274. Koyu kırmızı rengin üzerine daha açık boya sürdüm ve yaprakların şeklini biraz modelledim.

  275. Son olarak yaprakların modellenmesi bitti. Önemli bir ayrıntı: Son adımda, konturları basitleştirmek ve bulanıklaştırmak için arka planı yazdığım aynı boyayı tekrar kullandım. Kullanılan boyalar: konturlar ve karanlık yerler için mum boya, kırmızı, beyaz, biraz Prusya mavisi ve yanık umber .

 

 Natürmort: adım adım. BEN

  276

  276. Bu, resmin gelişimini takip edebileceğiniz küçültülmüş bir doğa fotoğrafıdır.

  277

  277. İlk aşamadan sonra natürmort.

  278. Bu aşamada natürmortun farklı bölümlerinin rengi düzeltilir.

  Birinci aşamanın sonu: genel renk

  278

  Çizim 277, tüm bileşenler renkle gösterildiğinde, çalışmanın ilk aşamasının sonunda natürmortun nasıl göründüğünü gösterir.

  Arka planda şeftali ve ön planda başka bir elma olmadan asıl niyetime devam ediyorum. Şimdiye kadar şekilleri doğru bir şekilde temsil etmeye çalışmadım, böylece değişiklik yapabilirsiniz. Mesela gül ilk başta tomurcuktu ama sonunda onu açan bir çiçekle değiştirdim. Tabaktaki yaprakların şeklini, üzümlerin ve meyvelerin konumunu da değiştirdim. Meyve şekli daha sonra değişecektir. Bu, yapılan her şeyin geçici olduğu anlamına gelmez. Arka plan, sandalye, arkasındaki resim ve temel olarak masa örtüsü gibi detayların çoğu zaten yapıldı.

  278

  İkinci aşama: şekil ve rengin iyileştirilmesi

  Üçüncü aşama: tamamlama

  Sonunda nihai tasarımı buldum: Ön plandaki elmayı değiştirdim, arka plana bir şeftali ekledim ve tepsideki iki şeftali yerine iki elma koydum. Amaç, şekli ve özellikle rengi çeşitlendirmekti. Arka plandaki şeftali, tabaktaki iki elma ve bir dereceye kadar ön plandaki meyve gibi resmin bazı detayları çoktan bitti. Ancak Levha 279'da göreceğiniz gibi üzüm salkımı yeniden yazılacak. Bu aşamada belki de asıl tavsiye edilecek şey, tek tek ayrıntılara veya renkli noktalara takılmadan ilerlemek; yaratıcı algınızı, yorumunuzu ve genelleştirilmiş görüşünüzü keskinleştirirken hızlıca denemek ve sonra tekrar geri dönmek daha iyidir.

  Tablo büyük ölçüde tamamlandı, ancak birkaç küçük detayın hala kontrol edilmesi ve iyileştirilmesi gerekiyor: üzüm ve diğer meyveler üzerindeki vurgular, ahşap masanın rengi, masa örtüsü üzerindeki birkaç çizgi ve yansımalar. Son olarak, resim 103. sayfada gösterilen şekli alır.

  279. Bu aşamada resim neredeyse hazır. Sadece birkaç satır ve yansımalar eklenecektir.

 Natürmort: adım adım. BEN

  Süreci daha iyi anlamak için, levha 281'i (biçim ve rengin ince ayarının ikinci aşaması) masa örtüsünün sayfa kalıplama ve rengi üzerindeki natürmortun son görünümüyle karşılaştırın - kıvrımları vurgulamak için beyaz ve açık gri eklendi. Ayrıca cam ve porselen vazo çalışılmıştır . Tüm değişiklikler hem şekli hem de rengi etkiledi. Levha 279 ve 282 arasında kaydedilen ilerlemeyi dikkatlice takip edin ve son rötuşları analiz edin. Bu bölümde verilen tavsiyeleri sıkıca kavramak istiyorsanız, aynı şekilde Cezanne ve eseri hakkında bildiğiniz her şeyi hatırlayarak kendi başınıza bir natürmort çizmeye çalışın.

  280. Nihai versiyonla karşılaştırmayı kolaylaştırmak için burada çoğaltılan küçültülmüş doğa fotoğrafı. Böylece yorumlama ve genelleme sürecinin nasıl geçtiğini daha iyi anlayabilirsiniz (hasta 282).

  281.282. İkinci aşamanın sonunu (hasta 281) ve son versiyonu (hasta 282) karşılaştırın. Renk değişiminin şekli nasıl vurguladığını görün. Cam bardak ve porselen vazo daha detaylı işlenmiştir.

  280

  281

  282

  

 Natürmort: adım adım. III

  Bu sefer genel olarak yağlı boya teknikleri ve özel olarak natürmort hakkında bazı ipuçları alacaksınız. Resim iki akşam suni aydınlatma altında boyanmıştır. Her bir seans yaklaşık iki buçuk saat sürmüştür. Şekil 283'te bir doğa fotoğrafı ve bir ışık kaynağı görüyorsunuz - 100 watt'lık sıradan bir lamba. Şövale doğadan 1,5 metre uzakta duruyordu. Çalışmam bir şövale bağlı 100 watt'lık bir lambayla aydınlatılıyordu. Natürmort karanlık bir arka plana karşı cam nesnelerden oluştuğu için aydınlatma büyük önem taşır. Üç bariz noktaya odaklanalım. Birincisi, cam şeffaftır, bu nedenle arka planı ve cam nesnelerin arkasındaki nesneleri görebiliriz. İkincisi, bu durumda şekilleri bozulur. Bu bölümde çalışırken tüm bunları aklınızda bulundurun.

  283. Doğa fotoğrafçılığı

  28 4 Bu karakalem çizim, orantıları, kompozisyonu ve olay örgüsünün tuval üzerindeki yerleşimini iyileştirmeye hizmet eden birkaç ön eskizden sonra yapıldı.

  285. Hacmi, şekli ve gölgeleri çözmek için karakalemle renklendirilmiş aynı çizim. 286 287 286. Bu aşamada natürmortun arka planına ve bölümlerine boya uygulaması yapılır.

  Önce koyu zemin ve açık renkli masa (sienna) boyandı (hasta 286). Şişe hemen neredeyse tamamen hazır hale getirildi. Son natürmorta (hasta 291) baktığınızda, şişenin hacminin masadan ve elmadan sarımsı rengin vurguları ve yansımaları ile aktarıldığını göreceksiniz. Koyu arka plan, şişenin sol kenarındaki çizgiyi gizler ve kalınlığı yalnızca tahmin edilebilir. Bu aşamada cam yazılmadı ve ön planda yatan mantar kaldırıldı çünkü bu öğeler kompozisyonu gereksiz yere karmaşıklaştırdı.

  Elma ve toprak küp (res. 287) son aşamada nasıl görünecekleri (has. 291) şeklinde yazılmıştır. Çevredeki nesnelerin, kompozisyonun merkezi rolünü oynayan elmayı vurgulamaya nasıl yardımcı olduğunu görün. Bu natürmort üzerinde çalışmaya başladığımda bardağı olduğu yere koydum ama henüz beyaz tabak yoktu. Sonra ilk eskizleri yaptıktan sonra çeşitlilik için hafif bir noktaya ihtiyaç olduğunu anladım. Resim 291'de, camın alt kısmının genellikle birkaç koyu gri, açık gri ve beyaz (parlama) vuruşuyla nasıl yazıldığını görebilirsiniz. Bu , kontrast yasasına iyi bir örnektir : ışık, karanlık tarafından çevrelendiğinde daha açık görünür.

  287. Bir natürmortun dört unsuru resmedilmiştir. Elma, kompozisyonun merkezi olarak hizmet eder.

 

 Natürmort: adım adım. III

  288

  Bir natürmortun bu renkli fotoğrafları, resmin çeşitli aşamalarında benim atölyemde çekildi. Tüm önlemlere rağmen, yağlı boya tabloları yeniden üretirken istenmeyen yansımalardan kaçınmak her zaman mümkün olmuyor. Bu, özellikle fotoğrafların üst kısmında, 289 ve 290 numaralı resimlerde görülebilir. Arka plan renginin camın üstünü nasıl bozduğuna ve koyu şişede mavimsi yansımalar yaptığına dikkat edin.

  Ön planda solda bir cam kavanoz yazmak çok zor olacak gibi görünebilir. Gerçekten de üzerinde belirsiz şeffaf noktalar görünüyor, içindeki cevizler zar zor ayırt ediliyor, formlar bozuk, ışık gölgesi ve vurgular yanlış yatıyor. Ama aslında onu canlandırmak her şeyden daha zor değil ve burada özel becerilere ihtiyaç yok. Michelangelo'nun sık sık alıntılanan sözlerini hatırlayın: "Her şeyi çizin ve her şeyi kopyalayın." Başka bir deyişle, her şekli, her noktayı ve her parlamayı bağımsız bir nesne olarak dikkatlice düşünün, çevreleriyle ilişkili olarak ana hatlarını ve boyutlarını inceleyin. Bu yeterince önemsiz geliyor.

  Nihai sonuç, resim 291'de gösterilmektedir. Arka plan ve masa hafifçe vurgulanmıştır, camın üst kısmı

  289

  290

  netleştikçe cam kavanoz ve sol şişe sonuna kadar yazılır. Şişeyi dikkatlice inceleyerek hacminin nasıl aktarıldığını ve şeklinin arka planla nasıl birleştiğini göreceksiniz. Kesin olarak yerleştirilmiş birkaç koyu nokta ve bir veya iki açık, neredeyse beyaz vuruş vurguları gösterir.

  288-290. Cam görüntüsü bir genelleme görevidir. Nesnenin dokusu, kesin olarak hesaplanmış birkaç vuruşla aktarılmalıdır.

  291

  Vurgulara dikkatlice baktığınızda tamamen beyaz olmadıklarını göreceksiniz. Hemen hemen hepsi, nesnenin renginde biraz renklidir. Elmadaki vurgu beyaz, kil kavanozdaki yansıma koyu sarı ve sol gölgeli kısmındaki küçük vurgu mavimsi. Koyu şişedeki vurgular belirgin bir şekilde mavimsi iken, açık şişedekiler çok açık gri, bazıları hafif mavimsi ve diğerleri soluk koyu sarı. Neredeyse tüm konturlar, özellikle arka planda biraz bulanık.

  Muhtemelen bu alıştırmada belirlenen görevlerin aynısını çözerek bir natürmort yazmak isteyeceksiniz. Bir veya iki akşamı yapay ışık altında çalışarak geçirirseniz, bu ilginç ve ödüllendirici bir aktivite olacaktır.

  291. Bu, yapay aydınlatma altında bir natürmort üzerinde çalışmanın nihai sonucudur. Işık, gölge ve refleksleri çalışmak için çok faydalı olduğunu düşünüyorum.

 

 Natürmort: adım adım. III

  292

  Sonuç olarak, hızlı boyama tekniğini kullanarak gün ışığında bir natürmort çizeceğim: resim tek adımda gerçekleştirildi.

  Bir obje

  Basit ama çekici bir nesne seçtim: beyaz bir masa örtüsüyle kaplı, üzerinde sürahi, şişe, shot bardağı, bardak vb. bulunan yuvarlak bir masa. Yemekten sonra masa böyle görünebilir. Ayrıca masanın üzerinde bir kül tablası (kendimden bir sigara ekledim) ve bir kitap var. Bu kompozisyon, önceki iki alıştırmadan daha basittir, ancak kendi zorlukları vardır.

  İnşaat ve perspektif

  293

  295

  292 Doğa fotoğrafçılığı

  296

  293-296 Bir natürmort üzerinde çalışmak, en basit biçimlere (bir küp, bir top ve bir silindir) dayanan biçim ve perspektif oluşturma yasalarına ilişkin sağlam bir bilgi gerektirir. Burada, önceki durumlarda olduğu gibi, nesneler klasik bir forma sahiptir. Eğer kendinize güveniyorsanız ve

  Bu objelerin (bardak, tabak ve bardak) şekilleri ile kolayca başa çıkmayı umuyorsanız, renkli çalışmaya başlayabilirsiniz. Ancak şüpheleriniz varsa, tekrar tekrar bardak, tabak ve bardak çizimi yapmalısınız. Bu diyagramlar size yardımcı olacaktır.

  297

  298

  İlk aşama

  kaybedecek zaman yok. Natürmortu tek seansta tamamlamanız gerekmektedir. Hızlı çalışmanız gerekiyor, bu nedenle renkler kalın olmamalıdır. Bunu akılda tutarak, hemen büyük miktarda terebentin ile seyreltilmiş Prusya mavisi ve doğal umber ile boyuyorum. Kompozisyon, natürmort bileşenlerinin boyutunu, orantılarını ve göreli konumlarını ana hatlarıyla çizerek yaklaşık olarak çizilmelidir.

  İkinci aşama

  İlk önce boş bir tuval kaydetmeniz gerekir. Bu durumda arka planı ve grimsi masa örtüsünü boyuyorum. Beyaz, doğal umber ve Prusya mavisinden oluşan bir boya karışımı uygulamak için 24 numaralı düz fırçayı kullanıyorum.Bu aşamada sadece 12 veya 18 numaralı gibi geniş düz fırçalar ve boş olan konyak yığınının bir parçası. Kendi rengine sahip olan kitap, kül tablası ve fincanın üzeri henüz boyanmamıştır. Etiketin bazı detayları dışında konyak şişesi zaten yazılmıştır. Sıra cam yüzeyindeki vurgulara geldi. Bazı konulara daha sonra döneceğim ama şimdi arka plana daha fazla zenginlik ve çeşitlilik vermeye çalışacağım. Ancak, işin çoğu zaten aşağı yukarı yapıldı. Paleti henüz temizlemedim, herhangi bir şeyi düzeltmem gerekebilir diye üzerinde hala gri masa örtüsü karışımı var.

  297-299. Natürmort üzerinde çalışmanın üç aşamasını dikkatlice inceleyin: fırçayla kaba bir eskiz (hasta 297),

  boş bir tuval üzerinde renk alanlarının bölünmesi (resim 298) ve bir natürmortun detayları üzerinde çalışmaya başlama (hasta 299).

 Natürmort: adım adım. III

  300

  300. Tamamlanmış bir natürmort detayı. Renk ve formun sentezine dikkat edin.

  301 Natürmort tamamlandı. Hızlı, kendinden emin vuruşların nesnelerin şeklini nasıl vurguladığını görebilirsiniz.

  Üçüncü sahne

  Şimdi bir kitap, bir bardak ve bir shot bardağı ile başlıyorum. Cam için 6 ve 8 numaralı fırçaları, koyu gri için büyük bir fırça ve orta gri için küçük bir fırça kullanıyorum. Aynı anda hem yazıp hem çiziyorum. Resim doğrudan fırçanın altında şekillendiğinden, bu belirli bir kararlılık, cesaret ve özgüven gerektirir. Kaşık, tabak ve fincan sadece birkaç dakika içinde boyandı, ancak bunun için konsantre olmam ve mümkün olan en iyi şekil ve renk kombinasyonunu seçmem gerekiyordu. Tüm bunlar, bir fincan tabağı ve bir kaşıkla birlikte bir kahve fincanının büyütülmüş bir görünümde gösterildiği 300 numaralı resimde açıkça görülmektedir. Ancak elde gerçek sigara olmadığı için bir kül tablası ile sigaranın gelmesi yaklaşık yarım saat sürdü. Uzun ve dikkatli bir çalışma gerektirdi, çünkü diğer tüm nesneler basitleştirilmiş bir şekilde çizilmiş olsalar bile kolayca tanınabilir ve kül tablasının daha detaylı çizilmesi gerekir.

  Dördüncü ve son aşama

  Yapacak çok az şey kaldığında, bir hata fark ettim - yuvarlak bir masanın ana hatlarında simetri eksikliği. Şeklinin düzeltilmesi gerekiyordu ki bunu modele bakmadan yaptım çünkü bu bir simetri ve geometri meselesi. Çalışma tamamlanmadan önce bazı ince ayarlar gerekliydi. Toplam sürdüğü süre üç saat on iki dakikaydı.

  

 sanata bağlılık

  "İş yerinde ölmeye yemin ettim"

  Ağustos 1906'da, ölümünden kısa bir süre önce Cezanne, arkadaşı Emile Bernard'a şunları yazdı: "Hala doğayı inceliyorum ve bana öyle geliyor ki, çok yavaş da olsa ilerliyorum. Yalnızım, yaşlı ve hastayım ama çalışırken ölmeye yemin ettim."

  Bu delici sözler ihtişamlarıyla hayrete düşürüyor. Sadece gerçek bir dahi onları telaffuz edebilir. Ancak bir dahi her zaman doğmaz - kişi olabilir. Arthur Schopenhauer şöyle yazdı: "Bir insanın dehası, çalışma biçiminde görülebilir. Bu tür insanlar tamamen sanata kapılırlar; ilhama yer yok. Çok çalışmaya olan inancı, hayatı boyunca onu takip ediyor."

  Diğer sanatlarda olduğu gibi resimde de ancak çaba pahasına bir şeyler elde edilebilir. Gerçek zirvelere Cezanne gibi büyük ustalar ulaşır. Ancak sadece iyi bir resim, yalnızca alçakgönüllülük ve coşkuyla birleşen emekle verilir. Bunda Cezanne, Degas ("Yazmak için doğdum") veya seksen altı yaşında, ölümünden bir yıl önce Giotto'yu kopyalamaya başlayan Ingres gibi sanatçıları örnek almalıyız. Birisi ona bunu neden yaptığını sordu. Ingres'in cevabı basitti: "Öğrenmek."

  302.Paul Cezanne (1839-1906) Otoportre. Orsay Müzesi, Paris

  302

   BECERİYE GİDEN YOL

   HOMO SAPIENS

 

 HAREKETSİZ BİR HAYAT NASIL YAPILIR?

  Ustalığa Giden Yol serisindeki kitaplar yeni başlayanlar için tasarlanmıştır.

  kurşun kalem veya pastel ile çizim, yağlı boya veya sulu boya ile resim yapma konusunda ellerini deneyen sanatçılar ve deneyimli sanatçılar için. bunlar sayesinde

  Natürmort, tüm sanat okullarında ve sınıflarında her zaman favori bir tür olmuştur ve olmaya devam etmektedir, çünkü öğrenci nesneleri beğenisine göre seçebilir ve bunları herhangi bir arka plana ve düzlüğe yerleştirebilir.

  Bu kitaplardan sadece eksiksiz sanat eserleri yaratmayı öğrenmeyecek, aynı zamanda sanat tarihi ile tanışacak, büyük sanatçılar ve onların dünyaca ünlü eserleri hakkında pek çok ilginç şey öğreneceksiniz.

  kemikler, onlardan bir kompozisyon oluşturun. Ancak, bir natürmort yazmanın, sanatçının tasvir edilen nesnelerin ışık ve gölgeyi, kontrastları, renk uyumunu ve şeklini dikkatle incelemesini gerektirdiği unutulmamalıdır.

  Bu türün kökenleri hakkında kısa bir hikaye okuduktan sonra, nasıl ve neyin tasvir edilebileceğini, onlardan bir kompozisyon düzenlemek için nesneleri nasıl düzenleyeceğinizi öğrenecek, bir natürmort inşa etmenin temel kurallarını tanıyacak, nasıl yapılacağını öğreneceksiniz. Bir tuvali astarlayın, boyaları karıştırın ve bir fırça kullanın. Kitapta verilen pratik tavsiyeler ve resimlerin rehberliğinde, çeşitli çalışmalar ve tamamlanmış çalışmalar yazabileceksiniz.

 

 

 

Not: Bazen Büyük Dosyaları tarayıcı açmayabilir...İndirerek okumaya Çalışınız.

Benzer Yazılar